고 강완주 작가

[규래]

강완주  

<故 강완주 교수님>

故 강완주교수 유작전에 즈음하여

작년 여름 작열하는 태양 빛 아래 우리는 자랑스런 상명인이자 열정적인 교육자이며, 동시에 뛰어난 예술가인 한 사람을 자신이 그토록 사랑하던 흙으로 돌려보내며 주체할 수 없는 안타까움과 형언할 수 없는 슬픔에 가슴을 쓸어 내려야만 했습니다.

강완주 교수님,
인간 본연의 고향인 흙을 통해 삶과 죽음의 철학을 예술로서 승화시키고자 마지막 순간까지 열정을 기울이신 당신이기에 자기자신 조차 돌볼 틈 없이 후학향상에 영혼을 바쳐 오신 당신이기에, 아직도 상명의 캠버스 곳곳에는 고인의 자취가 생생하고, 고인을 본받으려는 후학들의 존경심이 해가 가도 변하지 않고 깊어지기만 합니다.

그리고 이제 고인의 제작들과 동문들, 지인들이 그리움을 담아 존경심을 모아 유작전을 개최한다고 하니 고인의 생전에 같은 예술인으로서 서로 예술혼을 교감하며, 같은 교육자로서 함께 후학을 양성하던 본인의 감회 또한 남다르지 않을 수 없습니다.

고인은 비록 우리 곁에 없지만 오늘의 유작전 개최처럼 고인의 예술세계와 교육정신은 고스란히 남아 젊은 상명의 예술학도를 통해 계씅되고 영속될 것임을 가슴 뿌듯하게 생각하며 금번 유작전 개최를 위해 남다른 정성과 심혈을 기울인 관계자 여러분께 감사드립니다.

삼가 고인의 명복을 빕니다.

2002. 8.
상명대학교 총장 서명덕

故 강완주교수 유작전에 부쳐

10년을 넘게 항상 쾌활한 표정으로 마주하던 강교수가 길지 않은 병고 끝에 홀연히 우리 곁을 떠난지 벌써 1년이 지났습니다. 삼가 고인의 명복을 빕니다.

1990년 봄부터 강교수가 본 대학에 재직하면서 두 번의 개인전을 가진 바 있으나, 그의 세 번째 전시회를 오늘의 유작전으로 마련하게 된데 대해 가눌 수 없는 아쉬움이 더욱 무거운 감회에 잠기게 합니다.

고인의 작품성향에서 느낄 수 있듯이 그는 첫아들「주형」이의 탄생과 아버님의 별세로 이어지는 「삶과 죽음」의 깊은 고뇌를 작품주제로 승화시켜 조형표현을 중심으로 하는 도조작업을 선보여 왔습니다.

고인은 그의 작업노트에 「나의 작품들은 주형이의 분신들이다」라고 적고 있으며 「나는 주형이로 인하여 흙 속에서 거듭 태어남을 배웠으며...」로 이어가고 있습니다. 한편, 많지는 않으나 「죽은자를 위한 기도」시리즈의 작품은 작품명이 말해주듯 아버님에 대한 애절한 슬픔과 영생의 기도를 형상화하고 있습니다.

그토록 요양을 권유해도 마다한 채 쾌유를 확신하며 의연한 모습을 보이던 강교수! 이제 그는 12년전 먼저 가신 아버님 곁에 영원히 잠들었으나 교육자로서, 작가로서, 그가 남긴 자취는 변함없이 가족과 후학들의 가슴 속에 간직될 것입니다. 또한 오늘의 유작전이 갖는 의미와 함께 생전에 그를 지켜 본 모든 이들의 가슴 속에도 뚜렷이 각인될 것으로 믿습니다.

다시 한번 삼가 고인의 명복을 빌면서 유작전 개최에 정성을 모아주신 여러분께 감사의 인사를 올립니다.

2002. 8.
상명대학교 디자인대학 교수 서한달

故 강완주교수를 애도하면서

인간들은 살아가고 있는 이 시각에도 과연 무엇을 위하여 살고 있는 것일까…. 이런 저런 의구심과 궁금함은 미래에 대한 두려움인가. 그렇지만 결국 삶과 죽음이라는 커다란 우주 안에 인간들이 다만 맴돌고 있을 뿐이다.

