2004년 9월11일 음악감상회

[천국보다낯선]

2004년 9월11일 하멜과 리사 음악 감상회

Big Concert

Classic meet..

1부 빅공연:

X-Japan (엑스제팬) / 1997 Last Live
Vangelis(반겔리스) / Mythodea(Music For The NASA Mission : 2001 Mars Odyssey) ,
Roger Waters(로저 워터스) / The Wall Live in Berlin

2부 클래식과의 만남:

Secret Garden (시크릿 가든) / A Night With Secret Garden
Rage (레이지) / Lingua Mortis Ochestra
Yngwie Malmsteen (잉위맘스틴) /Concerto Suite For Electric Guitar And Orchestra In E Flat Minor OP.1 (The New Japan Ochestra )
Scorpions(스콜피온스) / Moment of Glory (with Berliner Philharmoniker)
Metallica(메탈리카) / S&M (San Francisco Symphony + Metallica )

 

I.Big Concert

 

1.Vangelis (반겔리스)

 

81년 영화 [불의 전차(Chariots of Fire)]의 풍부한 선율을 자랑하는 사운드 트랙으로 오스카 상을 수여한 반젤리스(Vangelis, 본명 Evangalos Odyssey Papathanassiou)는 존경받는 전자 음악 작곡가이다.

그리스 태생인 그는 어린 시절부터 음악적인 재능을 보여 6살 때 이미 대중 앞에서 첫 피아노 연주를 선보였고, 고등학교 졸업 후 60년대 초기에 팝 그룹인 포밍스(Formynx)를 결성해 본국에서 수퍼 스타덤에 오르기도 했다.
1968년 그리스의 학생 봉기로 프랑스로 이주하게 된 그는 같은 그리스 출신의 데미스 루소(Demis Roussos, 보컬)와 루카스 시데라스(Loukas Sideras, 드럼)와 함께 프로그레시브 록 밴드 아프로디테스 차일드(Aphrodite's Child)를 결성하고 'Rain and Tears'같은 히트 싱글로 큰 인기를 모은다.

72년 밴드가 해체된 뒤 전자 음악에 관심을 갖게 된 반젤리스는 영화제작자 프레드릭 로시프(Frederic Rossif)를 만나 영화 [L'Apocalypse Des Animaux], [La Fete Sauvage]의 배경음악을 작곡하게 되고, 더불어 자신의 데뷔 앨범인 [Earth](74)를 발표한다.
이후 거주지를 런던으로 옮겨 자기 소유인 첨단시설의 레코딩 스튜디오를 갖게 된 그는 일렉트로닉과 어쿠스틱 사운드의 조화를 시도하고, [Heaven and Hell](75), 달에 착륙한 비행사의 목소리가 담긴 컨셉 앨범 [Albedo 0.39](76), [Spiral](77), [Beaubourg](78) 같은 역작을 만들어낸다.

1978년 본국으로 돌아간 그는 여배우 이레네 파파스(Irene Papas)와 협력하여 비잔틴(Byzantine, 동로마 제국)과 그리스의 전통 음악을 정립하는 일을 도모했다.
그는 존 앤 반젤리스(John and Vangelis)라는 이름으로 그룹 예스(Yes)의 보컬리스트 존 안델슨(Jon Anderson)과 몇 장의 앨범을 발매한다. 'I Hear You now'(80)와 'I'll Find My Way Home'(81) 등이 히트하면서 영국을 포함한 유럽권에서 그의 입지를 굳히게 된다.

반젤리스의 국제적인 명성은 1982년 영화 [불의전차]의 사운드 트랙으로 아카데미상을 수상한 것을 기점으로 시작된다.
테마송으로 US 팝 차트 10위에 랭크된 그는 이어 리들리 스콧(Ridley Scott)의 고전영화인 [Blade Runner](82), 쿠루하라(Kuruhara)감독의 [Antarctica](83), 코스타스 가브라스(Costas-Gavras)의 [Missing](82), 도날드선(Donaldson)의 [The Bounty](84)에서 사운드 트랙을 전담하게 된다.
자크 코스티유(Jacques Cousteau)의 다큐멘타리 음악을 작곡하기도 한 그는 사운드 트랙 작업을 하는 중에도 솔로 앨범인 [The Mask](85), [Direct](88), [The City](90) 등으로 자신의 음악영역을 더 넓혀갔다.

90년대 이후에도 그의 창작활동은 계속되었고, 영화 [Bitter Moon], [1492: Conquest of Paradise](93)의 사운드 트랙을 작곡했다.
신디사이저가 이끄는 뉴 에이지의 매혹적인 사운드로 사랑 받고 있는 최고의 영화음악 작곡가이자 뉴 에이지 뮤지션인 반젤리스는 최근작 [Portraits (So Long Ago So Clear)](97)로 여전히 그 명성을 구가하고 있다.


장 미셸 자르와 함께 반젤리스 역시 거장 대열에 속하는 사람이고 뉴에이지 장르로 구분할 수 있다. 어렸을 때부터 음악적인 능력을 발휘하여 활동을 시작한 반젤리스는 Aphrodite's Child 라는 밴드의 멤버였고 영화 [블레이드 러너]의 음악을 담당하며 이름을 날렸다.
휴머니즘을 강조하는 음악답게 스포츠 다큐멘타리에서 인간승리의 장면을 슬로모션으로 보여주는 곳에서 열에 아홉은 이 사람 음악이 배경으로 깔린다고 보아도 될 정도이다.
반젤리스는 그리스 출신으로 Aphrodite's Child라는 그룹을 결성, 상당한 성공을 거두며 음악활동을 했으며, 72년 해체 후 Demis Roussos나 Yes의 Jon Anderson 같은 유명 보컬리스트와 함께 앨범을 발표하며 대중적인 인기를 얻었다.
그의 음악은 상당히 부드럽고 인간적이며, 전통적인 음악 스타일을 고집하고 있어서 듣는 사람은 거의 부담 없이 즐길 수 있다.
요즘 유행하는 테크노와는 상당한 격차가 있지만 현재의 테크노 음악이 탄생하는데 지대한 영향을 끼친 사람들 중 하나이다.
80년대에는 대중 음악에 전자 악기가 도입되면서 주로 댄스 음악에 사용되기 시작했는데, 반젤리스는 좀더 진지한 방향으로 전자악기를 대중음악에 사용했던 사람이다.
그가 발표한 앨범 제목들에서도 풍기듯 마음을 고요하고 잔잔한 상태로 이끄는 감상용 음악이지만 난해하거나 어려운 음악이 아니어서 쉽게 접할 수 있다. 반젤리스의 음반을 처음으로 구입하는 사람이라면 1994년에 발매된 영화음악 [블레이드 러너]를 먼저 들어보는 게 좋을 듯 하다.

 

 

 

2.X-Japan (엑스 재팬)

일본식 발음 : [엑스 자팡].
일본음악을 전혀 모른다고 할지라도 이들의 음악한번 접해보지 않은 사람은 아마 없을 것이다. 또한, 일본음악을 듣는 사람이라면 한번쯤 이들의 음악에 심취해 보지 않은 사람이 아마 없을 것이다. 그만큼 너무나도 유명하고 너무나도 전설적인 존재가 되어버린 일본의 비쥬얼 그룹 X-JAPAN.
현지인 일본에서보다 아이러니하게도 정식적인 루트가 없는 국내에서 그 인기와 열기가 더욱 열광적이고 지속적인 것은 아닌가 하는 생각이 들 정도로 국내 팬들의 그들에 대한 지지도와 정보 공유량은 정말 대단하다. '과연 더 이상 국내에서 X JAPAN에 대해 언급할 필요가 있을까'라는 생각이들 정도로 말이다. 하지만 모든 일은 관례가 있고 순서가 있는 법. 만의 한분(?)을 위해서라도 그들에 대한 소개는 하지 않으면 안 될 것 같다.

