템페스트 Tempest - 폭풍우

[dhleepaul]

템페스트 - 위키백과, 우리모두의 백과사전 (wikipedia.org)

The Tempest - Wikipedia

https://www.youtube.com/watch?v=5Wpr7a6IANo

템페스트는 윌리엄 셰익스피어의 연극으로, 아마도 1610-1611년에 쓰여졌을 것이며, 그가 혼자 쓴 마지막 연극 중 하나로 생각됩니다. 폭풍우가 몰아치는 동안 바다에 떠 있는 배에서 일어나는 첫 번째 장면 이후, 나머지 이야기는 복잡하고 모순적인 캐릭터인 프로스페로가 딸 미란다와 그의 두 하인인 야만적인 괴물 인물인 칼리반과 바람 부는 영혼인 아리엘과 함께 사는 외딴 섬을 배경으로 합니다. 연극에는 섬의 마법의 정신을 불러일으키는 음악과 노래가 포함되어 있습니다. 마법, 배신, 복수, 가족을 포함한 많은 주제를 탐구합니다. 4막에서 결혼식 가면극은 연극 속의 연극 역할을 하며 스펙터클, 알레고리, 고상한 언어에 기여한다.

템페스트 (The Tempest)는 셰익스피어의 첫 번째 희극으로 첫 번째 폴리오에 등재되어 있지만, 비극과 희극 주제를 모두 다루고 있으며, 현대 비평은 셰익스피어의 후기 연극과 다른 작품에 대한 로맨스 범주를 만들었습니다. 템페스트는 셰익스피어를 대표하는 프로스페로와 셰익스피어의 작별을 알리는 프로스페로의 마법 포기를 예술과 창조의 우화로 보는 사람들부터 유럽인들이 외국 땅을 식민지화하는 우화로 간주하는 해석[1]에 이르기까지 다양한 해석이 있었습니다.

등장인물[편집]

• 프로스페로 – 정당한 밀라노 공작
• 미란다 – 프로스페로의 딸
• 아리엘 – 프로스페로를 섬기는 영혼
• 칼리반 – 프로스페로의 하인이자 야만적인 괴물
• 알론소 – 나폴리의 왕
• 세바스찬 – 알론소의 형제
• 안토니오 – 프로스페로의 형제, 찬탈한 밀라노 공작
• 페르디난트 – 알론소의 아들
• 곤잘로 – 정직한 늙은 의원
• 아드리안 – 알론소 밑에서 일하는 영주
• 프란시스코 – 알론소 밑에서 섬기는 영주
• 트린쿨로(Trinculo) – 왕의 광대
• 스테파노 – 왕의 술 취한 집사
• 주노 – 로마의 결혼 여신
• 세레스 – 로마의 농업 여신
• 아이리스 – 그리스 무지개의 여신이자 신들의 사자
• 마스터 – 배의 주인
• 매리너스
• Boatswain – 주인의 하인

줄거리[편집]

1797년 벤자민 스미스(Benjamin Smith)가 조지 롬니(George Romney)의 그림을 따라 판화한 1막 1장의 난파선제1막[편집]

연극이 시작되기 12년 전, 한때 밀라노 공작이자 재능 있는 마법사였던 프로스페로는 나폴리 왕 알론소의 도움으로 배신한 동생 안토니오에게 찬탈당했습니다. 갓난아기 딸 미란다와 함께 배를 타고 탈출한 프로스페로는 외딴 섬으로 도망쳐 그 이후로 계속 살고 있으며, 마법을 사용하여 섬의 유일한 주민인 괴물 칼리반에게 자신과 미란다를 보호하도록 강요합니다. 그는 또한 영혼 아리엘을 해방시키고 그를 영원한 노예로 묶습니다.

동생 안토니오를 태운 배가 근처를 지나가자 프로스페로는 아리엘의 도움을 받아 폭풍을 일으키고 배는 파괴된다. 안토니오는 알론소, 페르디난트(알론소의 아들이자 왕위 계승자), 세바스찬(알론소의 형제), 곤잘로(프로스페로의 믿음직한 신하), 아드리안, 그리고 다른 궁정 구성원들과 함께 난파된다.

사도행전 2, 3장[편집]

프로스페로와 미란다, 윌리엄 모 에글리, 1850년경

프로스페로는 찬탈자들에게 복수하고 공작령을 되찾기 위해 치밀한 계획을 세운다. 그는 마법을 사용하여 난파선 생존자들을 섬에 있는 그룹으로 나눕니다.

• 페르디난드는 프로스페로와 미란다에 의해 구출되어 피난처를 제공받는다. 프로스페로는 젊은이들을 조종하여 미란다와 로맨스를 맺는 데 성공한다.
• 왕의 광대 트린쿨로와 왕의 술에 취한 마요르도모 스테파노가 칼리반을 만난다. 그의 비참한 처지를 깨달은 세 사람은 프로스페로에 대한 '반란'을 일으킨다. 그들의 행동은 연극의 "코믹한 안도감"을 제공합니다.
• 알론소, 세바스찬, 안토니오, 곤잘로, 그리고 두 명의 시종(아드리안과 프란시스코). 안토니오와 세바스찬은 세바스찬이 왕이 될 수 있도록 알론소와 곤잘로를 죽이려는 음모를 꾸민다. 프로스페로와 아리엘은 음모를 저지한다. 나중에 아리엘은 하피의 모습을 하고 안토니오, 알론소, 세바스찬을 괴롭히고 프로스페로와 서로에게 저지른 범죄에 대한 죄책감으로 도망가게 합니다.
• 배의 선장과 뱃사공은 살아남은 다른 선원들과 함께 마지막 행동까지 마법의 잠에 빠집니다.

액트 IV[편집]

프로스페로는 이제 15세가 된 미란다가 페르디난드와 결혼할 계획이며, 아리엘에게 다른 영혼을 데려와 가면을 만들라고 지시한다. 가면극에는 고전적인 여신인 Juno, Ceres 및 Iris가 등장하며 약혼을 축복하고 축하합니다. 가면극은 또한 젊은 부부에게 결혼과 그때까지 순결의 가치에 대해 가르칠 것입니다.

가면극은 프로스페로가 자신의 목숨을 거스르는 음모를 잊었다는 것을 깨닫고 갑자기 중단된다. 페르디난드와 미란다가 사라지자 프로스페로는 아리엘에게 귀족들의 음모를 처리하라고 명령한다. 칼리반, 트린쿨로, 스테파노는 사냥개 모양의 고블린들에게 쫓겨 늪으로 쫓겨난다.

액트 V와 에필로그[편집]

프로스페로는 목표를 달성하면 아리엘을 풀어주고 마법을 버리겠다고 맹세한다.

나는 내 지팡이를 부러뜨리고,
그것을 땅 속에 묻어버리고,
곤두박질치는 소리
보다 더 깊이 내 책을 익사시킬 것이다. [2]

아리엘은 알론소, 안토니오, 세바스찬을 불러들인다. 프로스페로는 세 사람 모두를 용서한다. 프로스페로의 이전 작위인 밀라노 공작이 복원됩니다. 아리엘은 배에서 선원들을 데려오고, 칼리반, 트린쿨로, 스테파노를 데려온다. 후회로 가득 찬 듯 보이는 칼리반은 좋은 사람이 되겠다고 약속한다. 스테파노와 트린쿨로는 프로스페로에게 조롱을 당하고 수치심에 휩싸여 쫓겨난다. 재회한 그룹(미란다와 프로스페로를 포함한 모든 고귀한 캐릭터)이 섬을 떠나기 전에 아리엘은 왕의 배를 왕실 함대로 안내한 다음 페르디난드와 미란다가 결혼할 나폴리로 안내할 수 있도록 좋은 날씨를 제공하라는 지시를 받습니다. 그 후, 아리엘은 풀려난다.

