[희곡]

[주상욱]

[희곡]

1.희곡 구성상 5단계
발단,전개,위기,절정,대단원

2.카타르시스(정화작용)
아리스토텔레스가 그의 책 <시학> 중 비극론에서 처음으로 쓴 말.
연극의 효과를 나타내는 말로써,비극을 봄으로써 관객의 마음에 쌓인 울적한
감정을 공포와 연민을 통하여 쏟게 하는 감정의 정화를 나타내는 말.

3.<시학>에서 말하는 비극의 정의
1)진지한 행동의 모방으로
2)처음과 중간 그리고 끝이 있는 일정한 길이를 갖게 하고
3)장식된 언어를 사용하며
4)공포와 연민으로 카타르시스를 주고
5)배우에 의해 연희되는 것.

=>아리스토텔레스가 희곡의 요소로 본 것은 구성,인물,언어,주제,사상,음악,경관
이다.

4.희곡작품 속의 인물
1)개성적인 인물(입체적인 인물)
2)유형적인 인물(평면적인 인물)

5.희곡의 구조
1)점층적 구조-고전극,현대극
2)삽화적 구조-서사극
3)상황적 구조-부조리극

6.희곡에서 대사의 역할
사실을 알려주고 등장인물의 성격 구축,사건을 처리 전개하는 역할을 한다.

[연출]
1.연출자의 대표적 기능
해석자로서의 기능과 시각화시키는 창조자로서의 기능

2.연출가가 독립적으로 형성된 시기
사실주의 시대,19세기 후반.

3.연출가가 생겨나게 된 이유
사실주의 연극 형태에서 중요한 앙상블을 추구하기 위해 분화.

4.연출이라고 독립된 직업이 생겨났다고 보는 계기가 된 극단
독일의 작스 마이닝겐 극단(1874년 창단)

5.심리적 사실주의 연출을 창시한 사람
스타니슬라브스키

6.연극이 공연되기까지의 과정
작품 결정->스텝 선정->배역 선정(casting)->독회(분석)->대사 연습->동작선
만들기->총 리허설(running rehearsal,dress rehearsal)->공연

7.아방가드르(avant-garde)
"앞을 내다보다"라는 뜻의 전위예술.인습적인 기법이나 제재를 타파하고 새로
운 것을 찾자는 예술 운동.

8.오프 브로드웨이(off broadway)
브로으웨이 연극의 범위조차 벗어난 뉴욕의 실험 연극.

9.오프 오브 브로드웨이
오프 브로드웨이 연극의 범위조차 벗어난 뉴욕의 실험 연극.

10.워크 샵(Work Shop)
극작,연출,연기 및 디자인 등의 분야에 있어서 학습지식을 실제로 적용해 보는 교
육 과정.


[장치]무대장치와 구조,조명,분장


1.본격적인 장치의 시작
연극 공연이 옥내 극장으로 옮겨진 후,15세기 후반.

2.연극 공연에서 장치의 역할
한 작품의 장소와 상황을 나타내 주고 극중 인물의 성격,내부심리를 표현.

3.무대장치가 기본적으로 갖추어야 할 세 가지 조건
1)무대장치는 작품에 적합해야 한다.
2)무대장치는 개성이 있어야 한다.
3)무대장치는 통일성이 있어야 한다.

4.올림픽 극장
15세기 후반 이탈리아에 세워진 최초의 실내 극장.장치는 영구적이고 5개의 등.
퇴장 문이 있다.

5.지주간(프로시니엄,액자,사진틀)무대의 장.단점
장점-장치.조명 설치의 용이함
단점-무대와 객석이 분리된다.

=>지주간 무대의 개폐 방법은 좌우 개막,상하 개막,중간 개막이 있다.

6.원형무대의 장.단점
잠점-무대와 객석간의 친근감 조성에 용이하다.
단점-장치,조명 설치가 용이하지 못하다.

7.돌출무대의 장.단점
무대와 객석간의 친근감과 장치,조명 설치의 용이함을 가지고 있다.

8.무대 조명의 발달 과정
수지,밀납 양초->오일 램프(18세기 말)->가스등 탄생(19세기 초)->에디슨 백
열전등 발명->네온 또는 수은 등

9.무대 조명의 기능
1)가시성-보여야 할 부분,보이지 말아야 할 부분 조절 가능
2)개연성-사실성 더 강조
3)구성-중요한 부분 강조
4)분위기 조성

10.플라노 콘벡스 스포트라이트(PLANO CONVEX SPOT LIGHT)
양면이 볼록한 렌즈를 사용한 것으로써 불빛 가장자리가 뚜렷하게 자국이 난다.

11.프레즈넬 스포트라이트(FRESNEL SPOT LIGHT)
렌즈에 굴곡이 져서 광학적인 기능은 빈약하지만 효과는 종전의 배가 되며 불빛
은 가장자리도 부드러운 이상적인 스포트라이트다.

12.엘립소디알 리프렉터 스포트라이트(ELLIPSODIAL REFLECTOR SPOT LIGHT)
반사판이 광선의 낭비를 막아주기 때문에 프레즈넬식보다 더욱 효과적이고,광
선을 일직선으로 발사한다.

13.무대 분장의 기능
조명 아래서는 안면의 색깔이 누렇게 보이고 평면적으로 보이므로 입체적이고
피부색을 내기 위해서 분장을 한다.또한 배역의 인물로 얼굴을 변화시키기도
한다.

14.조명 기구로서의 착색물질
젤라틴(셀로판 종이),시네모이드(플라스틱)

1.연극의 의미와 양식

연극이란 무엇인가-한마디로 요약하면, 가상으로 만드어진 집약된 갈등의 구조를 작중인물의 직접적인 연기를 통해 표현하는 공연예술로서 놀이문화의 일종이라고 말할 수 있다. 이러한 연극은 작품,배우,관중이 연극 성립의 기본적인 조건이며, 그 외에도 연출가,무대예술가,공연장 등 예술적인 능력과 과학적인 기능이 조화되어 공연이 이루어지게 된다.

서양에서는 행동하다(dramenon),구경하다(theasthai),극장(theatron)에서 유래한 말로 '드라마'혹은 '시어터'라고도 말한다. 우리의 옛 문헌 가운데서는 연극이라는 어휘를 찾기 어려운 대신 '연희'혹은 '놀이' 라는 말이 쓰여져 있다.

