라틴속으로 - 탱고 - | 강의 자료 (1) - 탱고의 역사 (본문) ^.~

Daegu Tango : Tango Music Lecture 1 - The History by Gardin (21th) ----------------------------------------------------------------------------------------- 기존의 인터넷 각 사이트에 올라 있는 자료들은 거의 유사합니다. 같은 자료를 번역한 것으로 보이더군요. 한 번씩은 읽어보셨을 듯한데... 일부는 기존 사이트에서 갖고 왔고...일부는 제가 번역했습니다. 원문 제목은 "A Brief Introduction to the History of Tango Music" by Christine Denniston 며칠 사이에 사이트의 내용이 바뀌었는지 이 글이 보이지 않는군요...ㅜ ----------------------------------------------------------------------------------------- * 자료의 출처 : 1. www.history-of-tango.com / 2. <a href="http://piazzolla.pe.kr" target=nlink>http://piazzolla.pe.kr</a>(번역) ----------------------------------------------------------------------------------------- 1. 탱고의 역사 탱고의 기원은 뚜렷하지 않습니다. 여기에는 많이 설들이 있고 그에 따른 많은 종류의 옹호자들이 있지만, 기록이 없어 진실을 알기는 불가능 할거라고 생각합니다. 그러나 역사책에 있는 흔적들을 들여다 보면 탱고는 빈민가 공동주택단지나 거리의 한 귀퉁이에서 가난하고 굶주린 사람들에 의해서 태어 났다고 합니다. 19세기 중반에 초기의 탱고가 부에노스 아이레스의 무대 위에 올려지게 되는데, 지금 우리가 듣는 탱고와는 많은 차이가 있었다고 합니다. 그 시대의 탱고 밴드들은 플룻, 바이얼린, 기타, 솔로 피아노로 구성되어 주로 캬바레나 유곽 같은 곳에서 연주가 되었습니다. 많은 탱고 오케스트라의 레파토리 중의 가장 오래된 곡은 Rosendo Mendizabal(로젠도 멘디사발) 이라는 사람이 클럽에서 피아니스트로 일하면서 채보한 곡이라고 합니다. 이 곡의 제목은 “El Entrerriano(엘 엔뜨레리아노)”, 손님들이 주로 “Entre Rios” 지역에서 오는 사람들이었기 때문에 그 지명을 딴 것으로 보입니다, 채보가 된 연도가 1890년대라고 합니다. 탱고의 역사가 이제 100년을 넘은 거라고 봐도 될 듯… 그 이후 얼마지 않아 처음으로 탱고 사운드 녹음이 등장하게 되었는데, 그 형태는 가수가 기타를 치면서 브라스밴드와 피아놀라(pianola rolls, 자동연주기?)에 맞추어 노래하는 형태였다. 이 초기 녹음형태는 주로 스페인 풍으로서, 오늘날 우리가 알고 있는 탱고의 주요 영향요인은 배제되어 있는 그런 형태였다. 1905년 기타연주가이며 가수이기도한 Angel Villoldo(안젤로 비롤도) 에 의하여 첫번째 위대한 탱고 곡이 작곡됩니다. 이 곡의 제목은 "El Choclo(엘 초클로)(The ear of corn)" 로 탱고를 들어본 사람은 누가 들어도 "이것은 탱고야"라고 말할 수 있을 겁니다. 탱고를 들어본 사람들이 탱고를 구분 할 수 있냐 하는 것에 대한 기준이 좀 이상 할 수도 있겠지만 실제로 1890년의 탱고 곡들을 들어본다면 지금우리가 듣는 것과는 상당한 차이가 있어서 이것이 과연 탱고 곡인가에 대하여 혼돈스러운 경우가 많거든요. 그래서 실제로 탱고의 틀이 잡히기 시작한 점은 1905년이라고 볼 수도 있답니다. 어쨋든 Villoldo는 많은 유명한 곡들을 작곡했고 그의 곡들은 지금도 많은 탱고 오케스트라들이 연주를 한답니다. '첫번째 위대한 탱고예술가'(음 좀 이상하게 들릴지는 모르지만 아르헨티나 사람들은 그를 이렇게 부르더군요.. The First Great Tango Artist)인 Angel Villoldo에 대해서는 알려진 것이 그렇게 많지는 않은데, 그가 작곡한 'El Choclo'는 그가 직접 공연했던 코미디 송(Comedy Song)이라고 하는군요. Choclo는 문자적 의미가 '옥수수의 속대'라고 합니다. 그러나, 사실은 이 Choclo에는 두 가지 다른 의미가 있고, Villoldo는 문자적 의미보다는 외설적(bawdy)인 의미로 이용했습니다. 당시 부에노스 아이레스의 빈민들이 옥수수의 알갱이 외에 속대까지 같이 먹었다는데, 남자들이 접근해도 좀처럼 몸을 허락지 않는 술집 접대부를 의미하기도 했답니다. Villoldo가 사용한 이름의 의미는 금방 잊혀져 버렸으나, 1940년대에 ‘탱고의 탄생을 의미하는 곡’이라 하여 좀 더 서정적인 의미로 바뀌어 불려지게 되었습니다. 20세기로 들어오면서 많은 수의 이탈리아인들을 포함한 유럽인들은 부에노스 아이레스로 이주를 하게 됩니다. 이들 중 상당수는 나폴리(Naples) 출신들이었죠 (Buenos Aires의 방언인 Lunfardo에는, 이태리인들을 tano(원래는 neapolitano, Neapolitan)라고 부르고 있습니다). 이 새로운 이주민들은 바이얼린으로 연주하는 서정적이고 감성적인 나폴리인들의 노래들을 함께 갖고 왔는데, 이것들이 탱고의 멜로디의 아름다운 특징으로 나타나게 됩니다. 곧이어 1910년 쯤에 탱고의 상징적인 악기인 반도네온이 독일로부터 이주해 온 이주민이나 항해사들로부터 부에노스 아이레스에 도착하게 됩니다. 