어린 시절부터 친구 사이였던 팀 리더인 요시키와 보컬 토시는 고등학교에 입학하면서 밴드 X를 결성한다.-요시키 인터뷰에 의하면 멋지고 긴 영어이름이 씬에 유행하던 당시, 오히려 짧은 영어단어가 콘테스트 등에서 더욱 임팩트 하지 않을까 하는 것이 밴드 명명의 유례라고 한다. 뜻은 무한의 가능성을 의미.-
이 둘은 고등학교 졸업 후, 1985년경부터 본격적인 프로밴드로서의 활동을 결심, 동경에 있는 라이브 하우스를 기점으로 활동을 한다. 이들은 이해 6월 드디어 인디레이블인 DADA레코드사를 통해 이들 최초의 기념비적인 퍼스트 싱글 [I'll Kill You]를 발매하였다.
계속해서 7월에는 [HEAVY METAL FORCE 3]라는 인디즈 옴니버스 앨범 'BREAKTHE DARKENESS'라는 곡으로 참가하면서 이들의 소문은 입에서 입으로 퍼져나간다.
이후, 직접 CD를 만들고 싶다는 의욕을 가지게 된 YOSHIKI는 개인이 아닌 회사명의가 발주가 쉽다는 사실을 알고 아예 스스로 인디 레코드사인 EXTASY Records를 만들어 버리는 엄청난 일을 한다. 이때 발매된 기념비적인 인디 싱글이 바로 [オルガスム(오르가즘)]이다.

당시, 엄청난 연습량과 라이브의 도를 넘는 격렬함 등으로 멤버 교체가 자주 있던 X였지만 결국, 87년 hide의 참가와 함께 그룹 X는 드럼의 YOSHIKI, 보컬의 TOSHI, 기타의 PATA 베이스의 TAIJI, 기타의 hide라는 라인업이 이루어진다.
평소 hide의 참가를 너무나도 갈망했던 X는 너무나도 기쁜 나머지 멤버 모두가 공원으로 뛰쳐나가 다 함께 체조를 했다는 미소 짓게하는 전설-일본인들은 그들의 일화를 전설이라 표현한다-이 전해져 오기도 한다.

1988년 4월 EXTASY Records를 통해 드디어 이들의 첫 번째 앨범 [VANISHING VISION]이 발매된다. 비록 메이저 발매는 아니었지만 세상에 정식적으로 내놓은 이들의 기념비적인 퍼스트 앨범이었다.
곧이어 이듬해인 89년에는 3월 시부야 공원당에서 메이저 데뷔 라이브를 열고, 4월에는 이들의 두 번째 앨범이자 메이저 퍼스트 앨범 [BLUE BLOOD]를 CBS 소니를 통해 발매하면서 공식적인 이들 대망의 메이저 데뷔를 마친다.
YOSHIKI의 "아무리 좋은 노래를 만들어도 들려주기 위한 노력을 하지 않는 한 그 노래는 빛을 발 할 수 없다.", hide의 "사운드뿐이 아닌 시각적인 자극" 등의 마인드와 함께 탄생한 당시는 생소했던 개념 비쥬얼. 그렇기에 음악과 외적인 면 모두를 만족시키던 이들의 인기는 무서운 기세와 빠른 전개로 진행되었다.
91년 7월 CBS 소니를 통해 발매한 2번째 앨범 [JEALOUSY]는 전작으로부터 2년 3개월이라고 하는 엄청난 제작기간과 팬들의 기대치가 정점으로 결합하면서 오리콘 차트에서 첫 등장 1위, 100만장을 넘는 성공적인 세일즈를 기록했고, 93년 8월에는 30분이 넘는 곡 하나로 앨범을 장식했던 불멸의 대작 [ART OF LIFE]를 내놓으며 언제나 찬반 양론으로 엇갈리며 X를 혹평하던 일부 평론가들에게 보란 듯이 그들의 실력을 입증했다.
당시로는 엽기적이라고 밖에 표현할 수 없는 퍼포먼스와 돌출 행동 등이 보수적인 평론가들의 눈살을 찌푸리게 했지만 그들의 음악적 실력만큼은 인정하지 않을 수가 없었던 것이다. 이 안에 92년 1월 [東京돔 3Days]를 끝으로 베이스의 TAIJI가 돌연 그룹을 탈퇴하게 되고 동년 5월 그 빈자리는 Heath에 의해 메꾸어지면서 X-JAPAN 해체 전까지의 완벽한 라인업이 구성된다. 　

또한, 1992년 8월 25일에는 뉴욕 록펠러 센터에서 이들은 세계 진출 선언이라는 야심찬 기획을 기자회견을 통해 발표한다. 이로 인해 앞으로 발매되는 음반은 일본에서는 EAST WEST, 그 밖의 나라에서는 워너 뮤직 인터내셔날을 통할 것을 계약한다. 그리고 이날 X는 베이시스트로 히스를 영입한 것을 정식으로 발표한다.
X가 이처럼 세계진출을 계획했을 무렵, 한가지 걸림돌이 되었던 것은 이미 미국에 동명의 밴드가 존재하고 있었다는 점이다. 결국 X는 밴드명의 개명을 결정하게 되고 처음에는 일본에서 온 밴드라는 의미로 'X from JAPAN'을 거쳐, 드디어 세상에 알리게 되는 정식 그룹명 'X JAPAN'을 동년 10월 14일 공식적으로 발표한다.

식을 줄 모르는 그들의 인기와 열기는 해를 거듭할수록 더해갔고 92년 YOSHIKI의 솔로 워크 스타팅과 함께 불붙기 시작한 멤버 개개인의 솔로 활동 또한 꾸준하게 이루어져갔다. 이처럼 멤버 개개인의 솔로 활동, 그룹으로서의 전국 투어, 비디오와 싱글 발매 등 눈코 뜰 새 없이 바쁜 세월을 보내고 있던 X JAPAN은 96년 11월 4일 드디어 그들의 메이저 세 번째 정규앨범 [DAHLIA]를 발매한다. 정규 앨범으로는 무려 약 5년 4개월이라고 하는 엄청난 시간이 지나 발매된 작품이었다.
이렇듯 그칠 줄 모르는 인기와 영원히 계속될 것만 같았던 그들의 활동에 돌연 일본열도를 슬픔에 잠기게 하는 충격적인 사실이 세상에 알려진다.

소문으로만 돌고 있었던 보컬 토시의 그룹 탈퇴 소식과 함께 X JAPAN의 해체를 알리는 긴급 기자회견이 1997년 9월 22일 동경 미나토구에 있는 호텔 토쿄에서 열렸다. 12월 31일 도쿄 돔 라이브 [최후의 밤]을 끝으로 X-JAPAN은 해산한다는 내용이었다.
기자회견장에는 토시를 제외한 나머지 멤버들만이 모였다. 이날 인터뷰 중 토시가 빠진 이유에 대해 YOSHIKI는 이렇게 대답했다.
"토시는 더 이상 X-JAPAN의 멤버가 아니기 때문입니다" 1997년 12월 31일 영원불멸의 존재일 것만 같았던 X JAPAN은 아쉽게도 그렇게 떠났다. 그리고 그들은 현재 우리들에게 전설과 신화로 남아있다.

 

 

 

3.Roger Waters (로저 워터스)

 

'벽'에 가려진 사나이 로저 워터스(Roger Waters)는 65년에 시드 베리트(Syd Barrett), 닉 메이슨(Nick Mason), 리차드 라이트(Richard Wright)와 함께 사이키델릭 밴드 핑크 플로이드(Pink floyd)를 결성하였다.
처음엔 베이스만 담당하였으나 광기의 중심 인물이었던 베리트가 68년에 정신 병원에 입원함으로써 그룹을 탈퇴하게 되어 songwriter의 역할을 맡게 된다. 그는 배리트의 어둡고 병적이며 신비한 음악을 계승해 나갔는데, [Saucerful of Secret]과 [Ummagumma]와 같은 앨범에서 이러한 모습을 볼 수 있다.

핑크 플로이드는 73년 앨범 [Dark Side of the Moon]을 발표하면서부터 세계적으로 널리 알려지게 되었다. 이 앨범은 빌보드 차트 200위 내에 가장 오래 머물러 기네스북에도 오르기도 했는데, 여기서 로저 워터스는 대부분의 곡을 쓰고 노래를 불렀다.
이들의 인기는 79년 [The Wall]을 발표할 때까지 최고를 달렸다.
이들의 명성은 [The Wall] 발표 후 하락하기 시작하였다. 로저 워터스와 라이트의 사이가 나빠져 결국 라이트가 탈퇴를 하게 되었다. 다음 앨범인 [Final Cut]에서 워터스는 더 어두운 분위기의 곡을 썼으며 앨범을 마무리한 후 그도 그룹을 떠났다.

84년에는 워터스의 공식 첫 솔로 앨범인 [The Pros and Cons of Hitchhiking]을 발표한다. 2년 뒤 워터스는 Pink floyd라는 그룹명의 사용 권한을 가지고 다른 옛 멤버들과 소송을 벌였으나 결국 패소하게 된다.
87년에 핑크 플로이드의 [Momentary Laps of Reason]은 차트에 올랐으며 워터스는 두 번째 솔로 앨범 [Radio K.a.O.S]의 준비에 바빴다.

