앤디워홀, 팝아트..그리고 실크스크린에 대해 안내해드립니다

1 . 앤디워홀에 대해서... 본명은 Andrew Warhola. 1928(?). 8. 6 미국 펜실베이니아 피츠버그(?)~1987. 2. 22 뉴욕 시. 미국의 미술가·영화제작자. 1960년대 팝 아트 운동의 창시자인 그의 대량생산된 미술품은 미국 상업문화의 진부한 소재들을 이상화시켰다. 그는 자신을 대중 앞에 공공연하게 노출시킴으로써 예술가의 개념을, 성공한 유명인사도 아니고 사업가도 아닌 비개성적이고 무의미한 존재로 제시했다. 체코슬로바키아 이주민의 아들로 태어났으며 1949년 피츠버그에 있는 카네기 기술연구소 디자인과를 졸업했다. 그후 뉴욕 시로 갔으며 약 10년간 상업적인 삽화가로 일했다. 1950년대말에 회화를 시작했는데 1962년에는 캠벨 수프 깡통, 코카콜라 병, 브릴로 비누상자 등을 그린 작품을 전시하여 갑자기 유명해졌다. 1963년에는 사진을 이용한 실크 스크린을 통해 이러한 소비제품들의 진부한 이미지들을 대량생산해냈으며, 화려한 색채로 약간씩 변화를 주어 이미지를 끊임없이 반복시킨 유명한 인물들의 초상을 판화로 제작했다. 1960년대에는 영화제작에 좀더 많은 힘을 기울였다. 〈The Chelsea Girls〉(1966)·〈Eat〉(1963)·〈My Hustler〉(1965)·〈Blue Movie〉(1969) 등 그의 영화들은 언더그라운드 계열에 속하며 주로 그의 창조적인 에로티시즘과 플롯 없이 장시간(최장 25시간 소요) 이어지는 지루함 등으로 유명하다. 이후에는 정치적 인물들과 할리우드 명사들을 다룬 판화를 제작했으며, 광고 일러스트 및 상업미술 작품 등으로 폭넓은 활동을 보였다. 1975년에 그의 〈앤디 워홀의 철학 The Philosophy of Andy Warhol〉이 출판되었으며, 뒤이어 〈1970년대의 조망 Portraits of the Seventies〉(1979)·〈Andy Warhol's Exposures〉(1979) 등이 출간되었다. 2.팝아트에 대해서.... 1950년대 후반부터 주로 영국과 미국에서 나타난 예술 현상. 팝 아티스트 앤디 워홀이 목판 위에 실크 스크린으로 ... 팝 아트라는 명칭은 미술 평론가 로렌스 앨러웨이가 이 경향의 회화와 조각의 서술적인 표현양식에 대하여 언급한 데서 유래했다. 영국 팝 아트의 대표적인 인물 중 한 사람인 리처드 해밀턴에 의하면 팝 아트는 "통속적이고, 일시적이고, 소비적이고, 값싸고, 대량생산적이며, 재치 있고, 관능적이고, 선동적이고, 활기차고, 대기업적인…… 미술 양식"이다. 특히 미국의 로이 리히텐슈타인, 앤디 워홀, 클레이즈 올덴버그, 톰 웨셀먼, 제임스 로젠퀴스트, 로버트 인디애나, 영국의 데이비드 호크니, 피터 블레이크 같은 팝 미술가들은 작품에서 현대생활에 강한 충격을 주는 대중문화의 모든 현상을 가리지 않고 특징적으로 묘사했다. 그들은 긍정도 부정도 담지 않고 노골적·직접적으로, 또한 그림 자체를 있게 한 매스 미디어에서 사용된 정확한 상업적 기법을 수단으로 도상학적인 측면(텔레비전이나 만화책, 영화, 잡지 및 모든 형태의 광고에서 고안됨)을 뚜렷하게 객관적으로 드러냈다. 미국과 유럽에서 매우 개인적인 미국의 추상표현주의의 물결이 가라앉을 무렵 팝 아트는 보다 객관적·보편적으로 수용될 수 있는 미술 양식으로 되돌아가고자 했다. 이와 더불어 과거의 순수예술이 주장하는 우월성과 당대의 전위미술에서 볼 수 있는 허식을 모두 거부함으로써 전통을 파괴했다. 