Morning Gallery(4-1)

[염명호]

종수가 올려준 글입니다

              아                  래

오늘의 추천 작가/ 앙리 마티스)Henri Matisse)

“색채를 현실의 재현에서 해방시키고,

단순한 형태와 강렬한 색으로

삶의 기쁨을 표현한 화가.”

앙리 마티스는 20세기 현대미술을 대표하는 프랑스 화가입니다.

그는 눈앞의 자연을 그대로 묘사하는 것보다 자신이 느낀

감정과 화면의 조화를 색채로 표현하는 데 집중했습니다.

말년에는 붓 대신 가위를 들고 색종이를 오려 붙이는

‘컷아웃’ 작업을 발전시키며 회화와 드로잉, 조각의 경계를

넘어 새로운 조형언어를 만들었습니다.

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① 추천 작가

• 출생: 1869년 12월 31일, 프랑스 르카토캉브레지

• 사망: 1954년 11월 3일, 프랑스 니스

• 국적: 프랑스

• 주요 분야: 회화, 드로잉, 조각, 판화, 컷아웃

• 미술사조: 야수파, 현대미술

• 주요 특징: 강렬한 색채, 단순화된 형태, 평면성, 장식성, 자유로운 선

• 대표작: 모자를 쓴 여인,삶의 기쁨,붉은 방,춤,

붉은 작업실, 이카루스, 달팽이

마티스는 피카소와 함께 20세기 미술의 새로운 방향을

개척한 대표적인 예술가로 평가받습니다.

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② 한 줄 소개

“대상을 그대로 닮게 그리는 것보다 색과 선이 주는

감정을 더 중요하게 생각한 화가.”

마티스에게 색채는 사물의 실제 색을 복사하는

도구가 아니었습니다.

얼굴을 초록색으로 표현할 수도 있었고,

방 전체를 강렬한 붉은색으로 채울 수도 있었습니다.

중요한 것은 실제 색과 얼마나 비슷한가가 아니라

화면 전체에서 그 색이 어떤 감정과 조화를

만들어 내는가였습니다.

③ 추천 이유

마티스를 공부해야 하는 가장 중요한 이유는

‘잘 그리는 것’과 ‘좋은 작품을 만드는 것’이

반드시 같은 의미가 아니라는 사실을 보여주기 때문입니다.

마티스는 처음부터 단순하게 그린 화가가 아니었습니다.

그는 전통적인 미술교육과 데생을 충분히 익힌 뒤

형태와 색채를 과감하게 단순화했습니다.

따라서 그의 단순한 선은 기초가 부족해서

만들어진 선이 아닙니다.

수많은 관찰과 드로잉을 거친 뒤 불필요한 부분을

덜어 낸 결과입니다.

이 점은 미술을 배우는 학생들에게 매우 중요합니다.

기초는 필요합니다.

그러나 기초는 마지막 목적지가 아닙니다.

기초를 익힌 뒤에는 자신만의 색과 선,

형태와 조형언어를 찾아야 합니다.

마티스의 작품은 바로 그 과정을 가장 분명하게 보여줍니다.

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④ 작가 소개 및 생애

마티스는 1869년 프랑스 북부 르카토캉브레지에서

태어났습니다.

처음부터 화가가 되려고 했던 것은 아닙니다.

그는 파리에서 법률을 공부하고 법률 관련 일을 시작했습니다.

그러나 20세 무렵 질병으로 요양하던 시기에

어머니가 가져다준 미술도구로 그림을 그리기

시작하면서 인생의 방향이 바뀌었습니다.

그림에 강한 매력을 느낀 마티스는 법률가의 길을 떠나

화가가 되기로 결심했습니다.

파리에서 미술을 공부하며 전통적인 회화와 드로잉을 익혔고,

귀스타브 모로의 지도 아래 보다 자유로운 표현을 탐구했습니다.

초기에는 인상주의와 후기인상주의의 영향을 받았습니다.

특히 세잔, 고흐, 고갱, 시냐크 등의 색채와 조형적 실험은

마티스에게 중요한 영향을 주었습니다.

1905년 마티스는 앙드레 드랭 등과 함께 프랑스 남부

콜리우르에서 강렬한 색채의 작품을 제작했습니다.

같은 해 파리의 살롱 도톤에 출품된 이들의 작품은

당시 관람객과 비평가들에게 큰 충격을 주었습니다.

한 비평가가 이들의 강렬한 색채를 보고

‘야수들’이라는 표현을 사용하면서 ‘야수파’라는

명칭이 탄생했습니다.