누군가 나무의 꽃잎은 땅 위에 남고 밫나는 형기는 하늘에 오른다고 하였듯이 그처럼 늠름하고 신념에 찬 젊은 예술가를 어찌 이토록 빨리 데려간단 말인가. 너무나도 어이없어 무슨 말로 강교수의 넋을 위로해야 될지…. 사랑하는 아내와 그토록 아끼던 어린 두 아들을 남겨두고 눈을 감았을 그를 생각하니 미어지는 가슴과 암담한 슬픔을 가눌 수가 없다. 아직도 이 땅 위에서 해야 할 일이 많고 사랑하는 가족과 제작들을 위하여 더욱 많은 보살핌이 필요한데 우리들 곁을 떠나 먼 하늘로 가버렸다. 정말 슬프고 답답하다. 사나이다운 호기와 당당함을 잃지 않고 환한 웃음을 지으며 다가오는 강교수의 늠름한 자태를 그를 아는 모든 사람들은 잊지 않을 것이다.

해마다 연말이 오면 어김없이 걸려오는 전화에서 낭랑한 목소리로 "형님! 올해도 망년회를 하셔야죠"하는 말이 끝나기도 전에 "그래, 그러세"하고는 단둘이 만나 소주잔을 주고 받으며 저무는 한 해를 돌이키며 정담을 나누곤 했다. 또한 새로운 마음으로 새해를 맞는다는 이유로 여류화가 김두례가 반기는 카페로 자리를 옮겨 음악반주에 열창하는 강교수의 모습을 바라보면서 후배라도 정말 멋있는 남자라고 생각을 해본지 어제일 같은데….
시골 사는 나의 자식들을 위해 헤어질 때는 어느새 올리버 빵집에서 사다 주는 케익. 그냥 두라고 말리면 "형님 애들에게 줘 보세요. 두말없이 맛있게 잘 먹을 거예요"라며 손에 쥐어주는 그의 따뜻하고 섬세한 마음.
이제는 모든 것이 부질없는 얘기로 되어 버리고 말았으니 한 인간의 삶이 이토록 허망하고 허무할 수가 있을까. 매사에 책임감이 강하여 일과 후에도 학교를 떠나지 않고 학생들과 어울려 밤 늦게까지 작품을 지도하는 강교수의 모습, 제자들에게 끝없는 애정과 보살핌으로 이끌어 주며 그들이 지치면 술 한잔을 건네면서 다그치는 선생으로서의 쉼 없는 정열을 이제는 더 이상 볼 수가 없다. 그래서 강교수 그대의 제자들이 이토록 슬퍼하고 원통해하지 않는가. 비록 당신은 이 땅을 떠났어도 짧은 생애에 남겨놓은 그 흔적은 우리들에게 영원한 마음으로 남을 것이다.
오늘 강교수의 제자들이 갸륵한 뜻을 모아 마련한 유작전을 통해 다시 한번 다 피우지 못한 예술 혼을 기리고자 하네.
이제는 먼 하늘에서 영혼 불멸의 새로운 예술세계를 가져보게나. 부디부디 하나님의 영원한 가호를 빌면서….

2002. 8.
경희대학교 아트퓨전디자인 대학원장
예술ㆍ디자인학부장   이헌국

 삶을 초극하려는 흙과의 열망
故 강완주 선생의 도예 유작전에 부쳐

장동광│인디펜던트 큐레이터

1. 못다 핀 꽃 한 송이

강완주 선생의 유작전을 앞두고 이 글을 쓰려고 하니 불현듯이 노래 말들이 나비처럼 흩날리는 것은 무슨 이유일까. 김수철이 불렀던 '못다 핀 꽃 한 송이'가 못내 입가에서 맴도는 것은 아마도 그에 대한 회한이 너무나 이 노래 속에서 절절하게 느껴지기 때문인지도 모른다. 아깝게 이른 나이에 세상을 떠났던 가수 김정호의 '작은 새', 33세 꽃다운 나이에 요절했던 에바 페론, 그 비운의 여인<에비타>의 영화음악 타이틀 곡인 'Don't cry for me Argentina'... 등 70년에 아늬 감성을 적셔주었던 노래들이 어찌 이 평문을 쓰는 자리에서 뜬금없이 떠오르는 것인가.

언제 가셨는데 안오시나 한 잎 두고 가신 님아
가지 위에 눈물 적셔놓고 이는 바람소리 남겨놓고
앙상한 가지마다 그 잎새는 한 잎
달빛마저 구름에 가려 외로움만 더해가네
밤새 새소리에 지쳐 버린 한 잎마저 떨어지려나
먼 곳에 계셨어도 피우리라
못다 핀 꽃 한 송이 피우리라

언제 가셨는데 안 오시나 가시다가 잊으셨나
고운 꽃잎 비로 적셔놓고 긴긴 찬바람에 어이하리
앙상한 가지 위에 흐느끼는 잎새
꽃 한 송이 피우려 홀로 안타까워 떨고 있나
함꼐 울어주던 새도 지쳐 어디론가 떠나간 뒤
님 떠난 그 자리에 두고두고
못다 핀 꽃 한 송이 피우리라