아마도 프랑스 혹은 독일에서 발명되었고 독일에서 생산된 악기로 가난한 시골교회에서 오르간의 역할을 대신 해주는 데 사용되던 악기이지요. 큰 아코디언과 비슷한 모습을 하고 있지만 배우기는 아마도 세계에서 제일 어려운 악기라고 하네요. 두 개의 버튼으로 된 건반에, 그 각각의 배열은 서로 간의 어떤 규칙이 없어 보이며, 건반이 들어가고 나가는가에 따라 서로 다르게 배치되어 있다. 반도네온이라는 악기가 탱고에서 차지하는 범위는 굉장히 큽니다. 탱고에서 반도네온을 빼고 예기하는 것은 우리가 기타를 빼고 클래식기타음악을 예기하는 것과 같은 거라고 할 수 도 있겠지요. 어떤 평론가 혹은 역사가들은 반도네온이 부에노스 아이레스에 오게 된 것을 "탱고가 부에노스 아이레스에 도착했다" 라고도 한답니다. 어쨌든 이 무겁고 우울하고 아름다운 음색의 악기는 탱고의 역사에서 빼놓을 수 없는 거대한 영역을 차지하게 됩니다. 1912년에 반도네온주자인 Juan Maglio(후안 마글리오)(별명 "Pacho(파초)", 이태리어 pazzo에서 비롯된 말로, 영어의 mad에 해당함. Juan Maglio의 앨범 발매 이후 “pacho”="disc"와 같은 의미가 되었음)가 플륫, 바이얼린, 기타, 반도네온으로 구성하여 앨범을 녹음하게 되는데, 이것이 첫 번째 탱고 레코딩이었고 이 음반이 성공을 거둠으로써 반도네온은 탱고에서 중심적인 악기로 자리잡게 됩니다. 탱고 음악을 발전시키는 가장 큰 원동력은 탱고 춤 이었습니다. 그리고 세계에 탱고음악은 소개 시킨 것도 춤이었습니다. 당시 아르헨티나는 세계에게 가장 잘사는 국가 중 하나 였고, 부유층 젊은이들의 상당수는 유럽에서 공부를 했습니다. 이 젊은이들은 부에노스 아이레스에서 평판이 안좋은 사창가나 클럽 같은데서 시간을 보내고, 그곳에서 탱고 춤을 배웁니다. 이들이 유럽 파리 등지의 사교클럽 같은데서 탱고를 추게 되면서, 유럽 사람들과 파리는 탱고 음악과 춤에 열광 하게 됩니다. 곧 이 탱고는 전 유럽으로 퍼져 나가 수많은 탱고 메니아들이 생겨나고 1913년은 역사가들에게 'The Year of the Tango'라고 불릴 정도로 유럽은 탱고와 사랑에 빠지게 된답니다. 그 영향이 Buenos Aires로 다시 되돌아 왔고, 그 영향은 매우 심오한 것이었습니다. 당시 엘리트들에게 있어 탱고는 적어도 자기 자신을 대중과는 차별되도록 하기 위해서 선택해야 하는 존재였습니다. 이제 탱고는 문밖에서 부유층의 살롱으로 옮겨지게 됩니다. 탱고의 가사는 일반적으로 유머러스한 곡이 많았습니다. 위에서 예를 든 Villodo 의 곡 'El Chochlo' 처럼 유머스럽거나 부에노스 아이레스 거리에서의 사람들의 삶을 노래한 것이 대부분이었습니다. 1915년에 Pascual Contursi(파스꾸알 콘뚜르시) 는 기존에 있던 곡에 “Mi Noche Triste(미 노체 트리스떼)(My sad night)” 라는 제목으로 가사를 붙여 넣었습니다. 그리고 포크송 그룹인 Gardel-Razzano 듀엣으로 어느 정도 이름이 알려져 있던(이 시대에 부에노스 아이레스에서 가장 유명한 음악의 장르는 포크송 이었답니다) “Carlos Gardel(까를로스 가르델)”이 1917년에 이 곡을 레코딩 하게 됩니다. Contursi의 가사가 진지했는가 아이러니 했는가 하는 것은 논쟁이 되고 있지만, 어쨌든 Gardel이 부른 이 곡의 가사는 여러 단어로 표현되기는 했어도 주로 실연당한 연인의 덧없는 사랑의 열정, 고통 등을 주제로 한 것이었는데, 그 시대에 이런 노래를 부른다는 것은 쎈세이셔널했나 봅니다. 그래서 이 탱고 곡의 반향은 실로 엄청 났다고 합니다. Mi Norche Triste는 굉장한 성공을 거두고 이 이후 모든 탱고의 레파토리는 비극적 사랑이 주제가 되었고, 탱고가 전세계적인 음악으로 되게 됩니다. Gardel은 이곡 하나로 Spanish를 사용하는 모든 나라의 스타가 됩니다. 가난한 프랑스 이주민의 사생아로 태어나 탱고의 전설적인 인물이 된 이야기와 그의 따듯한 인간성, 작곡가로서의 재능 재능, 44세에 비행기 사고로 죽게 된 비극적인 죽음, 그의 아름다운 음색 … 그리고 탱고가수이자 작곡가로서 전세계에서 명성을 얻은 것과 부에노스 아이레스의 영원한 상징….등등…Gardel의 발자취에는 많은 이야기들이 있습니다. 1916년 피아니스트이자 당시의 최고로 성공한 탱고밴드의 리더인 Roberto Firpo(로베르또 피르포)는 Gerardo Mattos Rodriguez라는 젊은 우루과이사람의 행진곡을 듣게 되고 Roberto는 이곡을 탱고로 만들 것을 결심 하게 됩니다. 후에 Pascual Contursi가 이 곡에 잃어버린 사랑에 대한 이야기로 가사를 붙여 Gardel의 노래로 레코딩 하게 되는데, 탱고의 역사상 가장 유명한 곡인 이곡의 제목은 'La Cumparsita(라 쿰파르시따)' 이고 탱고의 영원한 주제곡으로 남게 됩니다. 근데 이곡은 사실 당시에는 그렇게 유명하지는 않았었습니다(전세계적으로 널리 알려진 곡이 아니라는 뜻…). 이 곡이 유명해진 이유는 M.M.이라는 약자를 사용하는 유명한 여배우인 마릴린 먼로가 영화 '7년만의 외출'(솔직히 자세히 기억이 나지 않습니다.)에서 이 곡을 배경으로 탱고춤을 추는 씬 덕분에 유명해 진 것이지요. 이 영화를 그 시대 전인구의 약10%가 관람했다고 하니… Roberto Firpo는 자신의 탱고밴드를 두대의 반도네온, 두대의 바이얼린, 피아노, 더블베이스로 구성하였는데 이 구성은 스탠다드한 탱고 섹텟(6중주, sextet)의 표준이 됐답니다. [*참고 : 4중주 - 콰르텟(quartet), 5중주 - 퀸텟(quintet), 6중주 - 섹텟(sextet), 8중주 - 옥텟(octet)] 초기의 탱고 뮤지션들은 대부분 독학으로 탱고를 배웠습니다. 