2026년07월04일 국제갤러리 서울 K1&K2 [진동하는 사물들]&국제갤러리 한옥 [로버트 메이플소프 개인전-형태의 시학] 관람일정

[soomountain]

2026년07월04일(토요일) 국제갤러리 서울 K1 & K2 [진동하는 사물들]&국제갤러리 한옥 [로버트 메이플소프 개인전-형태의 시학] 관람일정 

탐방지 :  국제갤러리 서울 K1 & K2 [진동하는 사물들(Objects in Oscillation)]

탐방코스:    [안국역 1번 출구~국제갤러리 서울~국제갤러리 서울 K1 & K2에서 [진동하는 사물들(Objects in Oscillation)]을 관람~국제갤러리 서울 한옥으로 이동하여 [Robert Mapplet‎horpe 형태의 시학(The Poetics of Form)]을 관람 ~안국역 1번 출구]

탐방일 :     2026년07월04일(토요일)

탐방코스 및 탐방 구간별 탐방 소요시간 (총 탐방시간 3시간2분 소요)

12:50~13:08    연신내역에서 3호선을 타고 안국역으로 가서 안국역 1번 출구로 나옴 [18분 소요]

13:08~13:18    안국역 6번 출구에서 탐방출발하여 국제갤러리 서울로 이동 [10분 소요]

[1982년 개관한 국제갤러리는 대표적인 국내 화랑으로서 세계적으로 유명한 현대미술 작가의 작품과 그 흐름을 접하고 감상할 수 있는 곳이다. 유망한 국내 작가들을 발굴, 육성하는 역할과 해외 주요 작가들의 작품을 소개하고 전시하는 역할을 동시에 수행하고 있다.

전화번호 : 02-735-8449

홈페이지 언어 : 한국어,영어

이용시간 : 월요일~토요일 10:00~18:00, 일요일·공휴일 10:00~17:00

이것만은 꼭!

더 레스토랑

갤러리 옆 노란색 건물은 레스토랑 자체가 이름인 ‘더 레스토랑’이다. 1층은 카페, 2·3층은 프렌치, 이탈리안 레스토랑과 와인바가 있습니다. 갤러리풍 인테리어도 좋지만 시원한 통유리창으로 보이는 경복궁과 뒤편의 인왕산이 운치 있습니다. 2003년 오픈한 와인바는 280여 종의 와인 리스트를 구비하고 있으니, 일본인 셰프의 퓨전 프렌치 요리와 함께 즐겨도 좋을 듯합니다.

주소 : 03053  서울특별시 종로구 삼청로 54 (소격동) 

교통 정보 : 지하철 3호선 안국역 1번 출구, 812m]

13:18~14:50    국제갤러리 서울 K1 & K2에서 [진동하는 사물들(Objects in Oscillation)]을 관람

[국제갤러리 서울 K1 & K2 [진동하는 사물들(Objects in Oscillation)]

전시기간 : June 9 – July 19, 2026

출품 작가

정희승(Chung Heeseung),

조성연(Jo Seongyeon),

정정호(Jung Jungho),

김경태(Kim Kyoungtae),

김수강(Kim Sookang),

구본창(Koo Bohnchang),

구성연(Koo Seongyoun),

박찬우(Park Chanoo),

조선희(Zo Sunhi)

국제갤러리는 오는 6월 9일부터 7월 19일까지 K1과 K2에서 사진 기획전 《진동하는 사물들(Objects in Oscillation)》을 개최한다. 동시대의 한국 사진작가 9인의 정물 사진을 한자리에 모은 이번 전시는 사진 매체 고유의 표현을 탐색하는 동시에 어떻게 사물과 마주하고 관계 맺을 것인지를 질문한다. 디지털 이미지 기술이 나날이 진화하고 빠르게 소비되는 현시대에, 참여작가들은 과도한 디지털 후보정이나 인공지능(AI) 기반의 이미지 생성 및 교정을 경유하지 않는다. 오로지 자신의 눈과 감각, 그리고 카메라의 광학적 기술만을 이용해 이미지를 만들어낸다.