필자가 처음 강완주 선생을 만난 것은 10여 년 전으로 거슬러 올라간다. 당시 필자는 지금은 문을 닫았지만, 남산 하이야트 호텔 앞에 있었던 갤러리 빙의 큐레이터로 일하던 시절이었다. 그 무렵 경희대 도예과 출신의 한 작가의 개인전을 기획했는데, 그 작가의 작업실에서 그를 처음 만났던 것이다. 그는 쾌활한 모습으로 진심으로 그 후배의 작품에 대해 조언을 했고 나에게 잘 부탁한다는 말도 잊지 않았다. 나에게 첫인상은 잘생긴 외모와 훤칠한 키에 보기 드문 귀공자다운 풍모로 그는 아로 새겨졌었다. 필자가 처음 그를 보았을 때, 상명대의 도예전공 교수라는 사실이 믿기지 않았다. 그 이유는 아마도 같은 남자로서도 잘 생긴 그의 외모와 자유스러운 말투, 행동이 몹시 부럽게 느껴지기도 하였고, 설마 그가 흙을 만질 리 없으리라는 막연한 선입관 때문이었는지도 모른다. 그러다 간간이 그의 작품을 그룹전에서 볼 수 있었지만, 그와 가까운 자리에서 다시 만나지는 못했다. 지난해 그가 세상을 떠났다는 소식을 접하고서 나는 이제 다시는 그를 만날 수 없으리라는 사실에 깊이 절망했다. 그것은 나의 무심함에 깊은 회한이기도 했으며, 한창 나이에 세상과 이별을 한 그에 대한 애석함이 사무쳐왔기 때문이었다. 나는 그리운 사람을 잃어 버린 듯한 상실감에 한동안 그의 얼굴을 몹시도 자주 떠올리곤 했다.

2. 도조(陶彫)에의 열정, 그리고 현실체험의 형상화

강완주 선생은 1956년 출생이니까 45세의 나이로, 한창 작가로서나 교수로서 활동할 나이에 생을 마감한 셈이다. 너무나 안타까운 일이 아닐 수 없다. 그가 얼마나 가족을 사랑했는지는 국내에서 첫 개인전 작품들이 자신의 한 돌을 갓 넘긴 아들이었던 주형이의 분신이라고 카탈로그에 실은 것만 보아도 짐작하고 남음이 있다. 그가 하늘나라에서 얼마나 가족을 그리워할 것인가를 생각하면 지금도 가슴이 아리다. 강완주 선생은 29세가 되던 해인 1984년, 경희대 요업공예과를 졸업한 후 바로 도미(渡美)하여 필라델피아 예술대학(Philadelphia College of Art) 도예과에 특별학생과정으로 입학하여 2년간의 학사과정을 이수하게 된다. 요즘 같으면 바로 대학원에 입학하는 경우도 있지만, 어학공부나 미국생활에 적응하기 위해서도 필요한 시간이었겠지만 학사과정을 다시 다니며 대학원에 진학하기 위한 힘든 과정을 겪어야 했던 것으로 짐작된다. 그리고 1986년도에는 졸업전과 같은 형태의 필라델피아 예술대학의 스컬프처 갤러리(Sculpture Gallery)에서 박품발표회를 가졌다. 그의 나이 31세가 되던 해였다. 그리고는 미국의 유명한 미술학교인 로드아일랜드 디자인대학원(Rhode Island School of Design)에 입학하여 2년간의 석사과정을 마치고 1988년도에는 로드아일랜드 디자인대학원의 미술관에서 석사학위발표전을 가진 것으로 그의 이력은 기록하고 있다. 100여년의 역사를 자랑하는 이 학교의 교육정신이었던 '생각하는 훈련'에 기초한 자유로운 창작 정신의 발현은 그에게 적지 않은 영향을 주었던 듯 하다. 도예유학을 마치자마자 그는 가족들과 함께 바로 귀국하여 모교인 경희대에서 시간강사를 맡게 된다. 그리고는 미국에서 작업했던 결과물을 모아 지금은 다른 갤러리로 이름이 바뀐 안국동 고궁화랑에서 국내 첫 개인전을 갖게 된다. 강완주 선생의 첫 개인전은 두 가지 점에서 큰 의미를 갖는다.
첫째는 1980년대 후반이었던 당시에, 국내 도예계에 하나의 신조류를 형성하고 있었던 이른바 도조(陶彫; Ceramic Sculpture)라는 명칭을 본격적으로 사용했다는 점이다. 이는 미국의 추상표현주의 도자가 1960년대부터 본격적으로 발흥하여 미국은 물론 전 세계에 커다란 파급효과를 미치고 있었던 점에 비추어, 그가 신조류의 경향이었던 도조작업에 몰입하였던 것은 어쩌면 당연한 귀결이었는지도 모른다. 도조는 이 당시 한국 도예계에 있어서는 다소 낯설은 개념이지만, 88올림픽을 기념한 <동ㆍ서 현대도예전>등이 열리면서 일본을 비롯한 구미 각 국의 현대도예 경향이 국내에 소개되었던 점을 감안하면, 강완주 선생의 도예 작품은 시기적절한 측면이 없지 않다. 오랜 도예 전통과 역사의 무게에 억눌려 있던 한국도예계의 현실에서 볼 때, 도조는 실용성을 배제한 순수조형주의를 지형한다는 점에서 적지 않은 비판적 담론들을 수반하고 있었다, 그럼에도 불구하고 대학은 물론 젊은 도예가들을 중심으로 도조작업이 적극적으로 시도되고 있었고, 공예분야 전반적으로 용기(用器)의 개념에서 벗어나 조형성을 탐구하는 창작공예로의 전환이 가속화되고 있었다는 점에서 그의 등장은 신선한 자극이 되기에 충분했다고 볼 수 있다.

