서양 미술사 요약

[아우라]

 1.미술의 기원

    1)원시미술

오늘날 우리에게 알려진 미술작품들 중에서 가장 오래된 것은 구석기 시대, 즉 지금으로부터 약 1만5천년 전의 동굴에서 살았던 사람들에 의해 그려지고 조각된 것들이었다. 그들의 작품창작의 궁극적인 목적은 주술적인 것으로 사료된다. 창에 찔린 동물들을 보면서 동물보다 자신들의 우월감을 확인하고 공포심을 제거하여 자신 있는 사냥을 하려 했음을 짐작할 수 있다. 또한 그들은 미술속의 형상은 현실적인 것과 똑같은 힘을 가진다고 믿었으므로 다산을 기원하는 빌렌도르프의 비너스(기원전 15,000~10,000 오스트리아)를 만들기도 하였다.

원시미술은 생활 속의 미술이다. (미술이 유희의 도구가 아니라 생산, 생존, 주술의 도구였다)

 2)이집트 미술 (B.C 3500-500)

기원전 5000년경에 이집트, 인도, 중국 등지에 흐르고 있는 나일, 티그리스, 유프라테스, 인더스, 황해 등의 비옥한 유역에서 각기 거창한 문명이 싹트기 시작했다. 특히 이집트에서는 선사시대로부터 유사시대로의 생활양식의 전환이 놀라울 정도로 짧은 기간에 이루어졌다. 이집트인들의 삶과 죽음의 관계에 대한 관념 없이 이집트 미술을 이해하기란 힘들다. 그들은 사람이 죽으면 그의 영혼은 사지의 육체를 떠나 따로 삶은 누린다고 믿었다. 이러한 고대 이집트인의 사고 덕택에 이집트의 미술은 초시간적, 영속적 기능을 하게 된다.  또한 죽은 자를 위한 미술이므로 아름다움보다는 미술작품에 영원성을 담으려했다. 예로 파라오 왕이 죽은 후에도 생전과 같은 절대 권력의 소유와 승천을 돕기 위한 [피라미드]를 들 수 있다. 그리고 그들은 명확하고 완전한 묘사를 위해 특징적인 각도와 전형적인 상황을 묘사했는데, 주인은 종보다 큰 점, 좌상의 경우 두 손은 무릎위에 놓는 점, 남성의 피부색이 여성보다 검은 점, 모든 인물이 어떤 기저선상에 놓이는 점 등이 예라 할 수 있다.3000년간 지속된 이집트 미술은 비교적 정확한 부분묘사와 균형 있는 신체비례를 보이는데, 이는 그들의 질서감각과 기하학적 규칙성을 보여준다.

이집트 미술의 기능은 초시간적, 영속적 기능이다.목적은 아름다움보다 미술작품에 영원성을 담는 것이다.특징은 전형적인 상황을 묘사하며 특징적인 각도에서 그린다는 점이다.

3)메소포타미아 미술

기원전 3500년경에서 3000년에 걸친 기간에 티그리스와 유프라테스 강을 낀 비옥한 땅에서 수메르인들의 메소포타미아 문명이 태동한다. 수메르의 도시국가는 모두가 신의 소유로서 신에 의해서 통치되고 있었다. 그래서 신을 대신하고 있는 신관이 모든 국가의 행정을 통치하고 있다. 이에 영향을 받은 메소포타미아 미술은 신전을 중심으로 한 생활상을 그대로 보여주고 있다. 수메르의 조각은 건축보다 많은 양의 작품을 아직까지 남기고 있는 데 그것이 바로 돌로 된 소형 인물상군이다. 수메르의 조각가는 금속이나 나무를 재료로 하여 작품을 만드는 경우가 많았고 유연하고 부드러우며 사실적인 표현을 하였음을 알 수 있다. 이 시기의 이집트 미술가와 비교하여 훨씬 규칙에 속박되지 않음을 알 수 있다.

메소포타미아 미술은 유연하고 부드러우며 비교적 사실적이다.

4)그리스 미술 (B.C 7 - 4)

그리스 미술에서는 사물을 보는 시점이 이전의 왜곡된 방식이 아닌 올바른 방식으로 발전하여 이집트 미술에서 보이는 평면성에서 벗어나 공간감을 얻게 되었다. 공간감의 획득은 형상이나 인물 등의 모습을 사실적으로 묘사하여 설득력 있게 전달할 수 있도록 하였고, 이것을 그리스 미술의 서술적 기능(Narrative function)이라 한다.그리스 미술을 크게 전기, 후기 헬레니즘으로 나누어 설명하면 다음과 같다. 

전기 그리스미술 (B.C7 - 5)

정치적으로 안정되어 미술이 극적으로 발전하기 시작하였다. 그리고 앞서 언급한 미술의 서술적기능이 태동한 시기이다.  또한 원시적인 신들에 관한 전설이나 신화에 대하여 의심을 품기 시작함으로서 사물의 본질에 대한 관심이 증대된 시기이다. 따라서 기하학, 자연과학, 철학 등의 학문이 아울러 발전하게 되었다. 대표적인 미술로 도리아식 신전건축 양식으로 지어진 [파르테논 신전]을 들 수 있다.

후기 그리스 미술 (B.C5-4)  

펠로폰네소스 전쟁에서 아테네가 패배하여 정치적 번영이 중단되었다. 그러나 미술가들의 자유를 바탕으로 한 다양성을 후기 그리스 미술의 특징으로 들 수 있으며 대표작품으로 가냘픈 기둥에, 곡선이 가미된 기둥머리를 지닌 이오니아 양식으로 건축된 [에렉테움 신전]을 들 수 있다.   

