백남준 비디오 광시곡_이명환 행위예술- 컬러바 2007.7.26

[BeauxArts]

백남준, »로제타 스톤«, »V-IDEA« 연작 중, 1984, ZKM | 예술미디어센터. Nam June Paik, »Rosetta Stone«, from the series »V-IDEA«, 1984, ZKM | Center for Art and Media.

-"백남준 비디오 광시곡_2007" 개막 이명환 <컬러바> 퍼포먼스 2007.7.26 (KBS방송국 여의도 신관개관기념 특별전예술감독 김홍희) - 착용 미디어 <투시되는 신체_비디오 퍼포먼스 재현1998# 2007.7.26 KBS방송국 여의도 신관개관기념

신체로 환원된 비디오, 소멸을 향한 단선의 시간

— 이명환 〈Color Bar Coat〉와 백남준 비디오 미학의 수행적 번안

이명환의 퍼포먼스 〈Color Bar Coat〉(2007)는 백남준 비디오 예술의 형식적·개념적 핵심을 신체 수행(performance)이라는 매체로 재번역한 작업이다. 

이 퍼포먼스는 단순한 오마주나 이미지 차용의 차원을 넘어, 백남준이 평생 탐구해온 시간, 행위, 기술, 신체의 관계를 오늘의 현실 공간에서 다시 작동시키는 이론적 실험에 가깝다.

백남준에게 텔레비전은 단순한 기계가 아니라, 시간이 흐르는 구조이자 인간 신경계의 은유였다. 컬러바(color bar)는 방송 이전의 ‘무(無)의 신호’이자, 동시에 모든 영상 가능성을 내포한 원초적 상태로 기능한다. 

이명환은 이 컬러바를 화면 속 기호로 남겨두지 않고, 뜨개질이라는 노동 집약적 수공 행위를 통해 입체적·신체적 구조물로 환원시킨다. 이는 전자적 이미지의 비 물질성을 다시 물질과 신체로 회귀시키는 역전의 전략이다.

특히 뜨개질이라는 제작 방식은 백남준 미학의 핵심 중 하나인 단순 행위의 반복과 축적을 연상시킨다. 그러나 이 반복은 완성된 오브제를 지향하지 않는다. 관람객이 실을 당기는 순간, 구조는 해체되며 축적은 소멸로 전환된다. 

여기서 중요한 것은 결과물이 아니라 시간 속에서 발생하는 변화 그 자체이다. 이는 백남준의 초기 플럭서스 퍼포먼스—〈끌리는 바이올린〉(1961), 〈머리를 위한 선〉(1992)—에서 보이는 단선적 행위 구조와 직접적으로 맞닿아 있다.


〈Color Bar Coat〉에서 관람객은 더 이상 감상자가 아니다. 실을 당기는 행위는 퍼포먼스의 필수 조건이 되며, 관람자는 조형 해체의 공동 수행자가 된다. 

이 지점에서 퍼포먼스는 백남준이 말한 ‘참여 TV’ 개념을 신체적 차원에서 구현한다. 전자 신호 대신 인간의 손과 몸이 인터페이스가 되며, 기술적 상호작용은 사회적·신체적 관계로 치환된다.

또한 이 작업은 비디오 매체의 미래적 상상을 담고 있다. 모니터 속에 갇혀 있던 영상 세계가 신체로 이행하고, 인간이 매체를 ‘보는 존재’가 아니라 매체가 되는 존재로 전환되는 것이다. 

이는 백남준이 꿈꾸었던 “인간화된 기술, 기술화된 인간”이라는 비전을 수행적 현실로 끌어낸 사례라 할 수 있다.

결국 〈Color Bar Coat〉는 입는 조각이자, 사라지는 조각이며, 기록 불가능한 시간 조형이다. 이 퍼포먼스는 백남준 비디오 예술의 미학을 보존하지 않고 소멸을 통해 계승한다. 화면은 해체되고, 조형은 풀리며, 남는 것은 기억 속에서만 지속되는 사건이다. 

그 사라짐의 순간 자체가 이 작업의 가장 정확한 형상이자, 백남준 미학에 대한 가장 정직한 헌정이다.