희곡의 양식에는 인생을 바라보는 작가의 태도에 따라 심각한 작품이냐 경쾌한 작품이냐로 대별되고, 그러한 태도로부터 비극,멜로,드라마,희극,소극이 생겨났다고 할 수 있다. 즉 인생을 진지하고 엄숙하게 바라보는 입장에서 비극과 멜로드라마가 생겼고, 즐겁고 우스꽝스럽게 바라보는 입장에서 희극과 소극이 생긴 것이다.

1. 비극

1)내용:적대적인 운명앞에 인간이 패배하는 문제를 다뤄 눈물이나 슬픔 이상의 삶에 대한 진지성을 드러냄

2)모티브:하마르티아(주인공의 그릇된 판단 또는 성격적 결함)

3)주인공:비범한 인물로 자신의 오판이나 편견, 실수로 파멸에 이른다.

4)정화(catarsis)효과:빈틈없는 전개와 타당한 결말에 의한 연민과 공포를 통해

5)비극적 아이러니:자신이 옳다고 믿고 용기있게 행한 행위가 전혀 엉뚱한 결과를 초래하는 것

6)작품:'햄릿','세일즈맨의 죽음'

2. 멜로드라마(통속극,격정극)

1)내용:선과 악이 뚜렷하게 구별되고 갈등도 선명하게 구별되는 도덕저인 문제 내포 (인과응보,권선징악이 크게 작용)

2)주인공:선한 주인공과 악한 적대자의 대립이 완연희 구별됨

3)특징:재미,흥분을 도발함이 목적이기 때문에 사실을 과장한다.(악인은 일방적으로 악인,선인은 한없이 선인!)

4)통속적 카타르시스:강요된 눈물에 의한 기분전환

5)작품:'욕망이라는 이름의 전차','유리동물원'

3.희극

1)내용:열등한 인간의 사회와의 부조화

2)인물:인격 또는 도덕이 보통 이하인 사람, 저속한 행위

3)희극의 요소:웃음,즐거움,풍자,비판

4)희극의 불일치:정상적인 것, 평균적인 것에 비추어 비정상적인 것, 저급한 것이 지니는 불균형이나 부조화에서 희극적 행위가 생겨난다.

5)작품:'베니스의 상인','수전노'

6)희극의 종류:상황극..시트콤

성격희극..성격적 결함이 결정적 역할을 한다.

낭만희극..로맨틱 코미디

사상희극..가장 우위, 한 사회의 지배적 이데올로기 등의 모순과 사상,이데올로기 비판

4. 소극(Farce)

1) 관객의 지적 판단에 호소하는 희극과 달리 주로 웃음에 호소하는 저급희극, 익살극 등을 말한다.

2) 목표 :익살스럽고 우스꽝스러운 사건을 다루어 웃음을 유발시킴

3)특징 : 즉흥적인 대사,자발적인 비판과 농담, 과장된 동작과 익살, 떠들석한 분위기 등 오락성을 중시한다.

-소극과 희극의 근본적인 차이점은 소극이 떠들석한 분위기와 소박한 웃음을 촉발시키는 데 비해, 희극은 사색의 재료와 지적인 내용을 제공새 왔다는 점이다.

소극<------------------------------------------------------------------------------------------>고급희극

<------------6.사상희극

<--------------5.성격의 불일치

<----------------4.언어적 재치

<-------------------3.희극적 플롯

<----------------------2.우스운 육체적 행동

<--------------------------1.외설.음란

2.연기론

1. 연기의 정의와 본질

연기란 상상의 자극에 반응하는 능력으로서 자신의 배역속에 생명을 불어 넣는 행동 예술이다. 그것은 곧, 배우의 행위가 어떤 것에 대한 모방이 아니고 창조이어야 한다는 뜻이다. 배우는 등장인물의 내적 심상을 외적 심상으로 표출시킴으로써 그 임무를 다하게 된다. 연기의 본질도 '행동의 모방이 아니라 성격의 창조'라는 바로 거기에 있는 것이다.

2. 연기자(배우)의 조건

배우는 예술 능력이 뛰어난 창조적 인물이어야 한다. 배우가 되려면 다음 조건이 필요하다.

첫째, 인격자라야 한다, 경험과 상상력과 창조력이 필요한 배우의 연기술은 인격에서 창출되기 때문이다.

둘째, 배우로서의 신체적 조건이 알맞아야 한다. 어떠한 역에도 적응할 수 있는 신체적 조건이 중요하다.

셋째, 좋은 음성을 가져야 한다. 정확한 발음과 톤이 좋은 목소리 또한 배우의 생명이다.

넷째, 감수성이 풍부해야 한다. 맡은 역에 대한 예리한 판단과 풍부한 상상력을 통해 몸짓과 언어로 표현하는 배우로서 감수성은 좋은 연기를 해낼 수 있는 에너지이다. 감수성은 예술적 감각이며, 경험의 소산이다.

3.연기의 기본요소

1)동작

무대위에서의 움직임에 대한 기본 규칙이 있다. 배우가 무대위에서 움직일때 가능하면 배우의 앞면은 객석쪽으로 향하며 최소한 3/4이 보이도록 해야한다. 연상이나 독백을 제외하고는 시선이 상대방을 향해야 하며 극적 효과를 위해서는 대사보다 동작이 앞서야 하는 등의 일반적인 규칙이 있다. 그리고 모든 동작에는 반드시 의미가 부여되어야 한다는 것도 포함된다.

2)대사

연극으로서의 극적 대사가 있고, 일상어가 있다. 또, 연설이나 웅변처럼 톤이 강한 어조의 대사가 있는 가 하면,독백이나 시처럼 정서적인 대사도 있다. 그 밖에도 대극장에서의 대사와 소극장에서의 대사는 그 발성법이 다르다. 짧은 어휘도 발성법의 변화에 의해 의미가 달라지므로 배우는 화술을 익혀야 한다.

3)노래

극중에서의 노래는 음악으로서의 기능과 대사로서의 기능을 다 가지고 있다.

4)춤

연극속에서의 춤은 동작적 표현 요소로서의 의미이다. 어떤 상황에서 말대신 동작 또는 간단한 춤의 형식으로 표현할 수 있다는 것이다. -이러한 연기요소를 연출자가 희곡의 해석과 방향을 어떻게 하느냐에 따라 연기자에게 주문하게 된다. 결론적으로, 동작과 대사 노래와 춤은 연기의 4대 기본요소로써 유능한 배우라면 이 기본 요소를 터득하여 능숙하고 세련된 연기를 해야 한다.