전시는 사진작가이자 기획자, 그리고 교육자로서 사진이 한국 현대미술의 주요 장르로 자리매김하는 데 핵심적인 역할을 해온 구본창 작가의 기획으로 구성되었다. 그는 동료 사진가들을 한자리에 초대하는 한편, 자신의 정물 작업 또한 함께 선보인다. K1 뒤쪽 전시장에 자리한 〈오브제〉 연작은 새틴 천 안감의 빈 상자들을 모아 촬영한 작품이다. 기존의 내용물이 빠져나간 자리를 음각으로 간직한 이 상자들은 존재와 부재, 주연과 조연의 관계를 되묻는다. 간과되는 존재들에 대한 애정은 〈컬렉션〉 연작에서도 확인할 수 있다. 작가는 우연히 마주한 사물들을 수집하고 응시하며, 이를 단순한 배경과 조명 아래에서 촬영함으로써 각각의 사물이 스스로 고유한 이야기를 드러낼 수 있는 무대를 마련한다.

같은 공간에 자리한 정희승 작가에게 사진이란 우연한 순간과 이를 필연적 이미지로 변모시키고자 하는 시도 사이에서의 망설임이다. 그는 신작 〈병렬투영〉(2026)에서 19세기 프랑스 시인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé)의 시집 『주사위 던지기』(1897)를 사진적으로 번역하며 사진 매체의 존재론에 대한 사유를 풀어낸다. 우연이라는 절대적 심연에 대한 수학적 탐구를 시적 언어에서 이미지로 번안하며, 정희승은 시의 다층적 상징성과 불가해성에 대한 사유를 촉발하는 오브제들을 소재로 삼는다. 나아가 원본 텍스트의 개념과 사진 이미지를 어느 한 소실점에서도 만나지 않고 평행하게 나아가는 병렬의 관계에 놓기 위해, 소실점을 발생시키지 않는 투시도법인 ‘병렬 투영(parallel projection)’의 구도를 취하고, ‘아이소메트릭(isometric)’* 그리드 위에 사물을 배치한다. 우연과 필연 사이를 ‘진동’하는 그의 사진적 성좌는 사진 매체의 고유성과 형이상학적 사유를 정교하게 연결한다.

한편, 사진을 통해 일상에서 마주하는 사소한 존재들과 교감하며 새로운 숨결을 불어넣는 작업도 선보인다. K1 앞쪽 전시장에 자리한 조성연 작가의 〈사라지지 않고 무언가의 일부가 된다〉, 〈우연한 때에 예기치 않았던〉 연작은 도시의 주변부에서 채집한 콘크리트 조각, 철근, 전선, 기계 부품, 식물의 잔해 등을 재조합해 그 안에 잠재된 가능성을 포착한다. 이 장면들은 계산된 연출의 결과라기보다 작가가 사물과 함께한 시간과 인연이 빚어낸 산물에 가깝다. 그 일시적인 균형 속에서, 사물들은 새로운 가능성과 생명력을 발현한다.

K2 1층으로 이어지는 전시에서 김수강 작가는 일상의 모퉁이에 놓인 사물들에 시선을 돌린다. 작가는 돌, 병, 종이 가방, 침대 등 주변에 무심히 존재하는 대상들을 명상하듯 오래 들여다보며 그 안에 깃든 아우라를 담아낸다. 특히 작가는 작업에 고유의 질감을 부여하는 검프린트(gum print) 기법을 사용하는데, 이는 종이에 물감을 넣은 용액을 바르고 빛을 쬐고 물 속에서 현상하는 과정을 여러 번 반복해 색조를 구현하는 정교한 수작업이다. 이를 통해 회화적인 물성을 입은 그의 사진은 가장 적당한 무게로 사물의 비가시적인 내면을 비춘다.

김수강이 고전적인 유제 기법으로 사진 매체의 가능성을 다룬다면, 김경태 작가는 사진을 중첩하고 합성하며 렌즈 초점의 한계를 넘어서는 이미지를 구축한다. 작가는 피사체에 점진적으로 접근해 수백 장의 사진을 촬영한 후, 각 사진에서 초점이 가장 선명하게 맞는 부분들만 합성하는 ‘포커스 스태킹(focus stacking)’ 기법을 사용한다. 이 과정을 거치면 화면의 모든 지점에 고르게 초점이 맞는 선명한 이미지가 탄생한다. 이렇게 완성된 작업 〈Brass Hex Nut〉(2016)은 너트 표면의 질감을 극대화한 작품으로, 전시장에서는 세 점을 나란히 배치하여 시선과 초점이 이동하는 과정을 보여준다.

