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<임명진 대사(화백) 전시회 참관 소감>
-미술 감상 소론
I. 서론
필자가 2011년 6월 한국문화예술위원회 아르코 미술관에서 열린 “데페이즈망(depaysement)” 미술전시회에서 임명진 화백의 미술작품을 보면서 느낀 소감을 언급하고 아울러 미술감상과 관련된 필자의생각과 지식을 일부 정리하여 소개하려는 의도에서 이 글을 집필하게 되었다. 임명진 화백의 작품에 대하여서는 평가라기 보다는 인상 내지 소감을 서술하는 것으로 끝이고, 그간 본인이 미술작품 감상에 임하여 가져왔던 태도나 고려사항을 정리, 보완해 보는 수필의 형식을 취했다. 미술작품 감상과 관련하여, “아는 만큼 보이고 보이는 만큼 느낀다.”는 말이 있지만, 미술작품 하나 하나는 하나의 소우주(microcosm)를 이루는 것이며, 완전한 파악, 해석은 쉬운 일이 아님에 비추어 미술작품 감상에 단계적인 접근을 택하는 것이 좋을 것으로 보인다. 이 글에서 회화 중심으로 주로 서양미술을 언급하였고, 사람의 이름은 로마자로 성(姓)만 표기하고, 세부사항의 인용 출처를 일일이 밝힐 여유가 없었음에 대하여 양해를 구한다.
II. 임명진 화백 전시작품 감상 소감
상기 “데페이즈망(Depaysement)" 전시회에는 임화백의 작품 2점이 전시되었는데, ”무제, 철사, 가변설치, 2011“와 ”무제, 한지 캔버스 위에 철사“이었다. 그 중 필자는 주로 ”무제, 철사, 가변설치, 2011“에 관한 소감을 말하고저 한다.
그 작품은 천정에서 내려뜨린 철사가 바닥에 까지 빙빙 돌며 내려와 화사한 곡선들이 정지된 듯, 아직 움직이는 듯한 모습을 하고 있는 아름다운 작품이었다.(나는 근년 Venice 비에날레에서 세계적으로 유명한 한국의 사진작가 Kim Atta가 1만 장의 사진을 높은 건물에서 하늘로 뿌리는 퍼포먼스를 한 일을 상기하였다.) 춤추면서 내려오는 철사는 내가 즐겨 듣는 Bach의 “무반주 첼로 조곡”중 sarabande 악장을 상기시켰는데, 나는 우아하고 느린 궁중춤을 추는 무용가를 연상하기도 하였다. 또한 Kandinsky의 그림에서처럼 역동적인 시각적 멜로디가 흘러나오는 느낌도 받았다. “모든 예술은 음악의 상태를 지향한다”는 철학자들의 말이 있는데, 임화백의 작품에서 나는 특히 음악적 요소를 감지하였다. 그 작품은 mobile art, action painting, 설치미술의 면모를 언뜻 언뜻 보여주기도 하였다.
나는 그 작품의 위트, 유머와 발랄한 상상력에 매료되었다. 문학, 음악 등 다른 예술 분야에 대한 조예뿐 아니라 세상에 대한 원숙한 경험을 가지고 게신 임화백께서 앞으로 더욱 감성적이고 지적인 미술 작품을 제작할 풍부한 소지를 갖고 게심을 느끼게 되고, 최근에 와서 점점 지성적이고 철학적인 요소가 가미되는 세계 미술계 동향 가운데 앞으로 임화백의 작품활동이 기대된다고 생각되었다.
나는 또한 특히 Kandinsky와 Duchamp의 작품들을 상기하였다.
