음색(각종 톤 기술 주법)

[대니하]

색소폰의 다양한 톤을 내는 연주법(노르멀톤,비브라토,벤딩,서브톤,칼톤)

색소폰은 사람의 목소리 처럼 어떻게 소리를 내느냐(주법)에 따라 다양한 톤을 연출할 수 있는 악기입니다. 색소폰 공부를 하는 초보자 들이 구사하기 힘든 주법도 있 지만 무던히 노력하면 분명히

좋은 연주를 하는데에 큰 도움이 될 것입니다.

1.노르멀톤(클래식톤)

- 클래식에서 쓰는 색소폰소리로써 특별히 음을 꾸미지 않고 마우스피스를 (패치의 3/1정도가 보이도록) 충분히 물고 폭이 고르고 일정한 비브라토로 연주하며 색소폰 특유의 따스하고 부드러운

소리를 깨끗하게 표현합니다. 특히 음을 너무 과장하는 오버톤은 금물입니다.

2.바이브레이션(비브라토)

- 바이브레이션은 비브라토와 같은 뜻으로 입술, 턱, 호흡 등을 적당히 사용하여 음의 피치를

움직여 더욱 기름지고 표현력있게 내는 소리를 말합니다.

물론 클래식에서도 쓰이며 가요나 무드음악을 연주할 때는 클래식톤보다 바이브레이션을 더 많이 사용하여 더욱 감성적인 음색을 구사합니다. 연주곡이나 연주자의 해석에 따라 바이브레이션의

속도를 처음부터 끝까지 고르게 낼 수도 있고 점점 빠르게 표현할 수도 있습니다.

그리고 너무 심한 바이브레이션의 표현은 지저분하게 들릴 수도 있지요^

3.벤딩(꺽기)

- 가요나 무드음악 연주시 텅잉을 할 때 리드에 혀를 강하게 치면서 호흡을 이용하여 순간적으로

음을 내렸다가 다시 올리며 소리를 냅니다.곡 연주시 벤딩을 처음부터 끝까지 너무 자주 사용하면 오히려 표현이 식상해지기가 쉽습니다.연습시 미리 생각하여 꼭 필요한 몇몇곳에서 사용하는

것을 권합니다.

4.서브톤

- 대개 "대니보이" 등 무드음악 연주시 많이 쓰이는데 "쓰스스..." 하며 바람 빠지듯한 소리를

내는 주법입니다.마우스피스를 얕게 물고 입술에 약간 힘을 빼어 연주시 실재로 바람이 새면서

아기소리와 바람소리가 함께 들리게 하는 표현입니다. 전체 호흡의 3/1에서 2/1정도의 공기를

흘려야(?) 합니다. 그렇기 때문에 많은 양의 호흡을 필요로 합니다.

음정이 불안한 것을 이용 또다른 맛을 내기도 합니다. 칼톤과 달리 주로 저음에서 사용되며

다른 색소폰 보다는 주로 테너색소폰 연주시 많이 사용됩니다.

5.칼톤(그로톤)

- 무드음악 연주시 가래끓듯이 강렬한 소리 들어보셨지요?

주로 악곡의 클라이막스 부분(고음부)에서 사용하며 목젓의 떨림을 악기에 그대로 전달시키는 주법입니다. 록에 쓰는 하울링 창법과 비슷한 원리로 성대를 약간 힘을 주며 올린 후 목구멍을 벌리며

가글을 하듯 목젖을"가르르르~~" 끓어줍니다.

이 주법 역시 자주 쓰면 오히려 연주곡의 맛이 떨어지기 쉽습니다음

1. 좋은 음색을 가져야 한다.

좋은 음색이란 악기를 연주한 다음의 첫번째 과제이다.
음색이 좋지 못하면 우선 adlib에서의 매력이 손상되고 만다

2. 빠른 프레이즈를 연주해도 각음이 뚜렷이 들려야 한다.

빠른 연주는 adlib의 깊은 맛이라 할수있다. 조지벤슨이나 알디메올라,지미스미스 등이 현대에 있어서 빠른 연주자로 꼽히고 있는데, 이들은 공통적으로 빠른 프레이즈를 구사하고 있지만 한음한음이 분명히 들리고 잇다.

빠른 연주를 하여 adlib의 맛을 살리되, 각음을 뚜렷하게 내는 일은 쉽지 않지만 그렇다고 해서 무난한 음으로 간단한 프레이즈만 연주해서는 adlib의 맛이 사라져 버린다. 훌륭한 에드립의 스승은 연습뿐이다.

3. 좋은 프레이즈는 얼마든지 있다.

적어도 레코드 녹음을 시도하는 연주가들은 역시 경험이 풍부하며, 또한 좋은 프레이즈를 많이 알고 있음도 당연한 일이다. 그렇게 되기 위하여는 우선 레코드를 많이 듣고 프레이즈를 익혀야 하며, 그 프레이즈를 다른 여러가지 의 key로도 연주할수 있도록 노력하고 다양한 템포로도 연습하는 것이 필요하다.