박찬우 작가 역시 중첩의 기법을 활용하지만, 그의 목적은 경험이 축적되며 남는 기억의 흔적을 드러내기 위함에 있다. 이번 전시에서 작가는 조선시대 ‘책거리’ 형식을 차용한 작품을 선보인다. 책거리가 당대의 지식과 취향, 가치관을 진열하기 위해 가장 ‘좋은’ 물건들을 그려 넣은 회화의 한 장르였다면, 박찬우는 ‘좋음’의 기준을 상품성이나 물질 자체의 특성이 아닌 경험의 축적으로 바라보고, 그의 책장에 사용 흔적이 묻은 일상 용품들을 병치한다. 이 사물들은 다시점(多視點) 방식으로 중첩 촬영되어 하나의 고정된 위계나 관점을 거부한다. 과거의 형식을 빌려 현재의 가치 체계를 질문하는 그의 작업은 경험과 기억이 덧대어지며 의미가 생성되는 과정을 되돌아보게 한다.

함께 자리한 구성연 작가의 〈설탕〉 연작은 설탕으로 정교하게 조각한 보물과 장식을 담아낸다. 작가는 가변적인 소재로 오브제를 제작하고 이를 정물화의 구도로 배치해 촬영하는데, 사진 매체는 이 모사물을 마치 실제처럼 보이게 하면서도 동시에 그 간극을 드러내며 보는 이의 판단을 유예시킨다. 달콤하고 반짝이지만 이내 사라질 운명을 지닌 설탕 오브제 사진은 실제와 가상, 영원과 순간, 이상과 허상의 경계에서 인간의 욕망을 조명한다.

한편, K2의 2층에서는 ‘사라짐’에 대한 성찰이 담긴 작품들이 전시된다. 정정호 작가는 한국전쟁 당시 노무자였던 할아버지의 삶을 추적하고 사진으로 기록한다. 작업을 위한 조사 과정에서 부족한 자료와 접근이 제한된 장소들에 맞닥뜨린 작가는 사라진 역사를 외부의 정보로 메우기보다 현재 자신의 시선으로 재해석하고자 한다. 작가는 탄피, 철사, 끈, 아카이브 문서, 아버지의 군대 사진 등 수집한 오브제들을 재구성해 촬영함으로써 전쟁 속 잊힌 개인의 작은 역사를 복원한다. 조사, 수집, 조합을 거치는 긴 작업 과정은 지워져 버린 존재들과 연결되어 이들을 사유하는 시간이며, 최종 결과물인 사진은 그 모든 행위의 증표로 남는다.

조선희 작가의 사진은 부재와 소멸을 탐구한다. 〈Black Imago〉(2024–2025) 연작은 시들어가는 꽃의 외피에 화장의 재를 연상시키는 검은 안료를 입혀 촬영한 작업이다. 검게 뒤덮인 꽃은 생명력과 기능이 휘발된 채 무기질의 고요한 질감으로 응축되며, 사진은 이 마지막 모습을 물질적 기록으로 붙든다. 〈Planet〉(2024–2025) 연작은 부패하며 형태를 잃어가는 과일들을 작은 행성처럼 포착한 작업이다. 작가는 생의 기능을 다한 이후에도 지속되는 물질의 상태를 조명하며, 죽음을 끝이 아닌 또 다른 미학적 상태로 전이되는 순간으로 기록한다.

이렇듯 《진동하는 사물들》의 참여작가들은 정지된 듯 고요하지만 저마다의 내밀한 울림으로 맥동하는 사물의 시적 잔향을 포착한다. 관찰과 응시, 어루만짐의 시간이 응축된 이들의 사진 속에서 사물들이 간직해온 고유의 시간이 다시금 펼쳐진다.

*병렬 투영(parallel projection): 3차원의 대상을 2차원 평면에 표현할 때, 시선(투영선)을 한 점으로 모으지 않고 평행하게 연장하여 그리는 투시 기법. 소실점이 존재하지 않기 때문에 사물이 멀리 있어도 작아지지 않고 동일한 크기와 비례를 유지한다.