Kandinsky는 회화를 재현(representation)으로부터 해방하고 음악을 시각화하려는 시도에 성공하였다. 그는 미술과 음악의 유사성에 주목하고 수학적, 추상적 구성, 색채의 반복, 율동, 동적요소 등을 활용하였으며, 미술이 음악의 경우와 같이 감정을 표현하고 인간의 심성을 감동시킬 수 있다는 신념을 실현하였다. 그의 화면에서 색과 색, 형태와 형태들이 어울려 리듬과 율동을 일으키고 하나의 교향악을 만들어냈다.??? (언젠가 내가 만난 김환기 화백은 다른 예술작품은 사람을 울게 할 수 있는데, 미술작품은 그렇지 못하다고 한탄한 일이 있다. 그 때 나는 미술은 사람의 마음 가운데 다른 부분을 자극하는 것이고, 비록 눈물은 나오지 않으나 다른 종류의 효과를 내는 것이 아닐까, 생각한 일이 있다.) 철학자 스티브 오딘은 “음악에서 형태를 보고 그림에서 소리를 듣는 경험은, 감각들 사이의 경계가 무너지고 색, 소리, 맛, 향, 감촉, 온도, 감각등 모든 감각들이 섞이면서 느낌의 연속체로 융합되는 공감각적(synaesthetic) 표현이 가장 고급한 형태의 미적 체험”이라는 요지의 말을 한 바 있다.
Duchamp은 미술에 자의적 비유와 기호를 도입, 감각적, 물질적 미학세계를 넘어 사고(thought, conception)의 세계를 미술의 본질적 세계로 규정하고 미술을 더욱 시(詩)적 세계로 이끌어갔으며, 추상의 시적 사유와 영적 사고의 세계를 제시하였다. 대량생산 기성품 레디메이드(ready-made) 기성품을 사용하여 시적인 방법론(비약, 은유, 추상화)을 제시하였다. 그는 20세기 미술의 변화에 중대한 영향을 끼쳤다. 개념(concept)을 선택하는 새롭고 놀라운 미술 제작 방식을 내놓았다. 그는 Dada적인 반미학의 영향하에 사물 그 자체를 특이한 관점에서 관찰하여 사물이 가지고 있는 특이한 아름다움을 찾아내는 방법을 제시한 셈이다. 미술가의 역할을, 사물을 장식하지 않고 미를 발견하는 새로운 시점 선택을 주요 방법론으로 제시한 것이며, “색채와 형태의 아우라를 추구하는 대신 새로운 관점의 선택을 권고한” 것이다.???
III. 예술의 속성, 기능
예술, 과학, 철학, 종교는 인간이 처한 현실(reality)을 인식하고 종국적인 진실(ultimate truth)에 도달하는 하나의 탐색과정이다. 예술은 자기발견, 자기표현임과 동시에 인간의 내면으로 들어가서 우주적이고 보편적인 진리를 발견하는 한 방도이기도 하다.
예술에 대한 몇 가지 철학적 견해를 들어보면,
(1)Plato는 “모든 현상이 보이지 않는 이데아(idea)의 세계를 모방하는데, 인간으로서 가장 가치있는 인식작용은 보이지 않는 이데아를 관조하는 일이다. 예술은 모방이며 가치가 없다.현실세계도 이데아의 모방에 지나지 않으며, 예술은 본질을 인식하는 일을 방해하고, 감각을 통해 보는 아름다움은 일시적이고, 영원한 아름다움은 영적인 것이며, 실재(實在)는 현상 넘어 있다는 관념론적 입장을 피력하였으며, 시인(예술가)은 공화국에서 추방해야 한다”는 요지의 말을 했다. 한편 Aristotle은 “ 예술은 역사보다 진솔하다. 현실 가운데서 이상적인 것을 발견할 수 있다고 말했고, 인간에게 환희와 행복감을 주는 예술의 효용성을 인정하면서 예술은 자연이 끝맺지 못한 것을 이루는 창조적 모방을 한다”고 예술을 옹호하였다. Hegel은 “예술은 진리를 완전히 들어낼 수 없으며, 진정한 이성적 진리는 철학만이 제시할 수 있다”고 생각하였다. Hegel은 Plato처럼 감각적인 것은 모조품에 지나지 않는다는 견해를 가졌다. 반면, Heidegger 같은 철학자는 “시(詩)의 언어를 통하여 우주를 볼 수 있다”는 요지의 말을 했다. (우리는 소위 현실(reality)의 본질에 대한 철학적인 논쟁은 계속되고 있음을 알고 있다. 미국 철학자 Whitehead가, 현대까지 서양철학은 Plato철학의 각주(foot note)에 지나지 않는다는 말을 한 일은 매우 흥미롭다.)