에필로그에서 프로스페로는 관객들에게 박수와 함께 자신을 풀어달라고 요청한다.

가면극[편집]

폭풍우는 바다에서 폭풍에 휩싸인 배의 광경으로 시작하고, 나중에는 두 번째 광경인 가면극이 펼쳐집니다. 르네상스 시대 영국의 가면극은 음악, 춤, 정교한 세트, 의상, 연극을 제공하는 축제 분위기의 궁정 오락이었습니다. 종종 가면극은 "안티 마스크"로 시작하는데, 예를 들어 사티로스가 격렬하게 노래하고 춤추는 무질서한 장면을 보여줍니다. 그런 다음 반가면은 영광스러운 문명에 의해 휩쓸리는 혼돈과 악덕을 보여주는 적절한 가면의 화려한 도착에 의해 극적으로 흩어질 것입니다. 셰익스피어의 희곡에서 1장면의 폭풍은 4막의 가면극에 대한 안티 마스크로 기능한다. [3][4][5]

템페스트의 가면은 실제 가면이 아닙니다. 오히려, 그것은 가면을 모방하고 환기시키면서 그것을 포함하는 드라마의 내러티브에 봉사하기 위한 유사한 장면입니다. 이 가면극은 템페스트의 주요 액션의 절정입니다: 찬탈자들에게 복수할 뿐만 아니라 밀라노 공작으로서의 정당한 지위를 되찾으려는 프로스페로의 의도. 자신의 권력과 지위를 되찾으려는 그의 음모에서 가장 중요한 것은 미란다를 나폴리 왕의 후계자인 페르디난드와 결혼시키는 것입니다. 이 결혼은 프로스페로의 유산을 확보함으로써 프로스페로의 지위를 확보할 것입니다. 신부의 순결은 필수적인 것으로 간주되며 왕실 혈통에서 매우 중요합니다. 이것은 프로스페로의 음모뿐만 아니라 처녀 여왕 엘리자베스의 궁정에서도 마찬가지입니다. 월터 롤리 경(Sir Walter Raleigh)은 신세계 식민지 중 하나를 군주의 순결을 따서 "버지니아"라고 명명했습니다. 템페스트가 처음 제작되었을 때 왕이었던 제임스도 손주들을 위해 정략결혼을 주선하면서 이를 이해했습니다. 딸에 대한 프로스페로의 계획에서 잘못될 수 있는 것은 자연이다: 미란다는 젊은이들 사이에서 자연의 매력이 강력해지는 인생의 시기에 막 도착한 젊은 여성이라는 사실이다. 한 가지 위협은 24세의 칼리반으로, 그는 미란다를 강간하고 싶다고 말했고, "이 섬에 칼리반이 있는 사람들"[6]이며, 술에 취한 스테파노에게 미란다의 시체를 제공하기도 했다. [7] 또 다른 위협은 조기에 서로에게 굴복할 수 있는 젊은 커플 자신으로 대표된다. 프로스페로 말한다 :

사실처럼 보이십시오. 너무
많은 고삐를 쥐어주지 마십시오. 가장 강한 맹세는 지푸라
기입니다. 더 절제
하거나 그렇지 않으면 좋은 밤을 보내십시오! [8]

이 모든 것을 잘 알고 있는 프로스페로는 미란다를 가르쳐야 할 필요성을 느낀다. [9] 미란다를 가르쳐야 할 필요성은 4막에서 프로스페로가 가면을 만들도록 영감을 주었고,[10] "순결의 가치"는 행복한 결혼 생활과 함께 가면이 가르치는 주요 교훈입니다. [11][12][13]

날짜 및 출처[편집]

니콜라스 로우 (Nicholas Rowe)의 1709 년 판 셰익스피어 연극 (Shakespeare's Plays)의 1674 년 각색의 오프닝 무대 연출을 묘사했습니다날짜[편집]

템페스트가 정확히 언제 쓰여졌는지는 확실하지 않지만, 증거는 그것이 아마도 1610년 말에서 1611년 중반 사이에 작곡되었을 것이라는 생각을 뒷받침합니다. 셰익스피어가 혼자 쓴 마지막 희곡 중 하나로 간주됩니다. [14][15] 증거는 아마도 겨울 이야기 이전, 이후, 또는 동시에 발생했을 가능성이 있는 구성을 지지한다. [14] Edward Blount는 1623년 11월 8일 The Tempest를 Stationers' Register에 등록했습니다. 그것은 블라운트가 그 날짜에 등록한 16개의 셰익스피어 연극 중 하나였다. [16]

현대 자료[편집]

실베스터 주르댕(Sylvester Jourdain)의 바뮤다의 발견(A Discovery of the Barmudas)

The Tempest의 줄거리에 대한 명백한 단일 출처는 없습니다. 그것은 주로 William Strachey의 "Letter to an Excellent Lady"와 같은 여러 출처에 기여하여 만들어진 것으로 보입니다. [17] 출처 학문이 18세기에 시작된 이래로 연구자들은 에라스무스의 Colloquia Familiaria(1518)의 구어체 중 하나인 "Naufragium"("난파선")의 구절과 [a] 및 Richard Eden의 1555년 Peter Martyr의 De orbo novo(1530) 번역. [19]

윌리엄 스트라치 (William Strachey)의 토마스 게이츠 경 (Sir Thomas Gates)의 참된 보고서 (A True Reportory of the Wracke and Redemption of Sir Thomas Gates, Knight)는 1609 년 버뮤다 섬에서 버지니아로 항해하는 동안 Sea Venture의 실제 난파선에 대한 목격담으로, 오프닝 장면의 주요 출처로 간주 될 수 있으며 음모와 보복에 대한 연극의 몇 가지 다른 언급으로 간주 될 수 있습니다. [20] 1625년까지 출판되지 않았지만 Strachey의 보고서는 사건을 설명하는 사적인 편지이자 가장 초기의 설명인 "Letter to an Excellent Lady"에서 처음 언급되었습니다. 이 편지의 날짜는 1610년 7월 15일이었으며, 셰익스피어는 그 해의 어느 시점에 원본을 보았을 것으로 생각됩니다. E. K. 챔버스(E. K. Chambers)는 트루 리포터리(True Reportory)가 1625년에 출판되었음에도 불구하고 템페스트(The Tempest)에 대한 셰익스피어의 "주요 권위"라고 밝혔다. [21] 연극에서 Strachey의 영향에 대해 Kenneth Muir는 "셰익스피어가 ... 윌리엄 스트라치(William Strachey)의 「트루 리포터리(True Reportory)」와 다른 기록들, "[버뮤다] 팜플렛의 구두 반향의 정도는 과장된 것 같다. 역사나 소설에서 분열에 대해 언급하지 않는 난파선은 거의 없으며, 배의 화물이 가벼워지지 않고, 승객들이 길을 잃었다고 포기하지 않으며, 북풍이 날카롭지 않고, 아무도 잔해에 매달려 해안에 도착하지 않는다"고 말하고, "난파선에 대한 Strachey의 설명은 Saint Paul's에 대한 기억과 혼합되어 있습니다. 머리카락 하나도 소멸되지 않았으며, 에라스무스의 구어체도 마찬가지였다." [22]

셰익스피어는 거의 확실하게 스트라치의 기록을 원문에서 읽었다고 찰스 밀스 게일리(Charles Mills Gayley)는 말한다. 게일리는 셰익스피어가 1610년 여름에 토마스 게이츠 경에 의해 영국으로 가져온 스트라치의 원본 "훌륭한 여인에게 보내는 편지"에 접근할 수 있었다고 주장한다: "그 편지는 이 여인에 의해 [버지니아 회사] 평의회의 어떤 회원들에게 맡겨졌고, 그들 중 한 명인 아마도 에드윈 샌디스 경은 대중에게 발행된 진실 선언에 적합한 부분들을 포함시켰다.... 그 편지는 푸르카스가 그것을 손에 넣을 때까지 [그리고 15년 후에 출판될 때까지] 항상 중요한 관련자들이 보관하고 있었다. 셰익스피어가 그 연극을 읽도록 허락을 받았고, 그 작품의 어떤 자료들을 연극에 사용할 수 있었다는 사실은, 셰익스피어가 그랬던 것처럼 정당한 분별력과 합당한 신중함을 가지고 있었다는 사실은, 그가 버지니아 기업의 애국자 지도자들과 얼마나 친밀하게 지내고 있었는지를 잘 보여 준다." [23]