90년 베를린 장벽의 붕괴를 기념하는 대규모 콘서트가 베를린 장벽 위에서 거행되었다. 앨범 [The Wall]의 전곡을 재현하는 것으로, 워터스는 시네이드 오코너(Sinead O'Connor), 조니 미첼(Joni Mitchell), 밴 모리슨(Van Morrison)과 같은 스타들로 캐스팅된 초호화 멤버들을 거느리고 공연을 하였다.

92년 워터스는 세 번째 솔로 앨범 [Amused to Death]를 발표하였다. 같은 시기 핑크 플로이드는 94년 Division Bell의 투어로 막대한 이익을 챙겼다.




II.Classic Meet..

 

1.Rage (레이지) / Lingua Mortis Orchestra (링구아 모티스 오케스트라)

 

영국과 미국에 의존해오던 우리나라 ROCK시장에 언제부터인가 제3세계의 음악들이 서서히 몰려들어왔다. 그 시초로는 <Holiday>, <Always somewhere>, <Still loving you>등의 발라드로 라디오를 잠식해버린 독일출신 Scorpions 의 등장으로 시작되었다.
이런 독일 Rock음악의 국내 유입은 Mania에 대단한 환영을 받았던 Accept에게 바톤이 이어졌으며 급기야 멜로딕 메탈의 최고라 할 수 있는 Helloween의 등장으로 그 절정을 이뤘었다.
Helloween의 등장은 팬들에게 독일 Rock음악에 대해 많은 관심을 가지게 만들었다.이러한 현상은 우리보다 락음악에 있어선 강국이라 할 수 있는 이웃 일본에서도 마찬가지였다.
그러나 예전부터 빽판(복사판)으로 울며 겨자먹기식 감상을 했던 Mania들에겐 독일의 트래쉬메틀그룹인 Kreator와 Rage의 국내 발매가 더 큰 이슈였다. 이런 이유는 당시 매니아들의 최고 인기장르였던 Thrash의 영향도 있었겠지만 말이다.

 

데뷔이후 꾸준한 인기를 얻고있는 독일 출신 4인조(3집부터 3인조, 10years앨범부터4인조)Thrash그룹 Rage가 통산 13번째 앨범인 XIII을 들고 나왔다.

이번 앨범이 그들이 추구하던 정통Thrash음악에 충실하지는 않다. 그러나 Deep Purple등 많은 락그룹들이 시도했었던 오케스트라와의 만남을 이번 앨범에서 보여주었다. 사실 Rage에게 그러한 클래식적인 요소는 지난 96년 [Lingua Morits]란 앨범에서 시도 되었으며, 그 영향인듯, 이번 앨범에서도 무작정 두들기는 스피도 보단 곡 자체의 음악적 작품에 충실한 앨범을 만들었다.

 

RAGE - XIII

BMG

Overture
From The Cradle To The Grave
Days Of December
Sign Of Heaven
Incomplete
Turn The Page
Heartblood
Over And Over
In Vain (I Won't Go Down)
Immortal Sin
Pain It Black
Just Alone

 

[End of all days](96)가 Thrash사운드에 집중했다면, 이번 앨범은 음악적 깊이를 느낄 수 있는 앨범이다. 15여분에 달하는 대곡인 3부작<changes>는 세가지 파트로 구성되어 있으며, 육중한 무게를 자랑하는 <heartblood>와 <From the cradle to the grave>, 역시 Rage야 하는 감탄이 저절로 나오는 스피드곡 <overand over>, <In Vain>이 지난 시절 Rage의 트래시컬(?)발라드인 <all this time>(95)과 <fading hours>(96)의 명맥을 이어주고 있다.
또 이번 앨범에서 주의깊게 들어야 할 트랙은 바로 <paint it black>이다. 이곡은 롤링 스톤즈의 곡으로 예전 국내에서는 전쟁드라마의 테마음악으로 많은 인기를 얻었던 곡이다. Rage는 이 앨범에서 보다 서사적인 느낌으로 재 수록 하였다. 드럼의 스트레이트한 리듬감을 느끼며 원곡과의 차이를 비교하는 것도 재밌는 일일 것이다. 또 Judas Priest의 기타리스트인 글렌 팁튼의 앨범에도 이곡이 수록되어 있는데, 그곡과는 전혀 다르게 편곡되어 있어 비교감상해도 좋을것이다.
음악적 구성이 대단한 서사적인 곡 <immotal sin>과 대미를 장식하는 서정적이기 보단 인생의 외로움을 표현한 <just alone>과 4초간 아무 음도 들어가지 않은 마지막 13번째 트랙을 끝으로 대단원의 막을 내린다.

 

 

 

2.Scorpions (스콜피온스) / Berliner Philharmoniker (베를린 필하모닉)

 

스콜피언스 ‘Moment Of Glory’

35년 대 118년 : 창립 118년을 맞은 베를린 필하모닉 오케스트라는 철옹성이라 불린다. 단원들의 동의 없이는 단 한번도 ‘허튼’ 짓을 해본 적이 없기 때문이다. 그런 베를린 필이 첫 제의가 이루어진 지 5년만에 ‘사건’을 저질렀다.

지난해 통일 10주년 기념공연에서 베를린 필의 지휘자 크리스티안 클로노비츠 편곡으로 로스트로포비치가 160명의 첼리스트와 스콜피언스를 지휘, ‘Wind Of Change’를 연주한 것은 클래식계에 일대 충격으로 다가왔다.

때마침 하노버 엑스포를 유치한 독일 정부는 공식주제가를 맡겼고 스콜피언스는 ‘Moment Of Glory’로 보답, 이번 앨범에 실었다. 또 하나의 신곡은 ‘미스 사이공’과 ‘지킬 앤 하이드’의 뮤지컬 스타 린 리히티가 함께 한 ‘Here In My Heart’. 나머지 스콜피언스의 히트곡 8곡도 모두 새롭게 가다듬었다.‘Rock You Like A Hurricane’은 완전히 뜯어고쳐 ‘Hurricane 2000’으로 제목까지 바꿨다.

임병선기자
대한매일 2000년 6월 18일

 

-Scorpions에 대하여

'Rock You Like a Hurricane', 'Wind of Change'로 잘 알려져 있으며, 음악 스타일로는 본 조비(Bon Jovi)나 데프 레파드(Def Leppard)와 성격을 같이한다고 평가받는 스콜피온스(Scorpions)는 전세계적으로 2,200만장의 음반판매 기록을 보유한 독일 출신으로는 가장 성공한 하드 록 밴드이다.

기타리스트인 루돌프 생커(Rudolf Schenker)와 클라우스 마이네(Klause Meine)가 주축이 되어 71년 결성된 스콜피온스는 현재 마티아스 얍스(Matthias Jabs, guitar), 후렌시스 브콜즈(Francis Buckholz, bass), 힐맨 라레벨(Herman Rarebell)까지 5인조 라인업이다.

72년 이들은 독일 [Das Kalte Paradies]라는 영화의 사운드트랙에도 사용되었던 [Lonsome Crow]라는 데뷔앨범을 내놓지만 대중적으로 알려지지는 못했다.
이후 계속된 음반 발매 -[Fly to the Rainbow](74), [In Trance](75), 처녀의 누드사진 자켓으로 대단한 사회적 물의를 일으켰던 [Virgin Killer](76), [Taken by Force](77) -와 공연도 매번 실패작으로 끝났고, 미국 내에서도 별다른 주목을 끌지 못했다(오히려 이 앨범들은 일본에서 좋은 반응을 얻었고, 78년 Tokyo Tapes라는 더블 라이브 앨범을 녹음하기에 이른다).

그러나 79년 발표한 [Lovedrive]의 싱글 'Always Somewhere', 'Holiday'로 스타덤에 오르면서 미국시장 공략의 교두보를 확보하게 된다. 이에 힘입어 발표한 [Animal Magnetism](80)은 미국 내에서 골드를 기록하였고, 82년 [Blackout]의 'No One Like You' 같은 곡이 히트하면서 미국 내에서만 100만장 이상 판매고를 올리며 급부상 한다.
84년 발표한 [Love at First Sting]에서는 파워 발라드인 'Still Loving You'와 경쾌한 스트레이트 하드록 'Rock You Like a Hurricane'이 빅 히트함으로써 마침내 미국 시장을 장악하게 된다.
또한 여러 그룹들과 공연 투어를 하면서 90년 [Crazy World]를 발표하는데, 러시아 투어의 영감을 받아 마이네가 쓴 발라드 곡인 'Wind of Change'가 대 히트함으로써 스콜피온스는 더블 플래티넘의 영예까지 안게 된다.