이처럼 연구하는 동안 스스로 프레이즈를 만드는 능력이 길러지고 어떠한 곡에 서 든지 사용할수가 있는 것이다. 이와같이 자신이 연주하기 쉽도록 프레이즈를 변화시켜 카피한 것이 이윽고 자신의 것이되고, 자신의 개성이 된다.

4. 다양한 부절이 나와야 한다.

처음에는 8분음표나 16분 음표만 계속되는 경향이 있다.
그리고 조금이라도 쉴 경우는 불안하여 음이 자꾸 연결되어 버린다. 부절만 보아도 에드립이 상당히 변화된 것이다.
메트로늄을 사용하여 정확한 부절을 연습해보자

5. 에드립에는 절정이 있디.

에드립에서 절정에 이른다는 것은 다양한 부절을 뒤섞어 점점 빠른 프레이즈를 많이 연주하여 높은음을 사용하고 음량도 늘려감에 따라 이루어지는 것이다.
자신있는 프레이즈를 연주할수 있는 경우라도 처음에는 억누르는 듯한 기분으로 시작하여 절정에 이르는 것이 완성된 연주를 이루게 하고 에드립의 내용이 듣는 사람에게 강하게 어필한다.

6. 하나의 에드립이 이어져서 계속되지 않고 종합되어 있다.

현악기는 관악기와 달리 쉴 필요가 없으므로 계속해서 연주가 가능하므로 프레이즈가 줄줄이 이어져 버리는 경향이 있다.

이와같은 느낌을 지우기 위하여 프레이즈의 마지막 음에 약간 엑센트를 넣어 연주하게 되면 어느정도 프레이즈가 길어져도 단락을 느낄수가 있다.
그리고 8분음표가 계속되면 그것을 계속하지 않는 사람도 있는데 이것은 에드립을 질질 끌게하는 원인이 되므로 주의하자.

 

7. 싱글톤, 옥타브주법,코드주법등 다양한 패턴이 있다.

에드립의 경우, 대개 싱글톤으로 프레이즈를 연주하는 일이 많으나, 때로는 옥타브나 코드를 뒤섞어 연주하면 분위기가 변해서 색체감이 있다.
특히 옥타브주법이나 코드주법으로 관철하지 않더라도, 무엇인가 하나의 프레이즈 사이에 예리한 타이밍으로 옥타브나 코드주법등을 삽입하면 훌륭한 에드립이 된다.
싱글톤, 옥타브주법, 코드솔로등의 에드립전개방법에 있어서 독자적인 스타일을 갖고있는 연주자가 많은데 반드시 이런방법이 좋다는 말은 아니며 싱글톤만으로도 스릴을 느끼게 하는 연주자들도 많다.

 

8. 개성이 있어야 한다.

개성이란, 처음에는 자신이 좋아하는 연주자의 에드립을 모방하다가 어느 시기가 지나면 스스로의 개성을 가진 에드립을 모색할 필요가 있다.
여기서의 어느시기란 여러분 각자의 사고력에 의한다. 자신이 좋아하는 연주자를 모방하여 훌륭하게 연주할 수 있다 하더라도, 그 연주자를 능가할수는 없다.

그때문에 누구도 갖지못한 자신만의 개성있는 연주를 개발한다는 것이 매우 중요하다.

 

9. 무리하게 빨리 연주하는 것보다는 자신의 연주를 분명하게 듣도록 한다.

에드립의 궁극적 목표는 빠른 연주나 어려운 프레이즈를 연주하는 것이 아니라, 자신의 감정을 악기로써 표현하는 일이다.
음악연주는 써커스가 아니므로 의미없는 빠른 연주만을 시도하는 것은 듣는 사람들을 놀라게는 할수 있으나 감동시키지는 못한다.

에드립의 길은 멀고먼 길이지만 꾸준히 모방하고 연습한다면 얼마있지 않아 In The Mood를 연주하는 자기자신을 보게됨을 의심치 아니하는 바이다. 

가장 대중적인 클라리넷교본인 "랑게누스"의 저자의 말에 의하면,

음률이 변변치 않더라도 음색이 아름다우면 가치있는 음악이되고.

음률이 복잡다양하더라도 음색이 아름답지 않으면 가치가 떨어진다고 합니다.

정설입니다.

그럼 어떠한 음색이 아름다운 음색인가?

궁금하지 않을 수 없습니다.

여기에는 마우스피스, 리드 ,악기등의 영향이 크겠지만,

주법이 미치는 영향이 가장 클 거라고 생각합니다.

더군다나 간단하게 롱톤같은 것으로 하는 것이 아닌

실제 음악연주시에는

마우스피스나,리드나, 악기의 특성보다는

연주자가 한 곡을 연주함에 있어서

다양한 음악표현의 각 경우에

어떤 방법으로 음을 처리 하느냐에 따라서

즉,주법에 따라서

음색은 천차만별이 될것입니다.

