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현대 대중음악 장르 이해 |
북미와 영국 팝, 전통적인 민속음악 등에 속하지 않은 것을 "월드(World Music)"라고 한다. 자마이카인들의 레게나 라틴 팝 등은 그들 스스로 한 분류를 이룰 만큼 크게 성장한 확실한 스타일이지만, 그 밖의 중국음악에서 아프리카 포크 송에 이르는 것들은 월드로 분류된다.
월드의 주요 스타일 월드비트(Worldbeat) , Yothu Yindi, Master Musicians of Jajouka, 3 Mustaphas 3
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[Vocal] 보컬음악은 고전적인 미국 팝이 개별 가수들이나 보컬그룹에 의해서 불려지는 것을 말한다. 이전의 록과 로큰롤, 팝 보컬리스트들은 그들 자신이 곡을 쓰지 않았고, 어빙 베를린, 죠지 거쉬윈이나 콜터와 같은 전문적인 송라이터가 쓴 곡을 불렀다. 또 그들은 오케스트라나 스윙 빅 밴드의 도움으로 노래하기도 했다. 30년대와 40년대의 보컬리스트들은 이들 빅 밴드와 노래하여, 빙 크로스비, 프랭크 시나트라와 앤드류 시스터즈 등은 대형가수가 되었고, 또 그들이 보컬의 주류를 이루었다. 이들 보컬 그룹들은 40년대와 50년대에도 유사한 노래와 스타일로 싱어들을 이끌었으나, 가벼운 소재로 나아갈려고 하는 경향이었다. 주요 보컬의 스타일 Vocal/Standards , The Lettermen, Frank Sinatra, Dean Martin
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[ Rock ] 아프터 비트를 강조한 흑인 음악에서 출발되어 발전한 음악으로 미국이 본거지라고 할 수 있다. 그러나 영국출신의 비틀즈가 등장하면서 브리티시음악이 더 사랑받기도 했다.(예)엘비스 프레슬리, 비틀즈. 초기 로큰롤(rock’n’roll)이 차차 ‘R&R’의 약자로 표시되다가, 더 축소된 록(rock)으로 고정된 명칭이다. 록이라는 용어가 사용되기 시작한 것은 대체로 1960년대 초인데, 이 무렵 록뮤직은 초기 로큰롤과는 표현양식이나 내용면에서 예술적으로 세련되기 시작하여, 전위음악을 시도하는 젊은 음악인들과 재즈뮤지션들도 록에 관심을 표시, 록뮤직은 차차 프로그레시브록, 포크록, 아트록, 재즈록에서 80년대 코스믹뮤직에 이르기까지 다양하고 개성이 강한 음악으로 발전해 갔다.
특히 1964년 영국의 4인조 그룹 ‘비틀스’가 미국에 진출, '그대 손목 잡고 싶어:Ⅰ Wanna Hold Your Hand'로 미국을 통해 전세계로 그들의 노래가 유행하기 시작하면서 록의 새로운 시대를 맞이하게 되었다. 로큰롤이 E.프레슬리로부터 시작되었다면 록뮤직은 비틀스로부터 시작되었고, 이윽고 그것은 비틀스스타일을 모방한 데이브 클라크 파이브, 롤링스톤스, 맨프리트맨, 홀리스, 애니멀스 등 그룹의 전성시대로 돌입한 것이다. 초기 비틀스는 로큰롤 스타일의 범주를 벗어나지 않았으나, 점차 모방에서 벗어나 그들 특유의 음악 분위기를 창출, 독특한 비틀스음악을 들려주기 시작했고, 이어 비틀스음악은 록뮤직의 전형이 되었다.
특히 비틀스 멤버 중의 G.해리슨은 인도의 민속악기 시타르의 독특한 바이브레이션을 록뮤직에 도입, 라가록을 시도하기도 하였다. 1960년대 말 R.무그에 의해 신시사이저(synthesizer)라는 전자회로를 응용한 건반악기가 개발되자, 록뮤지션들은 신시사이저를 응용한 스페이스사운드에 관심을 가지기 시작하였다. 이 음악에서는 특히 유럽계 뮤지션들의 활약이 두드러지고 있는데, 서독의 4인조 클라프트 베르크, 프랑스의 디디에 마루아니, 장 프랑수아 자르, 그리스의 반제리스 등이 스페이스사운드, 별칭 우주음악(cosmic music)으로 록뮤직의 새로운 분야를 개척하였다.