이후 초기 강력한 사운드로 변모한 [Face the Hit](93), 또 하나의 라이브 앨범 [Live Bits](95), [Pure Instinct](96), 히트곡 모음집인 더블 앨범 [Deadly Sting: The Mercury Years]까지 스콜피온스는 80년대 그들이 누렸던 것만큼의 대중적인 지지와 매체의 주목을 받지는 못했지만, 여전히 파격적인 사운드와 애잔한 허스키 보이스의 절규하는 듯한 창법으로 유럽 메틀의 진수를 보여주고 있다.

changgo.com

독일 출신의 헤비메틀 밴드인 스콜피온스(Scorpions)는 Hanover에서 루돌프 쉥커(Rudolf Schenker)에 의해 결성되었다. 이들은 'Holiday', 'Still Loving You', 'Wind of Change' 등의 록발라드를 세계적으로 크게 히트시켰다. 이러한 히트곡 이외에도 72년 데뷔 앨범 발표 후부터 지금까지 수많은 Rock/Metal 명곡들을 남겼으나 록발라드의 지나친 인기에 상대적으로 진가가 가려져 왔다.

그룹은 60년대 말 루돌프에 의해 기본적인 형태가 갖춰지기 시작했다. 그의 동생인 마이클 쉥커(Michael Schenker)는 어린 나이에도 상당한 기타 실력을 갖추고 있었으나 오히려 너무 어린 나이 때문에 참여를 못하고 있었다.
71년 마침내 마이클이 정식 멤버로 허락되었다. 당시 멤버는 클라우스 마이네(Klaus Meine, 보컬), 로타 하인버그(Lothar Heinberg, 베이스), 볼프강 지오니(Wolfgang Dziony, 드럼)였다.
유명한 제작자 코니 플랑크(conny Plank)에게 밴드는 독일 영화 [The Cold Paradise]의 사운드트랙 제작을 의뢰 받았으며, [Lonesome Crow]라는 제목의 앨범으로 72년 발표된다. 이 앨범은 어린 나이에도 놀라운 연주와 작곡 능력을 보여준 마이클의 재능 덕분에 좋은 평을 받기는 했지만 상업적인 성공은 거두지 못했으며, 베이스와 드럼이 결혼과 평범한 직장을 갖기 위해 그룹을 떠나고 만다.
이 시기에 루돌프와 클라우스도 병역의 의무를 이행하는 바람에 그룹은 중단 상태가 되었으며, 영국 밴드 UFO의 오프닝 밴드로 섰던 인연으로 UFO의 필 모그(Phil Mogg, 보컬)가 마이클의 재능에 눈독을 들여 마침내 마이클은 UFO에 승선하게 된다.

마이클의 후임으로는 지미 헨드릭스(Jimi Hendrix)의 영향을 직접 받았으면서도 자신의 독특한 개성이 넘쳐나는 울리히 로트(Ulrich Roth, 리드 기타·보컬)가 가입한다. 그리고 프란시스 부흐홀츠(Francis Buchholtz, 베이스)와 윌겐 로젠탈(Juelgen Rosenthal, 드럼)로 멤버를 정비하고 74년 [Fly to the Rainbow]를 발표한다.
여기서 마이클이 작곡만 해두고 떠난 곡들과 새로운 멤버 울리히의 곡들은 예상외의 조화를 이루어 좋은 평가를 받는다.
이 당시에는 개성이 강한 울리히가 작곡, 보컬을 모두 담당하는 곡들과 기존 멤버인 루돌프-클라우스 공동 작곡의 두 가지 형태의 곡들이 존재해서 마치 그룹 내에 울리히 로트라는 또 하나의 그룹이 존재하는 것과 같은 형태를 하고 있었다.
이렇게 어울릴 것 같지 않은 조합은 예상외로 계속 훌륭한 앨범들을 만들어냈지만 유럽, 일본에서만 큰 인기를 얻었을 뿐 미국 시장에서는 상업적인 성공을 이루지 못하였다.

드럼 연주자의 군입대로 다시 루디 레너스(Rudy Lenners, 드럼)로 멤버가 교체되고, 이때부터 Dieter Dierks가 제작을 맡아 그들의 이름이 더 알려지게 되었다.
이렇게 해서 75년 [In Trance], 76년 선정적인 자켓과 울리히의 날카로운 기타 사운드로 유명한 [Virgin Killer], 77년 드럼 연주자 루디의 건강문제로 마이클의 친구였던 헤르만 레어밸(Herman Rarebell)이 들어와 만든 [Taken by Force]를 발표한다.

루돌프-클라우스/울리히라는 독특한 체계는 결국 음악적 견해 차이 심화로 막을 내린다. 울리히는 78년 일본 실황 [Tokyo Tapes]에서 마지막으로 좋은 연주를 들려주고 그룹을 떠나 자신의 그룹 Electric Sun을 결성한다.
우연의 일치로 그 당시 마이클도 과음 등으로 인한 건강 악화, 멤버들간의 불화로 UFO를 탈퇴한 상태라서 루돌프는 새 기타연주자 마티아스 얍스(Matthis Jabs, 리드 기타)를 보조하는 역할로 마이클을 다시 합류시켰다. 그러나 마티아스는 이에 불만을 품고 탈퇴하여 결국 새 앨범 [Lovedrive]는 마이클과 녹음을 마무리하게 된다.
이 앨범서부터 미국 진출을 본격적으로 하기 위한 팝적인 멜로디의 곡들이 중심이 되는 전환기가 된다. 앨범은 좋은 평을 얻었고 나중에 더 큰 인기를 얻은 'Holiday'가 수록되어 있었지만, 역시 선정적인 앨범 자켓을 이유로 미국 시장에서 거절되어 당시에는 큰 주목을 받지 못했다.

마이클이 다시 탈퇴하고 마티아스가 복귀하여 80년 [Animal Magnetism]을 발표하는데, 이때부터 미국에서의 인기가 급상승하기 시작한다. 82년 [Blackout]으로도 큰 인기를 얻었고, 84년 [Love at First Sting]으로는 세계적인 스타의 자리를 차지하게 되는데, 85년 실황앨범 [World Wide Live]에서 이러한 모습을 확인할 수 있다.
실황앨범 발표 후 약 2년의 휴식기간을 거친 뒤 88년 [Savage Amusement]를 발표하여 역시 좋은 반응을 얻으면서 당시 소련에서의 공연을 성공적으로 마친다. 이 공연 도중 받은 영감으로 클라우스는 'Wind of Change'를 작곡하였으며, 90년 [Crazy World]와 함께 발표하여 다시 한번 세계 정상을 차지하게 된다.

하지만 이 앨범 발표 이후 시대적 음악의 추세가 변화하여 전성기만큼의 인기를 얻지 못하게 된다. 93년 [Face the Heat], 95년 실황 앨범 [Live Bites] 모두 큰 성공을 얻지 못했지만 밴드는 낙담하지 않았으며 가끔 기존의 히트곡들을 편집한 여러 가지 베스트음반을 발표하였다.
96년 랄프 리커만(Ralph Riekermann, 베이스)과 제임스 코탁(James Kottak, 드럼)으로 멤버를 교체하여 [Pure Instinct]를 발표하였으며 최근에는 99년 [Eye II Eye]를 발표하였다.

 

 

 

3.Yngwie Malmsteen & New Japan Ochestra

 

잉베이는 이제 한물 간 기타리스트인가? 바로크 속주 메틀의 창시자로 그후 수많은 아류를 양성(?)해낸 잉베이는 이제 더 이상 보여줄 것이 없는 속물인가? 그는 차라리 교통사고로 죽었어야 했는가? 잉베이 자신도 자신을 향한 수많은 비난의 화살들을 모를 리가 없다. 하지만 그는 자신의 스타일을 아직 버리지 않았다.