스테파노의 성격은 나중에 메이플라워 협약에 서명한 스티븐 홉킨스와 동일시되었습니다. [24]

또 다른 Sea Venture 생존자 인 Silvester Jourdain은 1610 년 10 월 13 일에 바뮤다의 발견 (A Discovery of The Barmudas)을 출판했습니다. 에드먼드 말론(Edmond Malone)은 1610년 11월 8일자 주르댕(Jourdain)과 런던 버지니아 의회(Virginia Council of London)의 버지니아 식민지 재산에 대한 진정한 선언(A True Declaration of the Estate of the Colonie in Virginia)의 설명에서 1610-11년이라는 날짜를 주장한다. [25]

미셸 드 몽테뉴 (Michel de Montaigne)의 에세이 "Caniballes"는 2 막 1 장에서 곤잘로의 유토피아 추측의 원천으로 간주되며, 아마도 문화 간의 차이를 언급하는 다른 대사의 출처로 간주됩니다. [20]

핌리코(Pimlyco)라는 제목의 시가 있다. 또는 Runne Red-Cap은 1609 년에 팜플렛으로 출판되었습니다. 그것은 혹스턴의 선술집을 찬양하기 위해 쓰여졌습니다. 이 시에는 John Skelton의 초기 (1568)시 인 The Tunning of Elynor Rymming의 광범위한 인용이 포함되어 있습니다. 팜플렛에는 섬으로의 항해에 대한 목가적인 이야기가 담겨 있습니다. 셰익스피어가 이 팜플렛을 읽었거나, 알고 있었거나, 사용했다는 증거는 전혀 없다. 그러나 이 시는 『템페스트』가 쓰여질 무렵 런던에서 그러한 주제와 이야기가 어떻게 해석되고 전해졌는지에 대한 연구자들에게 자료로 유용할 수 있다. [26]

다른 출처[편집]

템페스트는 이탈리아의 전통적인 코메디아 델라르테(commedia dell'arte)에서 전체 구조를 따온 것으로, 때로는 마법사와 그의 딸, 초자연적 수행원, 그리고 수많은 소박한 사람들이 등장하기도 합니다. 코미디에는 종종 Arlecchino (또는 그의 전임자 인 Zanni)와 그의 파트너 Brighella로 알려진 광대가 등장했는데, 이들은 Stephano와 Trinculo와 놀랍도록 닮았습니다. 칼리반에 해당하는 음탕한 나폴리 꼽추; 그리고 영리하고 아름다운 이사벨라, 부유하고 교활한 아버지 판탈론은 끊임없이 그녀를 위한 구혼자를 찾아 미란다와 프로스페로의 관계를 반영합니다. [27]

곤잘로의 이상적인 사회에 대한 묘사 (2.1.148-157, 160-165)는 몽테뉴의 에세이 (1603 년 John Florio가 출판 한 버전에서 영어로 번역 된 Canibales)를 주제적으로나 구두로 반영합니다. 몽테뉴는 카리브해 원주민의 사회를 칭찬한다 : "그것은 하나의 국가입니다 ... 그것은 traffike의 종류도 없고, 문자에 대한 지식도 없고, 숫자에 대한 지능도 없고, 행정관의 이름도 없고, 정치적인 우월성도 없다. 봉사, 재물, 가난을 사용하지 않는다. 계약도, 승계도, 배당금도, 직업도 없고 한가합니다. 친족을 존중하지 않고 평범하게 살고, 아파렐을 사용하지 않고 자연스럽고, 땅을 거름을 주지 않고, 포도주나 포도주나 패기를 사용하지 않는다. 거짓말, 거짓, 반역, 모독, 탐욕, 시기, 방해, 용서를 의미하는 바로 그 단어들은 그들 가운데서 들어본 적이 없다." [28]

프로스페로가 마술에 작별을 고하는 5막(5.1.33-57)의 연설은 오비디우스의 시 '변신'에서 발견되는 마법사 메데이아의 기도문이다. 메데이아는 이렇게 외칩니다.

너희는 공기와 바람이여. 언덕의 요정들아, 시냇가의 요정들아, 숲의 요정들아, 홀로
서 있는 호수들아, 그리고 밤의 요정들이여, 너희 모든 이들에게 다가가라,
그들의 도움으로 (구부러진 강둑들이 그 일을 몹시 궁금해함)
나는 시냇물들이 그들의 샘으로 깨끗하게 거꾸로 흐르도록 강요했다. (오비드, 7.265-268)

셰익스피어의 프로스페로는 이렇게 시작한다.

언덕, 시냇물, 서 있는 호수와 숲의 요정들아, 그리고 발자국이 없는 발
로 모래 위에 있는 자들아,
썰물처럼 빠져나가는 해왕성을 쫓아가라, 그리고 그가 돌아올 때 그를
날려라... (5.1.33–36) [29]

텍스트[편집]

1623년 First Folio에 인쇄된 The Tempest의 첫 페이지

템페스트는 1623 년 윌리엄 셰익스피어의 희곡, 역사 및 비극 (William Shakespeare's Comedies, Histories, & Tragedies)이라는 제목의 셰익스피어 연극 36 편 모음으로 처음 인쇄되었습니다. First Folio로 알려진 True and Original Copies에 따라 출판됩니다. 템페스트(The Tempest)를 포함한 연극은 존 헤밍스(John Heminges)와 헨리 콘델(Henry Condell)이 수집하고 편집했습니다. [30][페이지 필요]

템페스트의 필사본은 킹스맨(King's Men)에 고용된 서사인 랄프 크레인(Ralph Crane)이 준비했다. (서사는 재능이 있고 깃펜과 잉크를 사용하여 읽을 수 있는 원고를 만드는 데 능숙한 사람입니다.) 크레인은 아마도 셰익스피어의 초안을 복사하고 1616 년 벤 존슨 (Ben Jonson)의 폴리오 (Folio)를 기반으로했습니다. 크레인은 텍스트를 깔끔하게 정리하고, 연기와 장면의 구분을 편집하고, 때로는 자신의 개선 사항을 추가했다고 생각됩니다. 그는 하이픈으로 단어를 결합하고 아포스트로피와 함께 생략을 사용하는 것을 좋아했습니다 (예 : "with the king"을 "w'th' King"으로 변경). [31] 템페스트의 정교한 무대 연출은 크레인 때문이었을 수 있다. 그들은 연극이 왕의 회사에 의해 어떻게 상연되었는지에 대한 증거를 제공합니다. [32]

First Folio 프로젝트 전체가 시각 장애인 인쇄업자인 William Jaggard에게 전달되었고 인쇄는 1622년에 시작되었습니다. 템페스트는 이 책의 첫 번째 희곡이다. 그것은 특별한 주의를 기울여 교정되고 인쇄되었습니다. 이 작품은 36편의 희곡 중에서 가장 잘 인쇄되고 가장 깔끔한 텍스트이다. 인쇄기에서 활자를 설정하는 작업을 수행하기 위해 The Tempest에는 세 개의 컴포지터가 사용되었습니다. 1960년대에 Charlton Hinman은 First Folio에 대한 획기적인 서지 연구를 수행했습니다. 페이지에 인쇄된 단어의 독특한 단점을 기반으로 이 연구는 작곡가를 개별화할 수 있었고 작곡가 B, C 및 F로 알려진 세 명의 작곡가가 The Tempest에서 작업했음을 밝힐 수 있었습니다. 그는 재거드의 인쇄소에서 노련한 숙련공이었는데, 이따금 부주의할 때가 있었다. 그는 또한 대시와 콜론을 좋아했는데, 현대판에서는 쉼표를 사용합니다. 그의 역할에서 그는 전체 First Folio에 대한 책임이 있었을 수 있습니다. 다른 두 사람인 컴포지터 C와 F는 전 시간 일했으며 경험이 풍부한 인쇄업자였습니다. [33][페이지 필요]