무제│25×24×46.5㎝, 1988	무제│26×22×42㎝, 1988	무제│26×22×46㎝, 1988

둘째는, 그의 첫 개인전은 그가 지형하는 작업의 형식과 개념의 지표를 대중을 향해 고백하는 하나의 선언이자, 예고의 문(門)이었다는 점이다. 다시 말하자면, 이때 발표된 개인전의 작품의 내용적인 면에서는 개인적 경험과 사유에 입각한 '현실 체험의 반영으로서의 도예작품'을 적극적으로 표명하고 있다는 것이다. 또한 작품의 형식적인 측면에서는 이 시기부터 작품의 형태와 구조는 물론 흙의 성형, 소성하는 방식에서 일정한 틀(Frame)을 형성하고자 하는 강한 열망을 반영하고 있다는 점이다. 예컨대, <탄생-보행>, <탄생-1, 어둠을 뚫고>, <탄생-2, 고통 속에서>와 같이 작품 제목은 자신의 미국 유학 중이던 1987년에 얻었던 첫 아들 '주형'이의 출생과 탄생에 관련된 생명의 신비와 인생의 의미를 도조형식을 빌려 표현하고 있다는 점이다. 이러한 개인적인 경험에 의거한 진솔한 표현추구는 이후 그의 작품을 지배하는 개념적 축이자 예술표현의 중심주제로 고착화되면서 흔들림 없는 맥락을 유지하는 것을 볼 수 있다. 그는 또한 이 시기부터 흙의 물성을 거스르지 않으면서도 조각적 방식을 통해 외면과 내면의 구조를 동시에 보여주는 표현구조를 택하게 된다. 이 첫 개인전의 작품은 상당히 추상적이면서도 자유로운 표현을 추구하고 있는데, 알이 깨어져가는 상황을 타원형의 형태로 설정하고 이를 중심으로 흙덩어리를 속파내기 기법으로 다양한 표정을 보여주려 하였다. 마치 헤르만 헷세의 <데미안>에 나오는 아프락사스에 관한 시를 연상시키는 그의 작품은 "새는 알에서 나오려고 투쟁한다. 알은 하나의 세계이다. 태어나려고 하는 자는 하나의 세계를 파과하지 않으면 안 된다. 그 새는 신을 향해 날아간다. 그 신의 이름은 아프락사스이다."라는 구절을 상기시켜준다. 그의 다른 작품들도 역시 알 혹은 생명체를 보(褓)로 싸고 있는 듯한 구조로 눕혀져 있거나 불완전한 걸음걸이를 걷는 듯한 위태로운 형태적 구조를 지니고 있다. 누구에게나 자신의 인생에서 자식의 탄생을 목격하는 일은 분명 위대한 신의 섭리를 깨닫게 하는 경이롭고 신비한 체험임이 분명하다. 그럼에도 불구하고 이러한 체험을 작품으로 형상화하는 작가가 그리 흔치 않은 것에 비추어 볼 때, 그가 얼마나 자기애가 강한 사람이고, 일기를 쓰듯이 자기 고백적 표현에 솔직한 작가인가를 어렵지 않게 짐작할 수 있게 한다. 그는 "이번에 전시된 나의 작품들은 "주형"이의 분신들이다." 라고 큰 제목을 달고 있는 첫 개인전 카탈로그에 쓴 작가노트는 이러한 사실을 확신시켜 주기에 충분한 기록으로 남는다.