**아이소메트릭(isometric): 병렬 투영 기법의 한 종류로, 공간을 구성하는 x, y, z 세 축이 각각 120도의 동일한 각도를 이루도록 설계된 기하학적 격자.

작가 소개

구본창(b. 1953)은 연세대학교 경영학과를 졸업 후, 독일 함부르크 조형미술대학(Fachhochschule Hamburg)에서 사진 디자인 전공으로 디플롬 학위를 취득하였다. 2025년 사진작가 최초로 삼성호암상을 수상하였으며, 2015년 대한민국문화예술상 미술 대통령 표창을 받았다. 주요 개인전으로 《구본창: 사물의 초상》(국립아시아문화전당, 2024), 《구본창의 항해》(서울시립미술관, 2023) 등이 있으며 이외에도 뉴사우스웨일스 주립미술관(2021), 한미사진미술관(현 뮤지엄한미)(2012) 등 국내외 다수의 단체전에 참여했다. 그의 작품은 런던 영국박물관, 샌프란시스코 현대미술관, 국립현대미술관 등에 소장되어 있다.

정희승(b. 1974)은 홍익대학교 회화과를 졸업 후, 런던 컬리지 오브 커뮤니케이션(LCC)에서 사진학과 학사 및 석사를 마쳤다. 국립현대미술관 《올해의 작가상 2020》 후원작가로 선정, 송은미술대상 우수상 등을 수상했다. 주요 개인전으로는 《멀리서 너무 가깝게》(고은 깁슨 사진미술관, 2025), 《부적절한 은유들》(아트선재센터, 2013) 등이 있다. 이외에도 일민미술관(2021), 광주비엔날레(2018) 등의 단체전에 참여했다. 현재 국립현대미술관, 서울시립미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

조성연(b. 1971)은 상명대학교에서 사진학과를 졸업하고, 동대학원 사진전공 석사학위를 받았다. 주요 개인전으로는 《우연한 때에 예기치 않았던》(스페이스 소, 2021), 《기시감》(담 갤러리, 1999) 등이 있다. 작가는 대구문화예술회관(2024), 인천아트플랫폼(2022), 우양미술관(2021), 서울시립 남서울미술관(2006) 등에서 열린 단체전에도 참여하였다. 현재 국립현대미술관 미술은행, 닻미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

김수강(b. 1970)은 서울대학교에서 서양화과를 졸업한 후, 뉴욕 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)에서 사진과 석사 과정을 마쳤다. 주요 개인전으로는 《길꽃》(갤러리 플래닛, 2024), 《모든 날의 숨》(스페이스22, 2021), 《In My Hand》(성곡미술관, 2003) 등이 있으며, 국립현대미술관(2016), 휴스턴 미술관(2009) 등에서 단체전을 가진 바 있다. 현재 국립현대미술관 미술은행, 휴스턴 미술관, 필라델피아 미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

김경태(b. 1983)는 중앙대학교 시각디자인학과를 졸업하고, 스위스 로잔예술대학교(ECAL) 아트 디렉션 석사를 수학했다. 주요 개인전으로는 《유한하고 끝이 없는 힘》(하이트컬렉션, 2024), 《Bumping Surfaces》(두산갤러리, 2021), 《표면으로 낙하하기》(휘슬, 2019) 등이 있으며, 국립현대미술관(2023), 송은(2021), 일민미술관(2021) 등의 단체전에 참여하였다. 작가는 2020년에 두산연강예술상을 수상하였으며, 국립현대미술관, 서울대학교미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

박찬우(b. 1963)는 서울예술대학교 사진과를 졸업했다. 《Stone》(중정갤러리, 2013)을 시작으로 《September 24, 2024》(중정갤러리, 2024), 《Frame》(중정갤러리, 2021) 등 주요 개인전을 열었으며, 《2016 아트경기 스타트업》(경기문화재단, 2016), 《행복을 만나다》(갤러리 모이소, 2014) 등의 단체전에 참여했다. 작가의 작품은 현재 국립현대미술관 미술은행, 광주시립미술관, 독일 뮤지엄 아트. 플러스 등에 소장되어 있다.