당시에는 철자와 구두점이 표준화되지 않았으며 각 작곡가마다 고유한 선호도와 스타일이 있었기 때문에 페이지마다 다릅니다. 인쇄가 최소 4번 중단되어 교정과 수정이 가능했다는 증거가 있습니다. 그러나 오류가 있는 페이지는 삭제되지 않으므로 특정 프레스 실행의 늦은 페이지가 가장 정확하며 최종 인쇄된 각 Folio는 이와 관련하여 다를 수 있습니다. 이것은 당시의 일반적인 관행입니다. 또한 달리기 중에 글자 (금속 종류 또는 유형)가 손상되어 단어의 의미가 바뀌는 경우가 있습니다. 가면극 후 페르디난트는 다음과 같이 말합니다.

1623년에 출판된 셰익스피어의 첫 번째 폴리오에 나오는 페르디난트의 대사

여기서 영원히 살게 해주세요!
경이로운 아버지와 현명
한 드문 이곳을 낙원으로 만듭니다! (4.1.122–124)

123행 끝에 있는 "wise"라는 단어는 "f"를 닮은 전통적인 긴 "s"로 인쇄되었습니다. 그러나 1978 년에 언론 보도 중에 활자에 있는 가로대의 작은 조각이 부러졌으므로 "아내"라는 단어가 있어야 한다는 제안이 있었습니다. 현대의 편집자들은 옥스포드가 "아내"라고 말하고, 아덴이 "현명하다"고 말하는 것에 동의하지 않았다. [34][35][36]

주제와 모티프[편집]극장[편집]

프로스페로, 4막, 장면 1. [37]

템페스트는 연극으로서의 본질에 명시적으로 관심을 가지고 있으며, 프로스페로의 예술과 연극적 환상 사이의 연결고리를 자주 그립니다. 난파선은 아리엘이 공연한 스펙터클이었고, 안토니오와 세바스찬은 극단에 캐스팅되어 연기를 했다.[38] 프로스페로는 전 세계를 환상으로 묘사할 때 글로브 극장을 언급하기도 한다. 녹일 것이다 ... 이 실체가 없는 미인대회처럼". [39] 아리엘은 종종 고전 신화의 인물, 예를 들어 님프, 하피, 세레스로 변장하여 프로스페로가 만든 가면극과 안티 가면극에서 후자로 행동합니다. [40]

1838년 토마스 캠벨은 프로스페로가 셰익스피어를 부분적으로 표현하기 위한 것이라고 생각한 최초의 사람이었지만, 템페스트가 초기 연극이라고 믿게 되었을 때 그 생각을 버렸다. [41]

셰익스피어의 마지막 솔로 연극이었기 때문에, 템페스트는 종종 그의 경력에 대한 찬사로 여겨졌는데, 특히 프로스페로의 마지막 연설에서 그는 관객들에게 "당신의 방종은 나를 자유롭게 해주세요"라고 말하며,[42] 은퇴하기 전에 마지막으로 무대에서 풀려날 것을 요청했다.

마법[편집]

프로스페로는 마술사이며, 그의 마술은 유익한 "백마술"입니다. 프로스페로는 자연에 관한 책을 통해 마법을 배웠고, 마법을 사용하여 긍정적인 결과를 얻습니다. 셰익스피어는 그 반대인 사악한 흑마술을 나타내기 위해 칼리반을 사용합니다. 칼리반의 어머니 시코락스는 등장하지 않는데, 이 시기에 영국과 다른 곳에서 마법과 흑마술에 관해 떠들썩하게 떠들썩했던 공포를 상징한다. 마술은 진지한 철학자들, 특히 독일의 헨리쿠스 코르넬리우스 아그리파에 의해 진지하게 받아들여지고 연구되었는데, 그는 1533년에 마술을 주제로 이탈리아 학자들이 수행한 작업을 요약한 세 권의 저서 De Occulta Philosophia를 출판했습니다. 아그리파의 작품은 영국인 존 디(1527-1608)에게 영향을 미쳤는데, 그는 프로스페로와 마찬가지로 과학과 철학뿐만 아니라 오컬트에 관한 책을 많이 소장하고 있었습니다. 당시는 마술에 대해 철학적으로 생각하기에 위험한 시기였는데, 예를 들어, 조르다노 브루노는 「폭풍우」가 쓰여지기 불과 몇 년 전인 1600년에 이탈리아에서 화형을 당하였습니다. [43]

아리엘 (Fuseli, c. 1800-1810)

프로스페로는 과학과 현실에 근거한 마법을 사용하는데, 이는 아그리파와 디가 연구한 마법입니다. 프로스페로는 아리엘로 대표되는 종류의 힘을 연구하고 점차적으로 개발할 수 있었고, 이는 그의 능력을 확장했습니다. 시코락스의 마법은 아리엘과 같은 것을 할 수 없었다: "아리엘은 너무나 섬세한 정령이어서 그녀의 세속적이고 혐오스러운 명령을 실행에 옮길 수 없다." [44] 프로스페로의 이성적 선함은 아리엘을 조종할 수 있게 해주지만, 시코락스는 그를 나무에 가둘 수밖에 없다. [45] 시코락스의 마법은 파괴적이고 끔찍하다고 묘사되며, 프로스페로의 마법은 경이롭고 아름답다고 한다. 프로스페로는 마법을 통해 자신의 세계를 바로잡으려 하지만, 일단 마법이 끝나면 그것을 포기하고 아리엘을 풀어줍니다. [43]

프로스페로가 마법으로 하려는 것은 템페스트에 필수적이며, 행동의 통일성이다. 2막에서 아리엘이 암살 시도를 저지할 때 프로스페로의 프로젝트라고 불린다.

나의 스승은 그의 예술을 통해 그의 친구인 그대가 처해 있는 위험을
예견하고, 나를 내보내어—
그렇지 않으면 그의 계획은 죽는다—그들을 살리기 위해서! [46]

5막의 시작에서 프로스페로는 이렇게 말한다.

이제 내 프로젝트가 머리에 모입니다 [47]

프로스페로는 자신이 무엇을 원하는지 정확히 알고 있는 것 같다. 극 초반부의 폭풍우를 시작으로 그의 프로젝트는 일련의 단계로 전개된다. "풍성한 행운"[48]은 그에게 자신과 그의 가문과 가문의 운명에 영향을 미칠 수 있는 기회를 주었다. [49]

그의 계획은 12년 전 그가 찬탈당했을 때 행해진 일을 되돌리기 위해 그가 할 수 있는 모든 것을 하는 것이다: 먼저 그는 폭풍우를 이용하여 어떤 사람들로 하여금 그의 위대한 힘을 두려워하게 할 것이고, 그 다음에는 모두가 무사히 살아남았을 때, 그는 폭풍우를 통과한 사람들을 다른 그룹으로 분리할 것이다. 이러한 분리를 통해 그는 각 그룹을 다르게 다룰 수 있습니다. 그런 다음 프로스페로의 계획은 페르디난드를 미란다로 데려가 두 사람의 만남을 준비하는 것입니다. 그의 마법의 힘을 넘어서는 것은 그들이 사랑에 빠지게 하는 것이지만, 그럼에도 불구하고 그들은 사랑에 빠집니다. 부부의 다음 단계는 시험이 될 것입니다. 일을 돕기 위해 그는 마술로 다른 사람들을 잠들게 합니다. 부부를 교육하고 준비시키는 가면극이 그 다음이다. 그러나 가면이 중단되면서 그의 계획은 궤도를 벗어나기 시작합니다. [50] 다음으로 프로스페로는 자신을 찬탈한 자들과 대면한다. 그는 페르디난드와 미란다의 결혼을 통해 밀라노와 나폴리를 합병함으로써 자신의 공작직과 "용감한 신세계"[51]를 요구한다. [52]

