다큐＜홀슈타인 음악제의 번스타인＞... 1988 독일 슐레스비히

[서푼짜리오페라]

<1988 슐레스비치 홀스타인 음악제 / 다큐 180분 + 실황 35분 / 한글자막>

=== 프로덕션 노트 ===

1988년 다큐멘터리 '독일 슐레스비치 홀슈타인 음악제의 번스타인'

호란트 호울펠트·험프리 버톤(연출·감독), 번스타인(지휘·출연) 외

번스타인이 제2의 번스타인을 찾는다

1987년부터 번스타인(1918~1990)은 독일 잘차우의 슐레스비히-홀슈타인 음악제에서 젊은 음악가들을 모아 오케스트라 아카데미를 이끌었다. 이 영상물은 1988년의 시간을 담은 것. 지원자 1600명에서 선발된 120명의 젊은 음악가들이 거장의 지휘와 가르침 하에 음악을 만드는 과정은 흥미진진하다.

<봄의 제전>에 대한 생각도 제각각. 하지만 거장은 그들을 '유혹'해가며 놀라운 음악적 결과를 도출한다. 청년 지휘자들도 거장의 문하에서 희망을 품고, 좌절을 겪고, 다시 도전하고 이겨낸다. 중간의 번스타인의 인터뷰는 지휘 철학을 엿볼 수 있는 어록 같다.

보너스트랙에는 번스타인/빈 필과 유스투스 프란츠(1944~)가 함께 한 슈만 피아노 협주곡 1985년 실황이 수록. 해설지(17쪽 분량/영·불·독어)에는 영상에 대한 해설이 담겨 있다.

레너드 번스타인(1918~1990)의 탄생 100주년을 맞은 2018년, 번스타인의 향수를 불러일으키는 최고의 영상물들이 Cmajor를 통해 출시되고 있다.

번스타인은 1986년 7월에 열린 독일 슐레스비히-홀슈타인 음악제의 개막작에서 하이든의 <천지창조>를 선보였다. 그로부터 1년 뒤, 축제가 열리는 잘차우 성에서 여름이 되면 젊은 음악가들이 모이는 오케스트라 아카데미를 개설한다. 이 영상물은 1988년, 그 특별한 시간을 담은 것.

Part 1 : '오케스트라의 탄생'이다.

1600명의 지원자 중 선발된 120명의 젊은 음악가들이 번스타인의 지휘와 가르침 아래 하나의 음악을 만들어가는 과정을 보여준다. 세계 각국에서 모인 젊은이들의 생각과 기대감이 담긴 인터뷰가 인상적이다.

Part 2: '오케스트라 작업과 봄의 제전'이다.

번스타인과 젊은이들은 스트라빈스키의 <봄의 제전>을 함께 만들어나간다. 마에스트로는 가르치고 주입하기보다는, 개성과 패기 넘치는 젊은이들을 이끌기 위해 '유혹'하며 놀라운 결과를 도출해낸다.

Part 3: '국제지휘자 콩쿠르와 마스터 코스'이다.

전 세계에서 선출된 10명의 지휘자 중 단 4명만이 번스타인과 함께 할 기회를 받아 레슨을 받는다. 청년 지휘자들은 거장의 문하에서 희망을 품고, 좌절을 겪고, 다시 도전하고 이겨낸다. 청년에게 건네는 노장의 말들은 하나하나 명문이다. "우리가 원하는 것은 박자나 박동이 아니라, 음악 그 자체입니다. "지휘자에게 해야 할 큰 일은 오케스트라의 색채를 만드는 것입니다. 달리 표현하자면 오케스트라는 정확한 리듬으로, 연주할 수 있어야 하고, 안 되면 쉽게 고칠 수 있어야죠. 이런 역할을 하는 건, 악장입니다. 지휘자는 그런 게 아닙니다. 지휘자는 그 이상을 해내어 단원들에게 음악을 보여줘야 합니다." 한마디로 번스타인의 지휘 철학을 엿볼 수 있는 어록과도 같다.

보너스 트랙 :

유스투스 프란츠(1944~)의 젊은 날이 담긴 1985년 빈 무지크페어라인 실황이다. 번스타인/빈 필의 슈만 피아노 협주곡이 수록되어 있다. 해설지(17쪽 분량/영·불·독어)에는 다큐멘터리에 대한 해설이 수록되어 있다.

