쉽게 풀어보는 '음악용어 메뉴판' //Four Seasons - Sherry

[나를찾아서]

음악용어 여행 01

쉽게 풀어보는 '음악용어 메뉴판'

‘따다다 단!’ 클래식 음악의 역사를 응축한 듯한 베토벤의 교향곡 5번 Op.67의 첫 소절. 베토벤은 이에 대해 “운명은 이렇게 문을 두드린다”고 제자인 쉰틀러에게 말했다고 한다. 그런데 지휘자 토스카니니는 “운명이니 뭐니 알 바 아니다. 이것은 알레그로 콘 브리오일 뿐이다.”라고 이 ‘따다다 단!’에 대해서 말했다. 작곡가가 쓴 악보 이상의 해석도 이하의 해석도 없을 뿐, 그것을 오롯이 존중해야 한다는 메시지다. 그래. 고집쟁이 할아버지 토스카니니가 옳다 치자. 괜히 거슬러서 좋을 것 없어 보이는 근엄하신 표정이다. 기꺼이 양보하듯 알레그로 콘 브리오라고 치자. 그렇다 하더라도 알레그로 콘 브리오가 뭔지는 알아야 할 것 아닌가. 마르게리타 피자처럼, 봉골레 스파게티처럼 입가에 맴도는, 어디서 많이 들어본 이탈리아어다. 클래식 음악에는, 그 작곡가가 독일 사람이든 프랑스 사람이든 영국 사람이든 이탈리아어가 깊게 스며들어 있다. 왜 그럴까.

클래식 음악에 이탈리아어가 많이 등장하는 이유는?

한 마디로 한때 모든 길이 로마로 통했기 때문이다. 음악도 마찬가지였다. 이탈리아의 수도 로마는 서양 클래식 음악이 발달하는 역사적인 선상에서 중세와 르네상스, 바로크 시대 이후까지도 음악의 중심지 자리를 내놓지 않았다. 프랑스 작곡가들의 등용문이었던 ‘로마 대상’은 원래 미술과 건축 부문만 상을 주다가 19세기에 음악 부문이 생겼는데, 로마에 유학해서 이탈리아의 바람을 쐬며 공부할 수 있는 것이 대단한 특전으로 여겨졌다. 베를리오즈, 구노, 비제, 드뷔시 등이 혜택을 입었다. ▶이탈리아 화가 로렌초 코스타가 그린 <콘서트>, 1485-1495. 이탈리아는 오랫동안 서양문화의 중심지였다

또 클래식 음악에서 이탈리아가 쥔 헤게모니는 종교적인 데서도 이유를 찾을 수 있다. 잘 알다시피 서양음악은 기독교와 함께해 왔다. 비록 종교가 없다 하더라도 작곡가들의 아우라가 배어 있는 숭고한 종교음악을 들으면 자신도 모르게 옷깃을 여미게 된다. 종교적인 면에서도 교황청이 있는 로마, 즉 이탈리아가 유럽에서 가장 문화적이고 음악적인 곳이라는 유리한 입지를 가졌다는 점을 알 수가 있다. 수적인 우세도 한 요인이다. 이탈리아는 자국 출신의 음악가들을 많이 배출했고, 많은 작곡가들이 이탈리아어를 사용했으므로 악보에도 이탈리아어 용어가 많은 것은 지극히 당연한 일이라 하겠다. 이탈리아는 최초의 오페라 발상지이기도 하다. 클래식 음악에서 예전부터 오페라나 가곡의 가사로 이탈리아어로 씌어졌고 오라토리오를 비롯한 종교음악들의 가사도 전부 라틴어 혹은 이탈리아어로 썼다가, 종교개혁 이후 서서히 코랄과 같은 자국어로 된 음악 형식도 나타나기 시작했다.

그렇다면 고전파와 낭만파를 수놓은 수많은 독일의 작곡가들은 ‘허당’이었나? 물론 아니다. 독일어를 쓰는 작곡가들의 수가 늘면서 독일어로 된 용어도 다수 생겨나게 된다. 요컨대 음악용어란 단지 작곡가가 어떤 언어를 쓰는가, 그리고 그 시대에 어떤 언어를 쓰면 많은 사람들이 작곡가의 의도를 알아볼 수 있었는가의 문제로 이탈리아어가 많을 뿐이다. 프랑스가 혁명 국가였고 전 세계에 그 힘을 떨쳤기에 정치, 경제, 외교 용어로 프랑스어를 많이 쓰는 것과 마찬가지로, 세계인의 입맛을 사로잡은 이탈리아 음식 덕에 이탈리아 레스토랑의 메뉴판에서 생소한 이탈리아어를 읽고 있는 것과 마찬가지로, 클래식 음악 애호가로 향하는 길모퉁이에는 늘 교통 표지판처럼 이탈리아어가 눈에 띄게 마련이다.

피자, 파스타 메뉴판을 읽듯이 음악용어도 쉽게 읽을 수 있다!

다시 이야기를 “알레그로 콘 브리오일 뿐이다!”로 돌리자. 토스카니니가 아무리 뭐라 해도 나는 교향곡 5번에 붙은 ‘운명’이라는 이 표제 아닌 표제가 참 좋다. 뭔가에 얻어맞은 듯 정신을 바짝 차리게 된다. 해이해지고 될 대로 되라던 풀어진 나사 같던 마음을 닦고 조인다. 거기에 기름을 치고 긴장감을 다시 북돋우는 훌륭한 음악이다. ▶이탈리아 음식 메뉴판 읽듯이 클래식음악 용어도 친근하게 느껴보자.

베토벤 교향곡 5번에는 암흑에서 광명으로 나아간다는 직선적이고 발전적인 서구의 세계관이 단순하지 않게, 함축적으로 제시돼 있다. 영화 ‘영어 완전정복’의 주인공이 된 기분으로 베토벤 교향곡 5번 Op.67(‘작품 육십칠’로 읽는다)의 ‘이탈리아어 완전정복(까지는 아니더라도 맛보기라도 어디인가)’에 첫 걸음을 떼어보자.

1악장, 알레그로 콘 브리오(Allegro con brio)

알레그로(Allegro)는 ‘빠르고 경쾌하게’라는 뜻이고 콘 브리오(con brio)는 ‘기운차고 활발하게’라는 뜻이다. 결국 ‘운명’ 1악장은 빠르고 경쾌하고 기운차고 활발하게 연주되어야 한다는 얘기다.

2악장 안단테 콘 모토(Andante con moto)

안단테(Andante)는 느리게 연주하라는 말이다. 모데라토와 아다지오의 중간 속도로, 걷는 정도의 속도라고 할 수 있다. 콘 모토(con moto)는 ‘생생하게’ 또는 ‘움직임을 가지고 약간 빠르게’ 연주하라는 말이다. 결국 안단테 콘 모토는 안단테보다는 조금 빠르게, 활기 있게 연주하라는 지시어다.