헬레니즘 미술 (B.C4-A.D1) 

알렉산더 제국하의 미술양식을 말한다. 소아시아와, 인도국경, 이집트까지 영토 확장을 하였기 때문에 자연스럽게 동서방의 문화가 혼합되었고 제국의 위용을 과시하기 위해 화려하고 강한 인상을 주는 것이 특징이다. 예를 들어 이전의 기둥양식 보다 훨씬 강하고 화려한 인상의 코린트식 건축 양식을 들 수 있다. 또한 조화와 균형보다는 제국의 위용에 걸맞는 강렬한 극적효과, 거칠고 인상적인 효과에 주력하였다. 격렬함과 긴장감으로 충만 되어진 리시포스의 [라오콘]상은 이러한 특징을 잘 나타낸다. 대표작품으로 사모트라케섬의 [니케상], 밀로의 [비너스]를 들 수 있다.

그리스 미술은 사실적 묘사를 통해 서술적 기능을 하였다. 전기 그리스건축은 도리아식이다.[파르테논신전] 후기 그리스 건축은 이오니아식이다.[에렉테움신전] 알렉산더 제국하의 헬레니즘미술은 화려하고 강렬하다. 그리스 미술은 후반부로 갈수록 화려하고 극적으로 변한다.

5) 로마 미술

 그리스 패권을 둘러싼 알렉산더 대왕에 의한 헬레니즘 제국과 카르타고의 싸움이 치열할 무렵 이탈리아 반도에서는 작은 마을에서 출발한 로마 공화국이 그리스인들보다 정치력과 군사적으로 우세한 힘을 기르기 시작하여 마침내 그리스를 정복하기에 이른다. 로마인들의 그리스 세계정복은 평소 그리스 미술에 절대적 동경을 가지고 있던 로마인들에게 그리스의 미술을 단번에 접할 수 있는 계기가 되었고, 그들의 우수한 문화유산을 바탕으로 로마인들은 국제적 성격을 띤 미술을 전파하게 된다. 그리스와 로마 미술이 매우 유사하게 보이는 것은 로마 시대 때 활동하던 미술가들이 대부분 그리스 출신이거나 거기에서 훈련 받은 사람들이었기 때문이고, 로마인들은 그리스 시대의 미술품을 복제하거나 수집하였다. 그러나 로마인들이 그리스 미술을 그대로 복제한 것만은 아니고 그들의 필요에 따라 그리스 형식을 변형하였다. 건축 로마인들의 가장 큰 업적 중 하나로 토목공학을 얘기할 수 있다. 그들의 건축은 공중목욕탕, 도로, 수로 등을 들 수 있는데, 이렇게 거대한 건축물은 그들의 정복자로서의 자신감과 실용적 가치를 추구한 일면을 엿보게 한다. 예로 콜로세움은 로마 건축 중 가장 유명한데, 이것은 거대한 투기장으로 내부에 계단식 관람석을 받쳐 주는 아치들인 세 개의 층 각각에 로마인들은 그리스의 세 가지 건축양식(도리아, 이오니아, 코린트식)을 사용한다. 이것은 로마식 구조와 그리스 형식과의 결합을 보여주는 가장 좋은 예이고 이 후의 건축가들에게 많은 영향을 준다. 이 건축물에 실용적인 아치와 궁륭을 사용했다는 것은 로마인들의 또 다른 업적이다. 로마인들은 주로 그리스의 조각을 모방, 수집하여 그들의 화려한 저택을 치장하는 데 사용하였다. 로마의 조각은 초상 조각과 설화적 부조로 나누어 볼 수 있는데 먼저 초상 조각에서 그들은 전쟁 영웅의 두상을 신성의 지배력을 지닌 모습으로 표현, 영웅적으로 이상화하여 제작하였다. 헬레니즘 시대의 초상이 인물의 미묘하고 심리적인 묘사에 치중하였다면 로마의 초상조각은 훨씬 사실적이고, 치밀했으며 정확하고 의지력 있는 개성적 표현에 중점을 두었다. 로마인들은 그리스인보다 더 실물처럼 있는 그대로의 초상제작에 힘썼다. 설화적 부조에서는 로마의 황제들이 전쟁에서 승리한 역사적 사건을 과시하기 위한 기록으로 서의 면을 보여준다. 그리스인들이 신전의 프리즈에 새겨 넣었던 주제가 일상적인 행렬이었다면 로마인들은 일시적 사건을 다룸으로써 로마 조각가들의 예술적 의도가 기록에 있었다는 것을 보여준다. 또한 로마인들은 부조제작에 있어서 환조처럼 느껴지게 하는 깊이감 있는 작품을 제작하기도 한다.

그리스의 미술이 그대로 계승, 발전되었다. 로마인들은 실용적, 실제적 민족이므로 토목, 건축, 법률이 발달했다. 튼튼하고 아름다운 아치와 궁륭이 발명되었다.[콜로세움],[판테온신전] 콘스탄티누스 황제에 의해 기독교가 국교로 공인 될 때까지가 전기 로마미술(A.D1-3) 전기 로마미술 후 부터 서로마제국 멸망 시 까지가 후기 로마미술 이다.(A.D313-476)

2. 중세미술MIDDLE(A.D 5c - A.D 15c)

중세는 초기 500년 동안은 전쟁과 약탈, 혼란한 정치가 계속되는 일종의 암흑시기(Dark age)였다. 그리고 예술은 기독교 교리전달의 보조수단이라는 신(神) 중심의 인간관이 사회 전체를 지배하였으므로 예술에 있어서도 암흑시기였다. 중세는 초기미술과 로마네스크, 유비법 붕괴 이후의 고딕양식으로 분류된다.

1) 중세초기

미술은 단지 문맹자들에게 신의 섭리와 교리를 전달하기 위한 보조수단이라는 생각이 사회 전체를 지배했다. 그들은 신(神)적이고, 영원하며 비가시적인 것을 가시적이고 감각적인 것으로 바꾸는 데 미술의 역할이 있다고 생각하였다.그리고 미술가의 재능은 신으로부터 부여 받은 것 이므로 당연히 신에게 바쳐져야 한다고 믿었으므로 이시기의 작품들은 대부분 익명으로 제작되었다. 그리고 뚜렷이 통일된 하나의 양식이 나타나지 않은 점도 특징이라 할 수 있다.

