악기이야기-바이올린

[tp바닐라]

특색 탁월한 배음, 화려함과 섬세함 역사 물리적인 음향 법칙으로 보거나 형태적인 완전성으로 보거나 바이올린만 큼 완벽한 악기를 찾기란 쉬운 일이 아니다. 외부의 곡선 하나에도 음향 원리가 반영되어 있으며 길이와 두께, 휘어진 각도까지도 이유 없이 만들 어지지 않은 것이 바로 바이올린이다. 바이올린이 이와 같은 원리와 모습 을 갖게 된 것이 누구의 손에 의해서인지는 밝혀지지 않고 있다. 다만 악 기 앞면에 있는 f자 울림구멍이 프란츠(Frantz)를 암시하고 있다는 견해 가 있으나 확인되지는 않았으며, 프랑스의 황제 프랑시스 1세가 레오나르 도 다 빈치를 바이올린의 발명자로 지목한 일이 있으나 이 역시 정론으 로 받아들여지지는 않는다. 그보다는 무수히 많았던 비올 제작자들 중에 창조적인 아이디어를 가졌 던 몇몇 사람들이 여러 가지의 시도를 통해 바이올린의 토대를 만들고, 어느 한 명인의 손에 의해 체계화되어 오늘날의 모습이 되었다고 생각하 는 것이 가장 일반적인 견해이다. 대부분의 바이올린 명기들이 크레모나를 중심으로 하는 이탈리아에서 나 온 것으로 알려져 있다. 그러나 13세기 초까지는 이탈리아인들은 활을 사 용하는 악기를 알고 있지도 못했다. 그들은 오로지 류트나 기타를 만들었 고 이 방면에서 높은 수준에 이르러 있었다. 그들은 13세기를 보내면서 독일과 프랑스로부터 활을 사용하는 악기의 제작방법을 배웠고, 이 방법 이 그들의 기술과 만나게 되어 훌륭한 비올 작품들을 만들게 된다. 그러 다가 16세기 중엽에 이르러 돌연 바이올린이 볼로냐 화가의 그림에 나타 난다. 예를 들어 줄리오 노마노가 1550년에 그린 그림이나 페레그리노 티발디 의 그림 ‘성 세실리아와 바이올린을 켜는 두 천사’ 속에 바이올린이 등장 한다. 이것을 근거로 최초의 바이올린은 16세기의 30년대나 40년대의 볼 로냐에서 태어났다고 추측된다. 바이올린의 역사를 찾기 위해 이전에 존재했었던 모든 현악기를 바이올 린의 전신으로 보는 것은 옳지 않다. 그러나 어떤 악기들은 점진적으로 바이올린의 모습을 찾아가는 과정을 단계적으로 보여주고 있다. 가령 페 르시아의 케멘체나 아라비아의 르바브, 무어인들의 레벡, 켈트인들의 크 루트, 독일의 트룸샤이트, 프랑스의 비엘 등이 그 예이다. 한편 바이올린을 포함한 현악기의 계통을 그리스의 기타라에서 찾는 견 해도 있는데, 손으로 퉁겨 연주하던 기타라가 중세 전기에 이르러 손으 로 퉁기기도 하고 활로 문지르기도 하는 로타로 발전하고, 이 로타가 12 ∼13세기의 비엘로 발전하며 비엘이 15세기를 거치며 비올이 된다는 것 이다. 비올은 바이올린처럼 허리가 잘룩한 모양을 갖게 되고 다양한 크기 로 만들어졌다. 이 비올족의 악기들은 바이올린이 탄생한 이후에도 한동 안 공존했으며 17세기에 전성기를 이루었다. 비올이 바이올린과 다른 점은 현의 수가 6개이며, 무릎 위나 무릎 사이에 끼우고 연주한다는 점이다. 비올에서 바이올린이 나오는 중간 과정에 리 라 다 브라치오라는 악기가 나타나 무릎 위에서 연주하던 방식을 어깨에 올리고 연주하는 방식으로 바꾸는 역할을 맡는다. 비올과 리라와의 차이 는 비올의 울림구멍은 C자인 데 반해 리라 다 브라치오의 울림구멍은 f자 라는 점이다. 16세기 중반을 지나면서 오늘날과 거의 같은 모습으로 정착한 바이올린 은 그 이후 이탈리아의 크레모나와 브레시아 지방에서 집중적으로 만들 어졌다. 