1920년대에 이르러 클래식 연주자들이 탱고를 연주하기 시작했는데, 당시 가장 성공적이고 영향력 있었던 사람은 De Caro(드 까로) Julio De Caro라는 바이얼리니스트 였습니다. 그의 오케스트라에는 1920~30년 초반을 풍미하였던 반도네오니스트(bandoneonista) Pedro Laurenz(페드로 로렌쯔)도 있었습니다. 그들은 복잡하고도 우아한(complexity and ellegance) 음악을 추구하였기 때문에 조금씩 느려지면서 당시의 댄서들에게서 조금씩 대중성을 잃어가기도 했습니다. 그러다가, 1935년에 Juan D'Arienzo(후안 다리엔조)와 Rodolfo Biagi(로돌포 비아지) 등이 등장하였습니다. D'Arienzo는 바이얼리니스트였지만 그렇게 이름 있는 사람은 아니어서 1935년까지는 연주를 그만두고 오케스트라만 지휘하였습니다. 그는 자신이 그 분야에 더욱 재능이 있다고 생각했었고, 쇼맨으로서의 감각이 탁월하고 독특한 스타일을 지니고 있었습니다. Rodolfo Biagi는 피아니스트였고, 댄서들이 완전히 저항할 수 없는 ‘전자적(electric)' 리듬의 특성을 가진 좀 더 빠른 스타일(quicker style)의 음악을 창조하였습니다. 탱고를 사랑하는 사람들은 이전에는 뭔가 좀 부족하다고 생각했던 D'Arienzo-Biagi 스타일의 음악적 혁신(musical innovation)에 무척 충격을 받게 되었습니다. (1935년 De Caro가 말하길 “그들의 성공은 여름이 지나면 가실 것이다”라고 얘길 한 바 있는데, D'Arienzo는 이를 두고 두고 용서하지 않았다는...) 하여튼 댄서들은 그들의 스타일을 사랑하였고, 다시 춤판으로 몰려들기 시작했습니다. 이 새로운 '전자리듬(electronic rhythm)'은 큰 반향을 불러일으켰고, 1930년대 후반에는 모든 사람들이 또한 De Caro 조차도 템포를 더 빠르게 가져가기 시작했습니다. 1935년부터 탱고의 황금기(the Golden Age of Tango)가 시작되어 향후 10여년간 모든 면에서 창작활동이 두드러졌습니다. 춤은 춤대로 미묘하게 서로 밀착된 형태의 가장 아름다운 커플댄스로 거듭나게 되었고, 작곡가, 편곡자, 작사자, 가수 등이 모두 명성을 얻게 되었죠. Anibal Troilo, Carlos Di Sarli, Miguel Cal&oacute;, Lucio Demare, Alfredo De Angelis, Osvaldo Pugliese와 같은 사람들이 이끄는 유명한 오케스트라가 줄줄이 등장하게 되었습니다. 이 시기는 탱고의 모든 분야가 가장 가깝게 통합된 시기였고, 각 부문이 서로를 더욱 발전하도록 자극시키는 시대였다 하겠습니다. 1940년대 말에 이르러는, 뮤지션들이 연주홀에서 연주하거나, 춤추기 보다는 듣기 위해 기획된 레코드 및 라디오 프로그램을 위해 연주하는 것에 더욱 흥미를 가지면서, 음악과 춤이 다시 분리되기 시작했습니다. 가수들 역시 영화와 레코딩 부문에서 스타의 반열에 오르면서, 댄서들이 춤추기 좋도록 하기 위해 부과되던 리듬상의 제약(rhythmic constraints)으로부터 자유로와지기를 원했습니다. 따라서, 그 얼마 동안 음악과 춤은 각자의 영역을 고수하였던 것입니다. 그러나, 1955년 쿠테타로 Per&oacute;n가 물러나면서 정치적 환경이 상당히 바뀌어, 탱고도 시련을 겪게 됩니다. 민족주의자인 Per&oacute;n주의 정부는 라디오에서 연주할 수 있는 외국 음악에 쿼터제를 도입하는 등 아르헨티나 음악을 장려해왔다. 그러나, 새로 들어선 정부는 그에 의해 결정된 모든 것들을 의심의 눈초리로 바라보았고, 탱고를 압박하기 위해(왜냐하면, 탱고는 곧 Per&oacute;n을 의미하였고 곧 그의 노선인 민족주의를 의미하는 것이었으므로), 오히려 외국으로부터 음악을 수입하는 것을 장려하여 Rock and Roll과 신세계 청년문화를 Buenos Aires로 유입시켰다. 물론, 정치적 와해를 염려하여 3인 이상의 집회를 금하였기 때문에, 공공장소에서 춤을 춘다는 것이 어려워졌고, 탱고는 지하로 들어가게 되었다. 몇 해 지나지 않아 탱고는 대중적인 운동으로부터 ‘박해받는 언저리 문화(persecuted fringe activity)’로 전락하였고, 상당수의 아티스트들이 블랙리스트에 오르는가 하면 페론주의자와 내통하였다는 빌미로 투옥되기도 하였다. 1950년, Astor Piazolla는 새로운 장르를 개척하게 됩니다. 피아졸라는 1921년에 아르헨티나의 부에노스 아이레스에서 가까운 곳에서 태어났지만, 어렸을 적에 미국으로 건너가서 뉴욕에서 유년시절을 보내며 자랐습니다. 그는 10대에 다시 Buenos Aires로 다시 돌아와, Anibal Trilo의 오케스트라에서 연주를 하게 되었고, 1946년에 자신의 오케스트라를 창단하기까지 거기서 몇몇 훌륭한 곡들을 남겼습니다. 그와 같은 음악적 환경 안에서, 그는 전통적인 탱고의 틀 안에 머물러 있어서는 성공하기 어렵다는 것을 깨달았습니다. 그는 탱고적 요소와, 어릴 적 미국에서 들었던 재즈의 요소와, 클래식한 아이디어를 혼합하여, Tango Nuevo(New Tango)라는 장르를 개척하게 됩니다. 그는 춤추기 위한 것 보다 듣기 위한 음악을 추구하여, 댄서들이 생각하고 있던 것과는 판이하게 다른 재지한 리듬(jazzy rhythms)를 만들어 냈습니다. Buenos Aires에 Piazolla의 Tango Nuevo가 처음 알려졌을 때, 사람들은 격분하며 “전통적인 탱고와는 너무 다르고 전혀 탱고 같지 않다”고 비난했습니다. 