구성연(b. 1970)은 동국대학교 인도철학과를 수학한 후 서울예술대학교 사진과를 졸업했다. 주요 개인전으로는 《모래가 돌이 되는 시간》(광주신세계갤러리, 2025), 《사라지지 않으니까》(상업화랑, 2024), 《사탕》(트렁크갤러리, 2009) 등이 있으며, 대구사진비엔날레(2025), 광주시립미술관(2019), 국립현대미술관(2014) 등 주요 단체전에 참여했다. 광주신세계미술제 대상을 수상한 바 있으며, 현재 국립현대미술관 미술은행, 경기도미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

정정호(b. 1981)는 대학에서 저널리즘을, 대학원에서 사진을 공부했다. 주요 개인전으로는 《신 터》(보안여관, 2025), 《믿음의 지형학》(금천예술공장, 2024) 등이 있고, 단체전으로는 《컴백홈》(서울시립 사진미술관, 2026), 《공존》(미텔라인 미술관, 코블란츠, 독일, 2024), 《정착세계》(서울시립 북서울미술관, 2022), 《보존과학자 C의 하루》(국립현대미술관, 청주, 2020) 등이 있다. 현재 국립현대미술관, 서울시립미술관, 청주시립미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

조선희(b. 1971)는 연세대학교 의생활학과를 졸업했으며, 경일대학교 사진영상학부 교수로 16년간 재직했다. 주요 개인전으로는 《Frozen Gaze》(뮤지엄한미, 2025), 《姬: 나의 우주다》(뉴스프링프로젝트, 2022), 《화가의 비망록》(박노수미술관, 2021) 등이 있으며 일민미술관(2022), 국립현대미술관(2016), 아트선재센터(2007) 등 국내 주요 기관에서 단체전에 참여했다. 현재 뮤지엄한미, 아모레퍼시픽미술관 등에 작품이 소장되어 있다. 작가는 하퍼스 바자 패션포토그래퍼상, 세계패션그룹 패션저널리스트상 사진 부문을 수상한 바 있다.]

14:50~14:55    국제갤러리 서울 한옥으로 이동

14:55~16:00    국제갤러리 서울 한옥에서 [Robert Mapplet‎horpe 형태의 시학(The Poetics of Form)]을 관람

[삼청동전시 국제갤러리 한옥 - 로버트 메이플소프 (Robert Mapplet‎horpe) 개인전 《형태의 시학 (The Poetics of Form)》​

전시기간 : 2026. 06. 09  ~  07. 19

관람시간 : 화 - 일요일 10 AM ~ 6 PM

(매주 월요일 휴관)

무료관람

전시장소 - 국제갤러리 한옥

전시 개막일 6월 9일은 오후 4시부터 일반관람 가능합니다.

국제갤러리는 오는 6월 9일부터 7월 19일까지 한옥에서 로버트 메이플소프(Robert Mapplet‎horpe, 1946–1989)의 개인전 《형태의 시학(The Poetics of Form)》을 개최한다. 메이플소프는 20세기 후반 미국을 대표하는 사진작가로, 초상화, 정물화, 누드로 대표되는 전통적인 장르와 사디즘과 마조히즘 등 당대 뉴욕의 도발적인 하위문화를 결합하여 사진 매체의 경계와 예술적 표현의 자유를 실험한 것으로 알려져 있다. 2021년 국제갤러리에서 열린 메이플소프의 국내 첫 개인전 《Robert Mapplet‎horpe: More Life》가 섹슈얼리티를 탐구한 사진부터 유명 인사의 초상, 탐미적인 정물 사진에 이르는 다양한 주제를 그만의 서사성을 중심으로 소개했다면, 5년 만에 열리는 이번 전시는 주제나 장르를 떠나 그의 사진을 관통하는 독특한 시각적 언어를 살펴보는 데 중점을 둔다. 무엇보다도 본 전시는 로버트 메이플소프 재단과의 협력으로 작가의 실험정신과 현대의 사진 기술을 접목한 새 오버사이즈 연작을 국내에서 처음 선보이는 자리이기도 하다.