미술에 있어서 암흑기라 할 수 있다. 신중심의 인간관이 지배했다. 뚜렷하게 통일된 하나의 양식이 나타나지 않았다.

2)비잔틴 미술

4세기로부터 5세기에 걸치는 동안 서로마보다는 동로마의 수도 콘스탄티노플에서의 미술이 상대적으로 비약적인 발전을 거듭하였다. 그리하여 정치적인 몰락을 겪은 서로마보다는 동로마에서, 6세기에 이르러 초기 그리스도교 미술은 콘스탄티노플에서 그 전성기를 누리게 되었는데, 이를 비잔틴 미술이라고 부르고 있다. 서로마제국 멸망 후 동로마 제국에서 계속된 미술을 말한다.

3) 로마네스크 미술

11세기 후반에 유럽전역에서 일어난 로마네스크 미술은 “교회의 승리”를 대표한다고 할 수 있다. 유럽 전역이 그리스도교로 개종하였으며 정치, 경제, 사회의 일반이 교회의 지배하에 들어가게 되었다.  고대 로마의 건축양식과 흡사한 교회가 많이 건축되었으며, 단단하고 육중한 모습의 석조건물로서 악으로부터 보호하는 전투적 교회의 모습을 하고 있다. 조각이나 회화는 중세초기에 비하여 비교적 사실적이고 자연스러우나 여전히 교리전달의 보조수단이므로 교회의 내부 장식에 이용되었다.

로마네스크는 둥근 아치의 석조건물이 특징이다.건축물의 창문은 거의 없고 작다.

4) 고딕양식 (A.D13c-14c)

12C 말 프랑스 북부에서 발생한 미술양식이다.유한한 인간이 무한한 신의 세계를 가시화 시킬 수 없으므로 인간능력의 것을 충실히 나타내려는 시도(유비법의 붕괴)가 생기면서 원근법, 인체묘사, 형태 등에 관심을 쏟아 이후 르네상스 발생의 초석이 된다. 로마네스크의 둥근 아치와는 달리 뾰족한 첨형아치가 특징이다.  또한 로마네스크 교회건축물과는 대비적으로 가느다란 석재기둥 및 유리(스테인드글라스)등의 재료를 사용하여 내부가 밝고 넓어지게 된다.  대표적 건물로 프란체스코 교회를 들 수 있다.

유비법 붕괴(중세시대는 기독교적인 사상이 지배하여 육체적인 표현보다 최대한 <영적인 것, 정신적인 것>을 나타내려고 했다. 따라서 사람 눈은 영적인 것을 표현하기 위해 강조하고, 몸의 입체성은 육체적인 것으로 최대한 축소시켜 표현) 이후 르네상스의 초석이 된다. 건축물은 첨형아치와 스테인드글라스가 사용되었다.

3. 르네상스 RENAISSANCE (A.D 1400 - A.D 1600)

르네상스는 부활(復活), 재생을 뜻하며 이탈리아를 중심으로 고대 그리스, 로마의 문화 번영을 꿈꾸며 시작되었다. 르네상스가 이탈리아에서 시작된 배경을 보면 첫번째, 이탈리아에선 귀족계급과 부유한 부르주아 계급 사이의 구분이 없어졌으며, 두 번째, 이탈리아가 서유럽의 다른 어떤 지역보다도 고대 로마시대의 유적이 산재하는 등 고전시대에 친밀감을 가지고 있었으며, 세 번째, 도시의 자부심과 사유재산제가 잘 발달되어 예술에 대한 후원의 기회가 많았다는 것 등이다. 중세 봉건영주, 귀족으로부터 벗어나 스스로의 권리와 능력을 자각한 시민계급의 등장은 현실세계에 대한 관심의 증대를 낳았고, 이는 중세를 지배하던 신중심의 시선을 인간중심으로 옮겨 놓았다. 그리고 피렌체의 메디치가처럼 부를 축적한 상인계급이 새로운 지배계급으로 등장하여 미술의 새로운 후견인이 되었다.

미술은 교리전달의 수단이 아니라 현실세계의 전달수단으로 주목받았다. 따라서 그리스미술처럼 서술적 기능이 부각되었고, 서술적 기능을 충실히 하기위해 정확한 사실적 묘사가 중요시 되었다.  또한 그들은 미의 구현이란 어떤 이성적 법칙이 있다고 생각하였으므로 과학적 예술이 발달하였다.  동시에 기하학, 생리학, 해부학, 원근법등도 발전하였다. 게다가 미술교육기관이 아카데미가 설립되었고 화론이 등장하였다.  이 르네상스를 전기, 전성기 후기(매너리즘)으로 나누어 좀 더 자세히 살펴보자.

르네상스는 부활, 재생을 의미하며 이탈리아를 중심으로 시작된다. 신 중심에서 인간 중심의 시대로 전환된다. 미술의 서술적 기능이 부각된다. 객관적이 정확성 획득으로 미의 이념을 구현하는 것이 목표였다. 이성적이 법칙을 적용하려 했으므로 해부학, 기하학, 생리학, 원근법이 발달했다.  

1)초기 르네상스(Quatrocento, 1400년대)

현실적, 객관적 정확성에 치중하였다. 그러나 그림전체의 조화로운 구성에는 아직 소흘 하였다.  화면 속 대상 개체의 사실적인 묘사에만 주력하였으므로 개체는 날카롭고 명확한 윤곽선으로 도려지게 되었다. 격렬한 동세를 하고 있는 소재들은 고전작품에의 제재를 따온 것으로 파악된다.  보티첼리가 그린 [비너스의 탄생]을 보면 이러한 아직은 미숙한 르네상스의 미술의 특징을 잘 알 수 있다.대표적인 작품으로 도나텔로(1386-?)<성지오르조상>, 보티첼리<비너스의 탄생>을 들 수 있다.