예술은 자연, 역사, 문화, 종교, 철학, 인간의 삶 등을 대상으로 하며, 철학이 이성의 시각에서 개념, 논리를 통해 삶을 이해하는 반면, 예술은 감성을 통하여 삶과 세계를 이해한다. 예술은 예술가가 현실에서 느낀 감동을 감각적으로 작품 속에 형상화하고 감상자의 감각을 통하여 그 감동을 전달하는 것이다.
(2) “예술작품은 사람의 감각을 즐겁게 하고, 작가가 미적 경험을 청중에게 전달하여 심미적, 인식적 체험을 증대하고, 사람의 의식 너머의 세계를 경험하게 한다. 예술은 사실, 현상의 묘사에 더하여 눈에 보이고 식별할 수 있는 세계 너머, 우리가 그 존재를 감지하지만 보통 의식으로는 납득할 수 없는 우주적 현실을 보여준다. 예술은 또한 기지와 미지의 세계를 융합하여 우리를 일깨우고 우리 밖의 사물과 사건에 대한 우리의 관계를 변경시켜, 본질을 파악하게 하고 또한 인생의 신비를 감지하게 한다. 과학은 우리의 물리적 세계에 대한 사실적인 답을 주지만 예술은 정서적, 정신적 욕구를 충족시키고 심안을 통해 피안의 세계를 보게한다. 그렇게 하여 예술은 삶의 질을 높혀준다. 예술가는 예술가 자신 뿐 아니라 그 시대를 진단하고 해석한다.” (Preble) 예술은 삶과 진리를 감성적으로 표현하고, 인간의 삶과 세계에 대한 체험을 감동적,설득적으로 표현하여 인간의 경험을 승화시키며, 교훈, 위안을 주고 세계의 혼돈에 하나의 질서와 의미를 부여한다.
(3)예술은 또한 인식론적, 존재론적 질문을 던지며 나름대로의 답을 제시한다. 예술은 인간의 인식, 존재방식, 미래 창조이며 과거에 대한 창문, 현재의 시현, 장래의 형성에 도움은 준다. 예술 창작및 경험은 삶에 대한 인간의 참여를 증강하고, 인간 경험을 더 생생하고 의미 깊게 하여, 인생을 표현하므로서 인생을 이루어 준다.(Preble)
2) 미술 사조 개관
미술을 대체로 재현(representational)미술과 비재현(non-representational)미술로 대별 할 수 있다. 재현미술은 예술가가 눈으로 본 물리적, 자연적 세계를 있는 그대로 사실적으로 묘사하는 것이며, 자연적, 사실적 사물의 모습을 보여주는 것이다. 비재현미술은 사실적 현실을 있는 그대로 그려내지 않고 예술가의 마음 속의 세계, 보이지 않는 세계, 상상의 세계를 현실적인 형태가 아닌 새로운 형태로 그려내는 미술이라고 말할 수 있으며 추상미술도 여기에 해당된다.
추상미술은 자연에 대한 시각적 재현에 그치지 않고 순수한 형태와 구조를 찾아내어 이를 그림 안에 구축하는 것으로 볼 수 있으며, 구상미술이 시각적 경험을 전달하는 한편 추상미술은 개념화된 본질을 표현하고 모호하고 신비로운 존재의 신비를 들어내는 것이다. (가령 Mondrian의 “나무” 그림을 보면 실제 나무의 모습은 보이지 않고 순수한 선이나 색채만 보인다. 즉 우리가 보는 대로의 나무가 아닌 작가 자신의 마음 속에 있는 나무를 표현하여 하나의 새로운 현실을 만들어낸 것이다.)