색소폰은 지공(관악기에서 키뚜껑이나 손가락으로 눌러 막는 구멍)이 많이 있습니다.

그 지공들이 워낙 커서 500원짜리 동전보다도 더 크기도합니다.

그러나 결국 소리는 벨끝까지 가서 나옵니다.

중간의 지공들에서 소리가 나가는 건 아닙니다.

중간의 지공들이 관을 일부분씩 끊어먹고 있지만,

소리의 높이(음정)에만 관여할 뿐

모든 소리는 전체 관이 울리면서 모아져가지고 벨끝으로 나오게 되어 있습니다.

물론 지공에서나 중간에 관의 외부로 울리는 소리도 있겠습니다만

주된 소리는 최종적으로 벨을 통하여 모아져 나옵니다.

넥에서 한번 구부러지고 U관에서 또한번 구부러지면서 이 음파들이 모여가지고는  45도로 구부러져서 하늘로 향하여 있는 벨에서 또 합쳐지면서 허공으로 튕겨져 올라갑니다.

이러한 음의 진동에 의한 음파를

벨끝까지 밀어내어 쏘아 올려주지 않으면 

소리가 얼버무려지고 아름답지 않을 것입니다.

소리는 나되 잘 울려지지 않는 소리일 것입니다.

우리나라의 범종으로 비유하면

범종의 끝부분을 때리느냐

범종의 중간부분을 때리느냐에 따라서

음색이 달라질 것과 똑같은 이치일 것입니다.

음높이는 같겠으나,

음색이 다르고,

잘 울릴 수 없는 부분을 때리면

음량에서 한계가 나올 것입니다.

마찬가지로 색소폰연주시

입술로 리드를 떨게하면서 마우스피스를 효과적으로 적절히 조절하면서

색소폰을 벨끝까지

음파를 모아 하늘로 쏘아줄 있도록 불어주지 않으면

소리를  아름답게하거나

경우에 따라서는 크게 하고 싶을때

할 수 있는 한계가 있다는 것이죠.

이것이 우리가 색소폰연주시 음색을 아름답게 하기 위하여 최종적으로 신경써야할 주안점이 될 것입니다.

즉, 음색을 아름답게 하기 위해서는,

" 45도로 휘어져 하늘로 뻗어있는 벨끝까지 통하여 음파를 하늘을 향해 쏘아라"

가 될 것입니다.

사족을 붙이자면,

트럼펫은 음파가 나아갈 방향이 보입니다. 벨부분이 눈앞에 있고 직진입니다. 

더군다나 지공도 없읍니다. 소리의 경로를 바꿔주는 밸브만 있을 뿐입니다.

분명코 음파는 벨을 통하여 나갈 것이라는 데에

연주자가 의심할 여지가 없습니다.

그러나 색소폰은

벨끝이 하늘을 향해 비스듬히 있는데

연주시에 연주자의 눈에는

벨부분이 색소폰 몸체기둥에 가리워 잘 보이지 않습니다.

더군다나 중간중간에 커다랗게 뚫려있는 구멍으로 음파가 새어나갈것 같은 느낌도 들고

이래저래 연주자가 음파가 진행할 방향을 의식하기가

더 어려운건지 모르겠습니다.

.칼톤

분명히 음을 하나씩 내고 있는데,

톤을 끓는 것과 같은 소리를 내는 것을 Growling이라 칭한다.

보통 많은 곡에서 클라이막스 부분에 음을 높이면서 내는 경우가 많은데,

이럴 때의 표현이 강렬한 인상을 남긴다. 보통 하이톤에서 많이 쓴다.

칼톤을 하는 방법은 입으로 바람을 불어서 소리를 내면서,

 동시에 허밍을 한다고 생각하면 할 수 있다(코로 호흡한다고 생각하면서).

 마치 Keith Jarrette이 연주중에 같이 허밍으로 자신의 프레이즈를 똑같이 따라서 하는 것 처럼,

지금 자신이 불고 있는 멜로디를 같이 따라하는 것이다.

다시 말해서 숨을 불어넣으면서 동시에 목을 최대한 열고 '음~~~'이라고 하면서

연주를 하면 그 주파수가 악기를 타고 흘러나가면서 거친 소리를 만들어 내는 것이다.

이렇게 단순한 Growling 외에도 색소폰으로 다양한 소리를 만들어내는 연주자들이 있다.

 마치 코끼리가 울부짖는 듯한 소리를 만들어낼 수도 있고,

 James Carter가 Jurassic Classics의 Take the train에서 보여준 것과 같은 Multiphonics를 이용한 기차소리라던가,

색소폰으로 국악에서의 피리소리를 구현해 낼 수도 있는 것이다.

이러한 새로운 소리에 대한 연주자들의 도전은 그들의 음반에서 직접 배울 수 있다.