고전음악과 낭만음악 비교

[김선철]

◎ 고전음악과 낭만음악.

흔히 고전파 음악은 하이든, 모차르트, 베토벤의 음악이라고 할 수 있다. 이 작곡가들은 자기들 작품을 작곡하는 데 있어 형식을 중요시했고, 그 형식과 기법을 도입한 음악으로 일반에게 인기를 얻게 되었다. 이 작곡가들이 산 시대에 그들이 정립한 틀에 따라 작곡 활동을 한 사람들만을 좁은 의미의 고전파 음악 작곡가라고 하는 것이다.
이보다 넓은 의미의 고전파 음악은 어떤 작품을 작곡할 때 그 형식을 중요시하는 음악 형식을 말한다. 따라서 이 경우 고전파 음악 작곡가는 반드시 하이든, 모차르트 혹은 그들과 같은 시대의 작곡가일 필요는 없고 작곡을 할 때 선택한 어떤 형식이 요구하는 법칙에 자기의 생각을 맞추는 작곡가를 말한다. 다시 말해 이 고전파 음악이라는 것은 그 속의 내용이 반드시 형식의 질서와 규격에 맞아야 하는 것이다.
반면 고전 시대 이후 기성의 법칙을 타파하고 보다 자유로운 표현 수단을 찾는 경향이 음악에서는 낭만주의로 나타났다. '낭만주의' 혹은 '낭만파 음악'이라는 명칭은 은은하다거나 남녀간의 사랑하고는 아무런 관계가 없다. 낭만파 음악이란 작곡가가 형식보다는 내용에 더 치중했다는 뜻일 뿐이다. 낭만파 음악 작곡가도 기성 고전파 음악의 형식을 쓸 수 있다. 그러나 고전파 음악가와 다른 점은, 작곡을 하다가 작곡하려는 의도가 형식에 맞지 않을 때는 자기의 생각을 살리기 위하여 기존의 형식을 무시한다는 것이다. 따라서 고전파 형식을 빌어 작곡한 낭만주의 작곡가의 작품은 어색하게 들릴 때도 있다. 마찬가지로 엄격한 고전파 양식을 뺀 채 고전파 음악을 생각할 수도 없다. 고전주의 시대의 작곡가들은 봉건귀족에게 고용되어 궁정용 또는 교회용의 악곡만 작곡하였지만, 베토벤 시대로부터 음악은 민중을 위해 개방되었고 작곡가 자신의 감정을 솔직하고 자유롭게 표현하려고 하였다. 따라서 연주기술에 있어 초인간적인 기교를 갖는 기교주의자들도 많이 출현하게 된다. 그리고 작곡가들은 사회적·경제적으로 독립이 되어 교회나 귀족들의 후원에 의존하지 않게 되었다.
고전 작곡가들은 표현과 형식 구조 사이에서 그들이 음악의 균형을 맞추려고 하였다. 낭만 작곡가들은 이 균형을 바꾸어 놓았다. 그들은 자신의 음악 속에 보다 자유로운 음악의 형식과 구도, 그리고 정감에 대한 보다 힘있고 강한 표현을 추구했고 때로는 내면적인 사고와 감정, 심지어는 고통을 표현하기도 하였다. 물론 양식이나 시대에 불문하고 거의 모든 음악에 어느 정도의 정감은 스며있다. 그러나 낭만시대의 음악에서는 정감이 가장 강하게 표현되었다.
많은 낭만 작곡가들은 폭넓게 독서했고 미술에도 깊은 관심을 가져서, 작가나 화가들과 가까이 사귀었다. 흔히 낭만 작곡가들이 쓴 작품의 영감은 그들이 보았던 회화나 그들이 읽었던 책이나 시에서 고무되어진 것이다. 상상, 환상 그리고 모험의 추구는 낭만 양식의 중요한 요소이다.
낭만 시대에는 고전음악시대의 최고의 이상형식이던 소나타를 대담하게 변형 또는 포기하고 그 대신 자유롭고 유동적인 형식을 사용하게 되었다. 특히 단일악장의 환상적인 소품 형식을 좋아하게 되었다. 낭만주의 시대 선율은 고전음악 시대처럼 마디 수가 배수로 구성되는 규칙적인 것이 아니라 불규칙적인 것이 많아지고 당김 음이라든가 잇단음표 등을 자주 사용해서 다채로운 변화와 표현의 폭을 넓히고 그 음역도 확대하고 때로는 비성가적인 음정도 서슴지 않고 사용하게 되었다. 이와 동시에 리듬도 자유롭게 되어 복잡한 겹리듬을 자주 쓰게 되었고, 화성도 아직 3화음을 원칙으로 하나 보다 자유롭고 변화를 가져와 불협화음을 자주 사용하고 대담한 조바꿈을 하게 되었다. 