잉베이는 오히려 체코 필과의 협연을 통해 클래식에 한 발짝 더 접근해서 자신의 음악에 깊이를 주고있다. [Facing The Animal]로 보다 헤비해진 사운드를 연출하던 잉베이의 근작인 이 앨범은 컨템퍼러리 클래식이라고 불러도 좋을 만큼 클래시컬하다. 'Icarus Dream Fanfare'에서 시작해서 'Toccata', 'Fugue' 등을 거쳐 'Finale'에 이르기까지 이 앨범은 잉베이가 추구해 왔던 클래식의 현대적인 해석과 발전을 보여주며 그의 트레이드마크격인 눈부신 기타 속주는 이 앨범을 통해 더욱 빛을 발한다. 잉베이의 총결산이라고 해도 좋을만큼 멋진 앨범이다.


속주기타를 즐기는 플레이어들에겐 한가지 공통된 사실을 발견할 수 있다. 그들 대부분이 클래식 음악에서 많은 영향을 받았고 일렉트릭 기타의 연주방법론마저 그곳에서 응용하고 있다는 것이다. 따라서 이들의 마음 한 가운데에는 언젠가 클래식 음악가들과 함께 연주해 보겠다는 꿈이 존재하기 마련이다. 그리고 그들은 대부분 그 꿈을 이루었다. 리치 블랙모어가 그랬고 얀 애커만이 그랬고 제임스 비어드가 그랬다. 그리고 그외의 다수 기타리스트들이 그 꿈을 이루기 위해 현재에도 노력하고 있는 중이다.

오케스트라와의 협연은 록계에서 종종 시도되고 있는 거대한 이벤트 중의 하나이다. 하지만 이러한 협연의 대다수는 솔로이스트와의 만남이 아니라 록 밴드와 오케스트라와의 조우라는 점이 특징적이다. 그런 면에서 잉베이 맘스틴과 체코 필하모닉의 만남은 무척 보기 힘든 사건 중의 사건이다. 물론 이전에 울리히 로스를 비롯한 몇몇 기타 플레이어들이 이러한 협연을 시도한 적이 있으나 스케일적인 방대함이나 내용적인 면에서 이만큼의 박진감과 내실을 기하지는 못했다.

이 음반은 클래식 오케스트라와의 협연이라는 것에 앞서 잉베이 맘스틴 기타세계의 총결산이랄 수 있다. 음반을 들어보면 알겠지만 그는 그 동안 자신이 갈고 닦은 거의 모든 주법들을 이 협연에서 보여주고 있다. 잉베이 맘스틴으로서는 몇 년 전의 앨범인 [Inspiration] 이후 두 번째 색다른 시도를 하고 있는 셈이다. [Inspiration]에서 타 뮤지션들의 곡들을 리메이크하는 재미있는 구성을 보였다면 이제 이 앨범에서는 클래식 오케스트라를 파트너로 설정해 필생의 소원 중의 하나였던 오케스트라와의 협연이라는 소망을 달성한 것이다.

그런데 왜 하필 체코 필하모닉과 협연을 할 생각을 했을까? 체코 필의 기나긴 활동상을 놓고 볼 때 이 오케스트라는 결코 바로크 음악과는 거리가 멀다. 드보르자크나 그외 지휘자들의 민족성 강한 장대한 교향곡에 어울리는 스케일 큰 연주에 적합했던 것이다. 이런 오케스트라가 바로크 스타일의 기타리스트와 협연을 한 것이다. 이것이 첫 번째 불일치이다. 'Sarabande', 'Fugue', 'Adagio'라는 곡의 제목만 봐도 도저히 체코 필이라는 집단과는 어울리지 않는 진행이다.

그 때문에 오케스트레이션이라는 점에서는 체코 필 특유의 밀어부치는 역동성이 결여된 협연이 되고 말았다. 오케스트라로서는 당대 초일류 중의 하나인 이들이 말이다. 어쨌든 그럼에도 잉베이는 이 협연에서 눈부신 기타 플레이를 펼치고 있는 것만은 분명하다. 아마도 협연 당사자들인 오케스트라 단원들도 잉베이의 기타 솜씨에 혀를 내둘렀으리라.

이 음반은 외형적으로는 잉베이 맘스틴과 체코 필하모닉과의 협연이지만 실제로는 잉베이 맘스틴이란 솔로이스트가 리드를 하고 오케스트라는 철저히 서포트를 해주는 일종의 일렉트릭 기타를 위한 협주곡 형식을 취하고 있다. 잉베이는 자신의 기량을 총동원해 애드립을 펼치고(카덴자), 오케스트라는 잉베이의 기타가 자유로인 연출될 수 있도록 구조적 조형미를 심어주는 것이다. 이 협연에서 잉베이가 당연히 리더라는 사실은 연주를 들어보면 알 수 있다.


그가 즐겨 사용하는 스케일들이 도처에서 쏟아져 나오고 오케스트라 역시 잉베이 스타일의 스케일 라인을 그대로 사용하고 있는 것이다. 또한 언제나 잉베이가 주제부를 제시하고 있으며 그것을 받아 오케스트라가 변주 형식을 취하며 색채미를 가하고 있다. 그러다가 발전부를 변화를 꾀하는 것 역시 잉베이가 맡는다. 따라서 오케스트라는 명백한 서포터인 셈이다. 그런데 바로 이 점이 본 앨범의 한계이기도 하다.

협주곡을 들어보면 알 수 있는데, 협주곡은 말 그대로 협주의 장이다. 물론 솔로이스트가 전면에 나서 오케스트라를 리드하긴 하지만 때에 따라선 오케스트라와 주거니 받거니 하며 '협연'의 진수를 펼친다. 자신의 기량을 눈부시게 발휘하는 장(카덴자)에 가선 테크닉을 최대한 발휘하며 듣는 이에게 놀라움을 선사하지만 그러다가도 오케스트라와 만나는 부분에서는 일심 동체가 되는 것이다. 그러다가 오케스트라도 자신들의 팀웍을 발휘하는 부분에 가 솔로이스트에 못지않는 연주를 선사한다. 바로 이러한 것이 협주곡의 매력이다.

에밀 기렐스와 오이겐 요훔의 만남(브람스의 피아노 협주곡), 야사 하이페츠와 프리츠 라이너와의 만남(차이코프스키의 바이올린 협주곡), S. 아카르도와 C. 뒤뚜아오의 만남(파가니니의 바이올린 협주곡), 마우리치오 폴리니와 칼 뵘의 만남(베코벤의 피아노 협주곡) 등이 그 전형이랄 수 있다.

그런데 잉베이의 이 앨범에서는 이러한 '협연'의 미학이 없다. 시종 잉베이의 기타가 리드솔로를 하며 오케스트라는 반주자로서만 '봉사'할 뿐이다. 진정한 의미에서의 '협연'이 아닌 것이다. 그러다보니 전체적으로 평면적인 진행이 되고 말았다. '협연'이라는 점에서는 예전 딥 퍼플과 클래식 오케스트라와의 만남이 이 분야의 전형을 이루었다고 볼 수 있다. 록그룹은 자신의 이디엄으로 오케스트라는 또 자신들만의 이디엄으로 확고한 자기표현을 하다가 어느 순간에 이르면 함께 만나 교감 어린 연주를 주거니 받거니 하는 그야말로 진정한 의미의 '협연'을 보여준 것이다.

그런 점에서 잉베이의 이 앨범은 완성도 높은 매력적인 기타 플레이가 담겨져 있음에도 록 뮤지션과 오케스트라와의 만남이라는 매력적인 화두를 잘 살리지 못했다는 평가를 받아야 할 것 같다. 정말로 세계적인 대 오케스트라를 초빙해 함께 녹음할 기회를 가졌음에도 그것을 '협연'이 아닌 단순한 '반주'의 차원에서 이벤트를 진행시킨 것은 악보를 만든 사람뿐만이 아니라 이것을 진행한 스텝들 모두의 실수라고 지적할 수 있겠다.<BR.
이러한 아쉬움에도 불구하고 일렉트릭기타 그 자체로만 본다면 오케스트라와 만난 앨범들 가운데에서는 테크닉이나 전개력 등 몇가지 측면에서 역사상 남을 작품임에는 틀림이 없다.

 

-Yngwie Malmsteen에 대하여

“테크닉에 미치는 것은 바보짓이고 불필요하다. 내가 언제나 주장하고 싶은 것은 그루브(Groove)감을 지닌 연주인이 되라는 것이다.”