록의 주요 스타일 Alternative/Indie-Rock, H?ker D?/a>, Galaxie 500, The Flaming Lips
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[Jazz]
개관 미국 흑인의 민속음악과 백인의 유럽음악의 결합으로 미국에서 생겨난 음악. 재즈의 리듬 ·프레이징 ·사운드 ·블루스 하모니는 아프리카음악의 감각과 미국 흑인 특유의 음악감각에서 나오고, 사용되는 악기 ·멜로디 ·하모니는 유럽의 전통적인 수법을 따르고 있다. 재즈의 특색으로는 오프 비트의 리듬에서 나온 스윙감(感), 임프로비제이션(즉흥연주)에 나타난 창조성과 활력, 연주자의 개성을 많이 살린 사운드와 프레이징의 3가지를 들 수 있으며 이것들이 유럽음악 ·클래식음악과 근본적으로 다른 점이라고 할 수 있다.
재즈의 어원은 야비하고 외설스러운 뜻을 지닌 영국의 고어(古語) 재즈(jazz)에서 비롯된 것이라는 설, 19세기부터 미국 남부의 흑인들이 사용한 성행위(性行爲) 등의 성적(性的) 의미와 열광이라든가 빠른 템포나 리듬을 뜻하는 속어 재즈에서 비롯된 것이라는 설, 드럼 연주자 찰스의 이름이 Charles → chas → Jass → Jazz로 전환된 것이라는 설 등이 있다.
또 재즈피아노 주자이며 작곡가인 제리 롤 모튼은 1902년 자기의 피아노 연주스타일을 재즈라 하고 재즈의 창시자로 자칭하기도 하였으나 모두 확실한 근거는 없다. 그러나 17년에 녹음된 사상 최초의 재즈 레코드레이블에는 “…Jass Band”라고 인쇄되어 있으며 당시는 jazz가 아니라 jass 또는 jaz, jas 등이었다고 한다. 앞서 말한 바와 같은 특색을 지닌 흑인음악을 재즈라고 부르게 된 것은 1910년대에 들어서부터이며 그 이전에는 일반적으로 래그타임음악 또는 래그라고 불렀다.
재즈는 여러 가지 차별이나 기성개념에 반항하면서 퍼레이드의 행진음악에서 댄스음악 그리고 감상을 위한 음악으로 발전하여 지금은 미국뿐만 아니라 세계적인 현대음악의 괄목할 만한 한 분야가 되고 있으며 앞으로도 새로운 내용 ·스타일이 창출될 것으로 생각된다.
모체 재즈의 시초는 17세기 말 이래 아프리카에서 아메리카대륙으로 인적자원 ·노동력으로서 수출된 흑인 노예의 자손들은 아프리카 민속음악의 감각을 필드 할러라는 단순한 서글픈 노래로 나타내고 있었다. 그러다가 교회의 찬송가를 비롯한 유럽음악의 영향을 받아 흑인 특유의 감각을 반영한 흑인영가 ·워크송(노동가)·체인갱송(쇠사슬에 묶인 죄수의 노래) 등으로 발전하였다. 그리고 19세기 말에는 노예해방으로 개인의 생활을 생각할 수 있게 되자 그러한 사생활의 애환을 소박한 형식의 노래로써 표현하게 되었다.
그 노래가 모체의 하나가 된 블루스이다. 또 노예해방 후의 흑인과 크리올(흑인과 백인의 혼혈인:미국에서는 흑인과 프랑스인의 혼혈인)은 예능인으로서도 사회적으로 어느 정도 인정을 받게 되었고, 19세기 말엽부터는 남부의 흑인 피아니스트들 사이에서 래그타임이라는 율동적인 스타일의 피아노음악이 생겨나 유행하기 시작하였다. 그것은 재즈는 아니지만 재즈의 모체의 하나로 간주할 수 있었다.
그 무렵 루이지애나주의 뉴올리언스에서는 흑인들에 의한 브라스밴드가 많이 나타났다. 남북전쟁에 패한 남군 군악대의 악기를 흑인들이 싼값으로 살 수 있었기 때문이었다고 한다. 이들 브라스밴드는 시(市)의 퍼레이드나 장례행진 때에 행진곡 등을 연주하는 일이 많았는데 이 밴드의 행진곡도 재즈의 모체의 하나가 되었다.