2)전성기 르네상스(Cirquecento, 1500년대)

이성적 규칙을 통한 객관적인 정확성과 조화와 균형이라는 미의 이념이 잘 구현된 황금기다.  다른 어떤 세기보다 많은 천재들이 나타났으며 가장 두각을 나타낸 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 살펴보기로 한다.

 레오나르도 다 빈치 Leonardo da Vinch (1452 - 1519)

그는 역사상 다른 어떤 인물보다도 만능의 천재였으며 자신이 예술가라는 데 자부심이 많았던 사람이었다. 르네상스의 가장 훌륭한 업적, 즉 원근법과 자연에의 과학적인 접근, 인간 신체의 해부학적 구조, 이에 따른 수학적 비율 등은 이 위대한 대예술가의 손으로 완벽한 완성에 이르게 된다. 그의 대표 작품으로는 <동방박사의 예배>,<최후의 만찬>,<모나리자> 등이 있다.<최후의 만찬>은 밀라노의 한 식당에 그려진 것인데,  이 그림은 그리스도의 눈을 중심으로 원근법이 사용되었고, 뒤로 상징적 건축은 구도의 완벽한 균형감과 안정감을 준다.  

  미켈란젤로 Michelangelo Buonarroti (1475 - 1564)  화가인 동시에 시인, 건축가이며 그 당시 세도가였던 메디치가의 소장품들을 즉 고대 그리스 로마의 조각들을 연구했다. 그는 이로부터 아름다운 인체를 묘사하는 고대의 스승의 비법을 알았으며 인체의 디테일한 부분까지 연구, 인체 해부학을 탐구하였다.  그의 가장 뛰어난 역량은 그가 시스티나 성당의 천장화와 그의 조각상에서 볼 수 있다. 미켈란젤로의 조각은 그가 율리우스 2세의 묘비 건립의 일부분이었던 군상 중 하나인 빈사의 노예와 다윗상, 모세상에서 볼 수 있다. 그는 평소에 회화에서 보다 조각에 더 관심이 많았다 한다. 격렬하고 뒤틀린 듯한 포즈, 조용하기 이를 데 없는 듯한 자세 등은 아무리 자세가 복잡하더라도 하나의 통일감, 즉 전체적인 윤곽의 뚜렷함이나 단순하고 안정된 듯한 느낌이 있다.

3)후기 르네상스 (Mannerism, 16c중엽부터 말)

전성기 르네상스 이후의 경향들을 이르는데 흔히 평가절하 되어 온 경향이기도 하다. 즉 인위적이고 기교적인 성격이 강하고 형식적인 면이 많이 부각되어 있기 때문인데, 그것은 전대의 거장들의 기법을 모방했다고 간주되어 창조성에서 의심을 받았다. 전반적인 그림들에서 느껴지는 불안감, 신비감, 몽상적인 분위기, 기괴한 배경, 과장된 인체비례에서 시대정신의 한 면의 표출로 보기도 한다. 특히 파르미자니노(1503-1540), 틴토레토(1518-1594), 코레지오(1489-1534), 엘 그레코 등이 대표적인 매너리즘 작가로 꼽히고 있다.  그 대표적인 양식적 특징으로는 인체의 장신화, 차갑고 선명한 색조, 표면처리의 매끈함, 원근법의 과장, 비논리적인 공간배치 및 대가그림의 일부 차용 등을 들 수 있다.  반면에 긍정적인 측면을 들 수도 있다.이전 르네상스 양식의 이성적 접근은 미의 이념을 구현하기 위한 하나의 방법일 뿐이며, 새롭고 색다른 감성적 시도를 하였다는 점에서 매너리즘은 긍정적이다.  이러한 점은 이후 바로크 미술의 계기가 된다.대표적인 작품으로 파르미자니노의 <목이 긴 성모>와 엘 그레코의 <오르가스 백작의 매장>, 틴토레토의 <최후의 심판, 만찬>을 들 수 있다.후기 르네상스는 매너리즘으로 불리며 예술적 기교에 치우친 타성적 예술이다.

4. 바로크  BAROQUE(A.D 17C)

1600년부터 1750년 까지 이탈리아를 비롯한 유럽의 여러 가톨릭 국가에서, 르네상스의 이성적 규칙에 의한 지나친 속박에서 벗어나려는 시도로부터 발전한 미술양식을 뜻한다.  바로크는 포르투칼어의 '비뚤어진 진주'라는 뜻으로 르네상스가 지닌 단정하고 우아한 고전양식에 비해 장식이 지나치고 과장된 미술양식에 대한 경멸의 의미로 사용되었다. 혹은 르네상스가 지니고 있는 고전적인 균형, 조화의 세계에 비하여 유동적이고 강렬한 남성적인 감각이 강조되어 붙어진 이름이라 한다. 대표적인 작가와 작품으로 카라밧지오<골리앗의 머리를 들고 있는 다윗>, 베르니니<아폴론과 다프네>, 루벤스<루시퍼스의 딸들의 능욕>, 렘브란트<자화상> 등을 들 수 있다.

5. 로코코  ROCOCO(A.D 18C)

로코코는 바로크 시대의 호방한 취향을 이어 받아 경박함 속에 표현되는 화려한 색채와 섬세한 장식, 건축의 유행을 말한다. 바로크 양식이 수정, 약화된 것이라 할 수 있다. 또한 로코코는 왕실예술이 아니라 귀족과 부르주아의 예술이다.  다시 말하자면, 유희와 쾌락의 추구에 몰두해 있던 루이14세 사후, 18세기 프랑스 사회의 귀족계급이 추구한, 사치스럽고 우아한 성격 및 유희적이고 변덕스러운 매력을, 그러나 동시에 부드럽고, 내면적인 성격을 가진 사교계 예술을 말하는 것이다. 귀족계급의 주거환경을 장식하기 위해 에로틱한 주제나 아늑함과 감미로움이 추구되었고 개인의 감성적 체험을 표출하는 소품위주로 제작되었다.