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신체·기술·시간의 재배치

— 2007년 한국 퍼포먼스 미술사 맥락에서 본 이명환 〈Color Bar Coat〉

이명환의 퍼포먼스 〈Color Bar Coat〉(2007)는 백남준 비디오 미학의 수행적 번안일 뿐 아니라, 2000년대 중반 한국 퍼포먼스 미술이 직면했던 신체, 기술, 참여, 시간성의 문제를 집약적으로 드러내는 사건이다. 

이 작업은 1970~80년대 한국 행위미술의 급진적 신체성, 1990년대 이후 미디어아트의 기술 담론, 그리고 2000년대 퍼포먼스의 참여적 전환을 하나의 단선 위에 배치한다.

2007년은 한국 퍼포먼스 미술이 ‘기록 중심의 행위’에서 ‘관계적 사건’으로 이동하던 시기였다. 퍼포먼스는 더 이상 작가 개인의 신체 실험에 머무르지 않고, 관람자의 개입과 시간의 공유를 통해 발생하는 유동적 조형으로 확장되고 있었다. 

이러한 맥락에서 〈Color Bar Coat〉는 조형의 완결을 거부하고, 참여자에 의해 해체되는 과정을 통해 퍼포먼스를 사건(event)으로 위치시킨다.

한국 행위미술이 1970년대 이후 지속적으로 탐구해온 핵심은 ‘몸의 현존’과 ‘시간의 불가역성’이었다. 이명환은 이 전통을 계승하면서도, 비디오 아트의 상징인 컬러바를 신체에 입히는 방식으로 기술 매체의 신체화를 시도한다. 

이는 1990년대 이후 한국 미디어아트가 보여준 기술 중심적 전시 방식과 차별화되는 지점으로, 기술을 대상화하기보다 신체 내부로 흡수시키는 전략이다.

특히 뜨개질된 컬러바 의상이 관람객의 개입에 의해 풀려 사라지는 구조는, 2000년대 한국 퍼포먼스에서 두드러진 '비영구성(non-permanence)'과 *'과정 중심성(process-based aesthetics)'을 극단적으로 가시화한다. 퍼포먼스의 ‘작품성’은 남겨진 오브제가 아니라, 풀려가는 시간의 체험에 있다.

이 작업은 또한 당시 한국 미술계에서 본격화되던 ‘참여’ 담론과 맞닿아 있다. 관람객은 단순한 공존자가 아니라 조형 해체의 실행자이며, 이로써 퍼포먼스는 작가의 통제를 벗어나 공동의 시간 구조로 확장된다. 이는 관계미학이 한국적 맥락에서 신체적 수행으로 변주된 사례로 볼 수 있다.

결국 〈Color Bar Coat〉는 2007년 한국 퍼포먼스 미술이 나아간 한 방향을 선명하게 보여준다. 신체는 매체가 되고, 기술은 이미지가 아닌 행위로 번역되며, 조형은 소멸을 통해 완성된다. 

이명환의 퍼포먼스는 백남준 이후 한국 미술이 기술 유산을 어떻게 신체적 시간으로 재구성했는지를 보여주는 중요한 사례로 기록될 수 있다.

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"백남준 비디오 광시곡_2007" 개막 이명환 퍼포먼스 착용 미디어 <투시되는 신체_비디오 퍼포먼스 재현1998# 20007.7.26 KBS방송국 여의도 신관개관기념 특별전예술감독 김홍희)

"백남준 비디오 광시곡_2007" KBS방송국 여의도 신관개관기념 특별전예술감독 김홍희 . 20007.7.27~

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신체로 환원된 비디오, 소멸을 향한 단선의 시간

— 이명환 〈Color Bar Coat〉와 백남준 비디오 미학의 수행적 번안 (아래영문)

Video Returned to the Body: Linear Time and the Aesthetics of Disappearance

— Myung-Hwan LEE’s Color Bar Coat in the Context of Nam June Paik’s Media Philosophy

 Myung Hwan LEE’s performance Color Bar Coat (2007) is a performative translation of Nam June Paik’s video aesthetics into bodily action. Rather than functioning as an homage or visual quotation, the work reactivates Paik’s core concerns—time, action, technology, and the human body—within the lived space of performance.