3악장 알레그로(Allegro), 4악장 알레그로

앞서 1악장에서 설명이 됐다. 빠르고 경쾌하게.

자, 이제는 베토벤 이후에 위대한 교향곡을 쓴 작곡가들의 작품을 살펴보자. 다음은 프란츠 슈베르트의 마지막 교향곡 9번 그레이트 D(도이치 번호)944의 악장들이다.

1악장 안단테 ; 알레그로 마 논 트로포(Andante ; Allegro ma non troppo)

안단테는 이미 언급했듯 ‘느리게’, 그리고 알레그로 마 논 트로포는 ‘빠르지만 지나치게 빨라선 안 된다’는 뜻이다.

2악장 안단테 콘 모토(Andante con moto)

‘운명’ 2악장과 같은 뜻이다.

3악장 스케르초 : 알레그로 비바체(Scherzo : Allegro vivace)

스케르초(Scherzo)는 ‘익살스럽고 해학적이고 분방한’ 등의 뜻을 갖고 있다. 알레그로 비바체(Allegro vivace)는 ‘빠르고 생기 있게’ 연주하란 뜻이다.

4악장 피날레 : 알레그로 비바체(Finale : Allegro vivace)

피날레(Finale)는 음악에서 한 악장의 마지막에 붙는 ‘종곡’을 의미한다.

이어지는 작곡가는 역시 베토벤의 후계자로 불린 요하네스 브람스이다. 지휘자 한스 폰 뷜로는 브람스 교향곡 1번에 대해 “베토벤 교향곡 9번 ‘합창’을 잇는, 베토벤의 10번 교향곡”이라고 한 말은 유명하다. 브람스의 음악은 북독일 출신답게 우리나라 늦가을과 초겨울의 정취와 잘 어울린다. 다음은 브람스 교향곡 1번 Op.68의 악장들이다.

1악장 운 포코 소스테누토 알레그로(Un poco sostenuto Allegro)

운 포코(Un poco)는 악보에서 ‘작게 연주하라’ 는 뜻이다. 소스테누토는 영어의 sustain(유지하다)과 마찬가지로 ‘소리를 충분히 끌면서 음을 그대로 지니고 연주’ 하라는 뜻이다. 그리고 빠르고 경쾌한 알레그로로 이어진다.

2악장 안단테 소스테누토(Andante sostenuto)

느리고 서정적인 분위기를 계속 유지하는 2악장이다.

3악장 운 포코 알레그레토 에 그라치오소(Un poco Allegretto e grazioso)

긴 이탈리아어 조합이 나왔다. 그러나 거의 다 위에 언급한 내용이다. 작게 연주하는 운 포코 다음의 알레그레토(Allegretto)는 ‘조금 빠르게’ 연주하란 말이다. 즉 알레그로보다는 조금 느린 정도다(그럼 안단티노는 뭘까? 조금 느리게다. 안단테보다 조금 빠르게 연주하란 말이다. 하나를 배우면 둘을 안다!). 에(e)는 그리고(영어의 and)이고 그라치오소(grazioso)는 ‘우아하고 장엄하게’ 연주하란 뜻이다. 곡의 악장을 떠나 그라치오소는 참 멋진 말이다.

4악장 아다지오-피우 안단테-알레그로 논 트로포, 마 콘 브리오(Adagio-Piu Andante-Allegro non troppo, ma con brio)

아다지오는 느리게 연주하는데, 그 느림의 정도는 안단테와 라르고(아주 느리게) 사이에 위치한다. 피우(piu)는 ‘더’ ‘더욱’의 뜻이다. 따라서 피우 안단테는 ‘안단테보다 좀 더 느리게’, 알레그로 논 트로포는 ‘지나치지 않으면서 빠르게’ 연주하는 것이며, 마 콘 브리오는 ‘그러나 기운차고 활발하게’ 연주하란 뜻이다.

클래식 음악을 감상하다 보면 음악용어도 메뉴판처럼 익숙해진다

클래식 음악을 감상하는 데 진입 장벽으로 작용하는 것들이 몇 가지 있지만 그 가운데 하나가 용어다. 영어에는 익숙하더라도 이탈리아어는 상대적으로 생소하게 다가온다. 그러나 클래식 음악을 감상할수록 이탈리아어 용어들은 피자의 메뉴처럼 익숙해질 것이다. 베토벤과 슈베르트, 브람스, 오스트리아와 독일의 고전 낭만 작곡가들의 기둥처럼 우뚝 서 있는 교향곡들에서 우리는 뿌리 깊은 클래식 음악의 오래 통용된 화폐 같은 이탈리아어를 발견한다. 클래식 음악 애호가, 특히 이탈리아 벨 칸토나 베리즈모 오페라 애호가들은 이탈리아 축구에 남달리 열광하기도 한다. 2002 월드컵 이탈리아전에서도 비에리의 첫 골에 환호를 보낼 정도였다고 한다(이건 거짓말이지만 다른 나라와 일전을 펼칠 때는 이탈리아를 응원했다). 계절이 바뀌려 한다. 위에 언급한 그라치오소(Grazioso)같이 우아하고 장엄하고 품위 있게 가을을 정리하고 새로운 계절을 맞이할 준비를 해야겠다. 이번 시간에는 클래식 음악 용어라는 바다에 잠깐 손을 담가 보았다. 짠 맛이 뇌리에 남는다. 클래식 음악용어 여행은 다음 편으로 이어진다. [네이버캐스트 2009.11.06]

음악용어 여행 02

생활 속에 녹아 있는 클래식 용어

김 과장은 매일 ‘음정의 반올림(#, the sharp)’이라는 이름의 아파트에서 ‘보통 3악장으로 된 기악곡 양식(sonata)’이란 차를 몰고 출근한다. 그는 ‘대지휘자(maestro)’라는 양복을 입고 있다. 한편 박 대리는 ‘강하게(forte)’라는 차를 타고 ‘노래하듯이(cantabile)’란 아파트로 퇴근한다. 그녀의 차에는 마시다 남긴 ‘바로크 시대 성악곡 양식(cantata)’이란 캔커피가 놓여 있다.

김 과장이 타고다니는 차 ‘소나타’는 무슨 뜻일까?

생활 속에 녹아 있는 음악용어는 음악이 주는 무한한 매력과 관계가 있다. 보이지도 않고 잡히지도 않는 음악이지만, 귓가에 들려온 숭고하거나 멋지고 아름다운 경험은 영원으로 이어질 만큼의 힘을 가지고 있는 것이다. 음악용어는 의사소통을 위한 언어이다. 그렇기에 늘 주고받는 지폐처럼 확고한 약속을 바탕으로 한다. 음악을 전공하지 않은 애호가가 음악용어라는 ‘낯선 지폐’와 맞닥뜨리게 될 경우는 주로 연주리뷰나 음반 해설지 등에서 음악에 관한 정보를 접할 때가 아닐까 한다. 이번 ‘음악용어 여행’에서는 그러한 낯선 기분을 느낄 때를 직접적인 예를 들어 살펴보기로 한다. 본문에 인용한 지문은 필자가 쓰거나 번역한 글 중에서 골랐다.