"나는 이번 작품들을 통하여 잉태에서 비롯하여 고통으로 귀결되는 탄생의 과정을 흙이라는 자연이 주신 매개체를 이용하여 표현하고자 하였다. 또한, 내가 태어난 흙이라는 순박한 나의 동반자를 어루만지며 그 속에서 승화된 생(生)의 의미를 깊이 음미하여 형상화시키고자 노력하였다."

3. 삶과 죽음에 대한 자각의 편린(片鱗)들

1991년도에 열렸던 강완주 선생의 두 번째 개인전은 아버지의 죽음에 대한 비애와 슬픔이 가득 고여 있는 처절한 독백의 기록이다. 1988년 개인전을 연 이후 그의 생은 기쁨과 슬픔이 교차했던 희노애락의 한 가운데에 서 있었던 듯 하다. 둘째아들의 출산, 상명대의 교수임용, 아버지의 별세... 등 인생에 있어서 가장 큰 희열과 슬픔을 한꺼번에 겪어야 했던 것이다. 그는 그러한 와중에 흙과 함께 대화하며 개인전을 준비했고, 작업실에서의 홀로 있는 시간동안 그것을 감내하며 새로운 삶에의 의지를 다졌을 것이다. 누구에게나 부모의 죽음은 슬픔이 바다를 항해하는 듯한 비탄에 젖게 하는 것이지만, 자신을 무척이나 사랑해 주셨던 아버지를 잃은 상실감이 그에게는 더욱 크게 다가섰던 듯 하다. 그의 개인전 전시타이틀도<삶과 죽음의 형상전>이라는 전위적이고 다소 섬뜩한 표현을 주저없이 쓰고 있는데, 작품들의 제목들은 이러한 자신의 심경을 여과없이 반영하듯 하나의 완결된 명사형이 아닌 서술적 문장으로 이루어져 있다. <삶과 죽음의 공존 속에서>, <그토록 힘차던 젊은 날도 있었는데>, <이제는 앙상한 몰골만 남아...>, <끝까지 힘차게 날고 싶었는데...>, <휘청거리는 영혼이여!>, <이제 어디로 가야하나?>, <죽은 자를 위한 기도>, <죽음의 고통을 생각해보자...> 등 그는 아버지의 임종을 보며 느껴야 했던 비탄과 슬픔의 정한(情恨)을 고스란히 작품에 담고자 했던 것으로 여겨진다. 작품의 외형적인 구조는 이전의 도조형식들과 그리 큰 변화는 없지만, 다양한 유약의 구사와 함께 자신의 표현의도를 벗어나지 않도록 형태적 완결성을 추구하려는 경향이 강하게 느껴지는 작품들이었다. 30대 중반에 들어선 작가로서의 열정이 배어있으면서도, 자신의 체험에서 우러나오는 진실한 내용적 맥락과 형태적 표현이 합치될 수 있도록 애쓴 흔적이 역력하게 엿보이는 것이다. 예술가의 삶과 작품이 유리된 채 '예술을 위한 예술'을 추구하려 했던 예술지상주의적 작가의 모습을 그에게서는 전혀 찾아볼 수가 없다. 그에게 있어서 흙은 인생을 탐구하는 수단이었으며, 도조의 형식은 도예의 극점(極點)을 모색하는 고행의 과정이었던 것이었다. 그는 삶의 진실한 드러냄을 흙을 통해 구현해보고자 하였으며, 자기고백이나 하나의 예술적 울림으로 보편적 공감대를 얻을 수 있으리라는 어떤 확신을 가졌던 것은 아니었을까. 그가 이 두 번째 개인전을 준비하면서 그가 쓴 작가노트는 우리의 가슴 속 깊은 곳을 저민다.

"너무나도 슬펐던 아버지의 죽음 앞에서 내가 할 수 있었던 것은 아무 것도 없었는데... 그래서 삶은 더욱 값지다는 말인다? 그토록 모질게 살아가는 우리네 인생이 얼마만큼 값어치가 있다는 말인가? 결국 한 생명의 탄생은 죽음으로 귀결되고 죽음은 다시 우리들의 마음 속에 들어 앉아 우리를 너무도 슬프게만 하는데..."