4. 연기연습

좋은 연기자가 되기 위해서는 끊임없는 연기 연습을 해야한다. 첫째로 인격자로서의 배우가 되기 위해서는 인격 형성을 위한 노력을 게을리 해서는 안될 것이다. 동서고금을 통한 갖가지 현실속에서의 삶을 연구해야 한다. 둘째로 예술가로서의 능력을 길러야 한다. 예술능력이란 정서적 감수성과 차의력과 표현력을 말한다. 어떠한 상황속에서라도 그 상황과 정서에 맞는 감정의 이입과 표출이 명확해야 할 것이다. 그런 경험을 바탕으로 그와 유사한 또 다른 상황에서와 연결을 통해서 창의력을 발휘하여 새로운 정서로 전환, 승화시킬 수 있어야 하고, 관객에게 전달시키는데 부족함이 없는 표현능력을 갖추어야 한다. 셋째로 표현능력이 뛰어난 기능인으로서의 배우가 되어야 한다. 감정의 표현이 쉽고 분명하게 표출되려면 감수성이 발달되어야 한다. 그러기 위해서는 잠재된 경험 인식을 그러한 상황속에 빠르게 접속, 연결시킴으로서 가능하게 되는데 그 경험 인식은 정서적 훈련을 통해서 도달할 수 있는 후천적 기술인 것이다. 그러한 기술습득을 위한 훈련은 신체훈련과 정서 훈련으로 나누어 시행된다. 이것이 바로 배우 연습이다.

1) 신체훈련

유연한 신체는 다양한 동작을 만들어 내고 그것을 통해 다양한 언어로 표출 할 수 있다. 유연한 신체는 긴장과 이완을 통해 형성된다. 신체의 긴장은 근육의 경화 현상을 말하고 이완은 근육의 연화를 뜻한다. 이밖에도 호흡 조절법, 신체기능 조절법등을 훈련을 통해 단련시켜야 한다. 기초체력 단련이라든지 춤의 기본동작은 물론, 신체의 유연성을 기르기 위한 모든 형태의 운동도 필요하다. 신체의 긴장과 이완은 원활한 신체활동과 인식력, 사고력 정서의 안정성을 높여준다. 이러한 준비과정이 실행된 후에는 간단한 연기 연습을 한다.

Ex)혼자서 할 수 있는 전신 몸짓- 절름발이 걸음, 도둑걸음, 외줄타기 연습, 징검다리 건너기, 낫질하기, 빨래하기 등

손 동작 연습-바늘에 실꿰기,낚시하기,돈 세기,과일 깍기 등

감정을 곁들인 동작-치과 병원에서...겁을 먹는다

영안실에서... 슬퍼한다.

2)정서(감각, 지각)훈련

인간의 정서는 오감에 의해 생성되어 칠정으로 나타난다. 감성은 본능적인 것이고,지성은 이지적인 것이다. 감성과 지성의 결함에 의해 정서 표출의 방법과 정도가 달라지기도 한다. 그러므로 배우는 정서 훈련을 통해 정서 표현의 폭을 넓혀야 한다. 각 단일 예술에 대한 이해와 감상을 통해 정서를 함향해야 하고, 독서를 통해 간접 체험을 쌓아야 한다. 정서의 훈련의 실제적 방법에는 다음과 같은 것이 있다.

가.주의 집중 훈련

주의집중이란 정신통일을 의미하며 자기화를 향상시키기 위해 필요하다.

Ex)긴장을 통한 주의 집중-신체 부위의 긴장. 상대방 움직임에 대한 주의집중, 보기, 듣기, 느끼기, 걷기 등

나. 감각지각

오감에 의해서 일어나는 느낌을 지각하는 훈련이며 연기의 리얼리티를 부여하는 능력을 향상시킨다.

Ex) 시각 -멀리, 가까이 보기

촉각-대상(물체)접촉,촉각기억

후각-냄새 탐지

미각-맛보기

청각-듣기

다. 판토마임

어떤 상황을 의미 동작으로 연결지어 내용과 주제를 갖도록 무언의 행위로 보여주는 무언극. 이 몸짓언어는 감각인지없이는 형성되지도 전달되지도 않는다.

라. 경험담 말하기(구연)

거울을 보면서 자기의 경험을 재미있게 또는 실감나게 말해본다. 상상력과 재치를 발휘하여 이야기해 보면 감정표현과 재스츄어에 리얼리티가 있는 지 알게 될 것이다.

3.연출론

1. 연출의 기원과 정의

연출의 기원 - B.C 6세기를 전후하여 희랍에서 활발하게 진행되었던 디오니소스 제전의 디티람보스라는 극의 형태가 있었다. 이극의 코러스의 지휘자가 연출가의 역할을 했다고 본다. 그러나 오늘날 의미의 연출은 19C 후반에서야 등장했다.

연출의 정의 - 연출이란 희곡이라느 ㄴ문학작품을 종합 예술이라고 하는 연극으로 승화시키는 작업을 일컫는 말이다. 연출가가 종합 예술로서의 연극을 무대 위에 펼치기 위해 연극 형성에 필요한 모든 요소의 통일된 표현을 부여해야 ㅎ나다. 그러기 위해서는 이 모든 것을 통솔하고 정리하는 사람이 필요한데 그가 곧 연출가이다.

2. 연출의 기능과 요소

연출의 기능은 희곡이란 문학작품을 종합 예술인 연극으로 승화시키는 기능이다. 이러한 기능을 발휘하기 위한 첫째는, 희곡의 선택이다. 주제와 내용과 구성이 극적인 것일 수록 좋다. 관객에게 삶의 가치와 방법을 제시해주고 정서적 즐거움을 부여해 줄 수 있는 희극이 최상의 대본이다. 둘째는, 유능한 배우의 선정이다. 희곡의 이해가 빠르고 동작과 언어로써 좋은 연기를 창출해 낼 수 있는 배우 확보가 중요하다. 셋째는, 유능한 무대 제작자의 확보에 있다. 이러한 준비 단계를 거쳐 진행되는 무대화 과정에 필요한 연출의 5대 요소가 있다.

1) 구성 : 무대의 조건에 맞도록 무대 장치나 연기자의 움직임에 대한 배치 및 형태를 의미.