1. 소나타

소나타 형식(sonata form)은 두 가지가 있다. 곡의 형식과 악식상의 용어가 그것이다. 일단 곡의 형식으로서의 소나타는 고전파 음악 시대부터 광범위하게 사용된 형식이다. 소나타라는 명칭이 붙은 곡은 16세기 중엽에 출현한 이래 오늘날까지 수없이 작곡되어 왔으나 형식과 내용은 천차만별이다. 예를 들면 바로크 시대에 애호되었던 ‘교회 소나타’와 고전파의 소나타 사이에는 형식상의 공통점은 하나도 없다. 또 피아노를 위한 소나타일지라도 작곡가에 따라 그 구조도 아주 다르게 나타난다. 사실 소나타는 이탈리아어의 ‘Sonare’(울린다 또는 연주한다는 뜻)라고 하는 추상적인 말에서 연유했을 뿐 어떤 구체적인 양식이라든가 구조를 가리키는 것이 아니다. [위 사진] 소나타, 포르테, 액센트처럼 자동차명에도 음악용어가 흔히 쓰인다.

악식상의 용어로 쓰이는 소나타는 특정 구조를 가진 음악적 형식을 뜻한다. 제시부, 전개부, 재현부의 세 부분으로 구성되는 형식을 말하며 보통 교향곡, 실내악 등의 1악장은 대부분 소나타 형식으로 되어 있다. ‘제1악장 형식’ 또는 ‘소나타 알레그로 형식’ 이라고 불려지듯이 1악장은 원칙적으로 소나타 형식으로 씌어진다. 그러나 느린 악장이나 마지막 악장에도 곧잘 사용된다.

2. 론도

소나타와 더불어 론도(Rondo)도 우리가 자주 접하는 음악용어다. 론도는 소나타 형식과도 밀접한 관계가 있다. 론도는 어떤 주제가 여러 번 반복되는 동안에 그 사이사이에 이와 대조되는 제 2주제를 끼워서 연주하는 형식이다. 즉 A-B-A-C-A-B-A와 같이 A주제 사이에 B,C의 에피소드를 넣는 형식을 가진다. 때때로 고전파의 소나타, 교향곡, 협주곡 등 비르투오소적이며 밝고 화사한 종악장으로 쓰였다. 대부분 론도의 주제는 흐르는 듯한 가벼움과 쾌활한 성격을 가지고 있고 알레그로(빠르게) 템포로 되어 있다. ‘론도 형식’으로 작곡된 곡을 그냥 론도라고도 한다. 론도는 비르투오소적인 종악장에 종종 사용되었다고 언급했다. 그러면 비르투오소는 무슨 뜻일까?

3. 비르투오소

"슈베르트는 슈스터를 위해 아르페지오네 소나타를 작곡했는데, 슈스터는 아르페지오네의 비르투오소였어요. 그러므로 화려한 면도 배려를 해야 하죠. 이 곡의 악보가 처음 출판됐을 때 아르페지오네와 첼로 악보가 함께 나왔습니다. 결국 첼로와 가장 가까운 악기였다는 것이 당시에도 받아들여졌다는 얘기가 됩니다." - 첼리스트 양성원 인터뷰 중

▶비르투오소는 심오하고 현란한 연주 기교를 선보이는 연주자를 뜻하는 말이다.19세기 천재 바이올리니스트 파가니니는 '악마의 연주자'라고 불릴 만큼 천재적인 연주 기교를 선보인 연주자였다.

연주가를 설명할 때 비르투오소(virtuoso)라는 말이 많이 나온다. 이 말은 본래는 ‘덕(virtue)이 있다’는 뜻. 그리고 지식이 많은 학자와 기교(테크닉)가 뛰어난 연주가를 모두 지칭했었지만 지금은 장인적인 테크닉과 더불어 심오한 예술성을 겸비한 연주가를 말한다.

비르투오소가 발휘하는 묘기를 ‘비르투오시티(virtuosity)’*라 하는데 이 역시 리뷰에서 종종 쓰인다. 협주곡의 카덴차 부분은 연주자의 화려한 기교가 맘껏 발휘되는 부분이다. 그럼 카덴차는 무슨 뜻일까? 다음의 예문을 읽어보자.

4. 카덴차

“형용하기 힘든 그윽하고 우아한 고음이 허공에 감돌았다. 1악장에서 마치 들뜬 것처럼 약간 음정이 올라간 상태로 튜닝됐던 것과 카덴차에서의 사소한 미스를 제외하면 즈나이더의 연주는 너무나 익숙한 이 곡에 또 다른 개성 있는 지평을 마련해 주었다. 힘을 뺀 절제와 허를 찌르는 날렵함이 있었던 차이코프스키였다.” - 즈나이더 협연 워싱턴 내셔널 심포니 내한공연 리뷰 중

카덴차(cadenza)는 화려한 기교가 요구되는 자유로운 무반주 부분으로, 카덴차 디 브라부라(숙련의 카덴차), 카덴차 피오리투라(개화의 카덴차)의 줄임말이다. 기악곡에서는 보통 협주곡의 1악장 및 종악장에, 독창곡에서는 콜로라투라의 아리아에 들어 있다. 오늘날에는 같은 곡이라 해도 작곡가나 후대의 대연주가가 남긴 여러 가지 카덴차를 연주자 임의로 선택해 연주하고 있다.

5. 아고긱

“첼리스트 오프라 하노이의 연주는 엄격하기보다는 따스하다. 향수 어린 분위기를 담은 독특한 서정미가 특색이다. 그녀는 아름다운 음을 풍부한 음악성으로 표현하는 연주가다. 연주 양식은 직선적이 아니라 아고긱을 많이 사용하는 분위기 있는 것이어서 독특한 색채가 감돈다.” - 오프라 하노이 음반 리뷰 중

아고긱(agogic) 혹은 아고긱스는 연주를 하는 데 있어서의 템포(속도) 표현법을 말한다. 속도 변화에 따른 표정을 의미하는 그리스어 ‘agoge’에서 유래했다. 연주할 때 엄격한 템포와 리듬에 미묘한 변화를 붙여서 색채감을 풍부하게 하는 방법을 말한다. 아고긱을 잘 쓰면 기계적이지 않고 살아 있는 연주를 만들어낼 수 있다. 랄렌탄도(rallentando, 점점 느리게), 아첼레란도(accelerando 점점 빠르게), 템포 루바토(tempo rubato, 템포를 자유롭게 가감하여 연주) 등이 있다. 특히 템포 루바토의 원뜻은 ‘도둑맞은 템포’인데, 연주자가 정확한 박자에 얽매이지 않고 개성을 표출할 수 있으므로 매우 중요하다. 특히 쇼팽의 음악에서 템포 루바토의 사용이 두드러진다.