이후 마티스는 사실적인 색채에서 더욱 자유로워졌습니다.

색과 선, 평면과 장식적인 패턴을 이용하여 자신만의

회화세계를 구축했습니다.

1941년 큰 수술을 받은 이후 장시간 이젤 앞에 서서

그림을 그리기 어려워졌습니다.

그러나 그는 작업을 포기하지 않았습니다.

침대나 휠체어에서도 작업할 수 있는 새로운 방법을 찾았습니다.

그 방법이 바로 색종이를 가위로 오려 구성하는 컷아웃이었습니다.

마티스는 이를 통해 말년에 다시 한 번 자신의 예술을 혁신했습니다.

1954년 니스에서 세상을 떠날 때까지 그는 작업을 계속했습니다.

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⑤ 학력 및 주요 경력

• 파리에서 법률 공부

• 아카데미 쥘리앙에서 미술 수학

• 에콜 데 보자르에서 귀스타브 모로에게 수학

• 1905년 살롱 도톤 전시를 통해 야수파의 중심 작가로 부상

• 1900년대 후반부터 독자적인 색채 회화 발전

• 1910년 《춤》 완성

• 1911년 《붉은 작업실》 제작

• 1917년 이후 프랑스 남부 니스를 주요 작업 기반으로 활동

• 1940년대부터 컷아웃 작업 본격화

• 1947년 아티스트북 《재즈》 출간

• 1948~1951년 방스의 로사리오 예배당 디자인

• 1953년 《달팽이》 제작

• 1954년 니스에서 사망

마티스는 회화뿐 아니라 드로잉과 조각, 판화, 책 디자인,

스테인드글라스와 공간 디자인까지 자신의 조형언어를

확장했습니다.

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⑥ 주요 수상 및 미술사적 성과

마티스가 활동했던 시대에는 오늘날처럼

국제적인 미술상 수상 경력이 작가의 위치를

결정하는 방식이 일반적이지 않았습니다.

그의 가장 중요한 성과는 작품과 전시, 그리고

후대 미술에 끼친 영향에서 찾을 수 있습니다.

• 야수파를 대표하며 20세기 색채 회화의 새로운 방향 제시

• 전통적인 원근법과 사실적인 색채에서 벗어난 평면적 화면 발전

• 자유로운 선과 장식적인 패턴을 현대회화의 중요한 요소로 발전

• 말년의 컷아웃을 통해 회화와 드로잉, 콜라주의 경계 확장

• 로사리오 예배당을 통해 회화, 건축, 스테인드글라스,

공간을 하나의 예술로 통합

오늘날 마티스의 작품은 뉴욕 현대미술관,

뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 파리 퐁피두센터,

상트페테르부르크 에르미타주 미술관 등

세계 주요 미술관에 소장되어 있습니다.

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⑦ 미술사조와 예술적 특징

첫째, 색채의 해방

마티스의 가장 중요한 혁신은 색채를 실제 사물의 색에서

자유롭게 만들었다는 점입니다.

사람의 얼굴이 반드시 피부색이어야 할 필요도 없었고

나무가 반드시 초록색이어야 할 필요도 없었습니다.

색채는 감정을 전달하고 화면 전체의 균형을 만드는

독립적인 조형 요소가 되었습니다.

둘째, 형태의 단순화

마티스는 복잡한 형태를 점차 단순하게 만들었습니다.

그러나 단순함은 대상을 제대로 그리지 못해서 나온

결과가 아닙니다.

수많은 드로잉과 관찰을 거친 뒤 대상의

핵심적인 형태만 남기는 과정이었습니다.

셋째, 평면성과 장식성

마티스의 작품에서는 서양 전통회화의 깊은

원근감보다 평면적인 색면이 강조됩니다.

벽지와 천, 카펫과 창문, 인물의 옷에 나타나는 패턴은

화면 전체를 하나의 장식적인 공간으로 연결합니다.

넷째, 선의 자유

마티스의 드로잉은 매우 간결합니다.

몇 개의 선만으로 얼굴과 인체, 식물과 공간을

표현하기도 합니다.

그의 선은 형태의 모든 정보를 설명하지 않습니다.

가장 필요한 부분만 남겨 관람객이 나머지를 상상하게 합니다.

다섯째, 컷아웃

말년의 마티스는 채색한 종이를 가위로 직접 오려

작품을 만들었습니다.

그는 가위로 색을 직접 드로잉하는 것과

같은 방식으로 작업했습니다.

색과 형태가 하나의 행위 속에서 동시에

만들어지는 것입니다.