역사와 스타일의 변천 재즈는 뉴올리언스의 흑인 브라스밴드에서 생겨난 것이라고 할 수 있다. 처음 흑인들의 밴드는 백인들의 밴드를 본따 유럽음악의 수법에 따른 연주를 하고 있었으나 점차 행진곡 ·래그타임곡 등의 연주에 흑인 특유의 감각을 보이기 시작하였으며 가곡(歌曲)인 블루스도 악기로 연주하게 되었다. 흑인 특유의 리듬감에 래그타임의 영향이 곁들어 그들 가운데는 독보력(讀譜力)은 없어도 멜로디 ·하모니 등을 외어 원곡(原曲)을 쉽게 하여 연주하는 사람들도 나타났다. 전설적인 인물처럼 되어 있는 트럼펫 주자 바디 볼덴은 그 대표적인 인물 가운데 한 사람이다. 또 19세기 말에서 20세기 초에는 트럼펫 ·클라리넷 ·트롬본의 3관편성(三管編成)에 의한 컬렉티브 임프로비제이션(collective improvisation:집단 즉흥연주)과 그 앙상블 진행스타일이 커다란 특색으로 나타났다. 이것이 뉴올리언스재즈이다. 이 스타일로 백인들이 연주하는 재즈를 딕실랜드재즈라고 하는데 요즘은 구별하지 않는 경우가 많다.
뉴올리언스의 흑인 재즈맨들은 주로 창가(娼家)가 많은 홍등가(紅燈街) 스토리빌에서 일해 왔으나 제1차 세계대전 중인 1917년 뉴올리언스가 군항(軍港)이 되고 홍등가가 폐쇄되자 트럼펫 연주자 K.올리버를 비롯한 많은 흑인 재즈맨들이 시카고와 뉴욕 등지로 옮겨갔다. 시카고에서 그들은 뉴올리언스재즈의 스타일로 연주를 계속하였는데 그 영향을 받은 젊은 백인 재즈맨들은 뉴올리언스재즈의 스타일에 세련도를 곁들여 연주, 이것이 후에 시카고스타일로 불리게 되었다.
이 백인 재즈맨들에게 많은 영향을 끼친 사람이 R.암스트롱과 빅스 바이더백이다. 암스트롱은 22년 시카고에 나타나 재즈에 있어 솔로(독주)의 중요성을 확립한 인물이며, 백인인 바이더백은 재즈는 흑인이 아니면 연주하지 못한다는 징크스를 깨고 재즈의 전통을 지키면서 새로운 감각의 백인재즈를 창조하여 시카고 백인재즈의 중심적인 인물이 되었다. 그리고 시카고의 흑인 재즈맨들 사이에서 피아노에 의한 새로운 블루스주법 부기우기가 나왔다. 한편 뉴욕에서는 뉴올리언스재즈의 영향을 받은 빅밴드에 의한 재즈가 성행했다.
그리하여 재즈음악으로 발전하였는데 흑인 거주지구인 할렘에서는 F.헨더슨, D.엘링턴 등의 독특한 편곡에 의한 재즈스타일도 나왔다. 또 래그타임계 피아노재즈의 새로운 스타일이 J.존슨, P.월러 등에 의해서 창조되었다. 뉴욕에서의 빅밴드재즈의 발전은 이윽고 재즈 전체의 발전을 촉진하게 되었다. 36년 베니 굿맨악단이 연주한 맹랑한 재즈는 경제불황의 회복기라는 좋은 조건도 있고 해서 압도적인 인기를 모았으며 굿맨에 이어 T.도시, A.쇼, G.밀러 등의 백인 빅밴드도 인기를 끌었다.
이들 백인악단의 세련된 신선한 댄스 음악은 스윙뮤직으로 불리고 이로부터 스윙재즈시대가 시작되었다. 굿맨악단의 드럼 연주자 징 크루퍼를 비롯한 많은 시카고스타일재즈의 스타들이 이들 악단에서 활약한 사실은 빼놓을 수 없다. 또 빅밴드로부터의 픽업 멤버에 의한 소편성악단(콤보)과 레코드 취입을 위한 재즈, 즉 콤보재즈도 많이 유행하게 되었으며, 솔로의 매력이야 말로 재즈의 매력이라는 사실도 널리 알려지게 되었다.