For Paik, television was never merely a device; it was a temporal structure and a metaphor for the human nervous system. The color bar, in particular, represents a pre-image signal state both a void and a reservoir of infinite visual potential. 

Lee removes this icon from the flat surface of the screen and reconstructs it as a three-dimensional, wearable form through knitting, a labor intensive and tactile process. In doing so, electronic immateriality is deliberately reversed into material presence and bodily experience.

The act of knitting itself resonates with Paik’s emphasis on repetition and accumulation of simple actions. However, in Color Bar Coat, accumulation does not lead to completion. When participants pull the yarn, the structure unravels irreversibly. 

What matters here is not the object but the temporal process of transformation. This linear, non repeatable trajectory directly echoes Paik’s Fluxus performances such as One for Violin Solo (1961) and Line for Head (1992), where minimal actions unfold in irreversible time.

Audience participation is central to this work. Viewers become active agents in dismantling the sculpture, embodying Paik’s concept of “participatory television” at a corporeal level. 

Instead of electronic interfaces, human hands and bodies function as the medium. Technological interaction is thus translated into a social and physical encounter.

Moreover, Color Bar Coat proposes a future oriented vision of video art. The screen dissolves, the body becomes the site of mediation, and the human subject shifts from a viewer of media to media itself. This performative condition realizes Paik’s long-held vision of humanized technology and technologized humanity.

Ultimately, Color Bar Coat is a wearable sculpture, a disappearing sculpture, and a temporal form that resists preservation. It does not seek to archive Paik’s legacy but to inherit it through disappearance. 

The screen collapses, the structure unravels, and what remains is memory. In this vanishing act,  Myung-Hwan LEE offers one of the most faithful contemporary translations of Nam June Paik’s aesthetic philosophy.

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신체·기술·시간의 재배치

— 2007년 한국 퍼포먼스 미술사 맥락에서 본 이명환 〈Color Bar Coat〉(아래영문)

Reconfiguring Body, Technology, and Time

— Color Bar Coat within the Context of Korean Performance Art circa 2007

 Myung-Hwan LEE’s Color Bar Coat (2007) operates not only as a performative translation of Nam June Paik’s video aesthetics but also as a critical marker within Korean performance art of the mid-2000s. 

The work condenses several historical trajectories: the radical corporeality of Korean action art from the 1970s and 1980s, the technology driven discourse of media art in the 1990s, and the participatory turn of performance practices emerging around 2007.

By this time, Korean performance art was shifting from artist-centered bodily experiments toward relational, time-based events shaped by audience involvement. Performance increasingly functioned as an event rather than a fixed artistic act. Color Bar Coat exemplifies this transition by rejecting sculptural permanence and positioning disintegration itself as the core aesthetic condition.

Korean action art has long emphasized bodily presence and the irreversibility of time. Lee inherits this legacy while introducing a decisive transformation: the embodiment of technological imagery. 

By translating the television color bar—a central icon of video art into a wearable, knitted structure, Lee internalizes technology within the human body. 

This move distinguishes the work from the object- and device oriented tendencies of Korean media art in the 1990s, proposing instead a corporeal integration of technological logic.


The gradual unraveling of the garment through audience participation makes impermanence and process explicit. The artwork exists not as a residue but as an experiential duration. 

In this sense, Color Bar Coat aligns with the process based aesthetics that gained prominence in Korean performance art during the 2000s.

Participation plays a critical role here. Viewers become active agents in dismantling the sculpture, transforming the performance into a shared temporal structure beyond the artist’s full control. 

This participatory dynamic reflects a localized adaptation of relational aesthetics, grounded in bodily interaction rather than social abstraction.


Ultimately, Color Bar Coat articulates a defining direction of Korean performance art around 2007. The body becomes the medium, technology is translated into action, and form is fulfilled through disappearance. 

Myung-Hwan LEE’s performance demonstrates how Korean art, in the post Nam June Paik era, reconfigured technological heritage into embodied time and collective experience.