재현으로부터 추상 및 비재현의 미술로의 전환은 주로 20세기 초에 나타났다. 추상미술은 주제, 대상을 변형, 왜곡, 과장, 또는 단순화하며 잘 보이지 않던 요소를 부각시키고 드러내는 일을 하였다. 추상미술과 관련하여 Klee가 한 말은 흥미롭다. “이전에 우리는 지구상에 보이는 것들을 재현했다. 이제 우리는 보이는 것들 뒤에 있는 현실(reality)을 드러낸다.” 많은 추상미술 작품이 자연 조건이 조악한 북유럽 지역에서 제작되었는데, 추상적인 표현이 사랑, 불안, 공포 등 인간심리 묘사에 더 적당하는 말도 있다.
(1) 이 기회에 우리가 익히 잘 아는 주요 미술 사조를 요약해 보는 것도 도움이 되리라 생각된다.
르네상스 미술: 15-16세기 신(神) 중심적인 중세미술에서 탈피, 인간중심 미술관을 제시하고 인간과 자연의 아름다움을 잘 묘사한 사실적인 화풍임.(주요 작가: Michel Angelo, DaVinci 등)
낭만주의(Romanticism):
자연주의(Naturalism):
사실주의(Realism): 19세기 중엽 프랑스 낭만주의의 지나친 주관주의와 감상적 접근을 거부, 실제 사실을 객관적으로 충실히 반영하자는 움직임.(Millet, Courbet)
인상주의(impressionism): 사물의 형태보다도 빛과 색에 대한 관심이 많고, 야외에서 빛의 순간적인 변화를 포착하여 사물을 묘사하려는 움직임이며, 가령 전통 유럽 회화의 구도에서는 주제를 중앙에 놓은 반면, 인상파는 사진이나 일본 판화의 비대칭구도를 이용하여 시각적 긴장을 야기시킴.
후기인상주의(post-impressionism): 인상주의 화가들이 즐겨 사용한 시각적, 정서적 묘사보다 구조와 형태에 더 관심을 가지고 견고한 내용및 구성을 중요시함. (Gauguin, van Gogh의 경우 작가의 감정, 내적 정서를 과감하게 표출하는 표현주의적 성향을 보였고, Cezanne은 입체파적 경향을 보였으며 사실상 입체파의 선도자가 됨. 특히 Cezanne의 경우, 르네상스 이래 기하학적 원근법을 해체하였고, 원근법은 보는 사람의 시선을 한 점에 고정시키고 여러 대상 간의 관계를 단순화하는 결함이 있음을 간파하고 공간 내에서의 이미지는 동시에 여러 시점에서 보아야 현실을 제대로 전달할 수 있다는 신념을 가짐. 그는 또한 현실의 기본주조를 구형(rectangle) 또은 원통(cube???)으로 파악해 본 것이 흥미로움.)
상징주의(symbolism): 19세기 후반 인상주의 대한 반작용으로 일어났으며, 상상, 환상의 세계, 인간 내면의 감정, 관념등을 상징적 기법으로 묘사 하려고 함(Gaughin, Munk) (Rousseau,
야수파(fauvism): 자유분방하고 힘찬 운필, 강렬한 원색, 화면의 평먼화, 조형적 장식적 표현, 간략, 추상화 등의 수법을 쓰며, 주관, 감정, 경험을 과장함(Matisse, Dubiffy) (나와 교분이 있던 K화백은 화가는 "색채"에 대한 본능이 강한 사람돠 "형태"에 대한 감수성이 강한 사람으로 대별할 수 있는데, 자기는 "색채"보다는 "형태"에 대한 재능이 더많은 것 같다. 그러나 색채에 대한 본능이 더 중요하다고 말해준 일이 있다.)