스윙재즈의 유행에 따라 주목을 끌게 된 흑인악단 카운트 베시악단은 중부 미주리주(州)의 캔자스에서 1920년대부터 활약하고 있던 베니 모턴악단의 후신(後身)이지만, 간단한 헤드 어레인지를 구사한 자유로운 기분의 연주와 리프스타일의 흥미로운 점에 특징이 있었다. 이것이 캔자스시티재즈이며 베시악단도 뉴욕으로 진출하였다. 40년대에 들어서자 스윙재즈는 매너리즘에 빠지고 이 상태에서 만족할 수 없는 젊은 재즈맨들에 의하여 새로운 재즈가 탐구되었다.
뉴욕의 52번가에 있는 클럽 민턴하우스 등 잼세션에서 C.크리스티언, D.길레스피, C.파커 등에 의해 비밥(밥이라고도 한다)이 생겨나고 스타일화하였다. 특이한 코드진행과 종래 재즈의 하모니나 리듬의 제약을 무시한 새로운 수법은 당초에는 상당한 비난을 받았으나 얼마 가지 않아서 곧 모던재즈의 모체가 되었다. 이 비밥의 수법에 의한 빅밴드재즈가 우디 하먼악단 등의 모던 빅재즈밴드이다. 그리고 비밥은 M.데이비스, S.게츠 등에 의하여 내성적이며 정적인 솔로와 앙상블의 균형이 잡힌 쿨스타일의 재즈를 낳고 다시 R.트리스타노에 의한 유럽 현대음악의 수법을 받아들인 실험적인 재즈도 낳게 되었다.
50년대에 들어서자 모던 빅밴드의 허먼악단, 스턴겐튼악단의 백인 재즈맨에 의한 지적인 재즈가 주목을 끌었다. 그들은 주로 미국의 서해안 로스앤젤레스에서 활약하였기 때문에 보통 웨스트코스트재즈로 불렸는데, S.로저스, J.멀리건이 대표적이다. 한편 뉴욕 등의 동해안에서 비밥의 임프로비제이션에 의한 솔로를 중심으로 한 연주를 계속해온 흑인 재즈맨들은 50년대 중반부터 그룹으로서의 조화를 발전시킨 하드밥 혹은 흑인적인 냄새를 강하게 풍긴 펑키 등의 명칭으로 웨스트코스트파를 압도하기 시작했다.
이들 흑인의 재즈를 이스트코스트재즈라고 하며, A.블레키, 호레스실버, S.멍크, M.데이비스, S.롤린스 등이 이들을 대표했다. 또 쿨재즈와 유럽음악의 영향으로 지적인 실내악적 재즈에 특이성을 보인 J.루이스의 모던재즈 4중주단도 생겨났다. 50년대 말엽에 알토색소폰 연주자 O.콜먼이 멜로디 ·하모니 ·리듬의 3대요소를 뿌리부터 뒤엎은 독자적인 재즈를 만들어 냈다. 또 선법(旋法)을 탐구한 J.콜트레인, 자유로우면서도 강렬한 색채감을 지닌 색소폰 연주자 A.아일러 등이 활약하고 전위(前衛)재즈가 큰 관심을 끌게 되었다. 근래에는 하드 ·밥 ·쿨 등 여러 가지 스타일과 수법이 서로 영향을 끼치는 가운데 발전하고 있는 것으로 생각된다.
재즈의 주요 스타일 Big Band/Swing, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Count Basie with Joe Williams
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[Country] 미국 중부 산악지대의 농민이나 산 사람들 사이에서 전래된 민요. 또는 그 계열의 가요. 대표적 가수는 존 덴버이다. 컨트리 엔드 웨스턴(Country and Western)은 미국 중부 산악지대의 민요 및 그 계열의 가요를 포함한 컨트리 뮤직과 미국 서부의 카우보이 송 및 동계열의 가요를 일괄하여 말한다. 또한, 비슷한 주제들 위에서 끝없이 다양한 모습들을 단순한 태로 보여주기도 한다. 마치 블루스란 장르처럼...때론 컨트리음악과 블루스 음악은 테마를 같이 하기도 한다. 그러나 컨츄리음악의 본연의 모습을 들여다 보면 단순한 음악이란걸 알아차릴수 있을것이다.