4. 미완의 꿈

필자는 이 글을 쓰기 위해 그의 개인전 도록과 작품을 검토하면서 특이한 점을 발견하였다. 강완주 선생을 세 번째 개인전을 1994년도에 토 아트 스페이스에서 가졌는데, 이때의 전시타이틀이 <죽음과 삶의 형상전>으로 2회 때와는 다르게 삶과 죽음이 그 순서가 바뀌어져 있는 것이었다. 다시 말하자면, 이전의 아버지의 임종을 겪으면서 준비했던 개인전과는 다르게 '죽음'이 강조된 의미로 어순이 도치된 것이었다. 이 당시 그는 국내외그룹전과 초대전에 활발하게 작품을 발표하고 있었고, 교수로서도 어느 정도 안정된 위치를 다져가고 있었던 시기였다. 그런데 이 세 번째 개인전 카탈로그에 실린 그의 작가노트는 이 '삶과 죽음'의 어순도치와 함께 '죽음'에 대한 예감이 어떤 그림자처럼 다가서고 있었던 것은 아닐까 하는 의구심을 떨칠 수가 없다. 그는 이 3년만에 가진 개인전의 카탈로그에 이렇게 쓰고 있다.

"죽음의 그림자가 내 앞에 다가섰을 때, 나는 당신의 의로운 오른팔을 잡고자 발버둥쳤습니다. 그리고, 그때 나는 당신이 매정하게 나의 손을 뿌리치는 줄 알았습니다. 하지만, 이제 내 마음 속에 들어오신 당신의 실체를 느낄 수 있을 것 같습니다. 주여! 일그러진 내 삶 속에서 항상 같이 하셔서 범사에 감사하고, 항상 기뻐하며 살라갈 수 있는 인간으로 다시 태어나게 하여 주옵소서... 아멘"

작품에 있어서도 아버지의 별세가 피할 수 없는 인생의 한 과정이라고 생각하고 '삶'에 관한 희망의 징후로서 유약의 다양한 색채구사가 있었으리라고 짐작된 반면, 세 번째 개인전의 작품은 흑백의 극단적인 대비와 모노톤의 음습한 기운이 작품 전면에 부각되고 있다는 점이다. 더구나 형태적인 측면에서도 내부를 더욱 깊숙이 파고, 수직형의 흰색 기둥이나 빈 공간을 설정하고 있다. 외형은 보다 유기적이고 비정형적인 형태로 마치 암석이나 동굴의 암벽을 연상케 하는 구조로 이루어져 있다. 이러한 그의 작품이 주는 종교적 엄숙함의 아우라(Aura)에서나 그의 작가노트에서나, 아버지의 사후에 그가 기독교적인 신앙에 깊이 귀의하게 되었으리라는 추론이 가능하다. 그러나 다른 한편으로 자신의 죽음에 대한 어떤 암시를 받았던 듯, 이후의 작품에서도 이러한 불안한 징후들이 감지된다. <죽은 자를 위한 기도>, <기원>, <무제> 등과 같은 작품들에서 하얀 십자가, 일자형의 수직선 혹은 꺽인 선을 중앙에 배치하고 그 주변을 검은 색이나 단일한 색상으로 조율하고 있는 것을 볼 수 있다. 강완주 선생은 이처럼 자신의 현실체험에서 비롯된 생명의 탄생과 죽음의 문제를 누구보다 치열하게 자신의 것으로 받아들였고, 그러한 것을 기독교적 신앙으로 치유하기 위해 애썼던 흔적을 자신의 고백에서나 작품을 통해 목격할 수 있다. 그는 이 세 번째 개인전을 치른 후, 개인적 자기진술로서의 작품활동보다는 외면할 수 없었던 사회적 책임에 보다 치중했던 이력을 발견할 수 있다. 1995년도에는 디자인연구소장직을 맡아 학교의 특성상 도자기 디자인의 활성화를 위해 다양한 산업도자기 제품의 개발에 전력하였고, 현대도예비엔날레 추진위원회 홍보위원장직을 맡기도 했다. 같은 해에는 서울 후암동에 새로 건립한 <새나라공원>에 환경조형물을 의뢰받아 설치했으며, 1996년도에는 상명대 디자인대학장을 역임하면서 분주한 나날을 보냈다. 그는 수술, 회복, 재발과 같은 투병기간 중에도 작품활동을 지속하는 등 작가로서나 교수로서의 직업정신을 잃지 않았다. 1988년도에는 <현대도예 100인전>, <상명대 디자인대학ㆍ예술대학 교수작품전>, <경희도예가회전>, <한ㆍ일 현대도예초대전>에 작품을 출품하였고, 1999년도에는 <경희대학교 개교 50주년 기념전>, <현대도예가회전>, <상명대학교 디자인대학ㆍ예술대학 교수작품전>, <상명요업디자이너회원전>에 참여하였다. 2000년도에는 <도예 25인전>, <2000목포 세계도예프레-엑스포 초대전>에 출품한 것에 이어 <2000한ㆍ일 도예대학전>, <2000세계장작가마페스티벌>에서는 작품출품과 함께 실질적인 행사운영에 많은 기여를 하였다. 그의 마지막 전시회는 미국 롱아일랜드 초청으로 힐우드미술관에서 개최된 <경희도예디자인전>이었다. 이는 자신의 미국유학의 경험을 통해 이루어진 교육적이고 국제교류적인 성격의 전시회로서 모교인 경희대학교에 바친 마지막 헌사(獻射)가 아니었나 싶다. 그리고 그는 믿을 수 없게도 우리 곁을 떠났다. 헤르만 헷세가 <데미안>에서 되뇌이었던 글귀가 다시금 나의 뇌리를 스치고 지나간다. "나는 정말 내 자신으로부터 저절로 우러나오는 인생을 살려고 노력하였다. 그런데 그것은 왜 그다지도 힘든 일이었을까."