당시의 유명한 제작자로는 안드레아 아마티와 그의 손자 니콜라 우스 아마티, 니콜라우스의 제자 안토니우스 스트라디바리, 과르네리 가 문의 안드레아와 안토니오 델 제수, 그리고 루제리, 베르곤치, 몬타냐나, 스토리오니 등이 있으며 그란치노와 과다니니는 밀라노에서, 갈리아노 는 베네치아에서 이름을 떨쳤다. 특히 안토니우스 스트라디바리가 그 가 문 특유의 악기 몸통 모양을 창출한 이후 그것이 표준형으로 고정되어 1700년대부터는 바이올린의 몸통이 35.5cm로 커졌다. 당시의 유명한 제 작자들은 목의 후면 경사를 높이고 굵은 현을 강하게 조여 사용했으며, 브리지를 높게 올리고 지판의 길이를 늘렸다. 이렇게 하여 보다 풍부한 음량을 얻을 수 있었으며 음향적인 면에서도 완벽한 상태에 도달하게 되 었다. 이 당시에 제작된 악기들은 따라갈 수 없는 이상적인 악기로 지금 까지도 인정받고 있다. 한편 바이올린의 활도 상당 기간을 통해 오늘의 모습으로 정착한다. 최초 의 활은 화살을 쏘는 활의 모습과 같이 반원형으로 되어 있었다. 이런 상 태에서는 활의 탄력이 턱없이 부족하며 충분한 길이를 확보하기도 어렵 다. 16세기 초에 활털과 막대 사이에 간격을 두어 잡기 좋게 만든 활이 나 왔고, 17세기 초에는 활대의 구부러진 정도가 훨씬 적어졌다. 17세기 말엽에 이르러 금속 고리를 걸어 활털 이음틀을 움직여서 활털의 장력을 바꿀 수 있는 장치가 고안되었다. 18세기 초에는 나사로 움직이 는 활털 이음틀의 원리가 고안되었으며 활대의 각도도 더욱 줄어들었다. 18세기 중엽 타르티니의 영향으로 활대가 직선으로 정착되었다. 당시 프 랑스에서 활을 만들었던 투르트는 바이올린에서 스트라디바리가 이룬 업 적에 필적할 만한 업적을 활 제작 부문에서 남겼다. 그 때문에 지금까지 도 프랑스의 활이 상품으로 인정을 받고 있으며, 골동품 활을 수집하는 상인이 유럽 여러 나라 중에서도 유독 프랑스에 많은 것도 그 때문이다. 바이올린을 구성하는 부품의 수는 대략 70개 정도가 된다. 가장 큰 부품 이라 할 수 있는 앞판과 뒤판은 가운데가 불룩하게 나오고 몸통의 위 아 래와 가운데 부분이 바깥쪽과 안쪽으로 둥글게 곡선이 졌는데, 이 모양 은 나무를 휘어서 만든 것이 아니고 그렇게 가는 것이다. 나뭇결에 따라 공명도가 다르기 때문에 좋은 공명을 얻기 위해 앞판은 세로로, 뒤판은 가로로 자른 널판지를 잘 건조시켜 쓴다. 앞판과 옆판은 소나무나 전나 무, 뒤판은 단풍나무를 주로 쓴다. 현의 진동이 브리지를 타고 앞판에 도 달하여 공명하면 앞판, 옆판, 뒤판으로 만든 빈 공간이 공명통의 구실을 하여 음을 증폭시킨다. 공명통 속에 있는 버팀목은 버티는 역할을 할 뿐만 아니라 앞판과 뒤판 의 진동을 전달하여 몸통 전체가 공명하게 해주는 역할도 맡는다. 앞판 의 좌우에 있는 f자 울림구멍은 몸통의 공명에 의한 공기 진동을 밖으로 통하게 한다. 바이올린의 음향에 거의 절대적인 영향을 주는 요소는 버팀목의 위치, 브 리지의 모양과 위치, 등이다. 브리지는 단풍나무로 만드는데, 중앙에 하 트 모양의 구멍을 뚫어 두 개의 날개를 만들고, 아래에는 두 개의 다리가 있어 현의 장력을 견디어 균형을 이루며 현의 진동을 앞판에 전달한다. 하트 모양의 양날개는 음색과 밀접한 관계를 갖는다. 