컨트리의 주요 스타일 Alternative Country , Iris Dement, The Waco Brothers, John Hartford
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[ Folk ] 포크 송(Folk Song)은 민요를 말하는데, 영,미에 있어서 전해 내려오는 작자 미상의 옛 민요. 노동자나 카우보이등의 서민들의 생활정서를 노래하는 특징을 가지고 있다. 요즘은 '모던 포크송'도 통틀어 '포크송'이라 부른다.(예))위버스 그룹, 우디거리스가 있다. 포크 록(Folk Rock)은 외관상으로는 매우 이상한 두개의 어울리지 않을 것 같은 동료가 섞여 있는 듯한 크로스오버 스타일이다. 포크의 색깔은 메탈적인 문장의 완전한 음역을 사용함으로써 변형되고 또한 플루우트, 바이올린, 만돌린, 바순을 사용하여 증음시킬 수 있다. (예)Gentle Giant, Gryphon, Horslips, Jethro Tull, Skyclad
포크의 주요 스타일 Traditional Folk, Dock Boggs, Chad Mitchell Trio, The New Lost City Ramblers
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[ Easy Listening ] 이지 리스닝은 집중력을 요하는 재즈와는 달리 마음을 진정시키고 편안함을 주는 연주음악을 말한다. 이지리스닝의 주요 스타일 Easy Listening ,Billy May, , Ray Conniff, Jimmy Sturr
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[Blues] 19세기 후반 미국 흑인들 사이에서 형성된 독특한 가요 및 그 형식. 흑인특유의 비극적인 상황에 의해서 느리고, 우울한 것이 특색을 가지고 있다. 블루스 록/메탈(Blues Rock/Metal)은 록/메탈 음악에 부드러운 감성을 표현하는 블루스를 접목하여 이루어지면서 60년대 초에 영국을 중심으로 출발했다. 우울함과 숨막힐 정도의 나른하고 느긋한 연주를 기본적인 록/메탈에서 피어나게 하는 느낌을 중시하는 음악을 말한다.(예) 에릭 클랩튼(Eric Clapton),Jeff Beck, Jimmy Page, Gary Moore, 신촌블루스, 한영애, 스티비 레이 본, 팻 트래버스, 프랭크 마리노 등이 있다. 부르스의 주요 스타일 Chicago Blues , Junior Wells, Robert Nighthawk, Elmore James
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[Reggae] 흑인이90%, 백인이10% 정도의 비율이면서도 흑인이 피지배인이 된 자메이카에서 백인 지배층에 대한 저항음악으로 발전되어 온 것을 BOB MARLEY가 집대성한 장르이다. 이렇게 레게는 자메이커 특유의 음악이지만, 아이러니컬 하게 미국, 뉴 올리언즈의 R&B 라디오 방송을 들은 자메이커의 뮤지션들이 여러 가지 리듬과 빠른 템포로 만든 것이다. 레게의 주요 스타일 Ragga , Pato Banton, Sister Carol, Dennis Brown ----------------------------------------------------------------------------------------------- [Chanson] 샹송이라는 프랑스 말은 스페인의 칸시온이나 이탈리아어의 칸초네와 같은 어원을 갖고 있어, 가요라든가 노래를 의미한다. 프랑스의 파퓰러송을 모두 샹송이라 말해도 무방하지만, 전통적인 샹송에서는 다른 나라들의 노래와는 상이한 몇 가지 특징을 볼 수 있다. 