강완주 선생은 짧은 생의 시간동안 자기애와 현실체험에서 우러나오는 자기 고백적 작품세계와 삶과 죽음에 관한 문제의식을 도조작품을 통해 담으려고 노력해 왔다. 그것은 진실한 한 인간의 내면을 외부로 드러내는 일이었으며, 그것은 또한 작품의 내용과 형식, 삶과 예술을 흙의 정신으로 일치시키려는 통합에의 의지였다. 그의 작업실은 도예가 가진 흙의 고유한 본성과 예술적 표현의 내재적 가능성을 탐구하는 열정의 무대였으며, 그의 학교는 이러한 조형적 가능태를 실용적 디자인 제품으로 이전시키는 교육의 현장이었다. 필자는 오늘 그가 남긴 유작 중 두 아들의 모습이 사람스럽게 그려진 미완성의 접시를 보며 다시금 그의 모습을 떠올리게 된다. 남아있는 우리들 모두는 삶을 초극하려 했던 흙과의 열정, 그 짧은 세월동안 온전히 다 펼치지 못하고 간 그의 영전 앞에 무심한 꽃 한 송이를 바쳐야 하리라.

2002. 8.

휘청거리는 영혼이여!│15×17×70㎝, 1991	88-Ⅲ│1988

Ⅰ. The Birth (탄생)

이번에 전시된 나의 작품들은 "주형"이의 분신들이다.
"주형"이는 이제 갓 한 돌을 넘긴 나의 아들이다. "주형"이의 출생은 그 당시 4년여의 유학 생활 속에서 지쳐 있던 나에게 한 생명의 탄생이라는 인간에게 있어서는 가장 근원적이고도 위대한 신의 섭리를 깨닫게 해주었다. 탄생의 의미는 숭고한 것이요, 그것은 고통이라는 과정을 거쳐 신비로움이라는 결과를 낳는다. 나는 새로 태어나는 생명체에게 진정한 의미를 부여키 위해서는 깨어질 것 같은 아픔의 순간 또한 음미해 보아야 한다고 생각했다. 나는 "주형"이로 인하여 흙 속에서 거듭 태어남을 배웠으며 "주형"이는 흙으로 분신하여 나의 작품으로써 다시 태어난 것이다.

나는 이번 작품들을 통하여 잉태에서 비롯하여 고통으로 귀결되는 탄생의 과정을 흙이라는 자연이 주신 매개체를 이용하여 표현하고자 하였다. 또한, 내가 태어난 흙이라는 순박한 나의 동반자를 어루만지며 그 속에서 승화된 生의 의미를 깊이 음미하여 형성화 시키고자 노력하였다.

이번 전시된 모든 작품들은 4여년의 미국 유학생활을 마무리 지으며 1987.8 ~ 1988.6 사이에 작업한 것이다. 이제 이 작품들을 갖고 고국에서 첫 개인전을 갖게 되어 무한한 영광과 기쁨으로 생각한다. 그러나 도조(Ceramic Sculpture)라는 새로운 경향의 작품들은 모든 분들 앞에 내놓으며 느끼는 두려움 또한 느끼는 것을 솔직히 고백하고 싶다.

이제 나의 모든 것을 통하여 내어 놓은 지금 여러분들의 허심탄회한 조언과 질책을 감히 기대하며 성원하여 주신 모든 분들께 진심으로 감사를 드린다.