바이올린 제작의 마 지막 단계인 칠은 음색에 어느정도 영향을 미치며, 습기 등의 기후로부 터 악기를 보호하는 기능을 한다. 보통 여러 겹의 칠을 하는데, 스트라디 바리우스 바이올린의 신비스러운 음색의 비밀이 바로 이 칠에 있다는 설 도 있다. 바이올린의 활은 가볍고 강하며 탄력이 있을수록 상품으로 친다. 문지르 는 줄은 말총을 사용하는데, 보통 활 하나에 150∼250개의 말총이 들어간 다. 이 말총에 송진을 발라 연주할 때 활이 미끄러지는 것을 막는다. 바이 올린의 줄은 양이나 어린 양의 내장으로 만든 거트현이나 강선을 쓴다. 거트현은 음질이 부드럽고 음색이 아름답지만 온도변화에 약하고 음량 이 적으며, 강선은 음량은 크지만 음질이 떨어진다. 그때문에 보통 높은 음인 E선은 강선을 사용하고 나머지 3개의 현은 거트 또는 강선에 가느다 란 동이나 은 또는 알루미늄을 감아서 사용하기도 한다 어린이를 위해 여러 가지의 축소형 바이올린을 제작하기도 하는데, 풀 사 이즈 바이올린의 몸통의 길이를 35,6cm로 쳤을 때 1/4은 29.7cm, 1/2은 32cm, 3/4은 33.5cm가 된다. 어린이들이 처음 바이올린을 시작할 때는 축소형을 쓰지만 곧 풀 사이즈를 사용하기 때문에 축소형바이올린으로 는 명기를 만들기를 꺼리게 되고, 따라서 축소형 중에는 이름있는 올드 바이올린이 매우 드물다. 바이올린은 관현악단에서 가장 많은 자리를 차지한다. 유연하고 재빠르 게 주선율을 연주하는가 하면 비올라나 첼로와 함께 화성적인 효과를 낸 다. 약방의 감초마냥 거의 모든 합주·협주곡에 꼭 나타난다. 따라서 바이 올린은 대단히 많은 종류가 제작되어 왔다. 초보자를 위한 교육용 바이올린의 가격은 심로악기의 SN 592 모델이 29 만원, 심 바이올린의 SV 200이 23만원, 효정악기의 HV 100이 24만원, 유 니버샬 악기의 SV 300이 30만원이다. 심로악기의 SN 592는 26만원대의 SN 591과 더불어 비교적 저가의악기 로, 취미삼아 처음 시작하는 초보자들을 위한 악기이며 연습용 악기이 다. 같은 가격대의 다른 악기들이 얇은 나무판을 달군 쇠로 눌러서 찍어 만드는 프레스 방식을 사용한 반면, 심로 악기는 두꺼운 나무를 깎아서 만든 카브드 방식으로 제작된다는 것이 특징이다. 심 바이올린의 SV 200과 효정악기의 HV 100은 아마추어 연습용. 사이즈 별로 가격 차이는 없으며 프레스 방식으로 제작된다. 효정악기의 HV 200 은 35만원으로 HV 100과 같이 프레스 방식으로 제작되며, 고급 목재를 사 용한 탓에 가격이 약간 비싸다. 유니버샬 악기의 SV 100(26만원)과 SV 300(30만원)도 교육용으로 사용되며, 앞판은 고급 스프루스원목이 사용 되었고 뒤판은 고급 매플 (단풍나무)이 쓰였다. 중가격대의 바이올린 가격은 심로악기의 SN 594가 59만원, 심 바이올린 의 SV 300p는 65만원, 효정악기의 HV 300이 45만원, 유니버샬 악기의 SV 600이 55만원이다. 심로 악기의 41만원대 가격의 SN 593과 SN 594는 SN 591이나 SN 592모 델들과는 목재나 칠의 방법 등에서 차이가 난다. 예를 들어 SN 591과 SN 592는 5년 건조시킨 목재를 사용하고, SN 593은 10년, SN 594는 15 년 건조시킨 나무를 사용하는데, 모델 번호가 클수록 칠의 마감질이 잘되 어 있다. 