2) 시각화 : 구성이 무대화의 연출적인 기술이라면 시각화는 하나의 개념이다. 개념은 작가의 사상이요, 창조의 의미이다. 연극이 진행되는 순간의 시각을 통한 정서적 해석이다. 그러므로 시각화란 무대의 여러 대상에 대한 의미와 사상의 현상으로서의 개성적인 표현이며, 마음의 발견이다.

3) 동작 : 극을 진전시키는 원동력. 작가가 지문으로 제시한 것을 기술적인 동작이라고 하고 정서적 동작은 연출가에 의해서 제시된 등장인물의 성격과 감정을 극적 분위기에 맞도록 내면 연기를 정섲거으로 표출시키는 것이다.

4) 리듬 : 스토리의 진행, 동작과 대사, 감정 표현의 템포등 극적 흐름을 의미한다. 어떤 극 또는 장면에서 반응된 정서는 곧 분위기와 정서적 리듬으로 완치되는데 연출가는 그런 리듬을 주기적으로 만들어 극적 흥미를 유발시켜야 한다.

5) 판토마임 : 연극 행위에서의 얼굴표정, 몸동작, 손동작, 몸의 위치와 움직임등을 시각화시키면서 극을 진행함으로써 상상의 폭을 확대하고 폭넓은 정서를 유발시키도록 하는 요소로서의 기법이다. 연출 요소로서의 판토마임이 동작과 다른 것은 동작의 연속성에 있다. 이러한 연출의 5요소를 조합하여 예술로 승화시키는데 무대를 9등분하여 활용한다.

무대좌상

L.U.S(1)
무대중상

C.U.S(2)
무대우상

R.U.S(3)

무대좌중

L.C.S(4)
무대중앙

C.U.S (5)
무대우중

R.C.S(6)

무대좌하

L.D.S(7)
무대중하

C.D.S(8)
무대우하

R.D.S(9)





후면무대 (1),(2),(3) - 주로 도둑질, 음모, 흉계, 살인, 모사 등을 꾸미는 장소로 활용.

중간무대 (4),(5),(6) - 내용에 관계없이 두루 사용.

전면무대 (7),(8),(9) - 선전, 선동, 해설, 주장등을 펼칠때 주로 사용.

전면무대의 경우 특별한 의미가 부여되는 블럭으로 구분되어 사용된다.

(7)번은 등장인물 이외의 사람이 작품에 관계된 내용을 설명, 선전 해설등을 할 때 이용하는 위치.

(9)번은 등장인물 중에서 내용을 설명 (해설)하거나 선전, 선동 및 강조할 때 특히 (5)번과 (8)번 위치느 ㄴ주인공이 주로 활용하며, 중요한 장면이나 Climax 부분을 연기할 때 이용한다.

3. 연출가의 기능과 열할

연출가의 기능은 첫째, 무대화하려는 희곡을 분석하고 이해하여 관객이 내용과 주제를 잘 이해할 수 있도록 보여주는 기능이다. 둘째, 기술자로서의 기능을 갖는다. 극장구조, 무대구조와 장치, 조명의 설계와 실제, 분장술과 효과, 의상의 적합성, 음향효과의 합리성 등을 이해하고 제작 능력까지 갖추어야 한다. 셋째, 지도자로서의 기능을 가져야 한다. 연출가는 연기자와 무대제작 담당자 뿐만 아니라 기획 파트나 무대 감독 및 진행 파트까지 통괄하느 ㄴ임무가 있다. 그러므로 지도자로서의 인격과 능력이 요구된다.

4. 연출과정

연출과정이란 연출자로 하여금 결정된 희곡을 가지고 배우와 무대 제작 담당자와 함께 연극으로 만들어 가는 과정을 말한다. 우선 할 일은 연출 계획을 세우는 일이다. 일반적으로 연습 일정과 제작일정, 공연 일정으로 나누어 진행표를 작성한다. 제작 파트는 기획, 무대제작, 조명, 의상, 분장, 음향효과, 소대도구 등의 담당자로 나누어 각기 연출 계획에 맞추어 그에 따라 실행해야 한다. 연기 파트는 연추가의 연출 계획에 의해서 실행하게 된다. 그 순서는 (1)대본 읽기 (2)무대화 (3)총연습으로 진행된다.

(1)대본 읽기 과정

주로 작품을 분석하는 작업 과정으로 줄거리, 주제, 구성, 경향, 대사, 성격, 막과 장, 장면, 배경, 분위기 등과 같은 작품 내적 특성 파악 과정이며 무대 장치, 조명, 음향효과, 의상, 분장등 외적 특성까지도 파악하는 과정이다.

---줄거리 및 주제 (사상, 목적, 방향)파악, 구조 분석(막, 장, 장면, 클라이멕스위치), 등장 인물 분석(주역, 보조역), 대사분석(문장, 어휘), 대사외우기

(2) 무대 구체화 과정

연출가는 공연할 실제 무대를 감안하여 배우의 위치 및 동작선을 설정하고 상황에 맞는 동작(감정표출)을 할 수 있도록 연출 노트를 작성한 후 연기를 지도한다. 연출노트로 장면의 분량만큼 작성된다. 장면 부호(Sceen Number #)를 붙이되 S#이 1페이지가 되도록 하여 무대의 배치, 대도구의 위치등을 미리 결정해두고, 배우의 위치 및 움직이는 방향을 선으로 엎어서 표시한다. 무대 분할의 아홉 구역안에서 동작선의 구도와 조화가 합리성과 논리성을 갖도록 해야 하고, 미학적 배치가 되도록 연구되어서 작성해야 한다.

(3) 총연습 과정

무대 장치와 조명, 의상, 분장, 효과, 대.소도구등을 갖추고 실제의 공연처럼 한다. 각 부분별로 점검을 하면서 미완된 부분을 보완한다.

--공연이 시작되면 연출가는 객석에서 연극 작품을 분석 평가하면서 관객의 반응도 살핀다.

4.무대조명의 역사

1) 고대희랍, 로마나 엘리자베스초 연극 - 자연조명인 태양광선에 의존

2) 18세기말까지 - 양초 (근본적인 변화는 없었다)

3) 19세기초 - 개스등 - 장점 : 첨으로 고나객석을 암전시키고 관객의 주의를 무대로 집중시키고, 명도자체를 인위적으로 통제할 수 있음.

단점 : 조명 색깔의 자유로운 구사가 안되고, 화염의 위험등이 있다.

4) 1879년 에디슨의 백열정등 발명 - 값 저렴, 명도조절용이, 용법 간편, 안전

--- 무대 조명은 이 변혁기부터 단순히 관객의 시각을 비추는 사명의 굴레에서 벗어나 무대를 구성하는 한 요서이며 광선에 의한 극적인 표현 기술에 적극 참여를 하게 되었다.