표현주의(expressionism): 20세기초 주로 독일에서 대두하였으며, 반 자연주의적 태도를 가지고 왜곡된 형태와 강열한 원색으로 작가의 내적 감정, 정서를 주관적으로 그려냈으며, 불안, 고뇌, 고통, 좌절, 분노등을 생생하게 표현함 (Kandinsky, Klee, Munk)). (Gauguin과 van Gogh는 작품에 정서적 강열함과 내적 생각과 감정을 시각화하였으며, 격열한 색채 대조, 윤곽이 갑자기 변하는 형태, 격열한 운필, 표현주의 경향을 나타냄)
입체주의(Cubism): 자연의 모방과 원근법, 명암법, 단축법등 전통적인 회화기법을 거부하고, 사물을 여러 시점에서 보고(다각적 복수 시점) 다변화된 시간 속에 대상을 놓고, 형태를 추상화하고 파편으로 분활하여 표현하므로서 새로운 시공간을 창출함(Picasso, Braque)입체주의(Cubism): 자연의 모방과 원근법, 명암법, 단축법등 전통적인 회화기법을 거부하고, 사물을 여러 시점에서 보고(다각적 복수 시점) 다변화된 시간 속에 대상을 놓고, 형태를 추상화하고 파편으로 분활하여 표현하므로서 새로운 시공간을 창출함(Picasso, Braque)
정신과 의사였던 Freud는 정신분석이론(psychoanalysis)을 개발하고 인간의 무의식(unconscious) 세계를 조명하였으며, 꿈에 대한 연구를 통하여 20세기 문화 전반과 미술사상에서는 특히 다다이즘, 초현실주의 운동에 직접적 도화선 역할을 함.
다다이즘(Dadaism): 1차대전의 공포와 참상, 전쟁의 부조리한 파괴성에 항거하여, 소위 합리성이 혼돈과 파괴를 초래한 세계에서 질서와 의미를 발견하는 것은 불가능하다고 느끼고, 모든 기존 도덕, 사회, 미학적 가치, 전통, 질서, 이성중심주의, 과학에 대한 맹목적 숭배, 발전에 경도된 산업주의를 거부하고, 정치적 무정부상태, 비합리주의를 표방함.(Duchamp, Ray)
초현실주의(surrealism): 이성의 지배를 받지 않는 환상, 공상, 꿈의 세계, 검열을 받지 않은 무의식적 충동과 환상을 시각화하고 무의식 세계를 그려내려고 시도함. 다다이즘과 같이 초현실주의는 작가 개인의 순수감정,직관,비이성적 충동을 간파하고 무의식, 환상, 환각, 꿈, 심령적 경험을 강조하고, 이성을 거부하므로써 더 큰 진실( super-reality, surreality)에 도달할 수 있다고 믿음. Dada가 정치적 무정부주의를 부르짖은데 반해, 초현실주의는 예술활동에 중점을 둠.( Klee, Dali, Miro, Magritte)
추상표현주의(abstract expressionism):20세기 미국에서 대두하였으며, 그 주요한 대표로 Pollock을 들 수 있음. 그는 몸을 율동적, 무용적으로 움직이고 화폭 주위를 돌면서 물감을 떨어뜨리는 action painting을 연출함. 초현실주의의 직관, 우연, 무의식적 발상 등의 요소를 활용하여, 정신, 감정등 자기표현을 시도함. 기존의 구도 개념을 무시하고, 사전 계획이 없이 자발적, 즉흥적,무의식적 창작과정을 실천함. 그는 몸과 손으로 생각하고 우주의 운행법칙을 예술적으로 표현했다는 논평도 있음.(de Kooning, Pollock)
특기사항: 동양 미술은 그 유구한 역사 가운데 구상적, 추상적 화풍을 포함하여 다종다양한 경향들을 나타냄. 서양에는 인간을 중심으로 다루는 인물화가 많았고 동양에서는 자연과 사물 속의 인간과 인간 정신을 표사한 산수화가 많이 제작되었음.(중세 서양에서는 자연 속에 악령이 서식한다는 믿음으로 풍경화가 금단시 되었다.) 우리가 전총으로 이어받은 유불선과 무속 사상에서는 자연의 외양 뿐 아니라 일찍부터 인간의 마음과 정신에 대한 깊은 탐색이 일찍부터 있었다.