6. 프랑스식 고전주의   CLASSIC IN FRANCE (17C)

17세기 중엽의 프랑스는 유럽에서 가장 풍요롭고 강력한 국가였다. 그 결과 예술의 중심지는  이탈리아의 로마에서 파리로 옮겨오게 되었다. 데카르트의 합리론적 철학의 영향과 루이14세에 의한 정치적, 경제적 안정은 프랑스를 바로크의 물결에 휩쓸리지 않는 독자적인 양식을 갖도록 하였다. 대표적인 작가로 니콜라 푸생을 들 수 있는데 그의 작품 <사비니 여인들>을 보게 되면,  감상보다는 지성에 호소하는 방식을 취하였기 때문에 이 작품에서 구도나 형태만이 강조되고, 색채는 아예 뒷전에 밀리게 되었다. 영웅적인 인물들은 일반화 되었으며, 동작은 조각처럼 굳어져 있다. 이들의 묘사는 헬레니즘 시대의 조각에서 빌려온 것이 증명되는 것이다.  

7. 신고전주의 NEO CLASSIC(A.D 18C말)

로코코와 후기 바로크에 반발하고 고전고대에 대한 새로운 관심과 함께 18세기 말부터 19세기 초에 걸쳐 프랑스를 중심으로 유럽 전역에 나타난 예술양식, 고대적인 모티브를 많이 사용하고 고고학적 정확성을 중시하며 합리주의적 미학에 바탕을 둔다. 신고전주의 예술은 형식의 정연한 통일과 조화, 표현의 명확성, 형식과 내용의 균형을 중요하게 여기며, 특히 미술에서는 엄격하고 균형 잡힌 구도와 명확한 윤곽, 입체적인 형태의 완성 등이 우선시 된다. 고대에 대한 관심은 18세기 중반에 이루어진 폼페이와 헤리클라네움, 파에스툼 등의 고대건축의 발굴과 동방여행에 의한 그리스 문화의 재발견등이 계기가 되었으며 프랑스 혁명 전후 고대에 대한 동경이 사회 전반을 풍미하였다. 프랑스에서의 신고전주의 운동은 로코코 양식의 번잡스러움에 대한 일종의 반발, 루이 14세 시기의 그랜드 매너에 대한 향수, 푸생의 고전주의에 대한 회귀 등이 복합적으로 나타났다.    순수하되 명확하고 강직한 선, 균형과 조화, 안정과 형식미의 존중은 고전주의를 계승하는 신고전주의가 취한 특징이다. 오히려 더 완강하고 절제된 선과 색으로 더 고전적이라고 할 수 있겠다.  바로크 시대의 연장선상에서 푸생Pussain적인 회화의 계승으로 볼 수 있으며 그 주제에 드러나 확실한 정치적 의지에 근거한 의도적인 소재, 더 철저하고 절제된 선묘는 더욱 심화된 고전미를 나타낸다. 한편 공간의 압축화, 실제 사건의 주제화 등은 신고전주의의 특징이라 할 수 있다.

8. 낭만주의  (A.D 19C 초)

간단히 말해 감성적 분위기의 작품들을 발전시켜 나간 형태라 할 수 있다.현실적인 사건을 주제로 다루기도 하고 이성의 규칙과 속박에서 벗어나 느낌에 따른 재현을 하였기 때문에 낭만주의로 불린다. <메뒤사의 뗏목>(1819, 제리코)이라는 작품으로 대표되는 데 사선구두와 명암의 극적대비, 어둠침침한 단색조를 보인다. 낭만주의는 전시대의 미술들이 버리지 못했던 현상이나 사물의 재현이라는 모방론적 입각을, 예술가의 감정이나 정서의 표현이라는 표현론으로 바뀌게 된데 그 의미가 있다. 따라서 예술이 다양해지는 계기가 된다.  

9. 사실주의 (A.D 19C 중엽)

19C 이전까지는 자연주의로서 사실주의가 정의되어왔다. 그것은 성실하고 정확한 '자연의 모방' 더 나아가 그것의 '완벽한 이상화된 재현'으로서 사실주의 였다. 19C 이르러 사실주의는 새로운 의미를 부여받는다. 사실주의 등장 이전의 낭만주의는 그 개념적인 면에서 대조가 된다. 낭만주의는 '감정'이 중요하고 따라서 작가의 상상력을 중요하게 생각한다. 그 결과 낭만주의 회화는 격정적이며 현실을 떠난 이상향을 쫒거나 이국적인 소재 등에 깊은 관심을 회화로 표현한다. 표현에 있어서는 색채에 비중을 두고 화려하고 열정적인 화면을 구사한다. 현실을 떠난 상상력을 부추기는 소재는 따라서 시적이며 신화적인 주제를 취했다.사실주의는 낭만정신에 전적인 반대 표명과 비판을 가한다. 특히 19C사실주의를 대표하는 쿠르베, 도미에, 밀레로 집약할 수 있는데, 이들의 공통관심사는 [현실을 보는 눈] 이라고 할 수 있다.  단적으로 쿠르베는 '천사를 보여주면 그리겠다'는 공언으로 사실주의의 개념을 대변하며 '상상력'으로 집약되는 낭만주의와는 대조를 보인다.  공간 구성에 있어서도, 소재자체가 대조적인데서 비롯되어서 [사르다나팔루스의 죽음] [메뒤사의 뗏목]은 내용 자체가 극적이며 등장인물도 격정적인 자세의 불안할 정도의 공간배치가 나타난다. 반면 사실주의는  [돌깨는 사람] [만종]등에서 일하는 농민들의 정적인 모습과 그들의 현실공간을 재현해서 단순하고 차분한 구성을 나타낸다. 19C는 과학과 기술의 태동 이성주의의 팽배를 부른 계몽주의가 지배적이었다. 특히 실증주의는 경험과 관찰에 입각한 과학적인 지식을 주장하였다. 이러한 정신은 시민정신에 평등사상을 고취하는데 역할하였고 민주사상에 이어지는 요소이기도 하다. 따라서 더 이상 고고한 가식적 주제가 아닌 평범한 삶의 세속성이 주제로 등장하는데 정신적인 역할을 했다.