6. 라이트모티프

음악용어 중 재미 있는 것 중 하나는 라이트모티프(leitmotiv)다. 라이트모티프는 바그너 음악에서 자주 발견되는데 현재는 드라마와 영화에서 ‘수퍼맨의 테마’ ‘영서의 테마’ 같은 테마 음악으로 자주 쓰인다. 다음의 예문을 살펴보자.

▶라이트모티프란 음악을 통해 인물, 상황, 장면을 표현하는 음악적 모티프를 일컫는다. 영화나 드라마 속 특정 상황마다 흘러나오는 반복적인 선율을 생각하면 된다. 할리우드 영화에서 많이 쓰이는 작곡 방식이다.

“바그너 101 토크에서 음악감독인 제임스 콘론은 공들여 자신의 음악에 대한 열정과 디테일을 듣는 귀, 그리고 각각의 라이트모티프에 불어넣은 자신의 의도에 대해서 정성들여 설명했다. 바그너가 스코어에 써넣은 것에 생명을 부여하고 사운드를 조각해서 거의 육화시킨 상태로 빚어내리라 선언했다. 유감스럽게도 그 뒤의 현실은 그것이 단지 말에 지나지 않았음을 확인시켜주었을 뿐이다. - 2009년 2월 LA 바그너 오페라 <라인의 황금> 리뷰 중에서

여기서 라이트모티프란 바그너 후기 악극에서 두드러지게 나타나는 기본적인 작곡기법을 말한다. 음악의 모티프(동기)에 의해서 어떤 인물이나 장면, 생각 등을 표현하는 것이다. 그 모티프를 들으면 자동적으로 그 인물이 떠오르게 되는 셈이다. 라이트모티프는 그 장면의 성격에 따라 리듬이나 음정 등이 자유롭게 변형된다.

7. 프레이징

“두다멜 지휘, 시몬 볼리바르 오케스트라의 베토벤 교향곡 5번 ‘운명’과 7번을 담은 음반은 과거 크리스티안 틸레만이 필하모니아 오케스트라를 이끌고 같은 곡들을 연주해 담은 DG 음반 이상으로 선풍적인 관심을 끌어 모았다. 상쾌한 프레이징과 고급스런 음색, 강렬한 다이내미즘과 치밀한 앙상블, 특히 교향곡 7번에서의 비상하는 듯 자유롭고 탁 트인 해방감은 듣는 이로 하여금 연주하는 이들이 16세에서 20세 사이의 청소년들이란 사실을 믿을 수 없도록 만들었다.” - 시몬 볼리바르 오케스트라 공연 프리뷰 중

위 예문에서 프레이즈(phrase, 악구)란 선율선의 자연스런 구분을 말한다. 짧은 프레이즈는 ‘어구’에 해당되며, 긴 프레이즈는 ‘문장’ 단위로 볼 수 있다. 이러한 프레이즈를 나누는 방법, 표현하고 해석하는 과정 자체가 바로 프레이징이다. 곡의 해석상 프레이징은 미세한 것이긴 하나 매우 중요하다. 언어에 있어서 “바둑이가 방에 들어갔다”를 “바둑이 가방에 들어갔다”로 구분하면 틀린 것이 되듯이 음악도 어느 부분에서 잘 매듭을 짓고 넘어가느냐가 중요하다. 프레이징은 아티큘레이션과 불가분의 관계를 가지고 있다. 다음의 리처드 용재 오닐의 인터뷰 중 한 장면을 살펴보자.

8. 아티큘레이션

“현재 우리는 바로크 음악에 대해 50년 전보다 훨씬 많은 것을 알고 있으며 바로크 음악의 아름다움을 함께 나누는 훌륭한 앙상블도 많이 존재한다. 제미니아니의 논문을 통해 꾸밈음이나 박자의 서열, 아티큘레이션의 법칙, 통주저음의 해석 등을 이해하게 되며 많은 것을 배웠다.” - 리처드 용재 오닐 인터뷰 중에서

▶띄어쓰기가 '바둑이가 방에' '바둑이 가방에'처럼 문장의 의미를 구분하듯 음악의 프레이징은 악구를 나누어 선율을 만들어가는 방식을 뜻한다.

한 문장을 살펴볼 때 단어들 사이의 띄어쓰기가 중요한 것처럼 프레이징 또한 아티큘레이션(articulation)과 불가분의 관계를 가지고 있다. 아티큘레이션은 한 음 또는 여러 음을 결합하거나 분리하는 것 등 효과적으로 연주하기 위한 여러 가지 ‘방법’을 정의한 용어로, 음악의 표현을 규정한다.

기본적인 아티큘레이션의 종류로는 레가토(legato, 둘 이상의 음을 부드럽게 이어 연주), 스타카토(staccato, 한 음 한 음 또렷이 끊어 연주), 포르타멘토(Portamento, 한 음에서 다른 음으로 옮겨갈 때 미끄러지듯이 연주), 글리산도(glissando, 높이가 다른 두 음 을 계속해서 연주하며 첫 음에서 다음 음으로 진행할 때 두 음 간에 잠재하는 모든 음을 거쳐 미끄러지듯이 끝까지 이르는 주법), 마르카토(marcato, 음 하나 하나를 명확히 강조하여 또렷이 나타냄) 등을 들 수 있다.

지금까지 실제 예를 들어가며 음악용어를 찾아보았다. 부담스럽고 생소한 용어들, 그리고 말로는 뚜렷하게 설명하기 힘든 부분이 많다는 걸 느끼셨을 것이다. 말로써 힘든 부분도 계속 음악을 들으면서 접하다보면 무릎을 탁 치게 될지도 모른다. 음악 애호가의 길에서 만나는 음악용어는 ‘장기전’의 대상이다. 용어는 이해를 돕기 위해 존재한다는 점을 상기하고 그들과 친구가 된다면, 처음에는 이름 모를 나라의 지폐 같았던 음악용어들이 어느덧 크기와 색깔만으로도 단번에 알아볼 수 있을 때가 다가올 것이다.

오늘 배운 음악용어를 복습해봅시다.