그러나, 그는 북아메리카와 유럽 양식을 서로 혼용함으로써, 전통적 탱고에 익숙지 않은 다른 나라의 사람들에게 접근 가능하고 호소력 있는 음악을 창조해냈고, 결국 다른 나라에서 Piazolla의 음악이 성공을 거두면서 자국에서도 점점 받아들여져 갔습니다. 뮤지션들과 무대위의 댄서들도 훨씬 더 자유로운 리듬에 매력을 느꼈고, 사교춤은 거의 사라지고 Piazolla가 주도하는 새로운 탱고가 주류를 이루기 시작했습니다. 1983년 아르헨티나에서 군사정부가 몰락하면서, 같은 해 초연을 해 전세계적으로 히트를 친 Tango Argentino라는 쇼를 통해, 탱고는 다시 주목 받게 되며 뮤지션들과 댄서들에게 충격을 주게 됩니다. 탱고 쇼는 Buenos Aires에서도 급작스럽게 일어나게 되고, 전 세계의 Tango Argentino를 모방하기 시작했습니다. 젊은이들은 자신들의 ‘아르헨티나-스러움(Argentine-ness)'을 주창하면서 탱고를 배우기 원했고, 탱고의 맥을 다시 잇게 되었다. 이제 탱고는 지하로부터 열린 공간으로 되돌아 왔고, 25~30여년 동안 춤을 추지 못했던 민중들은 다시 춤을 출 수 있게 되었습니다. 춤에 대한 새로운 관심은 탱고의 황금기를 구가하게 만들었고, 카세트 테이프에서 CD로 다시 재발매되기에 이르렀다. 24시간 탱고 라디오 방송국, FM Tango 등도 Solo Tango라는 유선방송국에 의해 개설되기도 하였다. Tango Nuevo와 함께 자랐거나 아예 탱고를 모르고 자란 새로운 뮤지션 및 댄서 세대들은 전통을 새롭게 발견하기 시작했다. 최근의 대부분의 레코딩들은 Piazolla에 의해 상당한 영향을 받았으나, 일부 젊은 뮤지션들은 미래의 청중들 가운데 상당부분이 춤을 통해 탱고를 알게될 것을 깨닫고 다시 탱고의 황금기를 찾고자 노력하고 있다. ------------------------------------------------------------------------------------------ [원문] A Brief Introduction to the History of Tango Music by Christine Denniston The origins of Tango are obscure. There are many theories, each with its passionate advocates, but ultimately it is impossible to discover the facts because the records don't exist. Tango sprang from the poor and the disadvantaged, in tenement blocks and on street corners, amongst people whose lives usually leave little trace in the history books. Nevertheless, we owe a great debt to the many dancers and musicians who gave shape to the Tango, though we shall never know their names. The earliest evidence of 'tangos' being sung on stage in Buenos Aires comes from the mid Nineteenth Century (though if we could hear them today, we probably wouldn't recognise them as what we would call Tango). Tango bands at that time would often be made up of flute, violin and guitar, or tangos might be played on a solo piano in the brothels and cabarets. The oldest tango which is still in the repertoire of Tango orchestras was written by Rosendo Mendizabal, a pianist working in a club, and was named, after one of their regular clients who came from the province called Entre Rios, El Entrerriano. The tango was written in the 1890s. Soon after this the first sound recordings of Tango started to appear, performed by everything from a singer accompanying himself on the guitar to a municipal brass band, as well as pianola rolls which can still be played. These early recordings have a very Spanish feel, and lack some of the key influences that formed the Tango we know today. The first great tango was written around 1905 by Angel Villoldo, one of those singers with a guitar. It was El Choclo, one of the two tunes that almost everyone will instantly recognise as Tango. Villoldo wrote many