=== 작품 해설 === <2011년 8월 22일 네이버캐스트 / 박제성 글>

클래식 명곡 명연주

슈만, 피아노 협주곡 a단조 Op.54

피아니스트로서, 그리고 피아노를 사랑하는 작곡가로서 로베르트 슈만은 젊은 시절부터 피아노와 오케스트라를 위한 작품을 작곡하려는 꿈을 가지고 있었다. 그러나 오케스트레이션 작업에 보다 많은 훈련과 노련함을 필요로 했던 슈만은 자신의 꿈을 구체화하는 데에는 꽤 많은 시간을 필요로 했다. 그러한 만큼 결혼 무렵까지 슈만은 피아노 솔로 혹은 피아노를 수반한 가곡을 중심으로 작곡을 했고, 다양한 경험과 모진 시련, 사랑의 결실을 체험한 다음인 1841년 라이프치히에서 자신의 모든 것을 쏟아붓기를 작정한 듯 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡을 작곡했다.

한 낭만주의자의 꿈

1839년 12월 11일 그는 슈베르트의 [9번 교향곡 '더 그레이트'의 리허설을 보고난 뒤 친구인 베커에게 “나의 모든 이상이 그 안에서 구현현되어 있다”며 흥분을 감추지 못했고, 자신이 작곡하고자 하는 작품에 대해 “교향곡과 협주곡, 그랜드 소나타의 중간 형태”라고 설명하고 있다. 1840년 결혼과 더불어 엄청난 가곡을 쏟아냈던 슈만은 멘델스존이 지휘한 슈베르트의 [더 그레이트] 초연을 들은 뒤 자신의 [1번 교향곡]에 대한 영감을 받았음과 동시에 1악장의 저 장대한 호른의 등장을 자신이 작곡하고 있는 피아노 협주곡의 첫 부분에 차용하기로 마음먹었다.

그리고 그는 모차르트와 베토벤 이후 피아노와 오케스트라의 유기적인 통합이 배재된 채 독주자의 비르투오시티만을 강조하는 과시형 협주곡들이 나타나는 것에 대해 극도의 불쾌감을 피력한 바 있다. 그의 목표는 고전적 이상에 의거한 피아노와 오케스트라의 일체화된 서사시를 작곡하는 것이었다. 이렇게 탄생하게 된 것이 바로 단악장의 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡이다. 이후 슈만은 이와 같은 단악장 형태의 콘체르트슈튀크 작품을 1849년 드레스덴에서 인트로덕션과 알레그로 아파쇼나토 Op.92를 작곡했고, 1853년 뒤셀도르프에서 인트로덕션과 알레그로 콘체르탄테 Op.134를 작곡했다.

1841년은 슈만에게 있어서 ‘교향곡의 해’에 해당한다. [교향곡 1번]과 후일 [교향곡 4번]이 된 두 번째 교향곡을 작곡하는 시기에 탄생한 피아노 협주곡은, 당시 슈만의 의도대로 오케스트라의 효과와 구성에 많은 힘을 쏟은 모습을 곳곳에서 찾아볼 수 있다. 그러나 [4번 교향곡] 또한 원래는 ‘교향적 환상곡’이라는 타이틀로 출판하고자 했었다. 아마도 전통적인 교향곡에 있어서의 소나타 형식보다는 낭만주의자로서 자신의 기질이 보다 자유분방하고 발전적인 양식을 도입한 환상곡 형식에 슈만은 많은 애착을 갖고 있었음을 미루어 짐작할 수 있다. 이러한 맥락에서 자신의 피아노 협주곡 또한 전통적인 협주곡의 형식에서는 많이 벗어나있는, 오히려 그 변화하는 주제의 모습들은 어딘지 변주곡을 떠올리는 까닭에 환상곡이라는 제목을 붙이고자 했다는 가정에 높은 개연성을 부여할 수 있을 것이다.

실제로 1841년 5월 13일에서 20일 사이에 쓴 일기에 따르면, 슈만은 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡을 독립된 작품으로 출판할 생각이었지만 마땅한 출판사를 찾을 수가 없었다. 이후 4년이라는 시간을 더 투자하여 2악장과 3악장을 작곡하여 1845년 여름에 이르러 정식적인 피아노 협주곡이라는 제목을 붙인 작품으로 완성했고, 그 해 12월 4일 드레스덴에서 페르디난트 힐러의 지휘와 슈만의 아내인 클라라 슈만의 피아노 연주로 초연되었다. 이어 1846년 1월에는 라이프치히에서 멘델스존의 지휘와 클라라의 협연으로 연주되어 커다란 성공을 거두었다.