또한, 관현악 편성도 다양하고 확대되어 새로운 음색을 모색하게 되었고, 편성도 대대적인 편성으로 압도적인 음향을 요구하게 되었다. 19세기의 낭만주의 음악은 고전주의 음악 이상의 질서, 균형, 조절 등에 대립하여 자유, 열정, 그리고 얻어질 수 없는 것에 대한 끊임없는 추구를 즐겨한다. 그리고 고전적인 분명성은 의도적인 애매성과 대치되고 암시에 의한 언급, 은유, 혹은 상징에 의해 대치되는 것이다. 또한 시나 회화 등 음악 외적인 분야로부터의 새로운 자극을 희구하는 경향을 갖게 되었다. 결국 낭만주의 음악은 자유주의 음악이다. 지금까지의 낡은 형식과 습관에 얽매임 없이 개인의 생각이나 기분을 자유로이 작품 속에 표현하려는 태도인데, 음악에 있어서도 전통이나 형식보다 작곡가의 개성을 자유롭게 표현하려는 개성 또는 표현 지향주의적 경향을 갖게 된 것이다.
고전주의 작곡가들이 형식 안에서 그들의 음악을 찾았지만 낭만주의 작곡가들은 자신의 주관적인 음악을 위해서 형식을 찾았다. 그들은 자신의 음악 속에 보다 자유로운 형식과 구조를 맞추어 나갔으며 정감에 대한 보다 힘있고 강한 표현을 추구했으며, 때로는 내면적인 사고와 감정, 심지어는 고통을 표현하기도 하였다. 따라서 낭만주의의 정감론은 단지 아름다운 서정성만을 강조하지는 않았다. 이와 같은 다양한 표현을 위해서 형식을 이탈하기도 하고 수정 또는 유지하기도 하였다. 형식 뿐만 아니라 음색, 화성, 리듬에서도 낭만주의 작곡가들은 개성적인 표현을 시도하였다.
고전주의가 이성, 객관성, 합리성을 추구한 데 반하여, 낭만주의는 감정, 주관성, 환상성을 열망하고 있다. 따라서 고전적 예술가는 예술과 인생에 대해 객관적으로 접근하려는 경향이 있고 인생을 이지적으로 보고 있는 반면에 낭만적 예술가는 매우 주관적이고 세계를 자신의 개인적인 감각의 견지에서 보려고 한다. 그렇기 때문에 개인이 사회보다 더 중요성을 지니고 예술을 주로 개인적 감정의 배출구로 간주하였다. 그러므로 새로운 개인주의 정신은 예술가들의 독자성의 의식으로 표현된 것이다. 다시 말하면 불변의 원리나 높은 이년이 아니고, 주변 가까이 에서 얻을 수 있는 개인적 체험, 신비성에 대한 그리움, 개성의 반영이라고 볼 수 있는 다양한 감정의 표현인 것이다.
낭만주의 음악의 본질은 어원에서도 볼 수 있듯이 문학적 내용을 배경으로 한다. 이 시대의 작곡가들은 고전주의 작곡가들처럼 순수한 음 자체에서 음악의 자료를 찾는 절대음악을 추구한 것이 아니라, 주제나 이념을 문학이나 미술 등 음악 외적인 자료에서 찾는 표제음악을 추구하였다. 이를 위하여 많은 낭만주의의 작곡가들은 폭넓게 독서했으며 미술에도 깊은 관심을 가졌다. 이울러 이들이 보고 느낀 것은 무엇이든지 창작의 소재가 될 수 있었다. 자연, 사랑, 꿈, 밤, 달빛 등 낭만적인 요소뿐만 아니라 음악자료들도 소재가 될 수 있었다. 이러한 모든 요소와 자료들은 이 시대의 작곡가들의 주관적인 창작기법에 의해 하나의 작품으로 탄생되었다.
낭만주의 음악가들이 추구한 형식논리는 자유로운 형식의 이탈과 수정에서 새로운 형식의 창조뿐만 아니라 새로운 연주기법의 개발도 가능하게 하였다. 문학과 음악의 결합은 표제음악을 시도하게 하였고 이에 따라 표제교향곡, 교향시 또는 성격작품들이 새롭게 나타났으며, 풍부한 시와 피아노의 구조적 발전은 예술가곡을 정착시켰다. 뛰어난 연주기량을 뽐내기 위한 작품들이 나오면서 비르투오조라는 기교파 연주가들이 등장하기도 하였다. 창작기법의 주관적, 개인적 취향은 고전주의 작곡가들의 세계주의적인 보편적 경향의 음악에서 벗어나 자신의 국가와 민족을 상징하는 국민주의나 민족주의 음악을 태동시키게 되었다.
여기에서 고전 시대와 낭만 시대에 공존했던 음악 양식들의 전후 차이점을 알아보겠다.