* 무대조명의 기능과 목적

1. 가시성 제공 : 관객은 우선 무엇보다 무대 위에 전개되는 배우들의 얼굴과 연기를 볼 수 있어야한다.

2. 시간, 공간 설정에 조력 : 그날의 시간(한낮, 이른 아침, 밤...), 빛의 근원(해, 달, 불꽃..), 기상조건(구름 낀 날, 폭풍...), 계절, 시대 또는

무대 위에 보이는 보명 시설(등잔, 촛불, 전구...)

3. 분위기 창조에 조력 : 행복하고 재미있는 극-노랑 등의 따뜻한 색, 우울한 극-청색 등의 차분한 색조.

4. 공연의 스타일 강화 : 사실주의글/비사실주의극

5. 무대 위에 초점을 제공 : 초점에 의하여 빛은 무대 위에 일련의 시각적인 구성을 만들어 낼 수 있고, 이런 구성이 무대를 하나의 큰 구역

으로 전환시키는 데에서부터 작고 분리된 구역으로 만들어 내는 데에 이르기까지 변환시킨다.

6. 시각적 동작의 리듬 설정 : 급속 암전에 의한 돌연한 변화/지지한 완속 암전/두 빛이 동시에 들어오고 나가는 교차암전.

7. 핵심이 되는 시각적 이미지 강조

* 빛의 색체

색은 대조를 통해 무대의 입체감을 살려주며 의상이나 채색된 무대 장치를 돋보이게 하는 데, 보통 태양광선보다는 색도가 낮은 담황등색 계통의 빛을 기준으로 삼는다. 색광은 이 인공적인 백광선에서 컬러필터를 끼어서 색을 나타낸다.

1. 일번적 : 빨강색 - 분노, 전쟁. 호박색 - 따뜻하고 안이함. 파랑 - 절제와 냉정. 초록 - 평화 가장 창백한 파란색이 창백한 파랑색

+ 짙은 빛깔의 파랑색 = 보다 따뜻한 느낌.

번호 색 상 사 용 법 NO. O-10
투명, 반투명, 순백 NO. 0은 사용 안함. NO.10광선의 확산

NO. 11-16
진분홍 - 연분홍 여명. 화려한 의상을 돋보일 때

NO. 21-25
진홍색 - 연주홍 불. 강한 인상을 줄 때

NO. 31-36
주황색 석양 때, 램프, 촛불, 사실적 표현

NO. 37-38
붉은빛이 도는 주황 붉게 타느 ㄴ석양, 양식적인 감각

NO. 41-45
황색 단독적으로보다 보조색으로 쓰임

NO. 51-59
총록, 알록 호리존트에 푸른 빛의 하늘

NO. 61-63
녹청색 푸른 바다, 환상적인 분위기

NO. 64-66
연초록이 낀 청색 전구의 노랑을 보정함. 어둠의 장면

NO. 71-77
농청색 밤의 분위기

NO. 78-79
담청색 달빛, 배우의 얼굴의 청색 보정

NO. 82-88
자색 비현실적인 분위기, 감미로운 상태





* '컬러 필터'의 색상은 대개 번호로써 구분이 되며 앞의 표와 같다.

1) 젤라틴 : 색상이 다양하고 값이 싸서 보편적으로 이용. 변색되고 닳기 쉽다. 물에 닿지 말것!

2) 플라스틱 : 값이 비싸다. 수명이 길고 물기어 강하므로 노천무대나 해변가에서도 사용할 수 있다.

3) 채색 유리 : 비싸고 색 선택이 많지 않음. 저장하기엔 부피가 크고 깨질 염려. 빛을 프리즘식으로 조작 가능.

* 조명 기재

1) Fresnel spot light (프레스넬스포트라이트) : 통제 가능한 넓은 지역에서 밝으나 지역밖은 급격히 어두워진다.구역간 혼합이 중요한 때, 빛의 모서리가 어지러울 때 사용하며 고나객 바로 위에서 무대르 ㄹ향하지 않도록 한다. 타원형 = 확산스포트라이트.

2) elipsoidal spot light (엘립소이달스포트라이트) : 빛의 퍼짐이 크고 강하므로 많이 사용된다.조명 패턴을 잘 제어하는 것이 중요한 경우 가장자리가 날카롭다. 빛의 형태를 바꾸지 않고도 크기, 모양 조절가능.

3) border light (보더라이트) : 무대전체에 평균적으로 광선을 투사시키기 위한 기본조명.

4) foot light (후트 라이트) : 무대 맨앞에 가지런히 가설되는 조명시설.

5) horizont light (호리죤트 라이트) : 무대 맨 안쪽에 있는 배경벽을 비추는 조명.

6) Beam projector (빔 프로젝터) : 빛의 범위가 좁고 강한 것으로 고정된 배율의 강한 빛을 요구하는 장면(창살의 햇빛등)이나 뮤지컬,

무용공연에서 무대를 가로지르 ㄹ경우 사용된다.

7) strip light (스트립 라이트) : 8ft 정도의 좁고 긴 기구, 여러개의 작은 동으로 구성. 컬러필터를 끼울 수 있게 장치되어 있다. 분위기 연기

공간 조절.

8) Follow spot light (추적스포트라이트) : 주위집중, 대상 추적, 분위기 고양.



* 조명의 분류 - 조명은 일밙거으로 스포트라이트의 촛점을 45도 좌우편의 윗부분에서 위치르 맞춘다.

1) 조명방향과 조명기 부착 위치별로

1 정면으로 비추기 - spot light (각광)

2 연기자를 따라다니면서 비추기 - follow spot light

3 무대 옆면에서 비추기 - area light (역광 : flood light)

4 무대의 앞면에 부착해서 배우나 무대배경을 올려 비추기 - (foot light)

5 무대 위쪽에서 무대장치나 배우르 ㄹ향해서 내려 비추기 - (top light 혹은 down light)

6 무대 뒤에서 개석을 향해 비추기 - (back light)

7 배우의 동작을 그림자지게 역동적으로 효과내기 - (horizont)

8 무대나 무대장치의 일부분을 밝게 비추기 - strip light (대상광 : borde light)

9 빛이 서서히 꺼지기 - fade out

10 한쪽 불이 꺼지면서 동시에 다른 한부분이 서서히 켜지기 - cross-fade

2) 연기구역의 조명 (연기자의 얼굴을 대상)

1 전명 왼쪽 45도 각에서의 조명 : 반대쪽 얼굴은 볼 수 없다.