심 바이올린의 SV 300p는 무늬목을 사용하며 프레스 방식과 카브드 방식 을 혼용해 제작한다. 그리고 숫자 300 뒤에 붙는 p는 퍼플링을 나타내며, 퍼플링의 역할은 악기의 균열을 방지하고 소리의 흩어짐을 방지한다. 이 악기는 라인 방식으로 생산되며 교육용으로 많이 쓰인다. 효정악기의 HV 300은 무늬목을 사용하고 카브드 방식으로 제작된 교육 용 제품이다. 유니버샬 악기의 40만원대의 SV 500과 SV 600은 선별된 목재를 사용, 고 급스러운 칠이 특징이다. 고급용으로는 심로악기의 SN 595는 133만원, 한 단계 위인 SN 597이 275 만원이다. 심 바이올린의 SV 400p가 120만원, SV 500p가 200만원이며, 유니버샬 악기의 SV 1000이 95만원부터 시작된다. 심로악기의 SN 595는 다른 모델과 마찬가지로 한 사람이 한 부분씩 맡아 서 제작하는 라인 방식에 의한 대량생산 제품이다. 반면 SN 597은 마스 터가 한 악기의 전체 공정을 맡아서 제작하므로 수량이 한정적이다. 심 바이올린의 SV 400p부터는 칠의 종류가 달라진다. 고급 알코올 니스 칠을 하며 목재는 수입 원목을 사용한다. 그리고 전량을 두꺼운목재를 깎 아서 만드는 카브드 방식으로 제작된다. SV 500p는 마스터가 직접 제작 한 것으로 사용된 목재의 질과 칠이 우수하며 주문에 의해 소량만 생산된 다. 유니버샬 악기의 SV 1000은 연주용 악기로 4/4 풀 사이즈만 있다. 완전 수제품으로 최고급 목재를 사용하고 지판 및 줄감개도 최고급 흑단목을 사용한다. 마지막으로 수입 악기를 알아보자. 현재 국내에 들어와 있는 외국제품은 100개 이상으로 이중 대부분이 독일제 악기이다. 대량 수공업 으로 생산되는 60만원부터, 마스터가 제작하는 고가의 제품까지 천차만 별인데 아마추어 애호가가 구입할 만한 가격대는 150만원 정도로 이 가격 대에 가장 다양한 모델들이 있다. 또한 300만원 정도면 아마추어로서 평 생 소장할 만한 최상의 악기를 구입할 수 있다. 구입과 관리 처음 시작하는 경우 무엇보다 자기에게 맞는 사이즈를 선택하는 것이 좋 다. 어렸을 때 시작한 경우 성장함에 따라 악기를 2~3번은 바꾸어야 한 다. 물론 가장 중요한 것은 전문가와 함께 가서 직접 연주해 소리를 들어 보고 구입하는 것이 제일 좋은 방법이다. 구입이 가능한 곳은 예술의전 당 주위에 밀집한 현악기상과 종로의 낙원상가에서 구입할 수 있다. 현악 기의 경우 국내의 여러 유명 제조사에서 대량으로 생산되고 있어 가격이 비교적 저렴한 편이다. 관리시에는 많은 조심이 따른다. 연습후 잠시 휴 식할 경우에는 악기를 반드시 테이블 위에 정상적으로 뉘어놓는게 좋다. 또한 침대나 의자에 놓을 때도 무의식적으로 앉거나 깔아 뭉개 악기를 손 상시킬 수도 있기 때문에 특별히 조심해야 한다. 보면대에 악기를 걸어두 는 것도 조심해야 한다. 조그마한 부주의에도 보면대가 넘어질 수 있다. 사람들이 많은 곳에서는 항상 케이스에 넣어두는 것이 안전하다. 추천 명곡 ●바흐/무반주 바이올린 소나타와 파르티타 BWV 1001-1006 바이올린을 위한 연습곡 정도로 여겨오다가 20세기 들어서면서 부터 독 주 바이올린 곡으로서 중대한 위치를 차지하고 있다. 작품을 관통하는 지 적인 힘과 독창성, 건축적인 균형감이 특징. 