이러한 컷아웃은 마티스 예술의 마지막 단계이면서

동시에 새로운 시작이었습니다.

⑧ 사생활과 인간적인 면모

마티스의 삶에서 주목해야 할 점은 어려운 상황에서도

작업 방법을 바꾸면서 예술을 지속했다는 것입니다.

1941년 큰 수술을 받은 뒤 그의 신체 활동에는

상당한 제약이 생겼습니다.

이전처럼 오랫동안 서서 대형 캔버스를 제작하기

어려워졌습니다.

그러나 그는 자신의 예술이 끝났다고 생각하지 않았습니다.

오히려 자신의 몸에 맞는 새로운 작업 방법을 찾았습니다.

조수들이 색을 칠한 종이를 준비하면

마티스가 가위로 형태를 오리고, 작업실 벽에

여러 형태를 배치하면서 구도를 결정했습니다.

신체적인 제약이 새로운 표현방법을 탄생시키는

계기가 된 것입니다.

예술가에게 중요한 것은 한 가지 방법을 평생 고집하는

것이 아니라 자신의 상황과 생각의 변화에 맞추어

새로운 표현을 발견하는 능력이라는 사실을 보여줍니다.

⑨ 작가의 특이사항

“마티스는 붓을 내려놓은 뒤 가위로 그림을 그렸습니다.”

마티스의 말년 작업에서 가장 흥미로운 점입니다.

그는 색종이에 밑그림을 그리고 조심스럽게

잘라내는 방식만 사용한 것이 아닙니다.

가위 자체를 드로잉 도구처럼 사용하여 색종이에서

직접 형태를 잘라냈습니다.

이 때문에 컷아웃의 윤곽에는 손으로 그린 선과는

다른 즉흥성과 리듬이 나타납니다.

그리고 잘라낸 형태를 벽에 붙였다가 다시 떼고

위치를 바꾸면서 전체 구도를 조정했습니다.

즉, 작품은 처음부터 완벽하게 결정된 것이 아니라

배치와 수정, 관찰과 선택을 반복하면서 완성되었습니다.

이러한 작업 방식은 오늘날의 콜라주와 설치,

그래픽디자인에도 중요한 시사점을 줍니다.

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⑩ 대표 작품 및 작품 해설

1. 《모자를 쓴 여인》   Woman with a Hat, 1905

마티스의 아내 아멜리를 모델로 제작한 초상화입니다.

얼굴과 의상에는 실제 피부나 옷의 색과 다른

강렬한 색채가 사용되었습니다.

1905년 살롱 도톤에서 공개되었을 당시

이러한 색채는 큰 충격을 주었습니다.

이 작품은 색이 현실을 그대로 재현해야 한다는

전통적인 관념에서 벗어난 야수파의 특징을 보여줍니다.

2. 《삶의 기쁨》   Le Bonheur de vivre, 1905~1906

자연 속에서 쉬고 춤추고 음악을 연주하는 인물들이 등장합니다.

인체와 자연은 사실적으로 묘사되지 않았으며

강렬한 색채와 단순화된 형태로 표현되었습니다.

마티스는 현실의 특정 장소를 재현하기보다

색과 형태를 통해 이상적인 기쁨과 평화의 세계를

만들었습니다.

3. 《붉은 방》

   The Red Room, 1908

방의 벽과 테이블이 강렬한 붉은색으로 연결되어 있습니다.

전통적인 원근법은 약해지고 벽과 테이블의 경계도

모호해집니다.

푸른색 식물무늬가 화면 전체를 흐르면서 인물과 사물,

공간을 하나의 평면적인 리듬으로 연결합니다.

색채와 패턴만으로 화면 전체의 공간을 구성할 수

있다는 것을 보여주는 대표적인 작품입니다.

4. 《춤》

   Dance, 1910

다섯 명의 인물이 서로 손을 잡고 원을 이루며 춤추고 있습니다.

붉은 인체, 초록색 땅, 푸른 하늘이라는 매우 제한된

색채를 사용했습니다.

복잡한 배경이나 세부 묘사가 거의 없지만

인물들의 연결된 움직임과 원형의 구도가

강렬한 리듬을 만들어 냅니다.

마티스가 얼마나 적은 조형 요소만으로

강한 감정을 전달할 수 있었는지를 보여줍니다.

5. 《붉은 작업실》   The Red Studio, 1911

마티스 자신의 작업실을 표현한 작품입니다.

벽과 바닥, 가구 대부분이 붉은색으로 통합되어 있습니다.

전통적인 원근법은 크게 약화되고 작품 속에

다시 여러 그림과 조각이 등장합니다.