흔히 샹송은 한 편의 드라마라고 일컬어지듯이, 가사가 이야기로 되어 있는 것이 많은 것도 그 특색의 하나이리라. 곡은 쿠플레(couplet)라는 스토리 부분과 르프랭(refrain)이라는 반복 부분으로 이루어져 있다. 그리고 일상 대화에서 사용되는 것과 같은 알기 쉬운 말을 쓰고, 때로는 아르고(은어)를 섞어서 엮는다. 세계 각국의 파퓰러송 중에서도 샹송에서는 특히 가사가 중요시된다. 따라서 샹송 가수는 단지 멜로디를 노래하는 것이 아니라, 그 가사의 내용을 전하는 데 중점을 둘 필요가 있다. 프랑스에서는 대부분의 가수가 음악 학교는 나오지 않았더라도 대개 딕션(화법) 공부를 하는데, 이는 바로 이것 때문이다. 그리고 소리가 아름답다든가 음악적으로 정확하다든가 하는 것보다, 오히려 그 곡을 어떻게 해석하여 개성적인 표현으로 듣는 이에게 전하는가 하는 점을 평가받는다. 이리하여 어떤 샹송을 처음으로 불러 성공시키는 것을 크레아시옹(creation)이라 한다. 이것은 창조라는 의미인데, 보통 초연이라고 번역된다. 샹송에서는 특히 이 크레아시옹이 존중된다. 즉 가수는 자기의 개성으로 샹송을 연기하고 부름으로써 작자와 공동으로 그 노래에 생명을 주는 역할을 한다고 간주된다. 그리고 제2차 세계 대전 전까지는 한 번 크레아시옹된 샹송이 초연자 이외의 가수에 의해 다루어지는 일은 거의 없었다. 그러나 오늘날에는 샹송도 외국의 노래와 같은 경향이 되어 크레아시옹의 의의는 약해지고 말았다.(이 자료는 박홍진님이 편집하신 '이야기 샹송·칸초네 여행'에서 발췌한 내용임) 샹송은 그 성립이나 구조, 혹은 다루는 테마 등에 따라 여러가지 이름으로 분류할 수 있다. 반드시 엄밀하지 않은 경우도 많지만, 여기에 몇 가지 예를 들어본다. 샹송 포퓔레르 ( chanson populaire ) - 민중의 노래라는 뜻의 샹송 포퓔레르는 영어의 팝송과 마찬가지로 이른바 유행가를 가리키는 경우도 있지만 샹송사에 있어서는 작자 미상의 민요나 이에 준하는 것을 말한다. 샹송 사방트 ( chanson savante )-학식 있는 샹송이나 고급 샹송이라는 의미의 샹송 사방트는 샹송 포퓔레르에 비해 작자가 분명한 것을 말한다. 중세의 궁정을 중심으로 발달하여 사랑의 노래가 많았다. 가사의 형식도 정돈되고 곡도 예술적이어서 샹송 포퓔레르에 많은 영향을 주었고 근대 샹송의 발달을 촉구시켰다. 샹송 드 제스트 ( chanson de geste ) - 보통 무훈시라고 번역되는 샹송 드 제스트는 기사도가 화려했던 중세 무렵에 발달한 서사시의 일종이며, 12세기에 만들어진 4,000행으로 된 롤랭의 샹송 등이 유명하다. 대개 기사나 왕의 무훈을 찬양한 내용을 가졌고, 노래한다기보다는 음송되었다. 콩플랭트 ( complainte ) - 역시 중세에 프로방스 지방에서 일어난 세속적인 노래의 일종으로, 로맨틱한 비련 이야기나 종교적인 수난과 기록 등을 엮었고, 애수를 내포한 가락을 지녔다. 16세기 경부터 주로 종글뢰르jongleur라고 불리는 음유 시인에 의해 성하게 불려졌다. 이 콩플랭트라는 명칭은 현대에도 전해져 샹송의 제목으로 흔히 쓰이며, 애가라든가 비탄의 노래로 번역되고 있다. 로망스 ( romance ) - 원래의 중세의 음유시인(트루베르trouver나 트루바두르troubadour)이 불렀던 장편의 감상적인 이야기 노래였으나, 그 후 차츰 달콤하고 부드러운 노래를 널리 이 이름으로 부르게 되었고, 기악곡에도 적용되었다. 18세기부터 19세기에 걸쳐 많은 작품이 만들어졌다 샹송 리테레르 ( chanson litteraire ) - 문학적 샹송을 말하며, 샹송 포퓔레르에 대해 샹송 사방트와 똑같은 의미로도 쓰이지만, 일반적으로는 시인의 시에 작곡가가 곡을 붙인 작품을 말한다. 1567년 시인 장 앙투안 드 바이프와 음악가 티보 드 크루비유가 <시와 음악의 아카데미>를 설립하고 나서 이 장르의 샹송이 발달했다. 17세기에 접어들면서 샹송 리테레르는 크게 융성했고 이윽고 18세기의 카보나 19세기의 문학적 카바레가 그 주요 무대가 된다. 