수준높은 연주력을 필요로 한다. 3개의 소나타와 3개의 파르티타로 이루어지는데, 소나타가 이탈리 아 교회 소나타 양식을 취하는 반면, 파르티타는 모음곡 형식으로 되어 있다. 소나타의 둘째 악장을 장식하는 푸가는 바흐의 능통한 대위법을, 파르티타의 작은 춤곡들은 바로크풍의 우아함과 아름다움을 담고 있다. 파르티타 2번의 유명한 샤콘느에서 당김음 주제가 간결한 화음을 토대로 펼쳐가는 변주의 파노라마는 특히 압권이다. ●비발디/바이올린 협주곡 ‘사계’ 비발디의 ‘화성과 창의의 시도’ 작품 8을 구성하는 12곡의 바이올린 협주 곡 중의 첫 4곡이다. 각 곡의 초두에 적힌 소네트와 더불어 봄·여름·가을· 겨울의 4계절 풍경이 음악으로 묘사되는 형식으로 되어 있다. 4곡 모두 바이올린의 독주부와 오케스트라의 리토르넬로가 교대로 나타나고, 느 린 악장을 사이에 두고 빠른 악장이 처음과 끝악장에 놓이는 변함없는 규 칙성이 조금은 단조롭게 여겨지지만, 작품 사이사이에서 만나는 바이올 린의 화려한 연주기교와 비발디 특유의 생동감있는 표현은 세월이 지나 도 바뀌지 않는 이 작품의 매력이라 할 만하다. 음악사적으로는 독주 바 이올린 협주곡 양식의 기틀을 마련했다는 평가를 듣는다. ●베토벤/바이올린 협주곡 D장조 작품 61 베토벤이 쓴 유일한 바이올린 협주곡이면서 이 장르 최고의 걸작이다. 장 대한 스케일과 역동감이 작품 전체를 지배하는 가운데 깊고 뜨거운 열정 이 강렬한 힘으로 뿜어져 나오는 곡. 팀파니의 5번의 연타로 시작되는 첫 악장부터 불꽃이 튀는 듯한 마지막의 론도 악장에 이르기까지, 꽉 짜인 곡의 구조와 악기간(독주와 오케스트라)의 균형이 작품의 완성도를 높여 준다. 베토벤의 피아노 협주곡들에 비해 남성적 강인함은 덜한 편이지 만, 정(靜)과 동(動)의 교묘한 공존에서 빚어지는 긴장감은 엄청난 힘을 발한다. ●베토벤/바이올린 소나타 1번-10번 모차르트의 경우와 마찬가지로 베토벤의 바이올린 소나타들도 ‘바이올린 과 피아노’가 아닌 ‘피아노와 바이올린’을 위한 작품이다. 그러나 내용적 으로는 전 시대에 비해 두 악기가 거의 대등한 균형을 이룬다. 모두 10 곡. 그 가운데 5번과 9번이 가장 유명하다. 화사한 곡의 분위기로 인해 ‘봄’이라는 부제를 달게 된 소나타 5번은 베토벤의 작품으로서는 드물게 단순하고 맑은 시정을 담고 있다. 아직은 바이올린이 피아노보다 한 발 뒤로 물러서 있는 단계다. 반면에 소나타 9번 ‘크로이처’에서 두 악기의 역할은 보다 더 대등해지고, 그 밀착된 대화와 협주적 갈등구조는 대단 한 격정을 뿜어낸다. 베토벤은 애초에 이 곡을 바이올리니스트 브리지타 워에게 헌정하려 했으나 한 여자를 두고 그와 연적의 관계가 됨에 따라 헌정자를 크로이처로 바꾸었다. ●파가니니/바이올린을 위한 24개의 카프리스 작품 1 파가니니는 신기(神技)에 가까운 연주기교로 센세이션을 일으켰던 바이 올리니스트. 그가 작곡한 여러 바이올린 작품 가운데 ‘24개의 카프리스’ 는 19세기 기교주의의 극치를 대변하는 동시에 음악적으로도 충실한 걸 작이다. 화려한 트릴과 2중 3중의 스토핑, 하모닉스, 피치카토, 스타카토 와 아르페지오 등 온갖 기교가 망라되는 바이올린의 교본 같은 곡이다. 그러나 이 작품의 가치는 24개의 곡들이 단순한 연습곡의 수준을 넘어 뛰 어난 음악성을 구비하고 있다는 데 있다. 