프로스페로의 마법은 참회하지 않는 세바스찬과 안토니오에게 통하지 않았다. 그런 다음 프로스페로는 안토니오를 마법이 아니라 더 일상적인 것, 즉 협박으로 처리합니다. [53] 이 마술의 실패는 중요하며, 비평가들은 그것이 무엇을 의미하는지에 대해 동의하지 않는다: 얀 코트는 그것을 프로스페로와 작가 모두에게 환멸로 간주한다. [54] E. M. W. Tillyard는 그것을 사소한 실망으로 치부한다. 일부 비평가들은 세바스찬과 안토니오가 광대이며 실제 위협이 아니라고 생각합니다. 스티븐 오르겔은 세바스찬과 안토니오를 잊어버려 문제를 일으킨 프로스페로를 비난하는데, 이는 프로스페로의 잠식하는 도타주에 대한 주제를 소개할 수 있다. [55] 데이비드 허스트는 프로스페로의 마법의 실패가 더 깊은 설명이 될 수 있다고 제안한다: 그는 프로스페로의 마법이 어떤 것들(칼리반과 같은)에 전혀 영향을 미치지 않았고, 프로스페로는 이상주의적이고 현실적이지 않으며, 그의 마법은 프로스페로를 신처럼 만들지만, 또한 그를 인간이 아닌 다른 사람으로 만든다고 제안하며, 이는 프로스페로가 그의 딸을 다루기에 참을성이 없고 부적합한 것처럼 보이는 이유를 설명한다. 예를 들어, 문제가 그의 마법이 아닌 인간성을 요구할 때. 그것은 "현실 세계"에 대한 그의 불만을 설명하며, 예를 들어 처음에 그에게 공작직을 희생시킨 것입니다. 결국 프로스페로는 인간됨의 가치를 배우고 있다. [52]

비판과 해석[편집]장르[편집]

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로맨스: 셰익스피어의 낭만적인 이야기는 등장인물 자체와 섬 설정에 나타납니다. 종종 로맨스는 템페스트의 이 섬과 같은 이국적이고 외딴 장소와 관련이 있습니다. 환경은 프로스페로와 미란다의 고향입니다. 난파된 캐릭터 중 한 명인 페르디난드가 미란다와 사랑에 빠지는 설정이기도 합니다. 그러나 그들은 기사와 공주 상황의 일부입니다. [56] 로맨스는 공주의 사랑을 얻으려는 기사의 테마를 사용합니다. 페르디난드는 프로스페로가 존경과 사랑을 얻어 딸 미란다와 결혼할 수 있도록 노력해야 하기 때문에 그러한 역할에 적합한 예입니다. [ 인용 필요 ]

코미디 : 템페스트는 처음에 셰익스피어의 연극 존 플레처 (John Fletcher)가 첫 번째 폴리오에서 비극적 코미디의 한 형태로 제시되었습니다. 템페스트가 창조하는 코미디의 또 다른 형태는 그리스어와 라틴 뉴 코미디의 개념입니다. 레스터 E 바버(Lester E Barber)의 글 "템페스트와 새로운 코미디(The Tempest and New Comedy)"는 뉴 코미디가 아리엘과 칼리반의 등장인물과 함께 노예들의 이야기와 부분적으로 관련이 있다고 제안한다. 두 캐릭터 모두 프로스페로의 손아귀에서 벗어나는 것이 목표이기 때문에 코미디 노예로 간주됩니다. 여기서 두 캐릭터는 자신을 노예로 표현하는 방식이 다릅니다. 틀림없이 Caliban은 수녀원 차량으로 간주되기 때문에 New Comedy의 일부가 아닌 캐릭터로 간주되기도 합니다. 레스터 E 바버(Lester E Barber)는 수녀원 차량이 비참하게 실패하고 굴욕과 처벌을 받게 하는 비열하고 비지능적인 일을 하는 노예라고 제안합니다. 칼리반은 프로스페로에 대한 증오와 불복종을 통해 이를 충족시킨다. 노예로서의 아리엘은 전형적인 패러다임이기 때문에 자신에 대해 다른 접근 방식을 취합니다. 전형적 패러다임은 다른 노예들보다 더 똑똑하고, 주인을 지지하며, 주인의 문제를 해결해 줄 더 똑똑한 노예이다. 아리엘은 프로스페로에게 매우 순종적이며, 프로스페로의 복수의 일환으로 난파된 희생자들에게 마법을 사용하겠다는 그의 뜻을 따른다. [ 인용 필요 ]

극적인 구조[편집]

《오류의 희극》과 마찬가지로, 《템페스트》는 시간, 장소, 행동의 통일성을 대략적으로 고수한다.[57] 셰익스피어의 다른 희곡들은 이 세 가지 통일성을 거의 존중하지 않았으며, 수 킬로미터 떨어진 곳에서 며칠 또는 심지어 몇 년에 걸쳐 일어났다. [58] 연극의 사건은 관객 앞에서 실시간으로 펼쳐지며, 프로스페로는 마지막 막에서 모든 것이 3시간 안에 일어났다고 선언하기까지 한다. [59][60] 모든 행동은 하나의 기본 줄거리로 통합된다: 공작직을 되찾기 위한 프로스페로의 투쟁; 그것은 또한 많은 학자들이 지중해에 위치한다는 데 동의하는 가상의 섬이라는 한 장소에 국한되어 있습니다. [61] 또 다른 해석은 학자들이 연극의 일부가 유럽의 아메리카 식민지화와 유사하다고 지적했기 때문에 신세계에서 일어난다는 것을 시사합니다. [62] 또 다른 사람들은 섬이 식민지화된 모든 땅을 나타낼 수 있다고 주장합니다. [63]

연극의 결말에서 프로스페로는 초상(parabasis, 관객에게 직접 연설하는 것)에 들어간다. 시인이자 문학 평론가인 싯다르타 보스(Siddhartha Bose)는 그의 저서 『앞뒤로 왔다』에서 프로스페로의 에필로그가 "슐레겔적 낭만주의 아이러니의 조건"인 "영구적인 초상(parabasis)"을 만들어낸다고 주장한다. [64] 프로스페로, 더 나아가 셰익스피어는 자신의 사면을 관객에게 넘긴다. 프로스페로가 아리엘과 칼리반에게 '주는' 해방과 속죄도 관객에게 전해진다. 그러나 프로스페로가 "다른 등장인물들이 자신의 경험에 대해 말할 수 있는 언어를 창조"함으로써 자신의 힘을 얻듯이,[65] 연극의 메커니즘과 관습 역시 관객의 자기 자신에 대한 이해와 연극 및 현실과의 관계를 제한한다.