2 전면 오른쪽 45도 각에서의 조명 : 좌와 우의 조명은 시각적으로나 분위기의 성질을 달리 할 수도 있다.

3 전면 좌우 45도 각에서의 조명 : 양쪽 얼굴이 다 잘 보인다.

4 오른쪽 30도 각에서의 옆조명.

5 왼쪽 30도 각에서의 옆조명

6 좌우 30도 각에서의 옆조명 : 얼굴 중앙에 그늘이 진다.

7 45도 각에서의 앞조명(배우 바로 윗 조명) : 명확성이 없다.

8 15도 각에서의 뒷조명 : 무리 효과를 낸다.

9 90도 각에서의 윗조명 (Top) : 코와 턱밑에 그늘이 진다.

10 아래 각에서의 foot조명 : 극적이기는 하나 자연스럽지 않다.

*뒷조명 (back light) : 뒤에서 들어오는 조명이다. 배우를 무대와 구분시키며 연기자의 얼굴에 윤곽을 준다. 뒷조명이 강하면 배우의 어깨나 머리에 무리가 지는 수도 있다.

*옆조명 : 구도상 뚜렷한 도움을 주는 절대 필수는 아니며 장면마다 색깔 선택의 활용을 가할때 의상 색깔에 보다 다양하게 광채를 내주게 한다. 무대 좌우측에서 무대 전면과 평행선으로 투사되었을때 효과적.

3) 배경조명

세 가지 기능을 수행한다. 첫째, 스포트라이트가 미치지 못한 모든 배경적 요소들을 조명하는데 쓰인다. 둘째, 연기 구역을 뒤섞어주고 연기구역의 높은 강도와 배경의 낮은 강도 사이의 유연한 전이를 마련해 주는데 쓰인다. 또한 무대배경과 의상의 명암과 색조를 고양하거나 수정하는데 사용된다.

* 조명에 의한 효과

1) 구름 : 정지된 상태의 구름은 소형 '스포트 라이트'를 환등기의 '램프 하우스'나 '콘덴서 렌즈'의 부분으로서 그 앞부분에 대물 렌즈를 장치하면 된다. 확대 투영을 해야할 때는 대물 렌즈의 초점거리를 선택해야 한다. 움직이는 구름을 표현할 때는 슬라이드를 움직여야 하지만 대개는 '에팩트 마신'이라고 불리우는 효과기를 사용한다. '에팩트 마신'은 이 밖에 비, 눈, 파도를 나타내는데도 여러 가지 형태의 무늬를 사용하면 간단하다.

2) 달 : 재래식 방법으로는 검은 상자를 검은 막 앞에 매달고 달 모양을 천으로 만들어 상자 안에다 전등을 켜는 방법도 있다. 그러나 보다 사실적인 방법은 환등방식에 의해 달 모양을 직접 '호리존트'에다 토영하는 방법도 있다.

3) 별 : 일반적인 방법은 조그만 전구를 가느다란 명주실에다 매달아 불을 켜는 예이다.

4) 번개 : 사진촬영 때 쓰는 '스트로브'를 사용하면 가장 간편하게 번개를 나타낼 수가 있다. 그러나 시간이 너무 순간적이라는 단점이 있다. '아아크 라이트'를 사용하면 그 시간을 연장 시킬 수가 있으나 전지 '휴즈'가 끊어지는 우려가 있으니 사용하기 전에 극장 리자와 잘 의논해서 사용한다.

5) 무지개 : '프리즘'을 사용하는 방법이 있으나 이것은 색조가 불선명하다. 가장 정확한 방법은 '호리존트'위에 무지개의'슬라이드'를 환등으로 투영하는 방법이다.

* 조명의 실제 작업

1 대본을 숙독하고 연극에 대한 대강의 느낌과 사상을 형성하기 시작한다.

- 작품의 양식(사실주의/비사실주의?), 작품구조상의 발전경향(행복-절망?..), 빛의 성격(빛의 방향, 강도 등등)

2 연출가와 무대디자이너를 만나 연극에 관한 시각적인 개념을 토의한다.

3 무대디자인의 설계 대본을 받고, 의상디자인에게 옷의 모양과 색상을 습득한다.

4 공연의 감을 잡고 온갖 종류의 가구를 배치할 정확한 위치와 무대 사무를 알아보고, 필요로 하는 무대 효과를 연출과와 상의한다.

5 조명계획(LIGHT PLOT)을 세운다.

- 사용될 각 조명 기구의 위치

- 기구에 의해 조명될 전반적인 지역

_기타 조명의 전기 작동에 따른 세부사항들

_기구의 유형 와트량 젤라틴 색상판

-조명기계작동에 필요한 회로

(Ex:배우가 연기도중 불을켜야 한다면 그 전기설비의 위치를 조명플랜에 표시)

* 조명계획을 짜기전에는 "어느 정도의 사실성을 요구하는가? 중요한 장면은 무대 장치 안의 어디에 위치하는가? 그곳에 있어 제한성이 있는가? 작품은 어떤 형태,분위기,색상패턴,움직임 등을 요구하는가?"에 대해 정확하게 숙지하고 있어야 한다.

6 조명기구의 고정한다. 이때 초점의 여부를 확인하고 감독한다.

7 조명의 큐(que)-불이 들어오고 나가는 시간-를 정한다. 이때 조명이 바뀌는 시간의 길이와 조광기(DIMMER)의 명암도의 수준을 정해 놓는다.

5.무대이론

연극의 여러 다양한 형태들은 무대의 형태를 여러가지로 변화시켜 왔다. 실례로 Musical 의 경우 가장 간단한 배우와 관객들사이의 대사전달을 위주로 하는 희곡위주의 연극과는 다르게 공연양식, 규모상 극장의 스케일과 장치들이 다양하고 대형인 경우가 많으며 전통적인 프로시니엄 형태의 무대와 이를 변형한 다양한 형태의 무대형식을 이끌어 내었다.

-무대장치의 기능

무대장치의 기능들은 일반적으로 공연되어지는 연극의 형식들(서사극,부조리극)과 깊은 관련이 있으며 희곡의 창작+작품의 제작이 일관성이 있게 진행되는 한가운데 있는 것으로서 단순한 작품이 뒷배경(Background)뿐 아니라 작품의 일부분으로서 소화해 내는 것이 중요하다.