한옥의 절제된 공간감 안에서 펼쳐지는 《형태의 시학》은 메이플소프 특유의 연극적 긴장이 고요하고 통제된 실내 공간과 대조를 이룬다. 이번 전시는 주제 면에서 그가 주로 다루었던 인물, 여성 및 남성의 누드, 고전 조각, 꽃, 그리고 풍경 이미지들을 아우르는데, 특히 작가의 정제된 형식미가 돋보이는 이미지들에 중점을 둔다. 이번 전시작은 형식적으로 크게 두 개의 작품군으로 구성된다. 1970년대 중반부터 1980년대까지 핫셀블라드(Hasselblad 500) 카메라로 구현한 대표적인 젤라틴 흑백사진, 그리고 로버트 메이플소프 재단에서 최근 작가 생전의 염원을 실현하고자 54 x 54 인치(137.2 x 137.2 센티미터)의 사이즈로 인쇄한 오버사이즈 젤라틴 흑백사진이다.

“사진은 말하자면 조각을 만드는 완벽한 방법이다”[1]라는 메이플소프의 말에는 중요한 의미가 내포되어 있다. 즉, ‘발견된’ 이미지의 연장선에서 인식되던 사진을 조각이나 회화처럼 ‘순수 예술(fine art)’로 격상시키고자 했던 작가의 의지뿐만 아니라 그가 사진 매체와 맺고 있던 관계를 담고 있는 것이다. 우연의 개입을 허용하는 ‘찰나의 미학’ 대신, 계산된 채광이나 완벽한 구도에 천착하는 ‘극한의 미학’을 추구했던 그의 사진은 실제로 그리스·로마 조각상의 고전적인 조형미나 비례감, 구성 원리를 충실히 반영한다. 그는 빛과 그림자를 매우 치밀하게 통제해 인물, 꽃, 오브제 등을 마치 고전 조각처럼 보이게 만든다. 또한 흑백과 그 중간의 여러 회색 톤들이 부여하는 섬세하면서도 강한 콘트라스트 역시 형태를 또렷하게 부각시키면서, 사진을 평면 이미지라기보다 하나의 조각처럼 보이도록 하는 데 한몫한다.

1960년대에 브루클린의 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)에서 회화와 조각, 그리고 그래픽 디자인을 전공한 메이플소프가 사진 콜라주를 활용한 오브제 작업을 통해서 사진이라는 매체에 깊이 매료되었다는 점 또한 시사하는 바가 크다. 그에게 예술은 매체의 한계를 뛰어넘어야 마땅한 것이었기에, 이후 사진과 조각을 유연하게 오갈 만큼 줄곧 창의적이고 새로운 것을 추구했다. 이 ‘새로움’의 추구는 형식뿐만 아니라 대상이나 주제에도 적용되어, 그는 남성 누드 자체가 금기시되던 시대에 흑인 남성 누드를 찍고 미지의 영역이던 ‘죽음과 섹슈얼리티’를 전면에 내세워 예술과 외설의 경계를 넘나들었다. 덕분에 메이플소프는 사회적 논쟁과 예술 검열의 중심에 서기도 했으나, 그는 이러한 주제를 다룰 때조차도 꽃과 오브제를 카메라 렌즈에 담는 경우와 동일한, 극도로 정제된 형식미와 정교한 질서를 고수했다. 흑인 남성의 누드 사진에서 화병의 견고한 형식미가 느껴지고 카메라를 통해 재현된 꽃이 의인화된 신체의 확장으로 보이는 건 이러한 이유에서다. 이처럼 탐미주의와 급진성이 긴장 관계를 이루는 양가성은 메이플소프 작업의 핵심적 특징을 이룬다.

사진의 조형성과 형태에 대한 작가의 탐구는 매체와 작품 크기를 둘러싼 실험으로도 이어졌다. 메이플소프가 회화보다 사진에 더한 매력을 느꼈던 이유는 콜라주, 폴라로이드, 젤라틴 흑백사진, 다이-트랜스퍼(dye-transfer) 기법의 컬러사진, 실크스크린, 석판 인쇄 등 다양한 매체를 오가는 것이 가능했기 때문이다. 그는 캔버스 위에 플래티넘 기법으로 인화하여 사진 표면에 캔버스의 질감이 그대로 표현되도록 하기도 했고, 1985년에는 다양한 프린팅 기법을 선보이는 전시를 열기도 했다. 메이플소프가 이러한 실험을 이어갈 수 있었던 근간에는 사진이 회화나 조각과 마찬가지로 작품으로서의 고유성과 희소성을 갖기를 지향하는 인식이 자리하고 있었다. 1988년 『BOMB』 매거진에 실린 게리 인디애나(Gary Indiana)와의 인터뷰에서 “나는 그것이 사진이라는 사실을 잊는다. 그간 해온 작업의 크기와 규모로 보자면, 내 작업은 사진의 맥락에서 볼 수 없다”라고 작가가 언급한 것처럼, 크기의 문제는 메이플소프에게 사진 매체에 대한 인식을 환기하는 데 결정적인 역할을 했다.