비르투오소 : 장인적인 테크닉과 더불어 심오한 예술성을 겸비한 연주가

소나타 : 제시부, 전개부, 재현부의 세 부분으로 구성되는 형식

아고긱 : 템포와 리듬에 미묘한 변화를 붙여서 색채감을 풍부하게 하는 연주 방법

랄렌탄도 : 점점 느리게

아첼레란도 : 점점 빠르게

템포 루바토 : 템포를 자유롭게 가감하여 연주하는 방식

카덴차 : 협주곡의 마지막 종지부에서 화려한 기교가 요구되는 자유로운 무반주 부분

론도 : 음악의 주제가 삽입부를 사이에 두고 반복하여 나타나는 형식

라이트모티프 : 음악의 모티프(동기)에 의해서 어떤 인물이나 장면, 생각 등을 표현하는 것

프레이징 : 선율을 만들기 위해 선율선을 자연스럽게 매듭짓는 방식

레가토 : 둘 이상의 음을 부드럽게 이어 연주

스타카토 : 한 음 한 음 또렷이 끊어 연주

포르타멘토 : 한 음에서 다른 음으로 옮겨갈 때 미끄러지듯이 연주

글리산도 : 높이가 다른 두 음을 계속해서 연주 중 첫 음에서 다음 음으로 진행할 때 모든 음을 거쳐서

끝의 음에 이르는 주법

마르카토 : 음 하나 하나를 강조하여 또렷이 나타내는 방식

[네이버캐스트 2009.11.27]

*전에도 어디선가 언급한 적 있지만, ‘비루투오시티’는 영어 ‘virtuosity’[v3:rtʃuɑ:səti]를 이탈리아어처럼 읽은 것입니다. 이탈리아어로는 ‘비르투오시타(virtuosita)’. ‘비르투오시티’는 일본인들이 영어 virtuosity를 ‘ビルトオシティ’라 한 것을 번역 과정에서 그대로 옮겨 쓴 듯합니다.

음악용어 여행 03

곡 제목에 붙는 알파벳은 무슨 뜻?

글꼴과 색깔 다른 작곡가의 명함읽기

R군(22세)은 대형 음반 매장에서 아르바이트를 하고 있다. 군대 가기 전까지 대학을 휴학하고 뭐 할까 고민하다가 워낙 음악을 좋아해서 선택한 일이 바로 음반 큐레이터 일이다. 온갖 프로그레시브 록, 헤비메탈과 포크를 두루 섭렵한 R군의 음반 추천 안목이 워낙 좋아 벌써 단골손님들도 하나둘 생기고 있는 중이다. 그런데 요즘 R군은 매장 안에서 따로 나뉘어 있는 클래식 음반 코너를 기웃거리고 있다. 클래식 음악 담당 큐레이터는 네 살 연상의 H양. H양은 본인이 음악을 좋아하는데다가 아버지가 소문난 음악 애호가다. 어려서부터 좋은 클래식 음반을 두루 들어온 ‘젊은 고수’로 통하는 보기 드문 케이스다. 게다가 예쁘기까지(!) 하다.

R군은 H양을 처음 보는 순간부터 가슴이 두근거렸다. 그녀가 가끔씩 크게 웃을 때 짓는 미소는 너무나 아름다워서 꿈에도 여러 번 나왔다. 처음에는 말도 못 붙이던 R군은 한 달이 지난 요즘은 음악을 핑계로 H양에게 자주 말을 건다. H양은 친절하고 박식했다. 쉬운 말로 설명해주는 H양 덕분에 클래식 음악도 듣기 시작했다. 손님이 없어 한가한 오후, R군이 또 말을 건넨다.

작품번호 Op.와 No.

“누나, 쇼팽의 ‘겨울바람’이라는 게 어떤 곡이에요? 그 음반 좀 찾아주세요.”

“그 곡은 쇼팽이 작곡한 <에튀드> 중에 있어. 에튀드는 ‘연습곡’이란 뜻인데, 어디 보자. 요새 인기 있는 머레이 페라이어가 연주한 에튀드 음반이야.”

“이 중에서 어떤 곡이 ‘겨울바람’이죠?”

“작품 25 중에 11번이야.”

“이 음반엔 작품이란 말도 없고 몇 번이란 말도 안 써 있는 것 같아요.”

“Op.25 No.11이 그 곡이지. Op.25는 오푸스 25 또는 작품 25라고 읽으면 되고, No.11은 11번이라 읽으면 된단다.”

▶쇼팽의 에튀드 음반에 OPUS 10, OPUS 25(붉은색 사각형 부분)이라고 적혀 있다. 작품번호를 뜻한다.

“클래식 음반에 Op.와 No.가 하도 많이 씌어 있어서 무슨 뜻인가 했더니 그런 의미였군요.”

“쇼팽은 연습곡을 두 번 출판했어. 한 번은 Op.10으로, 두 번째는 Op.25로 출판했지. 그것을 구분하기 위한 것이라고 보면 된단다.”

“그렇군요. Op.는 작품을 뜻하고 No.는 번호를 뜻하는군요. 알파벳 기호가 복잡하네요. 이번엔 바흐 음반도 한 장만 추천해주세요.”

“아, 그래? 잠깐만 기다려봐. 바흐 작품 중에 제일 재밌게 들을 수 있을 만한 게 뭐가 있을까.”

바흐 작품번호 BWV와

헨델 작품번호 HWV

한참 음반을 고르던 H양은 한 장의 음반을 건넨다. 글렌 굴드가 연주한 바흐 <골드베르크 변주곡> 음반이다. R군은 음반 재킷을 살펴보다가 묻는다.

▶글렌 굴드가 연주하는 바흐의 <골드베르크 변주곡> 음반엔 BWV 988(붉은색 사각형 부분)이라고 적혀 있다.

“그런데 여기에 BMW 988이라고 적힌 것은 무슨 뜻인가요? 글렌 굴드란 피아니스트가 독일차를 탔나요?”

“아, 그거? 호호호. 그 알파벳은 BMW가 아니고 BWV야” H양은 웃으며 대답했다.

“BWV? BWV라는 게 뭔가요?”

“바흐 작품번호를 말하는 거야. 볼프강 슈미더라는 독일의 음악학자가 정리한 바흐 작품목록의 약자인 BWV를 쓴 거란다. 바흐 베르케 페어차이히니스(Bach Werke Verzeichnis)라고 하지. 모두 1120개나 있단다.”

“아하, 그렇구나. 1000개가 넘다니 엄청나네요.”

문득 생각난 듯이 R군이 말했다. R군은 바흐의 B가 BWV면 헨델의 H도 같은 경우가 아닐까라고 생각했다.

“그럼 HWV는 헨델 작품번호인가요?”

“어떻게 알았어? 맞아. 헨델 베르케 페어차이히니스(Handel Werke Verzeichnis)의 약자고 헨델의 작품번호를 말하지.”

모차르트 작품번호 K와 슈베르트의 D

“그럼 모차르트 작품번호는 MWV겠죠?”

“아니, 그건 아니야. 모차르트 작품번호는 쾨헬이야. 19세기 오스트리아의 식물학자이자 광물학자였던 모차르트 연구가 루트비히 폰 쾨헬의 이니셜을 딴 것이지. 쾨헬은 총 626곡의 모차르트 작품을 연대순으로 정리해 번호를 붙였지. K는 종종 ‘쾨헬 작품목록’이라는 의미의 이니셜을 따서 KV로 표기되기도 한단다.”

R군은 쾨헬이라는 단어가 어딘가 익숙하게 들렸다. 어디에서 들었던 말 같았다. 곰곰이 생각하던 R군은 무릎을 치며 말했다.

“쾨헬? 그거 옛날에 우리 집에 있던 오디오 이름이었어요. 그게 모차르트 연구가의 이름이었군요?”