“털 한 올이라도 다르면 그 사람이 아니다”는 전통 초상화관이라든가, 청나라의 석도(石濤)의 일획론(一劃論)에 “법(法)은 어디에서 나왔는가? 한 획에서 나왔다. 한 획이란 존재의 샘이오, 모습의 뿌리다.” 등을 생각하면, 동양미술의 준엄하고 심오한 미술론을 언뜻 볼 수 있다.
고려 불화는 종교회화의 극치를 보여주는 세계적인 미술작품들이며 심오한 불교의 세계를 놀라운 화법으로 그려냄. 우리가 자주 보는 겸재 정선의 진경산수 화풍의 “박연폭포”, “금강전도”와 추사 김정희의 “세한도” 등에서는 조선 미학의 압축적된 양상을 볼 수 있으며, 문인화에서 “볼 수 없는 세계를 가시화 하고 정신세계를 그려내며, 직관이 우주 속의 기와 함께 창작품에 동화되고, 작가자신의 정감이 대상과 물아일체(物我一體)의 초월적 경지를 시현해야 하며 함축된 추상적 사고의 형상만을 그려내야 한다”는 미학적 사고가 주목된다. 이와 같이
동양의 미술도 서양의 여러 사조를 망라하는 면모를 자ㅣ곡 있었음을 알 수 있다.
2)표현기법
투시원근법(linear perspective):기하학적 구도로 깊이, 원근, 움직임을 나타내려는 표현법.
공기원근법(air perspective): 색채의 농담 등을 통하여 심도, 원근, 움직임을 나타내는 기법.
낯설게 하기(defamiliarization): 사물을 낯설게 표현하므로써 사물의 진면목, 미처 보지 못한 측면도 보여주려는 기법. 데페이즈망(depaysement)은 낯설게 하기의 한 종류로 볼 수 있는바, 예기치 못한 사물을 화폭 속에 배치, 신기한 분위기, 이외성, 충격, 불가사의한 분위기를 창출함. 사물을 낯설게 표현하므로서 사물의 진면목을 보게하려는 기법.
자동기술법(automatism): 생각 나는 대로, 붓이 가는대로 그림을 그리면, 우연적, 즉흥적, 무의식적 표현이 가능하며, 더욱 생생한 내면의 이미지를 표출할 수 있다는 태도 및 표현기법.
키아로스쿠로(chiaroscuro): 화면에 입체감이나 원근감을 주기 위하여 빛과 그림자의 대비를 극대화시키고 클로즈 업을 많이 이용하는 기법.
점묘법(pointillism): 빛을 분석, 연구하여
3)최근 세계 미술 동향
그리스 로마 이래 서양예술의 주요 목표는 인간이 사는 현실의 아름다움과 현실의 참 모습을 표출하는 것이었으나, 현대에 이르러 인간이 처한 현실이 조악하고 많은 문제를 내포하므로써 그러한 현실을 대면하는 인간의 감정과 의식을 드러내어 실재를 표현하려는 운동이 전개되어왔다.
모더니즘(modernism): 사회적, 기술적 진보에 대한 확신, 이성 중심주의와 선형적 발전 사관을 신봉하였으며, 개인의 자기결정권 등을 사회, 문화적 이념으로 함. 포스트 모더니즘(post-modernism)의 대두로 대중문화와 고급예술의 구분이 무너지고, 모더니즘에 반대, 진보에 대해 회의적이 되고 반 엘리트주의 경향이 생김. 대중미술 (kitch) 자체가 고급미술로 승격이 되었다.
근래 미술에서 개념화, 의미화, 철학화의 동향이 특히 눈에 띄며, 개념미술(conceptual art)은 형태 중심에서 아이디어(concept)중심으로 동아섰다. Danto같은 철학자는 예술이 감각 경험으로부터 사고작용으로 전환하고 철학하기로 발전하고 있다는 요지의 말을 했다.