80년대 록계에 클래시컬 속주기타의 열풍을 몰고온 슈퍼 기타리스트 잉베이 맘스틴은 1963년 6월 30일 스웨덴의 스톡홀름에서 태어났다. 수백 년이나 이어지고 있는 오페라 명가 출신 어머니의 영향으로 3살 때부터 피아노 레슨을 받은 잉베이가 기타를 잡기 시작한 것은 5살 때부터이다. 그러다가 7살 때인 70년 TV에서 방영된 지미 헨드릭스 추모특집을 보고 감동 받아 본격적으로 기타에 몰두하였다. 이때부터 잉베이의 실력은 크게 향상되어 먼저 시작한 형이 자신의 일렉트릭 기타를 잉베이에게 물려주고 자신은 드럼으로 포지션을 바꿀 정도였다. 그리고 형제는 Burn And Power 라는 그룹을 만들었다.

75년에 잉베이는 마침내 펜더 스트라토캐스터를 입수하게 된다. 이 기타를 가지고 그는 4년 여에 걸친 맹연습을 하며 모든 테크닉을 정복해 갔다. 뿐만 아니라 오케스트라의 멤버였던 누나로부터 독보력과 스케일 이론을 배우며 이론과 실제를 착실히 쌓았다. 77년 의무교육을 마친 잉베이는 자신의 작품을 발표하기 위해 4트랙의 MTR을 구입하고 데모테입 제작에도 많은 시간을 소비하게 된다.

이후 그는 라이징 포스(Rising Force)라는 밴드를 조직하게 되는데, 잉베이와 라이징 포스에 대한 소문은 스웨덴 국내에 퍼져 스웨덴의 CBS 레코드로부터 계약제의도 들어왔다. 그러나 레코드 회사측의 ‘스웨덴 내에서의 히트를 유도’하는 제의가 마음에 안 들어 이를 거부했다. 당시 잉베이의 목표는 세계시장이었기 때문이다. 82년에 그는 마이크 바니의 눈에 띄어 기타 플레이어지에 소개되고 곧이어 LA로 가, 론 킬이 이끄는 스틸러(Steeler)에 가입하였다.

스틸러에서 1장의 앨범을 발표하고 탈퇴한 잉베이는 그래험 보넷의 알카트라즈에 가입, 'Island In The Sun', 'Too Young To Die', 'Jet To Jet', 'Kree Na Koorie' 등의 명곡을 만드는데 크게 기여하였다.

하지만 멤버간의 갈등과 음악적인 견해차이로 이 그룹에서 2장의 앨범에 참여한 후 그는 곧 자신의 독자적인 새 그룹 라이징 포스를 결성해 'Far Beyond The Sun', 'Black Star', 'Evil Eye', 'As Above So Below', 'I’ll See The Light Tonight' 등등 록기타사에 길이 남을 작품을 만들었다.

잉베이 맘스틴이 연주하는 프레이즈는 클래식적인 발상이 대부분이다. 내추럴 마이너, 하모닉 마이너, 디미니쉬드 스케일을 사용해 속주 애드립을 만들어 가는 게 그 대표적인 예다. 그리고 그는 같은 줄 위에서 7∼8 잇단음 이상의 긴 프레이즈를 매우 빠르게 연주하는 경우가 많다. 물론 이것은 바이올린을 켜는 주법에서 힌트를 얻은 것이며, 이외에 그가 대중화시킨 아르페지오 스윕피킹도 바이올린 연주를 응용한 것이다.

또한 얼터네이트 피킹만으로의 연결시 나타나는 속도와 부드러움의 한계를 소위‘2현 스윕’으로 극복, 스피디한 프레이즈를 좀더 유연하고 힘을 안 들여 연주할 수 있게 한 것도 그의 공로였다. 위와 같은 그의 면모가 여실히 나타나고 있는 것은 솔로 프레이즈를 할 때이다. 그의 애드립에서 엿볼수 있는 스케일 프레이즈-마치 스케일 연습을 하듯 음을 차례로 늘어서게 하며 연주하는 속주-는 그가 기타를 위해 얼마나 많은 시간을 투자했는지 알 수 있게 한다. 그는 코드 하나 하나에 맞추어가며 연주하는 기타리스트이므로 매우 세밀하고 규칙적인 솔로라인을 만들어낸다. 잉베이 맘스틴의 등장으로 수많은 기타리스트들이 연습실로 직행했고 클래시컬 속주기타의 새 지평을 열게 되었다.

사 용 장 비
◇Fender Stratocaster(Di Marzio HS 3 픽업 내장)
◇Marshall Amps(50W), (100W)모두 가지고 있음. Marshall‘MarkⅡ’50W(69~72),DOD Overdrive Pre Amp FX-50
◇TS-9 Tube Screamer, Roland Chorus Echo, Samson Wireless, Korg Tuner, Moog Synth, COM Strobo Tuner, Bob Bradshaw Pedal Board, Korg Digital Delay SDD 1000(2대), SDD-1200(Chorus 용), Digital Voice Processor DVP-1, Rocktron HushⅡC, Furman Power Supply PL-8, JEN Cry Baby, SDD 2000 Sampling Delay

글/조성진



스웨덴 출신의 기타리스트인 잉베이 맘스틴(Yngwie Malmsteen)은 1963년 스톡홀름에서 태어났다. 그는 자유분방한 가정에서 자라났고, 7세 때 이미 기타를 연주하기 시작하였다. 기타를 배우면서 그는 지미 헨드릭스(Jimi Hendrix)나 파가니니(paganini)와 같은 기타리스트가 될 것을 꿈꾸었다.
10대 후반에 이르자 그는 자신만의 독특한 연주기법을 고안해냈다. 1983년 로스엔젤레스로 가서 헤비메틀 밴드인 스틸러(Steeler)에 가담하였고, 그 이후에는 알카트라즈(Alcatrazz)에 참여해 활동하였다.
그 이듬해에는 자신의 첫 솔로 앨범인 [Rising Force]를 발표하여 그래미 Best Rock Instremental Performance 부분에서 수상하였으며, 최고의 팝-메틀 기타리스트로서의 명성을 확고히 했다.

1987년 6월 잉베이 맘스틴은 자동차 사고로 뇌를 다치게 되었다. 1주 이상이나 계속되던 혼수상태에서 가까스로 벗어나긴 하였으나, 오른쪽 손에 치명적인 손상을 입게 되었다. 고통스러운 회복기간을 거쳐 그는 다시금 재능을 선보이게 되었으며, 결국 1988년 [Odyssey]라는 앨범을 발표하였다. 러시아 공연을 마친 후 그는 다시 미국으로 돌아와 스웨덴 출신 음악가로 구성된 밴드를 결성하였다.
1990년 마이애미에서 녹음된 [Eclipse]는 해외에서는 성공을 거두었으나 정작 미국에서는 그리 반응이 좋지 않았다.
1993년에 맘스틴은 일본 포니 캐년(pony Canyon)레이블로 옮겨가 그 이듬해에 [The Seventh Sign]을 발표하였다. 일본에서 미니 앨범 2장을 더 발표한 후 전세계로 투어를 다니다가, 1995년 [Magnum Opus]를 발표하였다. 1996년에 그의 마지막 앨범 [Inspiration]을 발표하였다.

 

 

 

4.Metallica & San Francisco Symphony

 

이미 Rock계의 거물로 성장해 버린 Metallica는 과거 Deep Purple등의 Super Rock 밴드들이 한번씩 시도해본 오케스트라와의 협연을 마침내 시도하였다.
1999년 4월 21-22일 양일간에 걸쳐 Berkely Community Theater에서 마이클 케이먼(Michael Kamen)의 지휘하에 샌프란시스코 심포니와의 협연으로 펼쳐진 공연은 두 장의 CD로 요약된 신보로 공개되어 다시 한번 Metallica의 과거 Load의 변화에 대한 찬반 논란과 마찬가지로 팬들의 평가를 엇갈리게 만들고 있다.

전체적으로 보면 기존의 Metallica 곡들은 원형을 그대로 유지하는 대신 오케스트라가 추가로 반주를 해주는 형태를 띄고 있다.
따라서 완전히 오케스트라와의 협연을 위해 새로 곡을 쓰거나 기존 곡을 재해석하지 않았다는 것, 그리고 Metallica의 빠르고 격렬한 Thrash Metal 곡들에 오케스트라의 반주가 과연 얼마나 어울릴 것인가 하는 한계가 작용하였기 때문에 부정적인 의견이 등장하게 된 것이다.
하지만 샌프란시스코 심포니와는 91년 'Nothing Else Matter'에서 이미 실제로 같이 곡을 녹음했던 경력이 있듯이 Metallica 특유의 웅장하고 비장미 넘치는 곡들은 더욱 그 분위기를 살려주고 있으며 곡의 선곡에 있어서도 그러한 곡들이 중심이 된다는 점에서 거물 밴드로서 또 다른 단면을 보여주기에 충분했던 시도라는 긍정적인 의견이 엇갈리고 있다.
필자의 견해로는 곡마다, 그리고 부분마다 의외로 잘 맞는다고 느껴지는 부분이 있는가 하면 정말 괜히 갖다 붙였다고 느껴지는 부분도 있기 때문에 위의 두 주장이 모두 맞다고 보고 있다.