슈만은 비르투오소들을 위한 협주곡에 담긴 자기과시적인 요소를 배재하고 순수 음악적인 효과와 구조적인 맥락을 추구하기 위해 피아노와 오케스트라에 동등한 지위를 부여하는 것을 가장 중요시했다. 이를 위해 그는 비엔나의 고전주의 작곡가들의 작품을 의식적으로 계승하고자 노력했다. 특히 피아니스트와 오케스트라가 대화를 주고받는 형식을 강조했다는 점에서 이를 뒷받침할 수 있다. 그러나 슈만은 단순히 전통을 답습한 것이 아니라 자신만의 음악언어, 즉 낭만주의적 상상력을 강력하게 발휘하여 새로운 드라마를 만들어냈다. 특히 1악장은 ‘환상곡’이라는 제목으로 발표하고자 했던 것을 생각해 본다면, 그는 피아노와 오케스트라라는 양자의 대화보다는 통합이라는 관점에서 이를 다루고자 했음을 짐작할 수 있다. 바로 이 점이 동시대에 발표된 비르투오소용 협주곡 혹은 형식 파괴에 앞장선 리스트의 피아노 협주곡 등과 전적으로 구분되는 슈만만의 개성이라고 말할 수 있다.

환상곡풍의 협주적 완결체

우선 제시부에서 독주와 관현악의 구분이 희미해졌다. 강력한 하행 옥타브로 시작하는 피아노의 다이내믹한 등장으로 시작한 뒤 제시부가 끝날 무렵에야 비로소 잠깐 피아노가 수반되지 않는 오케스트라 총주가 등장할 뿐이다. 주제가 끊임없이 변형함에 따라 독주는 물론이려니와 오케스트라 또한 서정적인 모습을 잃지 않으며 변화해나가는 모습이 특히 그러하다. 게다가 오케스트라는 피아노와 대립하지 않고 종속하지도 않으며, 가곡에 있어서 성악가와 피아노의 진실된 관계처럼, 서로 조화를 이루며 동반자의 관계를 유지한다. 그 가운데 클라리넷이나 오보에 솔로가 가끔씩 시그널적인 멜로디를 노래 부를 뿐 두드러지는 것은 찾아보기 힘들다. 이것은 어떤 경우에는 실내악적인 정교함을, 또 어떤 경우에는 보다 두터운 텍스추어로 음악에 질감과 힘을 더하는데, 외형상의 이러한 효과는 후일 브람스가 오케스트라 작품에서 즐겨 사용했던 것이라고 말할 수 있다.

어찌되었던 이 1악장은 환상곡풍을 견지하는 작품임이 분명한데, 이러한 모습은 리스트가 자유로운 방식으로 작곡한 헝가리 광시곡과 베토벤이 투철한 계산과 논리적인 발전을 전개시켰던 피아노 소나타의 중간 형태라고 말할 수 있을 것이다. 게다가 여기에는 바흐에 대한 슈만의 동경 또한 등장한다. 1악장 카덴차 부분에서 등장하는 다성부적인 패시지가 그것으로서, 슈만은 바흐로부터 많은 아이디어의 자양분과 대위법적 상상력을 얻어왔다. 슈만은 같은 시대의 리스트나 바그너처럼 기교주의나 화려한 외면을 꾸미는 방향에는 공감을 갖지 못했고, 오히려 바흐나 베토벤, 슈베르트 등으로 이어 내려온 전통에 입각한 자기 나름의 방향에서 창작하는 것을 사명으로 생각했다. 그렇기 때문에 그는 멘델스존을 높이 평가하고 브람스에게 호감을 가졌다. 이러한 슈만은 멘델스존처럼 바흐의 음악을 끝없이 연구하였으며 젊은 음악가들에게도 그렇게 할 것을 끊임없이 권했다.

이 작품은 슈만의 [교향곡 4번]처럼 쉼 없는 유기체적인 흐름을 내세운 작품은 아니지만, 이에 못지 않은 콘텍스트의 연속성과 일관된 흐름을 가지고 있다. 독립된 환상곡에 후일 덧붙인 2악장과 3악장을 보면 이러한 특성을 더욱 강하게 이해할 수 있는데, 무엇보다도 첫 악장과 뒤의 두 개의 악장 사이에 일체의 이질감과 소외감을 찾을 수 없다는 것이 그러하다. 오히려 1악장에서의 주제에 정당성과 정합성을 부여하기 위해 나머지 악장들 또한 이 주제와 끊임없이 관련을 맺어 나가며 환상곡 본래의 단일주제적 접근에 충실하고자 했다.