influential tangos, and his tunes are still played regularly today. He is the first great Tango artist that we can name and know a few facts about. Interestingly, he wrote El Choclo as a comedy song which he performed himself - choclo means literally corn-cob, but he was using it in a less literal and more bawdy sense. Villoldo's words quickly fell out of use, and were replaced in the 1940s by a lyric proclaiming grandly that with this tango the Tango was born. Around the turn of the Century massive European immigration brought huge numbers of Italians to Buenos Aires, a great many of them from Naples. (In Lunfardo, the dialect of Buenos Aires, the word for Italian is tano, shortened from neapolitano, Neapolitan.) They brought with them a more lyrical style of violin playing, and the melodic influence of Neapolitan song, a key factor in the melodic beauty characteristic of Tango. Soon afterwards, probably around 1910, the bandone&oacute;n, the emblematic instrument of the Tango, arrived in Buenos Aires, perhaps brought by German immigrants or sailors. The bandone&oacute;n was invented, probably in Germany, possibly in France, and produced in Germany, as a cheap substitute for a church organ in poorer communities. A large accordion-like instrument, the bandone&oacute;n is possibly the hardest instrument in the world to learn to play, having two button keyboards, each with no obvious relationship in the placing of notes, and each having the notes placed differently depending on whether the keyboards are going in or out. But no other instrument sounds like the bandone&oacute;n, and, once past the hurdle of learning where the notes actually are on the keyboard, bandoneonistas can create the most extraordinary, hauntingly beautiful sounds. By 1912 Tango had its first real recording star, Juan Maglio, "Pacho", a bandoneonista, recording with flute, violin and guitar. His success in Buenos Aires was huge, and the position of the bandone&oacute;n as Tango's key instrument was confirmed. A driving force in the development of Tango music had always been the dance, and around this time it was the dance that introduced the music to the world. Young men of good Argentine families (and Argentina was one of the richest countries in the world) would be sent to Europe to study, or to do the Grand Tour. Some of these young men, not surprisingly, had spent many happy hours in the brothels, clubs and places of ill repute in Buenos Aires, where they had learned to dance the Tango. Polite society in Paris saw the dance for the first time and fell in love, and very soon the whole of Europe was whipped by a furious Tangomania. 