'The Ecstasy of Gold'는 주로 80년대 말에 이들이 공연 시작 전의 인트로로 자주 사용하였으며 영화 [The Good, the Bad and the Ugly]에 삽입되었던 곡으로, 오케스트라 덕분에 녹음된 것이 아닌 실제 연주로 시작할 수 있게 되었다.
'The Call of Ktulu'는 원래도 웅장한 연주곡이었던 만큼 협연으로서 손색이 없게 들린다. 그 동안 공연에서 별로 연주가 안 되었던 곡이지만 이번 협연 덕분에 첫 곡으로 선곡되었다.
'Master of Puppets'는 이들의 대표곡 중 하나로 아무래도 공연에서 뺄 수는 없었을 것이다. 하지만 이런 숨막히는 Thrash Metal 풍의 곡은 협연이 억지란 느낌이 든다.
'The Thing that Should Not be'는 이번 협연의 최대 수확이라고 본다. 비교적 건조하고 썰렁하게 들리던 원곡이 협연 덕분에 아주 새로운 분위기로 살아나고 있다.
'Memory Remains', 'Bleeding Me'와 같은 웅장하고 비장미 넘치는 곡들은 협연이 나쁘지 않게 들리고 있다.
'Nothing else Matters'는 원래 협연이었던 만큼 가장 무리 없이 들리며, 'No Leaf Clover', '-Human'과 같은 신곡은 아무래도 만들 당시에 협연을 염두에 둔 듯 다른 곡처럼 오케스트라가 원곡을 보조하는 느낌이 가장 덜하다.
'One'은 앨범의 엇갈린 반응을 한 몸에 담고 있는 곡이라고 할 수 있다. 차분한 분위기의 시작 부분은 역시 오케스트라가 그 분위기를 잘 보조해 주고 있다. 하지만 기타와 베이스, 드럼의 숨막히는 6연음 질주, 그리고 Thrash Metal의 빠른 연주를 들려주는 후반부로 갈수록 이질감은 심해지고 있다.

원래의 곡을 오케스트라가 보조하는 형식의 한계 때문에 곡에 따라 잘 맞는 부분과 안 맞는 부분이 혼재된 것은 사실이다.
하지만 이런 시도가 가능하다는 것, 그리고 그에 따른 찬반의 엇갈린 논쟁이 활발하다는 것만으로도 이미 Metallica가 Rock계에서 거물의 위치를 차지하고 있음은 의심할 여지가 없을 것이다.

 

 

 

-Metallica에 대하여

그들이 만든 Biography에 의하면, 83년 데뷔앨범 [Kill'em All]로 시작해서 그들은 44장의 정규 싱글 앨범과 11장의 정규 앨범을 발매하고 4장의 정규 비디오를 발표했다고 한다.
그들이 발표한 앨범의 양만 보더라도 그들을 최고의 스래쉬 메탈 밴드라고 하는 데 문제가 없을 것이며, 만약 그들의 음악을 하나하나 들어보게 된다면 삽시간에 그들의 음악에 홀딱 빠져버릴 지도 모른다.

메탈리카(Metallica)를 80년대에 등장한 최고의 메탈 밴드로 꼽는 데에는 위에서 언급한 대로 그들이 발표한 엄청난 수의 앨범도 있고, 그들이 지금은 하나의 '주도세력'으로 자리잡고 있는 이유도 있겠지만, 그들이 스래쉬 메탈에 기여한, '언더그라운드였던 스래쉬를 오버그라운드로 끌어들여, 좀 더 범위를 확대시킨 것' 일 것이다. 결국, 국한된 - 그리하여 '과격하고 폭력적인' 이라는 거죽 하에 선뜻 나서진 못했던 - 스래쉬 메탈이라는 장르에 부여한 대중성의 배후에는 메탈리카의 역할이 지대했음은, 누구도 부인할 수 없다.

그들의 시작은 1970년대로 거슬러 올라간다.
덴마크 태생의 드러머인 라스 울리히(Lars Ulich)는 L.A로 이주하여 그룹결성에 관한 꿈에 부풀어 있다가, 광고를 통해 제임스 헷필드(James Hetfield) 를 만나면서 그 꿈을 현실화시키기 시작했다. 둘은, 기타리스트 데이브 머스테인(Dave Mustain)과 론 맥거브니(Ron Mcgervney)를 맞아 4인조 메탈 그룹인 '메탈리카'(Metallica) 를 조직하고 81년 L.A 내에서의 메탈 옴니버스 앨범 [Metal Massacre] 에서 'Hit the Light'라는 곡명으로 참가해 정식 데뷰를 하고, 스위스 출신의 메탈밴드 크로커스(Krokus)의 전미 순회 공연의 오프닝 밴드로 나서 경험을 쌓았다.

82년에 베이스가 클리프 버튼(Kliff Burton)으로 교체되고, 데이브 머스테인이 팀과의 불화로 인해 탈퇴해 자신만의 밴드인 메가데쓰(Megadeth)를 조직하게 되는 사건이 일어난다.
여기에 대해서 짚고 넘어가면, 혹자는 머스테인이 메탈리카에서 '쫓겨났다' 라는 의견을 주장하기도 한다. 그러나 잘 살펴보면 머스테인의 기타 사운드가 메탈리카식 사운드의 기본을 만들었다는 주장을 할 수 있을 것이다.

메가데쓰에서의 장중하면서도 집요한 프레이즈와, Master of Puppets에서의 기타는 왠지 공통점이 있는것 같다고 보여지지 않는가? 그것은 바로 데이브 머스테인의 독창적인 Text이며 메탈리카가 결성될 때 머스테인이 자신의 기타 사운드를 기반으로 메탈리카의 음악적인 기초를 만드는 데 공헌한 연유일 것이다.
그럼 왜 불화가 생겼느냐?
아마도 그것은 머스테인 자신이 갖고 있는 넘치는 카리스마 때문이 아니었을까. 헷필드 역시 강력한 카리스마로 사람들을 압도하지만, 머스테인도 그에 뒤지지 않는 - 어떻게 보면, 헷필드를 능가할 수도 있는 - 카리스마를 갖고 있다. 의견이 다른 두 대가리가 공존할 수 없듯이, 헷필드와 머스테인은 지속적으로 충돌했을 것이고, 비교적 '옹고집'이 아닌 헷필드에게 팀원들은 손을 들어주지 않았을까라는 추정도 가능해진다.
하여간, 머스테인은 메탈리카를 떠나, 메가데스를 조직하며, 머스테인의 후임으로는 커크 해밋(Kirk Hammet)이 가입하게 되고, 메탈리카는 전열을 새로 정비한다.

83년, 메탈리카는 수개월의 레코딩 끝에 자신들의 공식 데뷔 앨범인 [Kill'em All]을 발표하고 전미, 전영국 투어를 성공리에 끝마쳤으며 84년에는 [Ride the Lighting]을, 86년에는 스래쉬 메탈의 역사적 분기점이라 해도 과언이 아닐 명반 [Master of Puppets]를 발표한다. 이 앨범은, 스래쉬 메탈의 교향시를 방불케 하는 장대한 스케일과 사운드는 이들을 세계적인 스타로 만들었으며, 언더그라운드로만 자리잡던 '스래쉬 메탈'이라는 국한된 장르를 대중적으로 만드는 데 상당한 역할을 했다.

계속되는 성공이었지만, 86년 9월 27일 투어 버스의 전복으로 베이시스트인 클립 버튼이 사망하게 된다. 클립의 후임으로는 제이슨 뉴스테드(Jason Newsted)가 가입하였으며 88년 [...And justice for all]을 발표하고 91년 밴드명과 동일한 [Metallica]를 발표한다. 이 시점부터 메탈리카는 상당히 파퓰러한 이미지로 조금씩 변모하게 되는데 이전 음반에서 발표했던 'One'을 시작으로, 'Unforggiven'이라던가 'sad but true'와 같은 스래쉬 메탈 발라드 넘버는 메탈팬이 아니더라도 많은 사랑을 받을 정도였으니.