“그래. 유명 작곡가의 작품번호는 대개 그 작곡가를 연구하고 작품을 분류하는 데 애쓴 음악학자의 이름을 따는 경우가 많지. 여기 이 CD를 봐. 슈베르트의 가곡 <겨울 나그네>인데 D911이라 붙어 있지? 슈베르트의 작품번호는 D로 표기하고 도이치 번호라고 읽어. 슈베르트의 권위자 오토 에리히 도이치의 이름을 딴 것이지. 도이치는 총 998개의 슈베르트 작품에 연대기 순으로 작품번호를 매겼어. 잠깐 이리 와봐. 다른 것도 보여줄게.”

하이든의 작품번호 Hob

H양은 음반 진열대로 걸음을 옮겨 H로 시작하는 음반 진열장 앞에서 멈췄다. 올해는 하이든 서거 200주년이라 하이든 관련 음반들이 많이 나와 있었다. R군이 받아든 음반은 하이든의 교향곡 45번 ‘고별' 음반이었다. 그 음반엔 Hob.1/45라고 씌어 있었다.

▶하이든의 호보켄 번호 Hob와 슈베르트의 도이치 번호 D(붉은색 사각형 부분)가 보이는 피아니스트 키신의 음반 재킷.

“하이든 작품번호는 뭘까?”

“홉? 호브? 에이치오비? 이건 어떻게 읽는 거예요?”

“호보켄이라고 읽어. 하이든의 작품에는 통상적으로 호보켄이라는 번호가 붙어. 네덜란드의 안토니 판 호보켄(Anthony van Hoboken)이라는 사람이 1857년과 1871년에 하이든의 음악을 정리했지. 호보켄은 유명 작곡가들의 자필악보를 사진으로 촬영해 방대한 양의 자료실을 만들어 운영했는데, 특별히 말년에는 하이든의 작품목록을 정리한 것으로 유명해.”

R군은 하이든의 다른 음반들도 천천히 살펴보았다. 그러다가 이상한 점을 하나 발견했다. 숫자와 기호 사이에 슬래시 기호나, 로마 숫자 표기 등이 적혀 있었다. 다른 작곡가의 번호 표기 형식과는 어딘가 달라보였고 더 복잡해 보였다.

“이 번호는 좀 다르네요 1/45라고 붙어 있는데.”

“호보켄 번호는 음악의 각 장르에 대해서도 분류가 되어 있지. 하이든의 교향곡 45번은 Hob.1/45 혹은 Hob1.45라고 써. 앞에 붙는 번호는 서곡은 la, 현악 4중주는 III, 협주곡은 VII 등 다양하지. 기호를 붙여서 장르를 식별하는 것이란다.”

“아하... 그렇구나. 호보켄!”

리스트의 작품번호 S

H양이 손님의 음반 계산을 돕는 사이 R군은 CD 진열장을 훑어봤다. 러시아의 명 피아니스트 스비아토슬라브 리히터가 연주한 프란츠 리스트의 피아노 협주곡 1번 음반을 집어 들었다. R군은 음반 표지에 적힌 영어와 알파벳 약자를 천천히 살펴보았다.

“Liszt piano concerto No.1이라고 쓰인 것은 이 음반이 리스트의 피아노 협주곡 1번을 담고 있다는 뜻이고, 그 옆에 S.124라고 적혀 있네요. 이게 리스트 작품번호인가요?” 음반 계산을 끝내고 H양이 돌아오며 말했다.

“이제 응용력이 생겨서 잘 아는구나. 리스트 작품번호를 의미하는 S는 ‘설’이라고 읽어. 험프리 설(Humphrey Searle)이라는 음악학자가 리스트의 곡에 작품번호를 붙였기 때문에 설(Searle)이란 이름의 첫 글자를 딴 거지. 자세히 말하면 1966년 ‘리스트의 음악(The Music of Liszt)’이라는 목록에 기초한 거야. 거기에 샤론 윙클호퍼와 레슬리 하워드라는 사람이 좀 더 연구를 덧붙여서 완성이 됐지. 험프리 설은 1915년에 태어난 영국의 작곡가인데 베베른의 제자이기도 했어. 피아니스트 리히터를 좋아하니?”

“아직 연주는 많이 못 들어봤지만 피아니스트 중에는 리히터, 호로비츠, 아르헤리치는 연주 스타일이 독특해서 마음에 남는 것 같아요.”

“호로비츠 좋아하면 이 음반도 들어봤겠구나. 이번엔 이 음반을 한번 살펴볼까?”

클래식 음악의 제목에 수많은 알파벳이 붙는다. 각 알파벳은 작품번호를 뜻하며 각기 고유의 의미가 있다. 그 의미를 알면 작품 식별이 훨씬 쉬워진다.

스카를라티의 작품번호 K와 L

H양이 진열대 앞에 꺼내놓은 음반은 20세기 최고의 피아니스트 블라디미르 호로비츠의 스카를라티 소나타 음반이었다.

“가만있자. 여기 보면 스카를라티 소나타에 K.380이라고도 되어 있고 L.23이라고도 나와 있네요. 쾨헬 번호가 여기 왜 또 나오죠?”

“거기서 K는 쾨헬이 아니라 커크패트릭이라고 읽는 거야. 미국의 하프시코드 연주자 랄프 커크패트릭이 1953년에 600여 곡이 넘는 스카를라티의 건반 악기 소나타를 정리하였는데 그 이름을 따 K를 붙이는 거지. 커크패트릭은 스카를라티 말고도 바흐 등 바로크 음악 해석을 참 잘한 명연주자이기도 해.”

“아, 커크패트릭이라고 읽는 거구나. 그럼 여기 L은 뭔가요?”

“L도 역시 스카를라티 작품번호야. ‘롱고’라고 읽지. 알레산드로 롱고는 이탈리아 작곡가이자 피아니스트야. 1944년 나폴리 음악원의 원장을 지낸 사람인데 1892년 나폴리에 스카를라티 협회를 설립하고, 스카를라티의 작품목록을 만들었거든. 스카를라티의 건반 소나타는 오랫동안 롱고 번호로 분류가 됐었지만 나중에 커크패트릭이 더욱 방대하고 꼼꼼하게 분류해서 요즘은 커크패트릭을 더 많이 쓴다더군. 내 얘기 듣고 있니?”

R군은 H양의 설명을 뒤로 하고 비발디의 음반을 찾고 있었다. 문득 영화 <샤인>에 나왔던 청아한 목소리의 노래가 문득 떠올랐다. 음반을 뒤적이던 R군이 CD 한 장을 집어 들고 말했다.

“아 네. 이 음반인 것 같아요. 지난번에 매장에서 틀었던 비발디 곡들이 아주 좋아서요. 그 영화 <샤인>에 나온 ‘세상에 참 평화 없어라’던가? 그 곡이 좋더라고요.”