1913 was the year of the Tango. The impact back in Buenos Aires was profound. To the elite, Tango had been something that they chose not to associate themselves with, in public at least. Now Tango could move from the tradesman's entrance to the front door, and into the salons of the wealthy. The lyrics of Tango had generally been humorous, like those Villoldo had written for El Choclo, and often portrayed Buenos Aires street life. In 1915 Pascual Contursi wrote a lyric called Mi Noche Triste for an existing tune, and in 1917 it was recorded by Carlos Gardel. Gardel was already a famous folk singer, working in the duo Gardel-Razzano, and folk music was the most popular musical form in Buenos Aires at the turn of the Century. Whether Contursi had intended his lyric seriously or ironically is open to debate, but Gardel sang the story of the abandoned lover with passion and pain, as though he meant every word. The triumph was immense. Tragic love became the backbone of the Tango repertoire, and the Tango became universal. Gardel himself went on to become a huge icon throughout the whole Spanish speaking world. His rags to riches story - the illegitimate son of an impoverished French immigrant who became a superstar - his warm personality, his compositional talent, his tragic death in a plane crash at the age of 44, and, of course, his glorious voice, made him one of the world's great popular heroes, and an enduring symbol of Buenos Aires. In 1916 Roberto Firpo, pianist, leader of the most successful Tango band of this period, and creator of the standard Tango sextet - two bandoneones, two violins, piano and double bass - heard a march by a young Uruguayan called Gerardo Mattos Rodriguez, and decided to arrange it as a tango. The result was the most famous tango of all time, La Cumparsita. Later Pascual Contursi added lyrics, a story of lost love, which were recorded by Gardel, but the tune itself has been recorded by almost every Tango orchestra in every style, and is, the world over, the symbol of Tango. The early Tango musicians had for the most part been self-taught. In the 1920s classically trained musicians began playing the Tango, the most successful and influential of them being violinist Julio De Caro. His brilliant orchestra, including in the late 1920s and early 1930s the gloriously gifted bandoneonista Pedro Laurenz, introduced a new complexity and elegance to the music, slowing the pace a little, and making it less popular with the dancers of the time. Then in 1935 came Juan D'Arienzo and Rodolfo Biagi. D'Arienzo was a violinist, but not a very good one, who by 1935 had given up playing himself in favour of directing his orchestra, something for which he had far more talent, having both excellent taste and tremendous style as a showman. With pianist Rodolfo Biagi, he created a quicker style, with a characteristic 