제1차 세계 대전 후에는 조금 존재가 희미해졌지만, 제2차 세계 대전 후 부흥의 징조를 보이면서 오늘날의 샹송계에도 전통이 계승되어왔다. 기욤 아폴리네르의 시에 의한 <미라보 다리>나, 루이 아라공의 시에 의한 <엘자의 눈동자> 등은 샹송 리테레르의 좋은 예이다 샹송 레알리스트( chanson realiste ) - 현실적 샹송이라고 번역되는 샹송 레알리스트의 테마는 대개 사랑인데, 그것을 드라마틱한 수법으로 전개시켜 많건 적건 서민 생활의 가장 어두운 면을 리얼리티를 존중해서 그려낸다. 즐겨 다루는 주인공은 건달이나 매춘부, 선원이나 병사 등이며, 번화가나 항구가 그 드라마의 무대가 된다. 이 종류의 샹송은 19세기 말 경부터 대두하여 수많은 작품이 만들어졌다. 이것을 주된 레퍼터리로 하는 여성 가수를 샹퇴즈 레알리스트라고 한다. 남성인 경우는 샹퇴르 레알리스트라 하지만, 이 분야의 가수는 거의가 여성이다. 제2차 세계 대전이 시작되기 이전, 다미아, 프렐, 이봉 조르주 등이 3대 샹퇴즈 레알리스트라고 일컬어지며 명성을 얻었다. 그러나 전후에 샹송 레알리스트는 급속히 위축되었다. 샹송 팡테지스트 ( chanson fantaisiste ) - 호나상적 샹송이라 번역되는 샹송 팡테지스트는 여러 가지 타입의 작품을 포함하는 광범위한 분류로서, 자유 자재로 공상을 펼치며 엮은 샹송을 말하며, 재기에 넘치고 코믹한 요소를 갖고 있다. 주로 카페 콩세르나 뮤직 홀의 무대에서 불렸는데, 이것을 레퍼터리로 하는 남성 가수를 샹퇴르 팡테지스트라고 하며, 모리스 슈발리에, 샤를 트레네, 마르셀 아몽 등이 이 분야에 속한다. 여성 가수는 극히 적지만, 코르디는 대표적인 샹퇴즈 팡테지스트라고 할 수 있다. 샹송 드 샤름 ( chanson de charme ) - 매혹의 샹송이라는 의미의 샹송 드 샤름은 주로 사랑을 주제로 한 감미로운 샹송을 말하며, 이것을 부르는 남성 가수를 샹퇴르 드 샤름이라고 한다. 이 말은 1930년대에 미성으로 당시를 풍미했던 티노 로시에 대해 처음으로 붙여졌고, 앙드레 클라보에게 계승되었다. 여성 가수의 경우는 샹퇴즈 드 샤름이라 하며, 뤼시엔 부와예 등이 이에 속하지만, 오히려 샹퇴즈 상티망탈(감상적 샹송 여가수)라 불릴 때가 많다. 샹송 폴리티크( chanson politique ) - 이미 중세 무렵부터 있었던 정치적 샹송, 샹송 앙가제(chanson engagee) 참여 샹송, 프로테스트 샹송, 혹은 샹송 드 메티에(chanson de metier) 직업에 관한 샹송 등 여러가지 분야로 나눌 수 있다. King Tubby & The Aggrovators, African Dub All Mighty
[Canzone] 한국인들이 칸초네 애창곡을 꼽을 때마다 빠지지 않는 질리올라 칭케티의 <노노레타>(Non Ho L'ta)가 있다. 흔히 <나이도 어린데>라는 제목으로 번안돼 우리의 여러 가수들도 노래하기도 한 이 곡은 이탈리아의 칸초네를 대표하는 곡으로 널리 사랑받고 있다.
이탈리아어로 '노래'라는 뜻의 칸초네는 `하품소리도 예술'이라는 말이 있을 정도로 성악적 전통이 강한 이탈리아의 대중음악을 가리키는 말이다. 전통민요에 바탕을 둔 칸초네에는 지중해 지역에 뿌리를 내리고 살아온 이탈리아인 특유의 낙천적 기질, 낭만, 정열이 깃들여 있다. 이러한 특징은 중학교 음악 교과서에까지 등장하는 민요 <산타루치아>, <돌아오라 소렌토로>, <오 나의 태양> 등과 같은 곡들에서도 발견할 수 있는 공통점이다.