1988. 12

 

탄생-보행│30×20×65㎝, 1988	탄생│1988
탄생-2, 고통 속에서│60×20×20㎝, 1988	88-Ⅰ│1988
88-Ⅱ│1988	탄생│1987
탄생│1987	탄생│1987
탄생│1987	탄생│1987

Ⅱ. Shape of Life & Death (삶과 죽음의 형상)

너무도 늦은 밤에 이렇게 홀로 있다는 것이 좋다.
지하실의 곰팡이 냄새를 곁들인 흙 내용은 더욱 좋다.
홀로 있다는 것은 무엇을 의미하는가?
살아 있다는 것인가? 죽었다는 것인가?
어느 것이 더욱 값진 의미를 갖는 걸까?...
항상 골치가 아프다.
내가 철학가인가? 아니면 사상가?
예술가니까? 웃긴다-
그저 내 눈 앞에 스쳐 지나가는 삶의 순간 순간을
음미하려 노력할 뿐인데...
거기서 죽음은 무엇이며 삶은 무언가?
너무도 슬펐던 아버지의 죽음 앞에서
내가 할 수 있었던 것은 아무 것도 없었는데...
그래서 삶은 더욱 값지다는 말인가?
그토록 모질게 살아가는 우리네 인생이
얼마만큼 값어치가 있다는 말인가?
결국 한 생명의 탄생은 죽음으로
귀결되고 죽음은 다시 우리들의 마음속에 들어 앉아
우리를 너무도 슬프게만 하는데...
나를 사랑하는 모든 이들이여
제발 내게 '이것이 무어냐'고 묻지 말아다오.
단지, 그것은 나를 사랑하셨던 아버지의
죽음과 내가 사랑하는 나의 두 아들의 삶에 대한
고통과 희열로 표현일 뿐이오....

1991. 8. 작업노트 중에서

 

삶과 죽음의 공존 속에서│30×25×65㎝, 1991	삶과 죽음의 공존 속에서│30×25×65㎝, 1991
휘청거리는 영혼이여!│15×17×70㎝, 1991	이제는 앙상한 몰골만 남아│20×20×60㎝, 1991
끝까지 힘차게 날고 싶었는데...│20×20×60㎝, 1991	쓰러져가는 육신이여...│10×15×40㎝, 1991
이제 조용히 생을 되돌아보자!│25×25×75㎝, 1991	이제 어디로 가야하나?│15×20×65㎝, 1991
죽음의 고통을 생각해보자│13×17×35㎝, 1991	죽은 자를 위한 기도│12×15×40㎝, 1991
그토록 힘차던 젊은 날도 있었는데│25×22×75㎝, 1991	죽음의 고통을 생각해 보자│13×17×35㎝, 1991

Ⅲ. Shape of Death & Life (죽음과 삶의 형상)

죽음의 그림자가 내 옆에 다가섰을 때 나는 의로운 오른팔을
잡고자 발버둥을 쳤습니다. 그리고, 그때 나는 당신이 매정하게
나의 손을 뿌리치는 줄 알았습니다. 하지만, 이제 내 마음
속에 들어오신 당신의 실체를 느낄 수 있을 것 같습니다.

주여! 일그러진 내 삶 속에 항상 같이 하셔서 범사에 감사하고,
항상 기뻐하며 살아갈 수 있는 인간으로 다시 태어나게 하여
주옵소서..... 아멘

1994.

 

25×30×40㎝,1994	죽음과 삶│31×29×87㎝, 1994
무제│22×20×70㎝, 1994	25×30×95㎝, 1994
24×28×74㎝, 1994	16×14×37.5㎝, 1994
24×28×72㎝, 1994	24×28×74㎝, 1994
27×25×141㎝, 1994

Ⅳ. Pray for the Dead Man (죽은 자를 위한 기도)

강완주 선생은 자신의 현실체험에서 비롯된 생명의 탄생과
죽음의 문제를 누구보다 치열하게 자신의 것으로 받아들였고,
그러한 것을 기독교적 신앙으로 치유하기 위해 애썼던 흔적을
자신의 고백에서나 작품을 통해 여실히 목격할 수 있다.

- 중략 -

짧은 생의 시간동안 자기애와 현실체험에서 우러나오는 자기
고백적 작품세계와 삶과 죽음에 관한 문제의식을 도조작품을
통해 담으려고 노력해 왔다.
그것은 진실한 한 인간의 내면을 외부로 드러내는 일이었으며,
그것은 또한 작품의 내용과 형식, 삶과 예술을 흙의 정신으로
일치시키려는 통합에의 의지였다.

삶을 초극하려는 흙과의 열망 중에서

 

죽은 자를 위한 기도│15×15×120㎝, 1996	죽은 자를 위한 기도│30×15×95㎝, 1996
죽은 자를 위한 기도│30×40×115㎝, 1998	죽은 자를 위한 기도│36.5×40×135㎝, 2000
무제│30×20×160㎝, 1998	접시│25×25×3㎝, 1999
접시│27×27×3.5㎝, 2000	접시│21×20×2㎝, 1998
큰아들 주형이, 작은아들, 신형이│20.5×17.5×3.6㎝, 1998	접시│15×23×3㎝, 1997
접시│24×24×4㎝, 1999	화기세트│7×6×15㎝, 1996