팝 아트는 특정한 사회적 상황을 충실하게 반영했으며 매스 미디어에 의해서 쉽게 이해될 수 있는 이미지를 즉각적으로 받아들이고 이용했기 때문에 문화적인 대사건이 되었다. 통속적·선정적·반미학적인 대사건이 농담으로 평가되어왔지만, 생활에 직접 반응하는 미술, 즉 전문가와 훈련받지 않은 관람자들 모두가 이해할 수 있는 민주적·비차별적인 미술로서 평가되었다. 팝 아트는 당대의 파리풍 미술에서 볼 수 있는 진지함과 좀더 넓게는 유럽에 전쟁을 몰고온 정치적·문화적 상황을 조롱한 1920년대의 허무주의 운동인 다다이즘의 후예로 볼 수 있다. 당대의 대량생산물을 찬양함으로써 미술과 생활의 간격을 좁히려고 한 미국 다다이즘의 대표자인 마르셀 뒤샹은 팝 아트의 발전에 있어서 가장 중요한 인물이다. 팝 아트에 영향을 준 다른 미술가로는 스튜어트 데이비스, 제라드 머피, 페르낭 레제 등이 있는데 이들은 기계공업시대의 정밀하고 대량생산적·상업적인 물건을 그렸다. 직접적인 선조로는 1950년대에 비록 회화적이고 표현적인 기법을 사용하기는 했지만 깃발과 맥주깡통 등을 그린 미국의 미술가 재스퍼 존스, 래리 리버스, 로버트 로젠버그 등이 있다. 특히 인상적인 작품으로는 상업 인쇄물에서 사용하는 색점에 이르기까지 연속만화를 충실하게 복제한 로이 리히텐슈타인의 그림과 수프 깡통의 상표와 비누 상자, 나란히 배열된 청량음료병을 있는 그대로 정밀하게 그리거나 실크 스크린 기법으로 찍어낸 앤디 워홀의 작품, 욕실의 붙박이 설비와 타자기 또는 거대한 햄버거 등을 부드러운 플라스틱재로 제작한 클레이즈 올덴버그의 작품, 얼굴 없는 인물의 섹스 심볼을 노골적이고 직접적으로 그린 톰 웨셀먼의 〈미국의 거대한 누드 Great American Nudes〉, 그리고 폐품처리장에서 주워온 실제의 환경물(간이식당의 식탁과 버스 등)에 실물 크기의 석고 인물을 설치한 조지 시걸의 구조물 등이 있다. 대부분의 팝 미술가들은 작품에서 비개성적·도시적인 태도를 추구했다. 그러나 미묘한 표현으로 사회를 비판한 것도 있는데 예를 들면 올덴버그의 늘어진 오브제와 워홀의 똑같은 평범한 이미지의 단순한 반복은 명백히 혼란스러운 효과를 일으킨다. 시걸 작품의 신비하고 고독한 분위기는 공공연하게 표현주의적인 성향을 띠고 있다. 미국의 팝 아트는 상징적·익명적·공격적인 반면 영국의 팝 아트는 주관적·직접적이며 그들로서는 비교적 거리감이 있는 팝 문화에 대해 다소 낭만적인 태도를 보인다. 영국의 팝 미술가들은 주로 과학기술과 대중문화를 다루었는데 미국의 몇몇 팝 미술가들은 이러한 생각을 직접 실천하기도 했다. 예를 들면 워홀은 "나는 모든 사람이 일종의 기계라고 생각한다"라는 것을 자신의 모토로 삼았으며 실제 작업에 있어서도 기계가 하듯 작품을 제작하려고 노력했다. 팝 아트는 일반대중에게 전혀 진지하게 받아들여지지 않았지만 20세기 중반 서양의 산업국가에서 발생한 매스 미디어와 고도의 산업사회에 적합한 대표적인 미술양식으로서 국제적인 인정을 받았다. 팝 미술가들이 스스로 내건 목표는 바로 생활과 구별할 수 없는 미술을 창조하는 것이었다. 3. 실크스크린에 대해서.. 시각예술에서, 판지(板紙)나 금속에 뚫린 구멍들을 통해 장식하려는 표면에 잉크나 물감을 흘려보냄으로써 도안을 복사하는 기법. Victor Vasarely가 1968년에 제작한 세리그래프 <Permutations>(부분) 일찍이 8세기에 중국에서 스텐실을 사용했으며, 배핀 섬의 에스키모인들은 서양의 문명과 접촉하기 전에 물개나 바다표범의 모피로 만든 스텐실로 판화를 제작했다. 20세기에는 스텐실이 등사 인쇄나 정교한 그림의 제작과 같은 다양한 목적에 사용되고 있다. 