칸초네의 기원은 16세기 유럽 전역에서 유행한 성악곡 마드리갈에까지 그 기원이 거슬러 올라가지만 나폴리 지방의 어부들이 노래하던 전통민요(나폴레타나)가 칸초네의 직접적인 뿌리가 됐다는 것이 정설이다. 1970년대 중반부터 칸초네는 서서히 침체기를 맞이했다. 샹송과 마찬가지로 영/미 등 영어권의 팝에 밀려 세계 대중음악의 중심권에 점점 밀려나게 된 것이다.
1990년대 이탈리아의 대중음악은 전통적인 칸초네와는 뚜렷이 구별된다. 특히 젊은 층이 듣는 음악에는 영/미 팝과 록의 영향이 많이 침투했다. 하지만 여전히 클라우디오 발리오니와 루치 오 달라 등 국민적 사랑을 받는 아티스트들의 곡은 여전히 서정적이고 아름답다. 현재의 칸초네에 밀바와 같은 구슬픈 정서는 사라졌지만 이탈리아 특유의 서정성은 강하게 남아있다.
감정이 풍부하고 예술성이 강한데다가 놀기 좋아하는 이탈리아인들은 20세기의 들어서면서 밀라노를 중심으로 칸초네의 발전에 더욱 박차를 가했다. 특히 음악의 보고로 알려진 옛 나폴리의 음악 분위기가 새로운 경제 및 관광 도시인 밀라노로 옮겨진 뒤 칸초네는 더욱 폭넓게 대중화되었다.
그 뒤 2차대전이 끝나면서 미국의 팝 뮤직이 칸초네에 영향을 미치고 또 이탈리아 서북단에 위치한 유명한 관광 도시 산 레모에서 세계적인 음악제 산 레모 가요제가 열리면서 칸초네는 그 화려한 황금 시기를 맞이하게 되었다. 칸초네를 이야기하려면 이처럼 <산레모 가요제>를 빠뜨릴 수 없다. 52년에 시작된 산레모 가요제야말로 칸초네의 세계화에 지대한 공헌을 한 이탈리아 최고의 음악축제이기 때문이다. 58년 8회 산레모 대상곡인 도메니코 모듀뇨의 <볼라레>가 세계적인 히트곡이 됐다. <노노레타>는 제목처럼 당시 16세의 앳된 소녀에 불과했던 질리오라 칭케티에게 64년 산레모 대상을 안겨준 곡. 질리오라 칭케티는 <노노레타>로 일약 세계적 스타로 발돋음했다. 이처럼 산레모를 통해 스타와 히트곡들이 양상되면서 칸초네는 영국과 미국의 팝, 프랑스의 샹송과 함께 서구 대중음악을 대표하는 장르로 자리잡았다. 아이러니컬한 사실은 '칸초네의 여왕' 밀바는 여러차례 산레모 가요제에 출연했지만 한번도 대상을 받지 못했다는 점이다.
물론 나폴리 가요제라든가 베니스 가요제등 이탈리아에서는수많은 가요제가 열렸다. 하지만 1951년부터 시작된 산 레모가요제에서 발표된 수많은 칸초네 명곡과 히트곡들은 칸초네를 세계적인 음악으로 만든 계기가 되었다. 특히 1950년대 후반 칸초네는 이탈리아를 벗어나 전 세계적으로 인기를 끄는 음악으로 진일보했는데 그 발판이 된 노래는 1957년 미국에서도 대인기를 끌었던 토니 달라라의 '코메 프리마'(ComePrima)였다. 그 이듬해 도메니코 모듀뇨의 '볼라레'(Volare)는전 미국 차트 1위에 올라 전 세계적으로 유행을 하였고 그런 연유로 산 레모 가요제는 세계적인 행사가 되어 더더욱 많은 히트곡을 내놓는 발표장이 되었다. 바로 이 산 레모 가요제가 60년대의 미국 팝송에 견줄 만큼 칸초네를 세계 속의 대중음악으로 만든 것이다.
대표적인 칸초네 가수 |
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