풍부한 선율과 생기있는 리듬, 자유로운 악상의 전개가 순간순간 광채를 발하는 작품. 마지막 곡은 브람 스와 라흐마니노프가 변주곡의 주제로 써서 더욱 유명하다. ●멘델스존/바이올린 협주곡 E단조 작품 64 멘델스존 생전에 발표된 유일한 바이올린 협주곡으로서 낭만주의적 정서 가 다분하다. 형식에 있어서 전 3악장이 쉬지 않고 연주된다는 점과 1악 장의 카덴차가 소나타 형식의 전개부와 재현부 사이에 삽입된 점이 이채 롭다. 무엇보다도 획기적인 것은 오케스트라가 주제를 제시하기 전에 독 주 바이올린이 곧바로 주제로 들어간다는 사실이다. 깨끗하고 유창한 멘 델스존의 특징이 두드러지는데, 2악장의 선율은 특히 더 감미롭다. ●프랑크/바이올린 소나타 A장조 프랑크가 쓴 유일한 바이올린 소나타. 이 곡을 가리켜 뱅상 댕디는 ‘최초 이자 가장 순수한 순환 주제의 소나타’라 했지만 순환형식이 그리 엄격하 게 지켜지지는 않는다. 어쨌든 작곡가 자신은 서로 연관되는 선율을 가리 켜 ‘사촌들’이라 했고, 이것이 작품 전체에 통일감을 주는 것은 사실이다. 4악장 구조. 신비적인 첫번째 주제가 그렇듯이 전체적으로 조용하고 환상 곡풍의 무드가 지배적이며 이따금 강렬한 정열이 표출될 때도 있다. 바이 올리니스트 오이겐 이자이에게 헌정된 곡이다. 베토벤, 브람스의 작품과 더불어 바이올린 소나타의 걸작으로 꼽힌다. ●브람스/바이올린 소나타 1번-3번 현존하는 브람스의 바이올린 소나타는 모두 3곡. 모두 그의 바이올린 협 주곡보다 나중에 작곡된, 실내악의 걸작들이다. 1번 G장조 소나타는 일 명 ‘비의 노래’로 불리는데, 이는 동명의 브람스 가곡을 주제로 쓴 3악장 때문에 붙여진 것이다. 실질적으로 이 노래의 리듬은 전악장을 지배한 다. 2번 A장조 소나타에서도 브람스는 자신의 가곡 선율을 이용하는데, 단지 이번엔 하나가 아니라 여러 곡이 조금씩 비치는 정도다. 우울한 1번 에 비해 2번은 부드럽고 다정하며, 3번 D단조 소나타는 보다 더 심각하 고 내성적이다. ●차이코프스키/바이올린 협주곡 D장조 작품 35 작곡 당시 최고의 바이올리니스트였던 아우어가 ‘연주 불가능한 곡’이라 했다는 유명한 일화가 있지만 현재는 가장 인기있는 바이올린 협주곡의 하나로 꼽힌다. 바이올린의 화려한 음색으로 표현되는 풍부한 선율성은 분명 차이코프스키 고유의 특색을 담고 있지만 이 곡의 구조는 멘델스존 의 곡을 따르고 있다. 3악장 형식. 피날레의 러시아 춤곡 리듬은 그의 다 른 작품들에 비해 한결 더 러시아적인 경향이 강하다. 추천음반 ●바흐/무반주 바이올린 소나타와 파르티타·나탄 밀슈타인(바이올린) DGG 423 294 (2CD) ●베토벤/바이올린 소타나 4∼5번 기돈 크레머(바이올린), 마르타 아르 헤리치(피아노) DGG 419 787 ●그레이트 로맨틱 콘체르토-베토벤, 브람스, 브루흐, 멘델스존, 차이코 프스키, 브루흐 1번, 파가니니 1번 이차크 펄만(바이올린), 줄리니, 시카고 심포니 외 EMI CMS7 64922 2 ●브람스/바이올린 소나타 아르투르 그뤼미오(바이올린), 조르주 세벡 (피아노) 필립스 DP 1757 ●프랑크·드뷔시/바이올린 소나타,라벨/서주와 알레그로 정경화(바이올 린), 라두 루푸(피아노)/데카CD421 154-2 ●파가니니/24개의 카프리스-살바토레 아카르도(바이올린), DG 429 714 악기이야기 발췌