비발디의 작품번호 RV

“비발디의 칸타타 <세상에 참 평화 없어라>(Nulla in mundo pax sincera)를 말하는 거구나? 소프라노 엠마 커크비의 목소리가 참 깨끗하고 천상의 목소리같이 느껴지는 곡이지. 누나도 아주 좋아하는 곡이야. 이제 비발디 작품번호를 공부해볼까?”

“RV.라고 적혀 있네요. 마치 자동차 용어 같아요. RV, SUV? 이건 뭐라고 읽나요?”

“그건 리용 번호라고 읽어. 안토니오 비발디의 작품 목록에 덴마크의 음악학자 피터 리용(Peter Ryom)*이란 사람이 목록을 붙여 만든 것이지. Rv는 리용 번호(Ryom Verzeichnis)의 이니셜을 딴 것이고.”

“아하, 리용 번호. 여기 비발디의 <현과 콘티누오를 위한 콘체르토 C단조>에는 Rv.120이라고 붙어 있네요.”

“그런데 비발디 작품번호는 리용 번호 말고도 여러 가지로 표기되는 것이 특징이야. 음악사전을 보면 비발디의 모든 작품이 리용 번호로 표기되어 있지 않지. 비발디의 작품을 분류하는 데는 리용 번호 외에 Op, P.(팡시에르 번호) 등 여러 가지 기호가 사용되는 경우도 많거든. 비발디의 명곡 <사계>는 잘 알지?”

“네, 봄, 여름, 가을 겨울, 다 좋아해요. 겨울은 대중음악에 사용되기도 했죠?”

“비발디의 협주곡 <사계>는 사실 <화성과 창의의 시도>라는 작품 중에서 3악장씩 첫 네 작품에 표제를 붙인 곡이거든. 조슈아 벨이 연주한 <사계> 음반의 뒷면을 보면 이렇게 나와 있지. 어디 한번 차근차근 읽어볼까?”

비발디 <사계> 음반의 뒷면 각 곡마다 비발디의 작품번호를 뜻하는 RV 번호(붉은색 사각형 부분)가 붙어 있다.

“먼저 Concerto No. 1 in E major, Op.8이라고 적힌 것은 비발디의 협주곡 작품 8 중의 1번 E장조의 곡이라는 것이고, 뒤에 붙은 RV 269가 리용 번호지. 리용 번호 269는 ‘봄’, 리용 번호 315는 ‘여름’, 리용 번호 293은 ‘가을’, 리용 번호 297은 ‘겨울’(붉은색 사각형 부분)로 읽으면 된단다. 비발디 곡은 바이올린과 첼로를 위한 협주곡인 <프로메테우스> P.308처럼 리용 번호가 아닌 팡시에르 번호인 P가 붙기도 하지.”

“와, 누나는 모르는 게 없는 것 같아요. 그런데 저기 유명한 단골손님 오셨네요. 저분하고 음악 이야기하면 보통 30분인데. 가봐야 할 것 같아요. 한 가지만 더 물어볼게요. 보케리니 <첼로 협주곡>에 붙은 G는 뭐라고 읽어요?

“아, 그건 제라르 번호야. 보케리니 작품을 정리한 프랑스 음악학자 이브 제라르의 이니셜이지.”

R군은 H양과 오래 얘기할 수 있어서 좋았다. 귀에 쏙쏙 들어오는 그녀의 설명에 오늘 클래식 음악에 한 걸음 더 다가선 것 같았다. 어렵게만 생각했던 작품번호는 저마다의 색깔과 글꼴로 한눈에 알아볼 수 있는 작곡가들의 명함같이 느껴졌다. [네이버캐스트 2009.12.18]

*덴마크의 음악학자 Peter Ryom의 표기가 ‘피터 리용’? 이리저리 찾아보니 ‘피터 리옴’ ‘피터 리옹’ ‘페터 리옴’ 등 갖가지인데 덴마크어 원래 발음과 표기가 궁금하군요. 덴마크어는 발음하기가 무척 까다롭다고 하는데요, 대충 알아본 바로는 ‘페터 뤼옴’ 또는 ‘페터 룜’이 아닐까 싶네요. 하여튼 ‘피터 리용’은 아닙니다..

글 류태형(음악칼럼니스트) 객석 편집장으로 일했고 현재는 음악컬럼니스트로 활동 중이다. 신윤주 아나운서가 진행하는 KBS 클래식 FM ‘출발 FM과 함께’ 중 ‘류태형의 출발 퀴즈’ 코너로 매일 아침 청취자들과 만나고 있다. 거장들의 옛 음반과 생생한 공연의 현장이 반복되는 삶이 마치 ‘세계의 끝과 하드보일드 원더랜드’ 같다고 생각한다.

No.2133

Four Seasons

올드팝 Four Seasons의 ''Sherry' 입니다.

Frankie Valli가 주축이던 Four Seasons이 1962년에 발표한 곡 입니다.

1962년 9월 15일 빌보드 핫100차트 1위에 올라 10월 13일까지 연속 5주간 정상의 자리를

차지한 곡으로 그룹의 멤버인 Bob Gaudio가 15분만에 작곡했다고 합니다.

원래의 곡명은 재클린 케네디를 칭하는 재키(Jakie)로 했다가 이것이 테리(Terri)에서

셰리(Sherry)로 바뀌었다고 하네요....

밥 가우디오는 로얄 틴스(The Royal Teens)에서 활동하다가 당시 The Four Lovers의

리드싱어 Frank Valli와 손잡고 The Four Seasons를 결성하였죠...

이후 계속 히트곡을 발표하여 The Beach Boys와 함께 Beatles에 의해 촉발된 영국음악의

세찬 물결에도 굳건히 미국음악의 자존심을 지킨 그룹입니다.

이들의 히트곡과 차트순위(10위권 이내) 입니다.

1962년 : Sherry(1위), Big Girls Don't Cry(1위)

1963년 : Walk Like a Man(1위), Candy Girl(3위)

1964년 : Dawn (Go Away)(3위), Ronnie (6위), Rag Doll(1위)

1965년 : Let's Hang On(3위)

1966년 : Walking May Way Back to You(9위), I've Got You Under My Skin(9위),

Tell It To The Rain(10위)

1967년 : C'mon Marianne(9위)

1975년 : Who Loves You(3위), December 1963 (Oh, What a Night)(1위)

역사에서는 그다지 중요한 위치를 점하지 않지만 1960년대에는 영국의 비틀스에 맞서는

미국의 대표그룹으로 엄청난 인기를 누렸던 그룹이다.

비치 보이스(Beach Boys)에 못지 않은 낭만적 보컬 하모니와 선율을 내세워 당대

인기차트를 석권했다.

비치 보이스가 서안(west coast)을 대표했다면 동부 대표는 뉴 저지의 이들이었다.

그룹의 간판은 거의 소프라노에 가까운 음역에 매력적인 가성(假聲)을 구사한 바리톤

프랭키 밸리(Frankie Valli)였다.