예를 들면 20세기 미국의 미술가인 로이 리히텐슈타인의 팝아트 그림들은 얇은 금속판에 구멍들을 골고루 뚫어 거기에 물감을 흘려보냄으로써 만화책의 삽화들을 인쇄할 때 거치는 망판 과정의 독특한 반점들을 모방했다. 일반적인 스텐실과 구별되는 '포슈아르'(pochoir : 프랑스어로 '스텐실'이라는 뜻)는 한정된 수의 정교한 스텐실 판화 제작에 사용하는 매우 섬세한 기법으로서 핸드 칼라링이나 핸드 일러스트레이션이라고도 한다. 20세기의 화가인 파블로 피카소와 후안 미로는 이 기법을 사용하여 책의 삽화에 쓸 판화들을 만들었다. 스텐실 방식의 주요한 결점은 사이가 뜬 디자인은 쉽게 찍어낼 수 있지만 다른 것을 에워싸고 있는 디자인은 가운데 디자인이 빠지기 때문에 다루기 힘들다는 것이다. 이것은 서로 겹치는 2개의 반쪽 디자인을 사용하여 처리할 수 있다. 그러나 스텐실의 모든 부분들을 거미줄 같은 실로 이어놓으면 이러한 결점은 한결 보완될 것이다. 망(網)에 아교나 그와 비슷한 물질을 발라 '막아 놓은' 곳을 제외하고는 물감이 통과할 수 있는 실크스크린과 미세한 철망이 보통 이러한 목적에 사용된다. 이 공정을 직물과 같이 대량으로 생산하는 상업 제품에 적용할 때는 실크스크린 날염법(捺染法)이라고 한다. 미술가가 정교한 판화를 만들기 위하여 직접 스텐실을 도안하고 제작하고 인쇄한 것을 세리그래프(serigraph)라고 한다. 실크스크린 위에 스텐실을 만드는 방법은 여러 가지가 있다. 잉크가 찍히지 않아야 할 부분에는, 종이를 붙이거나 수용성 아교를 발라서 스크린에 막을 형성시킨다. 그러나 그 안에 다시 부분적인 선을 남겨 두려면 석판화에 사용하는 해먹이나 크레용으로 선을 그리는데, 나중에 덧칠한 아교를 씻어낼 때는 테레핀유를 사용한다. 필름 스텐실법이라고 하는 또다른 방법도 널리 사용되고 있는데, 이 방법은 글라신 지(紙)에 래커 칠을 한 얇은 채색판을 포개어 붙인 것으로 만든 스텐실을 사용한다. 디자인은 래커 칠을 한 부분에만 새기며 완성된 스텐실은 스크린의 밑바닥에 고정시킨다. 그다음에 스텐실에서 글라신 지를 떼어내고 디자인을 인쇄한다. 사진 전사는 드로잉이나 양화 필름을 통해 빛에 노출되는 감광유제(感光乳劑)를 이용해 스크린에 고정시킬 수 있다. 이 방법은 원래의 디자인이 스크린에 그대로 옮겨지지 않기 때문에 주로 복사에 사용되는 기법이다. 그러나 로버트 라우셴버그와 앤디 워홀, 래리 리버스 등 현대의 미국 화가들은 그들의 작품들에서 사진 전사 방식의 실크스크린을 사용했다. 실크스크린 인쇄는 막히지 않은 스크린을 통해 롤러의 날카로운 고무날이 밀어내는 액체 잉크로 이루어진다. 이러한 목적에 사용하는 잉크는 대부분 불투명하기 때문에 구아슈(불투명 수채화)의 복사는 거의 완벽하게 이루어진다. 수용성 물감은 플라스틱으로 막아 놓은 스크린을 통과할 수 있기 때문에 투명 물감도 사용할 수 있다. 실크스크린은 1938년 '연방미술계획'에 참가한 일단의 미국 미술가들이 이 기법을 실험하고 그뒤 그것의 사용을 촉진하기 위하여 '전국 세리그래프 협회'를 설립하면서 비상업적인 목적으로 사용되기 시작했다. 프랑스의 빅토르 바사렐리와 영국의 에두아르도 파올로치, 브리지트 라일리, 미국의 짐 다인, 클래스 올덴버그 등 현대의 많은 화가들은 실크스크린 채색화 인쇄법을 발전시켜왔다.