탈식민주의[편집]

1850 년 John Everett Millais의 Ariel에 의해 유혹 된 Ferdinand

셰익스피어가 살았던 시대에는 세계의 많은 지역이 여전히 유럽 상인과 정착민의 식민지화되고 있었고, 아메리카 대륙에서는 카리브해의 식인종, 머나먼 에덴, 머나먼 열대 유토피아에 대한 신화가 전해지고 있었습니다. 칼리반(Caliban)이라는 캐릭터(그의 이름은 식인종의 애너그램에 가깝고 당시 서인도 제도의 원주민을 지칭하는 용어인 "카리반(Cariban)"와 유사함)을 통해 셰익스피어가 식민주의의 도덕성에 대한 심층적인 논의를 제공할 수 있다는 제안이 있었습니다. 이에 대한 다양한 견해는 곤잘로의 유토피아, 프로스페로의 칼리반의 노예화, 칼리반의 분노 등의 예와 함께 연극에서 발견됩니다. 탈식민주의 학자들은 칼리반이 연극에서 가장 자연스러운 캐릭터 중 하나로 묘사되며, 자연 세계와 매우 밀접하게 접촉하고 있다고 주장했다(그리고 현대 관객들은 그를 그의 두 구세계 친구인 스테파노보다 훨씬 더 고귀한 인물로 여기게 되었다 그리고 Trinculo, 저자의 원래 의도는 달랐을 수 있지만). 셰익스피어가 『템페스트』를 쓰면서 유럽의 영향으로부터 격리된 사회의 가치관을 논하는 몽테뉴의 에세이 『식인종』을 참고했다는 증거가 있다. [66]

1950년경 옥타브 마노니(Octave Mannoni)가 『식민지화의 심리학』을 출간한 것을 시작으로 탈식민주의 이론가들은 점점 더 『템페스트』를 차용하고 탈식민주의 이론에 비추어 재해석했다. 본문을 바라보는 이 새로운 방식은 "식민지인"(프로스페로)이 "피식민자"(아리엘과 칼리반)에게 미치는 영향을 탐구했다. 아리엘은 더 흥미로운 칼리반을 위해 이러한 논쟁에서 종종 간과되지만, 그럼에도 불구하고 그는 논쟁의 필수 구성 요소입니다. [67] 프랑스 작가 에메 세세르 (Aimé Césaire) 는 그의 연극 Une Tempête에서 아이티의 템페스트를 설정하여 아리엘을 반항적인 칼리반과 달리 협상과 파트너십이 식민지 개척자로부터 자유로워지는 길이라고 생각하는 혼혈로 묘사합니다. 페르난데스 레타마르 (Fernandez Retamar)는 쿠바에서 연극의 버전을 설정하고 아리엘을 반란과 협상 중 하나를 선택해야하는 부유 한 쿠바 인 (하층 계급 칼리반과 비교하여)으로 묘사합니다. [68] 칼리반이나 프로스페로가 아닌 아리엘이 섬의 정당한 소유자라는 주장도 있다. [69] 자메이카 작가 미셸 클리프는 칼리반과 아리엘을 자신의 문화를 더 잘 표현하는 글쓰기 방식을 만들기 위해 자신 안에 결합하려고 노력한다고 말했다. 탈식민주의 사상에서 아리엘을 사용하는 것은 드문 일이 아닙니다. The Spirit은 탈식민주의 비평을 다루는 학술 저널의 이름이기도 합니다. [67]

페미니스트[편집]

템페스트에 대한 페미니즘적 해석은 무대 위 인물들 간의 성 역할과 관계의 관점에서 연극을 고찰하고, 젠더 개념이 텍스트에 의해 어떻게 구성되고 제시되는지를 고찰하며, 불균형과 불의에 대한 인식을 바탕으로 이를 뒷받침하는 의식과 이데올로기를 탐구한다. [70] 템페스트에 대한 두 가지 초기 페미니스트 해석은 Anna Jameson의 Shakespeare's Heroines(1832)와 Mary Clarke의 The Girlhood of Shakespeare's Heroines(1851)에 포함되어 있습니다. [71][72]

프로스페로, 아리엘, 윌리엄 해밀턴의 그림에서 잠자는 미란다

템페스트는 남성 중심의 문화와 사회에서 만들어진 연극으로, 미란다라는 단 하나의 주요 여성 역할로 은유적으로 탐구하는 성비 불균형입니다. 미란다는 열다섯 살이고, 똑똑하고, 순진하고, 아름답다. 그녀가 살면서 만난 유일한 인간은 남성입니다. 프로스페로는 자신을 자신의 주요 교사로 여기며, 그들이 섬에 도착하기 전의 시간을 기억할 수 있는지 묻지만, 그는 기억할 수 없다고 추측한다. 미란다가 "네다섯 명의 여자"가 어린 자신을 돌보던 기억을 가지고 있을 때(1.2.44-47), 그것은 자신을 자신의 유일한 스승이자 자신의 역사의 절대적인 원천으로 묘사하는 것을 선호하는 프로스페로를 혼란스럽게 한다. (1.2.48–50) 미란다가 기억하는 "네댓 명의 여자"는 남자가 아닌 다른 것을 원하는 어린 소녀의 욕망을 상징하는 것일 수 있다. [12][73]

칼리반의 어머니 시코락스, 미란다의 어머니, 알론소의 딸 클라리벨 등 다른 여성들도 언급된다. 다른 셰익스피어 연극에 비해 이야기에서 여성의 역할이 작기 때문에 템페스트는 많은 페미니스트 비판을 받았습니다. 미란다는 전형적으로 아버지에 의해 자유를 완전히 박탈당한 것으로 여겨진다. 그의 눈에 그녀의 유일한 의무는 순결을 지키는 것입니다. 앤 톰슨(Ann Thompson)은 미란다가 식민지 분위기 속의 전형적인 여성으로서 가부장적 질서를 완전히 내면화했으며, 자신을 아버지에게 종속된 존재로 생각했다고 주장한다. [74]

시코락스에 대한 이야기의 대부분은 프로스페로가 한 말인데, 프로스페로는 시코락스를 한 번도 만난 적이 없는데, 프로스페로가 그녀에 대해 알고 있는 것은 아리엘에게서 배운 것이다. 미란다가 프로스페로에게 "선생님, 제 아버지가 아니세요?"라고 묻자, 프로스페로는 이렇게 대답한다.

네 어머니는 덕의 한 조각이었고,
너는 내 딸이라고 말했다. [75]

이 놀라운 대답은 그들의 관계를 단순히 순진한 딸에 대한 위풍당당한 아버지로 묘사하는 해석에 어려웠고, 교환은 때때로 성과가 끊어졌습니다. 분노한 프로스페로가 동생의 친자 관계에 대해 문제를 제기하자 미란다가 프로스페로의 어머니를 변호할 때도 비슷한 예가 나온다.

나는 죄를 지어야
한다 내 할머니를 고귀하게 생각해야 한다.
좋은 자궁이 나쁜 아들을 낳았다. [76][77]

연구 및 유전자 변형[편집]

올더스 헉슬리(Aldous Huxley)가 쓴 '멋진 신세계(Brave New World)'라는 책은 제목에서 템페스트(The Tempest)를 언급하며 유전자 변형 시민과 그에 따른 사회적 영향을 탐구한다. 템페스트의 소설과 문구 인 "용감한 신세계"는 그 이후로 유전자 변형, 특히 인간과 관련하여 인류의 이해와 사용에 대한 공개 토론과 관련이 있습니다. [78]

공연 역사[편집]셰익스피어의 시대[편집]

1611 년 11 월 1 일 핼로우 마스 (Hallowmas) 밤에 화이트 홀 궁전 (Whitehall Palace)의 제임스 1 세 (James I)와 영국 왕실 앞에서 왕의 남자들이 템페스트 (The Tempest)를 공연 한 기록이 있습니다. [79] 이 연극은 1612-13년 겨울 동안 엘리자베스 공주와 라인 팔츠의 선제후인 프리드리히 V의 결혼을 둘러싼 축제의 일환으로 법원에서 공연된 6개의 셰익스피어 연극(총 14개에 대한 8개의 다른 연극) 중 하나였습니다. [80] 회복 이전에 기록된 더 이상의 공개 공연은 없다. 그러나 1669년 《Dryden/Davenant》 판본의 서문에서 존 드라이든은 《템페스트》가 블랙프라이어스 극장에서 공연되었다고 말한다. [81] 연극 내의 무대 연출에 대한 신중한 고려는 연극이 글로브 극장이 아닌 블랙프라이어스 극장을 염두에 두고 쓰여졌음을 강력하게 시사합니다. [82][83]