Duchamp도 현대미술은 “물감과 형상 그것의 아우라를 추구하지 않고, 오직 새로운 관점을 선택 하는 일”을 중요시 한다는 말을 했으며, 철학자 Adams는 “외적인 아름다움을 목표로하는 고전적 재현방식은 현대예술에서 사라졌다. 음악에서 “불협화음”이 현대적 정신을 드러내듯 미술에서는 “감각에 대한 호소”를 거부하고 ‘고통, 고뇌’를 드러내는 특징이 있다. 해체되고 추상화된 형식의 재구성을 통해 대상의 본질을 암시하는 ‘비감각적 유사성이 두드러지게 나타난다. 재현이나 묘사를 벗어나 언어로는 지시하고 표현 할 수 없는 표현 할 수 없는 것을 보여준다.“고 믿었다.???
근래, 백남준을 위시하여 우리나라 미술가들이 세계적인 예술가로 대두하였다. 최근 조각가, 화가, 철학자인 이우환은 세계적 작가로 평가되고 있다. 서구 모더니즘에 반기를 들고 일어난 모노하(物性) 일본 예술운동의 이론적 뒷받침이 된 이론가이기도한 이우환의 Guggenheim 박물관 전시와 관련하여 “화려한 기술과 현란한 색상으로 치달았던 현대미술에서 최근 재료 자체의 물성(物性)과 본질로 돌아가자는 움직임이 강하게 일고 있다”는 논평도 있다. (박진배)
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최근 세계미술은 갈 수록 개념화, 철학화되고, 감각 경험으로부터 사고(thought)로 그 관심이 옮겨가고 있다. Danto는 해석이 작품을 작품으로 만든다는 말도 했다. 따라서 작가들은 자기의 작품을 철학적으로 설명해야하며, 작품과 철학적해석이 합쳐서 하나의 작품이 되는 상황이 벌어지고 있다.
상어를 조각 내어 액체 속에 담그는 과정을 통하여 작품을 만든 Hirst 같은 작가의 작품이 1억불에 v팔리는 작금의 미술 시장에서 우리는 어리둥절하게 되며, 작품의 성격과 창작과정에 대하여 궁금한 점이 많다. 그러나 대부분의 작품이 개념적이며 철학적인 양상을 현저해짐이 주목된다. 사회, 문화적 환경의 격변에 따라 미학의 패러다임도 부단히 변하고 있는 것이다.
IV. 미술 감상 태도 (결론)
"아는 만큼 보이고 보이는 만큼 느낀다"는 말이 있는데 미술 감상에 참고가 되는 말이다. "아는 만큼 보이고, 보이는 만큼 안다."라고 바꾸어 말해 볼 수도 있을 것이다.
어떤 작품은 작가의 의도나 제작과정 드에 관하여 알지 못해도 이해되는 것이 있는 반면, 어떤 작품은 작품 자체에서 잘을 수 없는 정보가 있어야 감상이 용이해지는 것을 할 수 있다. 미술을 이해하는 일은 종종 암중모색이 된다.
미술작품 감상은 미학적 접근, 미술사적 접근(미술사적 맥락에서의 작품의 위치), 미술외적 접근( 역사, 사회, 정치, 문화)등이 있다.
예술작품의 창작과 감상에는 개인의 주관적 태도, 가치관, 정서 등의 복잡하고 불확실한 요소가 게재되므로 객관적 측정이나 평가는 어렵고 주관적 견해와 의견이 주동이 된다. “하나의 그림이나 조각이 어떻게 되어야 제대로 된 것인지 말해 줄 수 있는 규칙은 없기 때문에 우리가 그 미술작품을 위대하다고 생각하는 이유를 정확하게 말로 표현하는 것은 거의 불가능하다. 미술에 대해서 누구도 다 알지는 못한다.”(Gombrich)
예술 작품은 하나 하나가 하나의 소우주(microcosm) 같은 것이어서 아무리 단순하게 보이는 작품이라도 완전한 이해는 결코 쉽지 않다. 이해되지 않는 부분은 그대로 예술작품으로 남아있으며 점진적인 이해의 대상이 된다. 미술작품에는 감각, 감정, 정서, 오성, 이성의 작용이 융해되어 있다. 따라서 예술작품을 산문적으로 풀이하는 일(paraphrase)은 쉽지 않으며, 많은 경우 예술작품의 의미는 그 자체 내에 있다고 말할 수도 있다. (“The proof of the pie is in the eating.” 라는 영미 속담이 생각난다.)