'electric' rhythm which dancers found completely irresistible. Although the more academic Tango lovers were shocked by what they saw as a lack of subtlety and musical innovation in the D'Arienzo-Biagi style (De Caro apparently said in 1935 that their success wouldn't last the summer, something for which D'Arienzo never forgave him), dancers loved it, and flocked back to the dancefloors. The new 'electric' rhythm was hugely influential, with everyone, even De Caro, speeding up the tempo in the late 1930s. 1935 is seen as the beginning of the Golden Age of Tango, and the next decade was one of astounding creativity on every front. The dance matured into one of the most beautiful couple dances the world has ever seen, a subtle, heady blend of sex and chess. Composers, arrangers, lyricists and singers all hit new heights. There were more great orchestras than one could count, such as those led by Anibal Troilo, Carlos Di Sarli, Miguel Cal&oacute;, Lucio Demare, Alfredo De Angelis or Osvaldo Pugliese. It was the period in the Tango's history when all the branches of this extraordinary art were most closely integrated, and each spurred the other on to ever more stunning achievements. In the late 1940s the music and the dancing began to separate again, as musicians began to be interested in playing for a concert audience, or for records and radio programmes designed to be listened to rather than danced to. Singers, too, who were becoming stars in films and on records, wanted to be freed of the rhythmic constraints imposed by the requirement to please dancers. For a while the two schools existed side by side. But is 1955 the coup that ousted Per&oacute;n brought a very different political climate, which was to hit the Tango hard. The nationalistic Peronist government had encouraged Argentine music, for example by putting quotas on the amount of foreign music allowed to be played on the radio. The new regime, instantly suspicious of anything that was determinedly Argentine, because it implied nationalism and therefore Per&oacute;n, discouraged Tango, and encouraged the importation of music from abroad, bringing Rock and Roll and the new world youth culture to the young of Buenos Aires. Also, bans on meetings of more than three people, for fear of political agitation, made public dances dificult, and the dancing went underground. Tango moved in a few years from a mass movement involving a huge proportion of the population of Buenos Aires, to a persecuted fringe activity, with many great artists being blacklisted or imprisoned for their Peronist connections. In 1950 a brilliant young bandoneonista called Astor Piazzolla left Buenos Aires to go to Paris to study classical composition with Nadia Boulanger. Although born in Argentina, he