2악장은 나긋나긋하고 차분한 톤의 인터메조 악장이다. 단순한 ABA 구성으로서 피아노와 오케스트라가 주도 멜로디에 대해 끊임없이 대화를 나눈다. 특히 첼로와 피아노가 대화를 나누는 모습은 대단히 인상적으로서, 이렇듯 느린 악장에서 첼로를 사용하는 기법은 이후 브람스 또한 자신의 [피아노 협주곡 2번]에서 보다 특징적이고 발전적인 모습으로 계승된다. 피아노는 첫 주제로 돌아온 뒤 다음 알레그로 악장을 향한 힘찬 약진을 준비한다.

피날레는 규모가 큰 소나타 형식에 있어서의 론도 악장으로서, 소나타 전체의 주제를 새로운 방식으로 변형한 것이다. 특히 피아니스트로 하여금 고난도의 아르페지오와 8분음표 패시지를 대단히 바쁘게 연주하게끔 하는 부분이 등장하여, 비르투오시티를 자랑하지 않으면서도 음악에 적절한 긴장감과 화려한 효과를 부여하는 모습으로부터 슈만의 작곡의도를 파악할 수 있다. 2주제는 미묘한 교차 리듬으로 확장하며 길거나 짧은 단위로 등장한다. 이후 론도 주제가 다시 등장하고 정통적인 방식에 따라 약간의 푸가토가 포함된 숨가쁜 발전부를 거친 뒤 오보에와 피아노의 대화에서 새로운 선율이 제시된다. 재현부 이후에 눈부신 시성과 우아한 지적 고양감이 충만한 코다에 이르러, 환상곡풍임을 강조하기 위해 슈만이 그토록 집요하게 사용한 협주곡의 첫 주제가 녹아있다는 사실을 거의 깨닫지 못한 채, 낭만주의의 상상력과 고전주의의 엄격함을 결합하여 19세기 피아노 협주곡 장르의 모범으로 일컬어지는 이 작품은 비로소 끝을 맺는다.

1839년 모셀레스의 [피아노 협주곡 Op.93]과 멘델스존의 [피아노 협주곡 Op.40]을 평한 슈만의 한 글에서 협주적 완결체로서의 시도의 한계를 지적하며, 한 천재가 나타나 “새롭게, 멋지게, 피아노가 오케스트라와 하나가 되어 피아노 앞에 앉은 거장은 자기 악기, 자기 예술의 모든 것을 펼쳐보이고 오케스트라도 구경꾼에 그치지 않으며 다양한 소리를 전체 속에 예술적으로 짜넣을 수 있기를” 바라는 마음을 피력한 바 있다. 그리고 그 간절한 바람은 바로 슈만 자신에 의해 이루어질 수 있었던 것이다.

추천음반

환상곡풍의 협주적 완결체로서 이 작품을 가장 정확하게 이해하고 표현한 역사적인 녹음으로는 빌헬름 푸르트벵글러와 발터 기제킹의 전시녹음(DG)을 예로 들 수 있다. 이들은 전체가 하나가 된 것처럼 강력한 에너지를 발산하며 그 광기어린 시성에 모든 것을 녹여버리는 듯하다.

음질을 포함한 여러 음악적 완성도에 있어서 그 시들지 않는 청초함과 결벽증적인 완벽주의가 빛을 발하는 녹음으로 디누 리파티와 헤르베르트 폰 카라얀의 녹음(EMI)이 슈만 협주곡의 결정반이라고 감히 말할 수 있다. 카라얀의 템포를 리파티가 받아들이지 않아 녹음이 탄생할 수 없었던 위험한 순간도 있었지만, 결국 리파티는 카라얀의 완벽주의적 성격에 존경을 표하며 카덴차 부분 외에는 모든 템포를 카라얀의 스타일에 맞추었다.

머레이 페라이어와 클라우디오 아바도의 녹음(SONY) 또한 두터운 음향을 바탕으로 진취적이고 단일적이며 독특한 시성을 발산하는 연주로 그 명성이 높고,

마르타 아르헤리치와 니콜라우스 아르농쿠르의 녹음(Teldec)은 즉흥성과 광기, 숨 쉴 틈 없는 추진력이 빛을 발하는 현대적 해석의 표본이라고 말할 수 있다.

[네이버 지식백과] 슈만, 피아노 협주곡 A단조