작업실이라는 실제 공간이 색채를 통해

작가의 정신적인 공간으로 변화합니다.

6. 《이카루스》   Icarus, 1947

아티스트북 《재즈》에 포함된 대표적인 컷아웃 이미지입니다.

푸른 바탕 위에 검은 인체가 떠 있으며

가슴에는 붉은 형태가 있습니다.

매우 단순한 형태와 제한된 색채만으로

인물의 움직임과 강렬한 감정을 전달합니다.

7. 《달팽이》

   The Snail, 1953

마티스 말년의 대표적인 컷아웃 작품입니다.

여러 색의 종이 조각이 화면 안에서 회전하듯

배치되어 있습니다.

구체적인 달팽이의 모습을 사실적으로 묘사하지 않았지만

색면의 움직임과 배열을 통해 달팽이 껍질의

나선 구조를 연상하게 합니다.

대상의 형태를 얼마나 단순화하면서도 본질을

유지할 수 있는지 보여주는 작품입니다.

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⑪ 미술사적 평가

앙리 마티스는 20세기 미술에서 색채의 역할을

근본적으로 변화시킨 예술가입니다.

그는 색을 자연을 모방하는 수단에서 해방시켜

독립적인 조형언어로 발전시켰습니다.

또한 형태를 단순화하고 전통적인 원근법을 약화시키면서

현대회화의 평면성을 발전시켰습니다.

마티스의 중요성은 야수파 시기에만 머무르지 않습니다.

그는 평생 자신의 표현방법을 변화시켰습니다.

회화에서 드로잉으로, 드로잉에서 컷아웃으로 확장하면서

노년까지 새로운 조형언어를 탐구했습니다.

특히 말년의 컷아웃은 단순한 종이 오리기가 아니라

색과 선, 형태와 공간을 하나로 결합한 새로운 예술적

방법이었습니다.

마티스의 예술은 현대 회화뿐 아니라 그래픽디자인,

일러스트레이션, 패션, 공간디자인에도 큰 영향을 미쳤습니다.

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⑫ 보리작가 김은진의 생각

“단순하게 그린다는 것은 적게 그리는 것이 아니라,

가장 중요한 것만 남길 줄 아는 것입니다.”

마티스의 작품을 보면서 저는 작가에게 ‘단순화’가

얼마나 어려운 과정인가를 다시 생각합니다.

처음 그림을 배울 때 우리는 많이 그리려고 합니다.

눈에 보이는 것을 빠짐없이 묘사하고 형태와 명암,

질감을 정확하게 표현하려고 노력합니다.

이 과정은 반드시 필요합니다.

기초가 없으면 무엇을 생략해야 하는지

판단하기 어렵기 때문입니다.

그러나 어느 정도 기초가 완성된 작가는 다음 단계로

넘어가야 합니다.

무엇을 더 그릴 것인가가 아니라

무엇을 남길 것인가를 고민해야 합니다.

마티스는 그 과정을 평생 보여준 작가입니다.

이것이 단순화입니다.

단순화는 대충 그리는 것이 아닙니다.

대상을 충분히 알고 난 뒤 가장 중요한 특징만

남기는 고도의 조형적 선택입니다.

색채에서도 마티스에게 배울 점이 많습니다.

무엇인가 현대적으로 보이게 하기 위해 요소를

계속 추가하면 오히려 원래 작품이 가진 힘을 잃을 수 있습니다.

마티스처럼 필요한 형태만 남기고 불필요한 것은

과감하게 덜어 내야 합니다.

하나의 선을 넣더라도 왜 그 선이 필요한지 알아야 합니다.

하나의 색면을 추가하더라도 그 색이 화면의 균형과

리듬에 어떤 역할을 하는지 판단해야 합니다.

그리고 저는 마티스의 말년에서 더욱 중요한 것을 배웁니다.

예술가는 자신의 익숙한 방법에만 머물러서는

안 된다는 것입니다.

마티스는 몸이 불편해졌을 때 그림을 포기하지 않았습니다.

이러한 철학이 색과 선, 형태와 여백을 만나

하나의 작품으로 완성되어야 합니다.

“기초는 정확하게 그리기 위해 배우지만,

예술가는 결국 자신만의 방식으로 덜어 내고

변형하며 새로운 세계를 만들어야 합니다.”

마티스의 작품을 통해 다시 확인합니다.

예술가는 평생 같은 것을 반복하는 사람이 아니라,

자신의 중심은 지키면서 표현은 끊임없이 변화시키는

사람입니다.