10. 인상주의 IMPRESSIONISM (A.D 19C 말)

 1) 인상주의

인상주의는 빛의 변화에 따른 순간적인 형태의 변화 색의 변화를 포착하려는 미술양식을 말한다. 본대로 그린다는 인상주의 정신은 빛에 따라 순간적으로 변화하는 깊이 없는 사물의 인상을 그린 것이다. 태양광선의 미묘한 조화를 쫓기 위해 이들은 야외에서 그림을 그렸으며 튜브형 물감과 접히는 이젤의 발명은 그들의 야외작업을 가능케 해주었다.  시시각각 변하는 태양광선은 빠른 필치와 붓놀림을 요구하고 팔레트에서 색을 섞기 보다는 직접 화폭에서 시각적인 착시효과를 노리며 순색을 이용한 색체분할법(필촉 분할법)을 사용하였다. 이와 같은 인상주의가 출현하는 데는 사진기의 출현에 따른 재현적인 사실적 묘사가 회화에서는 더 이상 의미가 없게 되었음을 입증해준다.  대표적인 작가인  모네의 [건초더미] [루앙 대성당][수련]등의 연작에 있어 작품의 대상이 되는 사물들은 태양광선을 위한 부차적인 소재인 것이다. 이 그림은 얼마간의 거리를 유지해야 윤곽과 형태가 드러난다. 화면의 구성도 삼각형구도나 소실점이 한 두개로 축약되는  선원근법적이 아닌 대기원근법을 사용한다. 그 효과는 자칫 어수선해 보이나 자연스럽고 우연한 느낌의 스냅사진과 같은 연출을 한다. 그리고 무엇보다도 회화를 환영으로서 인식하기를 그만두고 '평면성'의 회화를 구축하고 있다.또한 직관에 의한 뉘앙스 이미지의 연출은 곧 추상회화에 이르는 길을 제시한 것이라 할수 있겠다. 대표적인 작가로 마네, 모네, 르누아르, 드가, 로댕 등을 들 수 있다.

빛의 변화에 따른 대상의 모습과 색의 변화를 포착하려 하였다.기하학적 원근법 대신 색조의 조정을 통해 공간감을 부여했다.순색의 병치에 의한 시각적 색의 혼합을 하였다형태를 경시하게 되었고 화면이 평면화 되었다.

2) 신인상주의(Neo impressionism)

신인상주의는 조르쥬 쇠라와 폴 시냑이 중심으로 행해진 점묘주의 등의 이론과 수법 및 그 운동을 말한다. 그들은 광학이론과 색채학에 따른 과학적 이론에 기초한 색채분할을 구현하였다. 이들은 인상주의가 사용한 기법을 과학적으로 발전시키는 동시에 인상주의의 경험주의적 사실주의에 반발하였다. 인상주의가 본능적, 감각적이라면, 신인상주의는 과학적이며 분석적이라 할 수 있다.  

3) 후기인상주의(Post impressionism)

인상주의의 단계를 거치면서도 그 양식의 한계에 만족하지 못하고 갖가지의 방향으로 인상주의를 넘어선 일군의 화가들을 가리킨다. 인상주의에서 벗어나기 시작하면서 독자적으로 해결책을 추구하던 이들 작가군을 인상주의 이후의  세대라는 포괄적인 관점에서 `후기인상주의 화가'라는 명칭을 얻게 된다. 이들은 이상주의가  지나치게 순간적인 시각세계에만 사로잡혀 있다고 믿었기에 보다 개인적이고 주관적인 경험에  근거한 미술을 추구해야함을 표방했다. 세잔느, 고갱, 고흐로 대표되며 자세히 설명하자면 아래와 같다.

세잔느- 눈으로 받아들인 감각세계의 혼란된 모습에 어떤 구성적 질서를 부여함으로서 대상의 견고하고 영구적인 모습을 구현하려 했다.  대상의 표면, 내부골격의 입체성은 변하지 않는다는 점에 착안해 모든 자연속의 대상을 원통, 원추, 구조로 환원시켜 처리하였다.  이후 입체주의(Cubism)에 영향을 주었다.

고갱- 상징주의적 색채를 짙게 띤 인간의 생과 사, 영적인 것 등의 표현을 통하여 인상주의를 탈피, 그 순색의 넓은 색면에 의한 기법을 개발하여 작업하였다. 순수한 인간과 자연을 융합하고자 타이티로 떠난 고갱은 회화의 독자적 언어인 형태와 선, 색채를 통하여 인간 내면의 세계를  표현하려고 하였다. 고흐와 함께 야수주의에 영향을 주었다.

고흐 - 인간의 마음이 향하고 있는 위대하고 무한한 것에 대한 갈망과 정열적인 감정을 강하게 표출하는 작품을 만들었다.  이후 표현주의에 영향을 주었다.

11. 야수주의   (A.D 20C 초)

20세기 초 프랑스에서 일어난 혁신적인 회화 운동으로 수년간 유사한 테크닉에 관심을 보였던 화가들에 의해 자연 발생적으로 형성된 미술운동이다. 이 운동은 순수 색채의 고양에 주력했다. 이 새로운 화법은 1899년, 그룹에서 주도적 인물이었던 마티스에 의해 시작되었다.야수파라는 명칭은 당시의 비평가 루이 복셀이 1905년 가을 마르케의 15세기풍의 청동조각을 가리켜 마치 "야수의 우리 속에 갇혀있는 도나텔로 같다"라고 평한데서 유래되었다. 이 운동의 동인은 귀스타브 모로의 문하생이었던 마티스, 마르케, 루오, 앙리 샤를르 망갱, 샤를르카무엥 그리고 장 퓌이등과 '샤토'로부터 블라맹크와 앙드레 드랭, 그리고 프리츠, 브라크, 뒤피의 그룹이 융합된 것이었으며 네덜란드 화가 반동겐도 참여 했다. 그들은 고흐, 고갱, 신인상주의, 세잔느 등으로부터 영향을 받았다. 그 작품들의 특징은 강렬한 순수 색채에 있었으며 색채는 때로는 세잔느처럼 공간 구성에도 사용했지만 대부분 감정 및 장식적 효과를 위해  임의적으로 사용했다.