1. 연기:전체적인 시각적효과와 더불어 각요소요소의 시각적요소들을 제공하여 연기의 배경을 창조하며 하나의 장소 이상으로서 연기를 위한 주위환경을 제공한다.

2.인물의 성격묘사: 등장인물의 성격의 표출과 발전은 장면의 주위환경과 밀접한 관계를 가지며 또한 인물들은 무대장치에 의해 설정된 극적환경에 끊임없는 갈등을 잃으키므로서 극이 진행된다.

3. 시간과 장소를 제공: 시각적인 형상을 통한 시간적 공간적 환경을 제공한다.

4. 극적 분위기 조성: 무대장치 스스로 뿐 아니라 조명,음향등의 효과를 더함으로써 작품 전체 및 장면들의 지배적인 극적분위기를 조성하며 이를 통한 연기도 등장인물의 관계를 표현하므로써 관객들에게 심리적 상태와 감정적 반응을 제공한다.

5. 주제의 보강및 줄거리 전개: 다양한 무대배경을 제공하므로써 주제표현의 밑거름이 되며 대개 사실적인 연극의 배경을 제공하여 극의 전개를 돕는다.

-대표적인 무대의 형태

1)프로시니엄

가장 보편적인 무대의 형태로서 대형인 경우가 많고 객석은 무대보다 위치가 낮다. 무대의 성질상 좌우측 객석의 돌출이 넓으면 관객들의 시각에 장애를 줄 뿐 아니라 일반적으로 배우와 관객간에 시각적, 감정적 거리가 먼 단점이 있다. 주로 뮤지컬, 오페라 등의 대규모 공연에 활용되고 있다.

*에이프론

일반적인 프로시니엄 형태의 무대 가가지는 시각적인 한계성을 개선한 형태로써 무대와 관객석의 측면에 각도를 주고 객석을 한층 높여 관객와 배우사이의 감정적 시각적 거리를 한층 가깝게 한 형태이다.

*돌출무대

열린 무대라고도 하며 무대가 관객석 쪽으로 튀어나온 반도 형식의 무대로써 좌석을 3면으로 배치하여 많은 관객이 좀더 가깝게 연기자와 마주할 수 있는 구도이다. 프로시니엄과는 다르게 강한 시각선을 가지며 변화있는 무대 활용이 가능한 장점이 있으나 오히려 강한 시각선으로 인한 배우들의 제약조건이 많다.(등보이기,일정 범위 이상의 무대활용...)

2)원형무대

증세시대에 흔히 볼 수 있었던 형태로서 객석이 무대를 완전히 둘러싸고 있어 시각적인 효과가 상당히 큰 반면 비교적 큰 소품및 무대장치 사용이 가능하고 세트를 사용하여도 투시가 가능해야 하는 마당극등을 들 수 있겠다.

3)다변형 무대

위의 열거한 무대들의 장점들을 선택하여 설계한 형태로서 극의 성격, 극장의 성격에 따라 자유로이 창조할 수 있는 형태의 무대로서 대표적인 데는 아래와 같지만 활용하는 경우에 따라 여러 형태가 있을 수 있겠다.

6.대사법

1. 호흡.

1) 연극 속에서의 호흡.

* 성량 강화로서의 호흡

어린아이와 어른들의 호흡을 관찰해보면 분명한 차이를 느끼게 되는데 그건어린이는 배로 숨을 쉬고 어른은 가슴으로 숨을 쉬기 때문이다. 어린아이의 인간본연의 자연스러운 걸음걸이가 어른들의 가르침으로 직립보행으로 변하여 커가면서 가슴호흡으로 바뀐 것이다. 이로인해 우리현대 사람들은 많은 기능들의 저하를 가져오게 되어서 성량 즉 목소리 크기의 약화가 생기게 되었다. 사실 희랍극의 야외 무대만 봐도 옛날 살마들의 성량을 짐작할수 있듯이 옛날사람들은 동구밖 에서도 사람을 부를 수 있을 정도의 성량 이었다. 연극 배우들의 성량이 보통 살마들과 다른 성량을 가져야 하는 것은 당연한 것이고 배우들은 고대인의 호흡능력을 다시 되찾기 위해서 여러 가지 호흡훈련을 거쳐야만 할 것이다.

* 느낌, 생각이 말로 표현되는 과정.

일반적인 언행은 생각이나 느낌을 바로 표현하는 것이지만 연극의 언행은 생각이나 느낌을 의식적인 호흡이란 과정을 통해서 말과 행동으로 표현한다. 느낌이나 생각이 말과 행동으로 표현되는 과정이 그대로 이루어지는 것이 아니라 저장된 호흡을 거쳐서 표현되는 것이다.

* 호흡으로 인한 연기의 이중성.

훌륭한 배우는 무대 위에서 광기를 쏟아내고 있으면서도 자신의 동작과 관객의 반응, 극의 흐름에 대한 자신의 행동변화를 통제하는 또 다른 의식을 가지고 있어야 한다. 이것이 연기의 이중성이다. 광기와 절제를 동시에 가질 수 있는 비결은 호흡이다. 호흡을 지니고 있으면 그 저장된 호흡만큼 변화와 말을 통제하느 ㄴ기재가 생긴다. 기재를 통해서 동작은 좀더 자유롭고 강력해진다. 자신의 호흡에 의해 마음대로 통제되는 것이다. 그래서 호흡은 연기에 있어서 결정적으로 중요하다. 호흡이 안 되는 배우들은 무대 위에서 땀을 흘리며 고생한다. 울다가 완전히 그 슬픔에 겨워서 극을 흐려놓는 경우가 있다. 이는 호흡을 머금지 못했기 때문이다.

* 무대 위 에 서의 호흡.

연기자가 무대에 설 때는 어깨가 풀려있지만 하체는 안정되고 힘이 있는 자세여야 한다. 이를 상허하실의 자세라고 하는데 하반신을 충실하게 하여 중심이 낮아지는 묵직하고 안정적인 자세로 이 자세가 배우가 취할 수 있는 가장 이상적인 자세이다. 이런 상허하실의 자세를 취하는데 호흡이 가장 중요하다. 방법은 무대 위에서 (자기 대사가 끝난 후, 남의 대사를 듣고있을 경우) 호흡의 20에서 30퍼센트를 골반 속에 남겨두는 것이다.

2) 호흡 방법.