미술의 역사는 바로 인류의 역사이기도 하다. 미술작품 속에는 다양한 역사적, 사회적, 문화적 요소들이 내포되어 있다. 동일한 작품을 앞에 놓고도 보는 감수성, 인식력, 세계관, 취향에 따라서 열사람이면 열 사람이 각각 다르게 평사하게 된다.
그러나 예술 작품의 중요한 효과는 무엇보다도 사람에게 감동을 주는 일이며, 동양미술에서 기(氣), 기운생동(氣運生動)을 중요시하고, 서양미술에서도 작품의 힘, 실재감, 존재감등을 중요시하는 것은 주목할 일이다. 예술작품의 평가는 상대적, 개인적인 사항이고 시대와 문화에 따라 기호와 평가기준이 달라진다. 이러한 상황 속에서 영미시인 T. S. Eliot의 말대로, "좋은 예술작품은 이해되기 이전에도 즐길 수 있다“는 사실은 감상자에게 큰 위안이 된다.
미술작품 감상에 있어서도 “한 도시를 보는데 하루가 걸릴 수도 있고 일년이 필요할 수도 있다”는 말이 참고가 되리라 생각된다.
작품 감상에 있어서, 우선 작품 전체를 훑어보고, 세부 사항을 살펴보고, 일차적 인상을 얻은 다음, 작품의 구성, 형태, 색채, 표현기법, 작가의 의도와 화풍을 알아보고 참고 자료, 도센트, 큐레이터, 작가와의 대화, 평론 읽기 등으로 점차적으로 작품 감상을 심화할 필요가 있을 것이다. 무엇 보다도 작품 자체에 몰두해 보는 것이 중요하다. 작가는 작품 속에 감상자의 이해와 감상의 즐거움을 돕기 위하여 많은 노력을 한다. 가령, 대각선 또는 S형 구도를 이용하여 감상자의 시선을 인도하든가, 인물의 동작이나 시선을 통하여 메시지를 암시하기도 한다. 원근법을 사용하여 작품의 깊이를 만들어내고 작품 속의 디테일을 설정하여 이야기를 암시하기도 한다.
음악을 감상할 때와 같이 작품의 메시지를 파악하기 전에 우선 그림을 보는 경험 자체를 즐기고 음미하는 가운데, 자세한 이해는 뒤로 미루면서 점진적으로 감상과 이해를 이어나가는 것도 좋을 것이다. 한 사람의 인간이나 하나의 사태를 이해하는 데 많은 시간이 필요한 것과 같다고 보아야 할 것이다.
미술가에 관한 영화를 보는 것도 좋을 것이며, 좋아하는 그림을 벽에 걸어두고 수시로 감상하는 것도 좋은 방법일 것이다.
미술작품에는 작자 자신이 설명할 수 없는, 그래서 영훤히 해석이 되지 않는 부분도 있게 마련이다. 특히 작품창작과정에서 무의식이나 즉흥적 작용이 가미되었을 떼에는 더욱 그러할 것이다. 이는 우리에게 우주의 신비를 맞보는 기회를 주는 일일 수도 있다.
<참고도서>
Artforms, Dudane and Sarah Preble, Harper & Row, 1985
서양화 감상법, 빛깔있는 책들, 오광수저
Gombridge, 서양미술사
미술의 이해와 감상, 김정락, 김진아. 송희경 공저, 한국방송통신대학교출판부, 2009
술감상법
첫댓글 감사합니다.미술 감상 소론 공부 마치고 퇴근합니다.