12. 입체주의  (CUBISM A.D 1900 - 1914)

1900년부터 1914년까지 파리에서 일어났던 미술 혁신운동을 말한다. 1908년 마티스가 브라크의「에스타크 풍경」이란 연작을 평하면서 '조그만 입체 덩어리'라고 말한데서 유래되었다.  피카소가 「아비뇽의 아가씨들」을 발표함으로써 급격하게 발전한 이 운동은  일반적으로 세잔느풍의 입체주의, 분석적 입체주의, 종합적 입체주의로 나누어 고찰할 수 있다. 입체주의는 르네상스 이후 서양 회화의 전통인 원근법과 명암법,  그리고 다채로운 색채를 쓴 순간적인 현실 묘사를 지양하고, 야수주의의 주정적(主情的) 인 표현을 폐기한 대신 시점(視點)을 복수화하여 색채도 녹색과 황토색만으로 한정 시켰으며, 자연의 여러 가지 형태를 기본적인 기하학적 형상으로 환원, 사물의 존재성을 이차원의 타블로로 구축적으로  재구성하고자 했다. 피카소, 브라크 등이 이 운동의 중심이었고 그 밖에 몽파르나스에서 화면에 밝은 색채와 다이나믹한 율동을 도입했던 F. 레제와 R. 들로네가 있고, 화면의 구성 원리를 추구하여 추상예술의 길을 열었던 쿠프카와, 비용, 뒤샹 등이 있다. 입체주의는 제1차 세계대전의 발발로 종말을 맞았으나, 그 성과는 그 후의 미술, 디자인, 건축 등에 많은 영향을 미쳤다.

13. 표현주의 (EXPRESSION‎ISM A.D 1911 - 1920)

표현주의는 야수주의, 초기의 입체주의, 인상주의, 그리고 의식적으로 자연의 모방을 거부한 다른 여러 화가들의 작업을 설명하기 위해 독일 비평가들이 1911년 처음으로 사용한 용어다. 1911년 마르크와 러시아 출신 칸딘스키는 단순한 기하학적 형태로 절대 순수를  표현하고자 함으로써  절대주의에 보다 가까이 다가서게 된다. 제1차 세계대전 이후 표현주의는 독일을  풍미하게 되었다. 청기사 그룹의 미술가들은 더욱 이론적이고  추상적인 작품을 제작했고 후배 세대들에게 지대한 영향을 미쳤다.  

14. 미래주의  (FUTURISM)

미래주의는 20세기 초 이탈리아에서 일어난 전위예술 운동을 일컫는다.  이 운동은 시인 필립포 마리네티가 효시인데, 마리네티는 기존의  낡은 예술을 모두 부정하고 기계 시대에 어울리는 새로운 다이내믹한 미를 창조할 것을 주장하였다. 이에 자극되어 이듬해 2월 카를로  카라, 옴베르토 보치오니, 지노 세베리니, 루이지 루솔로, 쟈코모  발라 등 5인 화가가 연명으로 미래주의 화가 선언을  발표함으로써 미술운동으로 전개되었다. 미래주의의 커다란 공적은 기계가  지닌 차가운 역동적인 아름다움을 조형 예술의 주제로까지 높였다는  것과 스피드감이나 운동을 표현하기 위해 회화에 시간의 요소들을  도입하려고 시도한 것에 있다. 미래주의가 뛰어난 조형작품을 낳았다고 할 수는 없지만, 현대에 있어서 예술의 소재에 대해 새로운 문제제기를 한 의의는 크다.  

15. 다다이즘  (DADAISM)

다다이즘은 1915~22년경 스위스, 독일, 프랑스 등의 유럽과 미국에서 일어났던 반문명, 반합리적인 예술운동을 일컫는다. 제1차 세계대전을 낳게 했던 전통적인 문명을 부정하고 기성의  모든 사회적·도덕적 속박에서 정신을 해방, 개인의 진정한 근원적  욕구에 충실하고자 했던 것이 이 운동의 근본정신이었다.  이 운동은 제1차  세계 대전 중 또는 전후에 세계로 급속히 확대되었다. 독일에서는 반전운동과 코뮤니즘에 결합된 베를린 다다가  1919년에 결성되었다. 미국에서는 1912년경부터 프랑스의 화가 마르셀  뒤샹이 만 레이와 함께 뉴욕의 화랑에서  전시회를 개최한 것을 계기로 뉴욕 다다라는  명칭이 붙게 되었다. 이들 작품의 공통적인 경향으로는 소위 레디메이드의 오브제 또는 움직이는 오브제, 콜라주 또는 앗상블라주로 통하는 메르츠 빌트 등이 시도되었던 점이다. 기계적, 성적인 이미지의 사용도 특색이다. 이들 수법은 다다의 강렬한 가치 부정적 관념과 함께 추상미술, 초현실주의 또는 제2차 세계대전 후 60년대 예술 등에도 강한 영향을 주었다.   