복원과 18세기[편집]

셰익스피어의 원작이 아닌 연극의 각색은 영국 복원부터 19 세기 중반까지 템페스트의 공연 역사를 지배했습니다. [84] 모든 극장은 영국 인터레그넘 기간 동안 청교도 정부에 의해 폐쇄되었습니다. 1660년 군주제가 회복되자 킹스 컴퍼니(King's Company)와 듀크스 컴퍼니(Duke's Company)라는 두 개의 특허 회사가 설립되었고 기존 연극 레퍼토리는 두 회사로 나뉘었습니다. 윌리엄 대버넌트 경(Sir William Davenant)의 듀크스 컴퍼니(Duke's Company)는 템페스트(The Tempest)를 공연할 권리를 가지고 있었다. [85] 1667년 Davenant와 John Dryden은 두꺼운 컷을 만들어 The Tempest 또는 The Enchanted Island로 각색했습니다. 그들은 왕당파의 정치적, 사회적 이상을 강조함으로써 상류층 청중에게 호소하려고 노력했다 : 군주제는 정부의 자연스러운 형태이다. 교육과 결혼에 결정적인 가부장적 권위; 그리고 재산의 상속과 소유권에 있어서 탁월한 부계성. [84] 그들은 또한 캐릭터와 줄거리를 추가했습니다 : Miranda에게는 Dorinda라는 여동생이 있습니다. 칼리반에게는 시코락스라는 여동생도 있습니다. 셰익스피어의 미란다/페르디난드 줄거리와 유사하게, 프로스페로에게는 한 번도 여자를 본 적이 없는 수양아들 히폴리토가 있다. [86] 히폴리토는 여배우의 다리를 드러낼 수 있는 기회로 유신 극장 경영진에게 인기 있는 여성이 연기한 남자로 인기 있는 바지 역할이었습니다. [87] 학자 마이클 돕슨(Michael Dobson)은 드라이든(Dryden)과 대버넌트(Davenant)의 템페스트(The Tempest) 또는 마법에 걸린 섬(The Enchanted Island)을 "전체 복원 중 가장 자주 부활된 연극"으로 묘사했으며 여성의 역할 강화와 추가의 중요성을 확립했습니다. [88]

엠마 하트의 유화, 미란다 역, 조지 롬니

1674년, 토마스 섀드웰은 《드라이든과 대버넌트》를 동명의 오페라로 재각색했는데, 이 오페라는 보통 노래하거나 춤추는 부분이 있는 연극을 의미했다. 복원 연극 관람객들은 Dryden/Davenant/Shadwell 버전을 셰익스피어의 버전으로 간주한 것으로 보인다: 예를 들어, Samuel Pepys는 그의 일기에서 그것을 "셰익스피어의 오래된 연극"이라고 묘사했다. 오페라는 매우 인기가 있었고 Pepys에 따르면 "너무 다양해서 거의 코미디에서 이보다 더 기뻐할 수 없다"고 합니다. [89] 이 버전의 프로스페로는 셰익스피어와 매우 다르다: 에크하르트 오베를렌은 그를 "폴로니우스와 같은 지나치게 바쁜 아버지의 지위로 전락했으며, 성적으로 순진한 두 딸의 순결을 보호하면서 유리한 왕조 결혼을 계획했다"고 묘사했다. [90] 오페라 Enchanted Island는 1675년 Thomas Duffett이 King's Company를 위해 쓴 패러디인 The Mock Tempest 또는 The Enchanted Castle을 유발할 만큼 성공적이었습니다. 폭풍우처럼 보이는 것으로 시작했지만 사창가에서 폭동으로 밝혀졌습니다. [91]

1757년 드루리 레인 시어터 로얄(Drury Lane Theatre Royal)에서 템페스트(The Tempest)를 제작한 연극

18세기 초에는 Dryden/Davenant/Shadwell 버전이 무대를 지배했습니다. 아리엘은 두 명을 제외하고는 여성이 연기했고, 변함없이 우아한 무용수와 뛰어난 가수가 연기했다. 칼리반은 코미디언의 역할로, "어색한 모습으로 유명한" 배우들이 연기했습니다. 1756년, 데이비드 개릭은 존 크리스토퍼 스미스(John Christopher Smith)의 음악과 함께 또 다른 오페라 버전인 "3막의 화려함"을 무대에 올렸다. [92]

템페스트는 낭만주의 시대 극장 레퍼토리의 주요 요소 중 하나였습니다. 존 필립 켐블 (John Philip Kemble)은 셰익스피어의 원작에 더 가까운 연기 버전을 제작했지만 그럼에도 불구하고 도린다와 히폴리토를 유지했습니다. [92] Kemble은 "aches"에 대한 "aitches"를 포함하여 셰익스피어 텍스트의 고풍스러운 발음을 고집하여 많은 조롱을 받았습니다. 관중들은 "켐블의 '늙은 경련으로 너를 괴롭히겠다 / 모든 뼈를 아픔으로 채우라'는 쉿쉿 소리를 즐기기 위해 구덩이를 꽉 채웠다"고 한다. [93][94] 낭만주의 시대의 배우 매니저들은 19세기 후반까지 셰익스피어 공연을 지배할 세트와 의상의 화려함에 대한 유행을 확립했다: 예를 들어 켐블의 도린다와 미란다는 "얼룩덜룩한 모피로 장식된 흰색으로" 연기되었다. [95]

1757년, 그의 오페라 버전이 초연된 지 1년 후, 데이비드 개릭은 드루리 레인에서 셰익스피어의 대본을 대대적으로 잘라낸 공연을 제작했고, 이 작품은 100년 동안 수익성 있게 부활했다. [92]

19세기[편집]

미란다와 페르디난드, 안젤리카 카우프만, 1782

1838년 윌리엄 찰스 맥레디(William Charles Macready)의 영향력 있는 작품이 나오기 전까지는 셰익스피어의 텍스트가 이전 2세기 동안 인기를 끌었던 각색본과 오페라판에 대한 우위를 확립하지 못했습니다. 이 공연은 특히 칼리반 역의 조지 베넷의 연기로 찬사를 받았습니다. 패트릭 맥도넬 (Patrick MacDonnell)은 1840 년에 출판 된 "템페스트 연극에 관한 에세이 (An Essay on the Play of The Tempest)"에서 "노예 제도의 노예 제도에 갇힌 폭정에 대한 강한 저항을 마음 속에 유지"했다고 묘사했습니다. [96]

빅토리아 시대는 호화로운 세트와 시각적 스펙터클, 긴 장면 전환을 위한 공간을 만드는 무겁게 잘린 텍스트, 정교한 무대 효과를 기반으로 나중에 "회화적"으로 묘사될 운동의 절정을 표시했습니다. [97] 찰스 킨의 1857년 템페스트 제작에서 아리엘은 불덩이에서 내려오는 것이 여러 번 목격되었습니다. [98] 이 작품에 사용된 것으로 추정되는 140명의 무대 손은 The Literary Gazette에 의해 "보이지 않는 ... 그러나 슬프게도 결코 듣지 못했습니다." 한스 크리스티안 안데르센 (Hans Christian Andersen)도이 작품을보고 아리엘을 "전기 광선에 의해 고립 된"것으로 묘사했으며, 그 역할을 맡은 여배우를 향한 탄소 아크 램프의 효과를 언급했습니다. [99] 윌리엄 포엘(William Poel)과 할리 그랜빌-바커(Harley Granville-Barker)를 포함한 차세대 프로듀서들은 더 간결하고 텍스트 기반 스타일로 돌아왔다. [100]

19세기 후반과 20세기 초반에는 프로스페로가 아닌 칼리반이 템페스트의 스타 연기로 인식되었고, 배우 겸 매니저가 스스로 선택한 역할이었다. 프랭크 벤슨(Frank Benson)은 동물원에서 원숭이와 개코원숭이를 관찰하여 그 역할을 연구했습니다. 무대 위에서 그는 나무에 거꾸로 매달려 횡설수설했다. [101]

20세기와 그 이후[편집]

1904년 작품에서 칼리반으로 Herbert Beerbohm Tree의 Charles Buchel이 그린 목탄 그림.