1978년 공전의 히트를 기록한 영화 <그리스>에서 바로 타이틀 싱글 'Grease'를 부른

바로 그 사람이다.

할아버지에게 기타를 배워 나이트클럽에서 연주하던 토미 드비토(Tommy DeVito)가

형제 닉(Nick DeVito), 핸크 마제우스키(Hank Majewski) 그리고 프랭크 밸리와 모여

바리톤스(Varitones)란 그룹을 결성한 것은 1955년이었다.

그룹은 곧 포 러버스(Four Lovers)로 이름을 바꾸었고 1961년에 전성기를 수놓은 멤버

프랭키 밸리, 토미 드비토 그리고 탁월한 역량의 건반주자이자 작곡을 한 밥 가우디오

(Bob Gaudio)와 닉 매시(Nick Massi) 등 4인조체제가 굳어졌다.

1960년에 이들의 고향인 뉴 저지의 거리이름을 따서 포 시즌스로 그룹명이 정해지면서

프로듀서인 밥 크루(Bob Crewe)의 세션 일을 도와 성공의 발판을 다졌다.

이들에게 프로듀서 밥 크루와 작곡을 맡은 멤버 밥 가우디오 콤비의 역할은 절대적이었다.

모든 히트곡들을 거의 둘이 만들어냈다. 그 시작은 1962년 차트 1위에 오른 'Sherry'였다.

이 곡으로 일약 히트폭탄이 된 그들은 이후 1967년까지 5년 동안 영국 그룹의 대공세에

무관한 견고한 인기의 축을 구축, 모두 13곡의 톱10 히트곡을 배출하는 맹위를 떨쳤다.

그 중 'Big girls don't cry'(1962년) 'Walk like a man'(1963년) 'Rag Doll'(1964년)은

차트 정상을 밟았으며 역시 빼놓을 수 없는 대표작들인 'Candy girl'과 'Dawn'은 3위까지

올랐다.

이들 음악은 밝고 경쾌한 보컬하모니 속에서 흑인 R&B와 두왑(doo-wop)의 냄새가

물씬했다.

이들의 히트곡을 듣고 애초 사람들이 '흑인그룹'으로 오해한 것도 이 때문이었다.

1965년에는 베이스 닉 매시가 찰리 칼렐로(Charlie Calello)로 대체되었고 다시 그 자리는

조 롱(Joe Long)이 대신했다.

찰리 칼렐로는 그룹의 편곡자로 능력을 발휘했다. 하지만 1968년 이후는 슬럼프에 빠져

다시 톱40에 복귀하지 못한 채 잊혀져 갔으며 1971년 모타운과 계약을 체결했을 때는

프랭키와 밥 가우디오(이후에는 프로듀서)를 빼고는 모두 그룹을 떠났다.

그룹이 1975년 'Who loves you'로 다시 차트에 등장했을 때는 프랭크 외에 멤버 모두

새 얼굴이었다.

당시의 복고물결에 힘입어 프랭키의 포 시즌스는 그 해 연말에 발표한 향수를 자극한 싱글

'December, 1963(Oh what a night)'로 11년만에 차트 정상을 다시 밟았다.

이전 그룹 전성기 때도 솔로 활동으로 양다리를 걸치며 1967년 'Can't take my eyes off

you'를 히트시킨 바 있던 프랭키 밸리는 이때에도 솔로로 종횡무진, 'My eyes adores you

(1위)' ''Swearin' to god(6위)'와 같은 히트곡을 냈다.

1984년 포 시즌스는 동부 대표그룹 비치 보이스와 호흡을 맞춰 싱글 'East meets west'을

발표해 다시 이름을 밀어 올렸으나 차트에 등장하진 못했다.

기념비적인 그들의 노래 'December, 1963(Oh what a night)'는 1994년 댄스 리믹스

버전으로 다시 차트에 올라 14위를 기록했다.

멤버들은 레코드를 제작하지는 않지만 현재에 이르기까지 줄곧 클럽 공연무대를 갖고

있는 것으로 전해진다.

---

1961년 뉴저지주(州) 뉴어크에서 프랭키 밸리, 토미 드비토, 보브 가우디오, 닉 매시가

모여 결성했다.

1962년 《Sherry》를 시작으로 5년 동안 무려 25곡이 히트했다.

버라이어톤스(Varietones)라는 이름으로도 활동했으며, 포 러버스(Four Lovers)로도

알려졌다. 리드싱어 프랭키 밸리의 높은 가성으로 잘 알려졌으며, 이탈리아계 미국인의

두왑에 기반을 둔 화음 중심의 보컬 스타일을 발전시켰다.

프로듀서 보브 크루(Bob Crewe)와 함께 베이스 연주자 가우디오가 주로 작곡을 맡아

리듬앤드블루스와 로큰롤의 히트곡을 냈다.

인기순위 톱 10에 기록된 히트곡으로는 《Big Girls Don’t Cry》(1962),

《Walk Like a Man》(1963), 《Dawn (Go Away)》(1964), 《Let’s Hang On!》

(1965) 등이 있다.

3옥타브에 이르는 음역의 소유자였던 프랭키 밸리는 솔로로도 활동하여

《Can’t Take My Eyes Off of You》를 히트시키기도 했다.

1960년대 후반부터 침체기에 접어들었으나 1970년대 중반 밸리가

《My Eyes Adored You》 《Grease》 등의 싱글을 발표하여 인기순위 1위에 올랐고,

그룹은 《Who Loves You》와 《December 1963 (Oh What a Night)》가 히트하여

한때 인기를 회복하기도 했다.

1990년 로큰롤 명예의 전당 공연자(performers)' 부문에 올랐다.

Sherry

Sher-er-rry, Sherry baby
Sher-er-rry, Sherry baby

She-e-e-e-e-e-e-ry ba-a-by (Sherry baby)
She-er-rry, can you come out tonight (Come come, come out toni-i-ight)
She-e-e-e-e-e-e-ry ba-a-by (Sherry baby)
She-er-rry, can you come out tonight

(Why don´t you come out) (come out) to my twist party
(Come out) Where the bright moon shines
(Come out) We´ll dance the night away
I´m gonna make-a you mi-yi-yi-ine

She-e-e-e-e-e-e-ry ba-a-by (Sherry baby)
She-er-rry, can you come out tonight
(Come come, come out toni-i-ight)
(Come come, come out toni-i-ight)
You-oo-ooh better ask your ma-a-ma (Sherry baby)
Te-ell her everything is all right

(Why don´t you come out) (come out) with your red dress on
(Come out) Mmm, you look so fine
(Come out) Move it nice and easy
Girl, you´ll make me lose my mi-ind

She-e-e-e-e-e-e-ry ba-a-by (Sherry baby)
She-er-rry, can you come out tonight
(Come come, come out toni-i-ight)
(Come come, come out toni-i-ight)
Sherry, Sherry baby

FADE

Sherry, Sherry baby