♧ 관현악
고전시대의 초기 관현악은 여전히 규모가 작았고 유동성이 있었다. 기본적인 현악기들과 여기에 주로 2개의 호른 그리고 한 두개의 풀룻 혹은 한 쌍의 오보에가 추가되었다. 그러나 얼마 안 가서 작곡가들은 2개의 풀룻과 오보에, 한 두개의 바순을 포함시켰고 때때로 2개의 트럼펫과 한 쌍의 케를드럼이 들어갔다. 클라리넷은 18세기 말경에 제자리를 찾게 되었고 그때부터 목관악기는 관현악에서 자체로서 완비된 부분이 되었다.
낭만시대의 작곡가들은 음악소재의 범위를 확대해 나갔다. 부드럽거나 열정적인 선율은 보다 서정적이고 가곡같은 선율이 되었고 전조도 보다 잦았고 대담하였다. 화성은 조에서 떨어져 나온 반음계 음들이 불협화음을 보다 많이 사용하여 보다 풍부하고 대단히 정적이었다. 관현악의 규모와 음역은 엄청나게 확대되었다. 금관부분은 튜바가 추가되어서 완성을 이루었고 밸브조직의 고안으로 음역과 유연성이 증대되므로 대단히 중요한 위치를 차지했다. 작곡가는 피콜로, 잉글리쉬 혼, 베이스 클라리젯, 더블 바순, 세 개 또는 네 개의 목관악기를 위한 작품을 썼다. 타악기의 사용은 보다 다양하고 색채감이 있었고 현악기의 수는 네 개의 악기부분 사이에서 소리의 균형을 유지하기 위해 증가시킬 필요가 있었다. 낭만 작곡가들은 넓은 음역의 음높이와 음량, 풍부한 화성과 악기 음색의 조화와 대조라는 새로운 가능성을 추구하는데 몰두하였다. 그들의 음악은 대단히 다양한 유형의 작품을 만들어냈다. 피아노 곡, 가곡과 실내악(삼중주, 사중주 등)과 같은 하나나 몇 명의 연주자를 필요로 하는 작품으로부터 바그너의 오페라나 베를리오즈, 말러, 리하르트 슈트라우스의 장대한 관현악 작품과 같은 엄청나게 많은 연주자가 요구되는 장려한 음악까지 이르게 된다.

♧피아노 음악
음악사에서 처음으로 고전시대에, 기악 음악이 성악음악보다 중요하게 되었다. 많은 작품이 피아노를 위한, 혹은 피아노를 포함시킨 작품(piano forte)을 썼다. 고전 작곡가들이 즐겨 사용하던 반주 유형은 '알베르띠 베이스'라고 알려진다. 이것은 왼손으로 단순한 분산화음을 반복시키는 것인데, 선율을 보조하는 화성의 윤곽을 이루게 하는 동안 음악의 흐름을 계속 유지시키는 것이다.
19세기에 접어들어 피아노의 몇 부분을 개선한 후 피아노는 둥글고 풍부한 음향과 음높이, 음량과 음색의 넓은 영역을 가지게 되었다. 낭만 작곡가들은 건반의 음역을 최대한으로 활용해서 풍부하고 다양한 구조를 만들었다. 거의 모든 낭만 작곡가들이 피아노 음악을 썼다. 그러나 그 중에서도 슈베르트, 멘델스존, 쇼팽, 슈만, 리스트나 브람스가 가장 중요하다.
그들도 소나타를 쓰기는 했지만 그들은 짧고, 개성적인 작품으로 자신을 표현하였다. 이러한 작품들은 대단히 다양하였다. 춤곡과 즉흥곡, 무언가, 전주곡, 야상곡, , 간주곡, 광시곡 같은 분위기나 성격적인 작품들이 이에 해당한다.

♧협주곡
낭만시대의 협주곡은 구성과 특성에서 몇 가지 변화가 있었다. 제 1악장에서 고전협주곡은 두 개의 제시부를 가지나 낭만협주곡은 하나의 제시부만을 갖는다. 제시부에서 독주는 즉시 들어와 관현악과 주제를 번갈아 연주한다. 낭만 협주곡은 대규모의 관현악을 사용했고 작곡가는 음악거장의 빛나는 기교에 맞서서 독주부분은 보다 더 어렵게 만들어 나갔다. 비록 슈만, 드볼작, 엘가는 각기 훌륭한 첼로 협주곡을 썼지만, 낭만 작곡가들은 주로 피아노와 바이올린을 협주곡의 독주 악기로 택했다.


」 결론 : 고전음악이 질서와 균형미를 추구한다면 낭만음악은 열정과 자유로움, 동적인 움직임을 음악미로 추구한다.