19세기 후반의 전통을 이어받아 1904년 허버트 비어봄 트리(Herbert Beerbohm Tree)는 칼리반을 연기하기 위해 모피와 해초를 착용하고 허리까지 오는 머리카락과 원숭이 같은 태도를 보였는데, 이는 반은 동물이고 반은 인간인 원시적 진화 단계를 암시합니다. [101] 칼리반의 이 "잃어버린 고리" 묘사는 1934년 로저 라이브시가 흑인 분장으로 그 역할을 연기한 최초의 배우가 될 때까지 프로덕션의 표준이 되었습니다. 1945년 캐나다 리는 뉴욕의 시어터 길드에서 이 역할을 맡았고, 1960년 얼 하이먼, 1962년 제임스 얼 존스 등 흑인 배우들이 배역을 맡는 전통을 세웠다. [102]

1916년, 퍼시 맥케이(Percy MacKaye)는 뉴욕의 루이손 스타디움(Lewisohn Stadium)에서 커뮤니티 가면극 '옐로우 샌즈(Yellow Sands)의 칼리반(Caliban by the Yellow Sands)'을 선보였습니다. 수많은 무용수와 가장극 배우들이 등장하는 이 연극은 칼리반의 반항적인 성격을 중심으로 펼쳐지지만, 더 많은 지식을 달라는 그의 호소("나는 당신의 예술가가 되기를 갈망합니다 / 그리고 별들 사이에 이 지구를 세우소서 / 아름다운!") 이어서 셰익스피어가 등장인물로서 프로스페로의 "우리의 흥청거림은 이제 끝났습니다"라는 연설을 낭송하는 것으로 끝납니다. [103][104]

John Gielgud는 Prospero를 여러 번 연기했으며 Douglas Brode에 따르면 "보편적으로 ... [20세기] 최고의 무대 프로스페로". [105] 그의 첫 등장은 1930년으로, 터번을 썼고 나중에 단테처럼 보이려고 했다고 고백했다. [102] 그는 1974년 Royal National Theatre에서 마지막으로 세 개의 무대 제작에서 역할을 맡았습니다. [106] 2003년 데릭 자코비(Derek Jacobi)의 《올드 빅(The Old Vic)》의 프로스페로(Prospero)는 노화의 고립과 고통을 묘사한 것으로 찬사를 받았다. [107]

피터 브룩 (Peter Brook)은 1968 년 라운드 하우스 (Round House)에서 실험적인 작품을 감독했는데, 마임을 위해 텍스트가 "거의 완전히 버려졌다". Margaret Croydon의 리뷰에 따르면, Sycorax는 "얼굴과 몸을 더 큰 비율로 확장할 수 있는 거대한 여성으로 묘사되었습니다. [누가] 갑자기 ... 끔찍한 비명을 지르고, 머리에 검은 스웨터를 입은 칼리반이 다리 사이로 나온다: 악이 태어났다." [108]

흑인 배우가 백인 프로스페로와 반대편에 있는 칼리반을 연기하는 기존의 전통에도 불구하고, 연극에 대한 식민지 해석은 1970년대까지 무대에 오르지 못했다.[109] 조나단 밀러와 클리포드 윌리엄스가 연출한 영국의 공연은 프로스페로를 식민지 개척자로 노골적으로 묘사했다. 데이비드 허스트 (David Hirst)는 밀러의 작품을 "유럽의 침략과 식민지화의 결과로보다 원시적 인 문화의 비극적이고 불가피한 붕괴"를 묘사 한 것으로 묘사했습니다. [110][111] 밀러는 1988년 런던의 올드 빅에서 제작하여 막스 폰 시도우가 프로스페로 역으로 출연한 작품에서 이 접근 방식을 개발했습니다. 이것은 백인 배우가 인간으로, 흑인 배우가 섬의 영혼과 생물을 연기하는 혼합 캐스트를 사용했습니다. 마이클 빌링턴(Michael Billington)에 따르면, "폰 시도우의 프로스페로는 반란을 일으킨 흑인 칼리반을 조종하는 백인 군주가 되었고, 섬의 침략자들의 몸짓을 예리하게 흉내내는 협력적인 아리엘이 되었다. 식민지 시대의 은유는 논리적인 결론에 이르렀고, 마침내 아리엘은 프로스페로의 버려진 지팡이 조각들을 모아 경외심에 사로잡힌 부족민들이 지켜보는 가운데 다시 끼워 넣어 꼼짝 못 하는 칼리반 앞에서 그의 지팡이를 높이 들어 올렸다. 템페스트는 갑자기 셰익스피어가 예측하지 못했던 새로운 정치적 차원을 획득했다." [112]

정신분석학적 해석은 무대에서 묘사하기가 더 어렵다는 것이 증명되었다. [111] 1979년 미국 셰익스피어 극장에서 제럴드 프리드먼의 프로덕션과 1982년 론 다니엘스의 로열 셰익스피어 컴퍼니 프로덕션은 모두 아리엘과 칼리반을 프로스페로의 정신의 반대되는 측면으로 묘사하려고 시도했습니다. 그러나 어느 쪽도 완전히 성공한 것으로 간주되지 않았다: 셰익스피어 계간지(Shakespeare Quarterly)는 프리드먼의 작품을 리뷰하면서, "프리드먼은 무대에서 그러한 개념을 전에 들어본 적이 없는 관객들에게 분명하게 보여주기 위해 아무것도 하지 않았다"고 논평했다. [113][114]

1988년, 존 우드는 RSC에서 프로스페로 역을 맡아 캐릭터의 인간적 복잡성을 강조했는데, 평론가는 이 공연에서 "그의 찬탈에 대한 이글거리는 분노와 그의 대안적인 미묘한 힘에 대한 억제되지 않은 기쁨 사이에 매달린 연극 섬의 정신 나간 무대 관리자"라고 묘사했습니다. [115][116]

일본 연극 스타일이 템페스트에 적용되었습니다. 1988년과 1992년에 니나가와 유키오는 자신의 버전의 템페스트를 영국으로 가져왔습니다. 무대 뒤편에 전통적인 노 연극이 있는 노 연극의 리허설로 상연되었지만, 노 관습과 상반되는 요소도 사용했습니다. 1992년, 후지타 미노루는 오사카와 도쿄 글로브에서 분라쿠(일본 인형) 버전을 선보였다. [117]

샘 멘데스(Sam Mendes)는 1993년 RSC 프로덕션에서 사이먼 러셀 빌(Simon Russell Beale)의 아리엘(Ariel)이 알렉 맥코웬(Alec McCowen)의 프로스페로(Prospero)가 행사하는 통제에 공개적으로 분개했다. 논란의 여지가 있지만, 달리기의 초기 공연에서 아리엘은 한때 자유를 부여받은 프로스페로에게 침을 뱉었습니다. [118] 1995년 야외 뉴욕 셰익스피어 페스티벌 프로덕션에서 조지 C. 울프가 완전히 다른 효과를 얻었는데, 패트릭 스튜어트의 프로스페로 반대편에 있는 아리엘 역의 Aunjanue Ellis의 캐스팅은 프로덕션을 에로틱한 긴장감으로 가득 채웠습니다. 20세기 후반의 작품은 프로스페로/미란다, 프로스페로/아리엘, 미란다/칼리반, 미란다/페르디난드, 칼리반/트린쿨로를 포함한 등장인물 간의 성적 긴장에 점차 초점을 맞췄습니다. [119]