생전에 메이플소프는 30 x 30 인치(76.2 x 76.2 센티미터)부터 40 x 50 인치(101.6 x 127 센티미터)에 이르는 오버사이즈 젤라틴 흑백사진 에디션을 120여 점 제작했다. 최근 로버트 메이플소프 재단은 사진의 디테일과 퀄리티에 대한 작가의 관심을 오늘날의 기술 환경에서 확장하고자, 현재 실버 젤라틴 종이로 인쇄 가능한 최대 크기로 제작한 ‘모던 오버사이즈’ 연작을 공개했다. 이번 전시는 이 연작 가운데 국제갤러리와 재단의 협력하에 구현된 세 점을 국내외 관객들에게 처음 선보이는 자리라는 점에 큰 의미가 있다. 화이트큐브의 맥락이 지워진 한옥 공간에서, 혼돈의 시대를 정교한 질서로 탐색하고 매체 실험을 통해 새로운 사진 미학을 열어온 메이플소프의 작품 세계와 그 형식미를 온전히 마주하는 경험이 되기를 기대한다.

작가 소개

로버트 메이플소프는 1946년 뉴욕 퀸스 플로럴 파크에서 태어났다. 1963년에 브루클린에 위치한 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)에 입학하여 회화, 조각, 그래픽 디자인을 수학했으나 6년 후 중퇴했다. 1970년에 폴라로이드 카메라를 처음 접하면서 본격적으로 사진 작업을 시작한 그는 1973년 뉴욕에 위치한 라이트 갤러리에서 첫 개인전을 열었다. 이 전시에서 제시된 주제들은 이후 그의 전 시기에 걸쳐 지속된다. 초반의 작업들이 주로 가까운 지인들, 친구들, 예술가들, 혹은 사교계 인물들을 담아냈다면, 1970년대 후반부터 시작된 작업들은 음지의 BDSM 및 퀴어 문화를 본격적으로 조명했다. 메이플소프는 이 외에 꽃이나 동물, 어린 아이들, 풍경, 혹은 고전 조각과 같은 평범하고도 전통적인 주제들을 다루기도 했다.

지난 1989년, 다소 젊은 나이인 44세에 숨을 거두었음에도 불구하고, 메이플소프는 20세기에 활동한 예술가들 중 현대사진의 지평을 넓히는데 기여한 결정적인 작가로 여겨진다. 뉴욕 솔로몬 R. 구겐하임 미술관(2019, 2005, 1993), 포르투 세랄베스 재단(2018), 로스앤젤레스 J. 폴 게티 미술관(2016, 2012), 로스앤젤레스 카운티 미술관(2016, 2012), 파리 그랑 팔레(2014, 1988), 런던 테이트 모던(2014), 뉴욕 휘트니 미술관(2008, 1988), 그리고 ICA 필라델피아(1988)에 이르기까지 세계 유수의 기관에서 그의 개인전 및 회고전이 개최되었다. 메이플소프의 작품들은 로스앤젤레스 J. 폴 게티 미술관, 바젤 쿤스트할레, 뉴욕 현대미술관, 시카고 현대미술관, 뉴욕 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 그리고 요코하마 미술관 등 세계 각지의 기관에 영구 소장되어 있다.

[1] Anne Horton, “Robert Mapplet‎horpe: Interview January 11, 1987,” in Robert Mapplet‎horpe 1986 (Berlin: Raab Galerie, 1987), 12.]

16:00~16:10     안국역 1번 출구로 원점회귀하여 탐방 완료

국제갤러리 서울 K1 & K2 [진동하는 사물들(Objects in Oscillation)] 전시 포스터

[로버트 메이플소프-형태의 시학] 전시 포스터