* 흉 식 방법

가슴으로 하는 호흡으로 흉곽을 확대함으로써 움직이는 근육군의 수축과 이완에 의해서 이루어지는 호흡방법이다. 호흡이 약하고 얕아 생체운영을 저하시켜 연기자에게는 적당한 호흡법 이라고 할 수 없다. 하지만 슬픈 일이나 걱정거리를 연기 할 때는 흉식호흡을 이용하여 효과적으로 표현할 수 있다.

* 복 식 호흡.

횡격막의 운동에 의해서 이루어지는 호흡방법으로 횡격막 근육이 수축 하강함으로써 흉강의 부피가 커지게 되어 공기가 들어오는 호흡법 이다. 가장많은 호흡량을 가질 수 있어 발성에 있어서 가장많은 도움을 준다.

2. 말하기.

1) 발성.

무대 및 영화. TV의 연긱자로서의 발성을 뜻한다. 즉, 화술의 기본적 발성을 의미하는 것이다. 연습과정에 있어서 발성하는 과정에는 육체적인 긴장을 갖게 된다. 특히 인후(목)에 힘을 주어 말소리를 내서는 안되며, 하복부(아랫배)에 힘을 주어 뱃속에서부터 울려 나오는 말소리가 되어야 한다. 이와 같은 과정에서 목이 쉬게 되며, 한번 쉬었다가 목이 터져야만 연기자가 가지는 맑고 깨끗한 목소리가 되며 영구적인 성량이 된다. 그 다음은 발음이 정확해야 한다.

2) 호흡연습을 이용한 발성.

* 상허하실의 바르고 안정적인 자세를 취한 후 코로 숨을 천천히 들이마신 후

ㄱ) "도"음에서 "시"음까지 차례차례 음정을 높여가며 소리를 내본다.

ㄴ) 목표물을 겨냥하여 쏘아 맞추듯 소리를 마음속으로 설정한 일정장소까지 도달하려는 기분으로 내 뱃는다.

ㄷ) 될 수 있으면 길게 소리를 낸다.

4) 음역 확대 연습.

음역은 배우가 편안하게 말을 할 때의 음성에 있어서 가장 높은 음과 가장낮은음 사이를 음정으로 측량한 간격이다. 음역은 8계 ㅈ어도인데 우리는 대개 3-4계 음만을 사용하고 있고 좋은 배우의 경우는 높은 솔부터 낮은 미까지 자유자제로 사용한다.

예문) 멕베드 : 인생은(도)뜨거운(레)태양(미)아래(솔)그림자(라)가련한(시)배우(도)

5) 발음과 화술.

* 발음기관과 발음 표.

발음부는 성대의 위에 있는 발음기관인데 여기에는 인두강, 구강 및 비강이 포함된다.

능동부 : 아랫니, 아랫입술, 혀뿌리, 뒷혓바닥, 앞혓바닥, 혀끝.

수동부 : 윗니, 윗입술, 잇몸, 여린입천장, 센입천장, 인두벽.

* 음조 (tone)

국어사전을 찾아보면 음의 고저, 강약, 지속의 정도가 음조라고 풀어되어 있다. 하지만 이것은 음의 고저나 강약, 지속이 곧 음조라는 것이 아니라 그러한 요소의 결합에 의해서 생겨나는 말의 어떤 성격, 느낌, 힘 혹은 색깔을 의미한다. 또한 음조란 말하는 사람의 생리적, 심리적 조건과 처해있는 상황과 분위기에 따라 변화하는 화자 특유의 개성이라고 할 수 있다. 그러므로 배우가 아무리 자신의 발음을 잘 훈련했다 하더라도 관객에게 강한 감정적, 예술적 영향을 주는 것은 음조, 음조의 다양성이라 하겠다.

* 속도(tempo)

속도(tempo)는 대사를 하는 시간적 속도를 말한다. 느리게 지껄이는 경우 와 급하게 지껄이는 경우가 있는데 이런 느리고 급하고의 저마다 기분의 변화에 따라 속도(tempo)가 있는 셈이다.

* 명료도(articulation)

명료도란? 관객에게 정확한 대사를 전달하는 것으로 말소리를 낼 때 바깥으로 뱉어내는 기분으로 발성하는 것을 필요로 한다.

예문) 저기 저 콩밭의 콩깍지더미 콩깍지는 깐 콩깍지냐? 안 깐 콩깍지냐?

* 강조(emphasis)

강조란? 한 줄 또는 한 구절 대사가운데서 특히 힘을 주어 말해야 하는 부분을 강조해서 말하는 것이다. 즉 한 대사 가운데서 어떤 말을 그 앞 뒤 말보다 힘을 주어 강하게 발음하는 것이다.

예문) 나는 결코 그것을 얘기하지 않았다.

* 악센트

중요 대사낱말을 강하게 발음하는 것으로 수식어와 조사는 해당하지 않는다.

예문) 사랑하는 형, [햄릿] 왕의 [죽음]은 아직도 내겐 [현실적인] 느낌으로 [다가오지] 않는다. 우리 모두 [슬픔]에 젖어 지금 이 나라 전체가 [비통한 심정]에 휩싸이는 것은 [당연한 일]이다.

* 쉼(pause)

쉼(pause)란? 하나의 말을 하고, 다음 생각으로 제2의 말이 되어 나올 때까지의 시간적 휴지를 말한다. 따라서 이 쉼(pause)길이는 그 표현하려는 사상이나 감정 여하에 의해 딱 알맞게 정해져 있어야만 하는 것이다. 정확하게 쉼(pause)를 잡을 수 없는 연기란 아예 연기 축에 끼지 못한다고 해도 지나친 말은 아닐 것이다. 대사표현방법 중에서 그 정도로 이쉬(pause)란 것이 중요하다. 쉼(pause)는 크게 무의식적인 쉼(pause), 의식적인 쉼(pause)로 나누는데 무의식적인 휴지는 숨을 들이마시기 위하여 자연적으로 말을 쉬게 되는 사이를 말하며 의식적인 휴지는 상대방이나 청중의 관심을 집중시키기 위해, 듣는 이로 하여금 요점을 이해할 시간을 주기 위해 또는 말의 분위기를 바꾸기 위해 쉬게되는 사이를 말한다.

* 리듬(rhythm)

리듬은 음의 고저, 음역, 억양, 강도, 속도, 휴지, 등의 결합에 의해서 형성되는 화자의 정서와 심리, 말에 있어서의 흐름의 전환이다.