had been taken to the United States as a small child. He came to Buenos Aires as a teenager and began playing in the orchestra of Anibal Troilo, doing there some wonderful arrangements, before forming his own orchestra in 1946. Surrounded by such musical riches, he realised that it would be hard to have the success that he wanted by staying within the Tango tradition. Taking elements of Tango, elements of the Jazz that he had heard as a child in the States, and classical ideas, Piazzolla created what he called Tango Nuevo, New Tango. Determined that his music should be listened to rather than danced to, Piazzolla made the jazzy rhythms very different from what the dancers were expecting. When Piazzolla's Tango Nuevo was first heard in Buenos Aires it caused outrage, with many people saying that it so far from the tradition as not to be Tango at all. But the cross fertilisation with North American and European forms created something accessible and appealing to people not brought up with the Tango tradition, and Piazzolla's huge success in the rest of the world softened opinion at home. Musicians and stage dancers both found the freer rhythms appealing, and with the near disappearance of the social dancers, new Tango music mostly followed Piazzolla's lead. The fall of the military junta in Argentina in 1983 and the phenomenal success throughout the world of the hit show Tango Argentino, premiered the same year, thrust Tango back into the spotlight, catching both musicians and dancers unawares. Hastily thrown together Tango shows sprang up in Buenos Aires, and began to follow Tango Argentino around the world. Young people, keen once again to reassert their Argentine-ness, wanted to learn to dance the Tango, and began trying to piece the dance back together as best they could. Dances that had been operating underground came back into the open, and people who hadn't danced for twenty five or thirty years gradually began to dance again. The new interest in the dance created a demand for the Tango music of the Golden Age, which began to be re-released, first on cassette, then on cd. A twenty-four hour Tango radio station, FM Tango, was opened, followed by a cable station, Solo Tango. A new generation of dancers and musicians, brought up with Tango Nuevo, or without Tango at all, are starting to rediscover the tradition. Most recent recordings are still heavily influenced by Piazzolla, but some younger musicians are realising that a large part of their audience in the future will be people who have come to Tango through the dance, and are looking to the Golden Age for inspiration. This is still an early stage in the renaissance of the Tango. The future will certainly hold a new synthesis, new directions and new riches.