16. 추상 표현주의   (ABSTRACT EXPRESSION‎ISM )

일반적으로 1940년대와 50년대에 미국 화단을 지배했던 미국 회화사상 중요하고 영향력 있는 회화의 한 양식이다.  본래 추상 표현주의라는 용어는 칸딘스키의 초기 작품에 대해서  사용했던 말로, 미국의 평론가 알프레드 바가 1929년 미국에서 전시 중이던 칸딘스키의 초기작품에 대해 추상표현주의라는 말을  썼었다. 이 용어가 부적당하다는 견해도 있어서 비평가 해롤드 로젠버그는 액션 페인팅이라는 말을 쓰기도 했다. 추상표현주의는 서구 근대미술의 복합적인 요소를 모두 포함하고  있다. 야수주의, 표현주의, 다다이즘, 미래주의, 초현실주의로 이어지는 한 계보와 인상주의, 입체주의, 기하학적 추상의 계보를 모두  받아들이고 있다. 전통적인 추상은 구상 회화의 경우처럼 인간, 사물,  풍경 등을 표현 대상으로 삼지 않지만 삼각형이나 원  따위, 선이나  면에 의해 생성되는 형상을 갖는다는 점에서 동일하다. 이것은 현대 회화의 한 특성으로 화면은 원근감을 잃고 평면화되고 있지만, 근본적으로는 그라운드와 전경의 관계를 유지하고 있다.  그러나 추상표현주의는 구상적이거나 추상적이거나 간에  지시성과 방향성을 거부한다. 

17. 미니멀 아트   (MINIMAL ART)

1960년대 후반, 미국의 젊은 작가들이 최소한의 조형 수단으로 제작했던 회화나 조각을 가리킨다. 여기서 최소한이란 일루전의 극소화를 의미하는 것으로 이들은 회화의 감동, 마티에르의 풍부함 내지 자기표현은 곧 예술이라는  신화를 기본으로 하는  종래의 예술 개념을 거부하는 입장에서  출발하고 있다. 이 경향의 대표적인 작가로는 엘즈워드 캘리, 프랭크 스텔라, 도널드 저드, 케네드 놀런드, 잭 영거맨, 래리 푼즈, 모리스 루이스 등을 들 수 있다.

18. 팝 아트   (POP ART)

1960년대 초기에 미국에서 발달하여 미국 화단을 지배했던 구상 회화의 한 경향이다. '팝'이라는 명칭에 대해서는 여러 가지 견해가 있지만 '포퓰러(popular)'의 약자로 보는 것이 유력하다. 통속적인 이미지, 다시 말해서 일상생활에 범람하는 기성의 이미지에서 제재를  취했던 이 경향의 특징을 압축적으로 표현하고 있다.  미국의 팝 아트는 1950년대 초기의 미국 화단을 휩쓸었던 추상표현주의에 대한 반동으로 일어났다. 미국의 팝 아트는  미국으로 상징되는 현대의 테크놀로지 문명에  대한 낙관주의를  기조로 하고 있다. 미국 팝 아트의 선배 작가로는 로버트 라우센버그와 재스퍼 존스를 들 수 있다. 미국의 팝 아트는 흔히 발견되는 일상적인 이미지나  물체를 미술 작품으로 전환시키는 것으로 목표로 하고 있다.  팝 아트의 작가들은 일상의 이미지를  인용하는데 그치지 않고 그것을  기호나 기호체계로 사용하고 있다. 특히 앤디 워홀, 로히  리히텐슈타인 등은 사회가 익히 알고  있는 것들 - 예를 들면 마릴린 먼로의 얼굴, 미키 마우스의 이미지 등을 작품 속에 도입함으로써 기초 체계와 그들 자신의 테마를 겹쳐서 표현하고 있다.   

19. 극사실주의   (HYPER REALISM)

1960년대 후반 미국에서 일어난 새로운 경향의 회화와 조각을 일컫는다. 주로 일상적인 현실을 극히 생생하고 완벽하게 묘사하는 것을 특징으로 한다. 주관을 적극 배제하고 어디까지나 중립적 입장에서 사진과 같이 극명한 화면을 구성하는데 주로 의미 없는 장소, 친구, 가족 등이 대상으로 취급된다.  극사실주의는 본질적으로 미국적인 사실주의로, 특히 팝 아트의 강력한 영향 아래서 일어난 것이다. 따라서 팝 아트처럼 평상의  생활 즉 우리의 눈앞에 늘 있는 진부한 이미지의 세계를 반영하고  있다. 그러나 팝 아트와는 달리 그것은 극히 억제된 것으로써 아무런  코멘트도 없이 다만 그 세계를 현상 그대로 다룰 뿐이다.  대표적인 작가로 척 클로즈, 하워드 캐노비츠, 맬컴 몰리, 필립  펄 스타인, 시드니 틸림 등의 작가가 있다.   

20. 포스트 모더니즘   (POST MODERNISM)

포스트모더니즘은 지난 20세기에 걸쳐 서구의 문화와 예술, 삶과 사고를 지배해온 모더니즘에 대한 반동으로서 60년대 중반부터  나타나기 시작했다. 후기 모더니즘은 하나의 통일된 사조나 운동은 아니지만, 그  중심적 동기는 모더니즘을 통해 수립된 고급문화와 저급 문화의  엄격한 구분, 예술의 각 장르간의 폐쇄성에 대한 반발이다.  포스트모던이라는 말을 처음으로 쓴 것은 건축 비평가들이었는데  이는 1960년대까지 유행하던 엄격한 사각형 형태의 양식에 대한  반발로 나온 건축물에 대해 쓴 말이다. 무엇보다도 중요한 것은 '포스트모던'적 경향이 분화되지 않은 과거의 예술을 소생시키려 한다는 점이다. 따라서 다른 시대, 다른  문화로부터 양식과 이미지를 차용하는 예술은 모두 '포스트모던'의  자격을 얻는다. 포스트모더니즘 미술가들의 또 다른 주된 특징은 모더니즘 문화와 사고방식이 세워놓은 엄격한 지배의 틀을 거부하는데  있다. 포스트모더니즘은 소통이 불가능한 정치, 문화, 전문화의 영역을  깨뜨리고, 삶과 문화의 경계를 무너뜨리기 위해 예술에 정치와  이데올로기를 끌어 들여 비판적으로 다룬다. 포스트모더니즘은 아직은 확정된 일관성 있는 체계는 아니며 근본적인 변화에 대한 욕망에 의해 촉발된 회의주의적이고  비판적인 의식이다. 포스트 모더니스트들은 모더니즘의 폐허를  헤치고 나가며, 모더니즘의 부정이라는 가시적인 대안을 세우려 노력한다.