얼터너티브 락과, 모던락이 판치는 95년 메탈리카는 자신의 음악적인 방향을 약간 수정하여 다소 팝적인 이미지와 얼터너티브의 영향을 많이 받은 것으로 보이는 [Lord]를 발표하는데, 이 음반은 '메탈리카식 얼터너티브' 라는 팬들의 비아냥을 샀다. - 실패했단 말이라고도 할 수 있을까? - 그 이후 97년에는 다시금 스래쉬로 돌아오는 듯, 그간의 자신의 음악적 성향을 모조리 혼합해 [Reload]를 발표한다. 전작의 '후속'편인 것처럼 보여지는 앨범 제목은 아마도, 전작에서 맛본 쓴잔을 만회하려는 뜻으로 보여진다..
98년엔 부틀렉과 cover version, 라이브, 리믹스 등을 모아서 더블앨범인 [Garage Inc.]를 발표하고 열심히 활동 중이다.

메탈리카는 굉장한 에너지를 바탕으로 고유한 스래쉬 어법을 만들어낸 밴드이다. 또한 다운피킹(Down Picking)에 의한 묵직한 메탈 리듬을 바탕으로 공격적이며 장중한 사운드를 창출해 내었다.
또, 이들의 특색은 라스 울리히의 드럼 필 인 방식 - 시간차를 두며 서서히 긴장감을 연출한다거나, 갑작스럽게 투베이스를 두드린다거나 리듬 브레이크가 교묘하게 걸리는 엇박 등을 조화롭게 연주하는 것 - 인데, 이로써 투베이스 드럼과 스피드에만 의존하던 기존의 스래쉬 메탈에서 한층 심화된 사운드를 만들어 내는 데 성공하였다.
그 밖에도 풍부한 악상, 지루하지 않으며 숨막히는 악곡 구성, 빈틈없는 팀웍 등 이들이 창출해낸 '메탈리카식' 메탈 랭귀지는 상당히 많다.

후반으로 넘어오면서 팝적인 멜로디와 발라드, 얼터너티브까지 수용하는 적극성을 보이며 대중적인 인기를 크게 얻기 시작했는데, 이러한 점으로 판단한다면 메탈리카는 결코 '정통 스래쉬 메탈 밴드' 는 아니다. 그러나, 스래쉬적인 비트를 팝과 록으로 다듬어 지지층을 넓힌 이들의 공로는 무시할 수 없을 것이다.



대중음악/메탈리카의 열기가 폭발한다


1980년대 이후 한국에서 록은 헤비 메탈과 동의어다. 지금은 한물 간 것으로 여겨지는 잉베이 말름스틴(Yingwie Malmsteen), 헬로윈(Helloween) 등의 음반도 한국에서는 몇만장씩 꾸준히 팔린다.

다른 한편 메탈이라는 장르는, 과장을 조금 보태자면, ‘메탈리카’(Metallica)라는 이름과 동의어다. 메탈리카의 음반은 한국에서 나오는 것마다 10만∼20만장의 판매고를 올린다. 1백여만장을 웃도는 가요와 비교하는 건 무리지만, 수만에서 십만장씩 팔리는 가요가 별로 없는 편중 현상을 감안할 때 무시할 수 없는 수치다. 얼터너티브 록의 대표자인 너바나(Nirvana)의 '신경쓰지마'(Nevermind)가 10여만장, 펄 잼의 '10'(Ten)이 5만장 정도에 불과한 판매고를 올린 것과도 단박에 비교된다.

1981년 샌프란시스코에서 결성된 메탈리카는 헤비 메탈을 MTV에 맞게 개작한 라이트 메탈(light metal)에 반대하여, 언더그라운드에서 헤비 메탈의 정통을 계승한 스래시 메탈의 선구자이자 대표자다. 라이트 메탈이 소녀들을 홀릴 만큼 예쁘게 차려입은 남자애들이 MTV에 나와서 부르는 달콤한 멜로디의 메탈이라면, 스래시 메탈은 쇳소리가 나는 기타와 목소리, 훨씬 빨라진 드럼이 이끄는 광적인 속도감을 내세운 사나이들의 메탈이다. 그렇다고 스래시 메탈이 기존의 메탈을 답습하기만 한 것은 아니다. 그 이전까지의 메탈이 히피의 방종을 흉내낸 어설픈 자아도취와 쾌락주의적 태도를 가졌다면, 스래시 메탈은 펑크의 반항기를 본받아 세상에 대한 반감을 드러내놓고 표현했다.

그중에서도 메탈리카의 음악은 탄탄한 연주력을 바탕으로 메탈 특유의 엄격한 양식미를 자랑하면서도, 변칙적인 박자 변화, 빠르기의 조절 등을 통해 미묘한 긴장을 만들어낸다. 최고작으로 꼽히는 '꼭두각시의 지배자'(Master of Puppets, 86년)가 스래시 메탈의 완성된 형태를 보여준다는 평을 받는 것도 이 때문이다.

메탈리카는 90년대 들어 기본적인 스타일은 유지한 채 조금씩 변화된 음악 스타일을 선보였다. 열성 팬들에게는 비난받기도 했지만, '하나'(One), '무엇도 상관없어'(Nothing Else Matters)와 같은 발라드풍의 곡들을 통해 일반 팝 팬들에게도 호소할 수 있었다. 5집 '메탈리카'를 미국에서만 7백만장 이상 팔아치울 수 있었던 것도 그 덕택이었다.

이전에는 속도감을 바탕으로 기계적으로 딱딱 떨어지는 양식미를 추구했다면, 오랜 공백 이후 발표한 '장전'(Load, 96년)과 '재장전'(Reload,97년)에서는 속도감을 조금 희생시키는 대신 흔히 ‘그루브’라고 불리는 출렁거리는 리듬감을 강화시켰고 보컬 하모니도 부각시켰다. 최신 유행을 좇아 그런지 록을 받아들었다고 평가받기도 했지만, 크게 인기를 얻은 '잠들 때까지'(Until It Sleeps) 등을 들어보면, 그보다는 70년대 이전의 하드 록의 느낌을 많이 살린 것으로 보인다. 이제 중년에 이른 나이 때문인가.

서구에서는 따분하고 무료한 삶에 싫증난 교외의 백인 노동계급 10대들이 잠시 일상에서 벗어나 헤비 메탈 공연장을 찾아 젊음을 폭발시킨다. 반면 한국에서는 입시교육과 사회적 통제에 찌든 중고생들이 헤비 메탈을 워크맨으로 몰래 들으며 고단함을 내파시킨다. 어쨌든 사회에 대한 막연한 불만을 공격적이고 파괴적인 음악을 통해 해결한다는 점에서는 비슷하다.

그렇게 음악으로만, 워크맨으로만 듣던 메탈리카의 음악을 직접 접할 수 있게 되었다. 메탈리카가 마침내 푼돈(!) 2만달러에 한국에 온다고 한다(4월24·25일 오후 7시 올림픽공원 체조경기장). 메탈리카의 한국공연은 여러차례 거론되었지만 번번이 무산되었다. 공연이 무산되자 PC통신에서 서명운동이 벌어질 정도로 한국에는 열성 팬들이 많다. 한국의 언더그라운드 록 밴드들이 메탈리카 헌정 음반을 발표하기도 했으니, 그들의 영향력은 실로 막강하다.

 

 

6.Sceret Garden (시크릿 가든)

아일랜드 출신의 바이올리니스트 피오누아라 쉐리(fionnuala Sherry)와 노르웨이 출신의 작곡자이자 키보드 연주가 롤프 루브랜드(Rolf Lovland)로 구성된 뉴 에이지 듀오 시크릿 가든(Secret Garden)은 95년 유로비전 송 콘테스트(Eurovision Song Contest)에서 최고상을 수상한 'Nocturne'으로 세계적인 명성을 얻었다.
비록 많은 냉소자들은 그들의 수상이 음악적인 능력에 있다기보다는 이전 수상자들인 네오-켈틱(켈트족, 특히 Irish, Scots Gaelic, Welsh, Breton을 포함하는 인도유럽 어족의 한 분파) 주자들과의 유사성 때문이라는 말들을 늘어놓기는 했지만, 이들 음악의 생명력과 순수성을 간과할 수는 없었다.

이들의 음악에 대한 의견은 분분하다. 클래식적인 음악, 노르웨이 또는 아일랜드의 전통 음악, 혹은 세계 음악, 뉴 에이지라는 단정적인 평가까지. 또 어떤 이들은 그들의 음악이 마치 영화 음악 같다는 얘기도 한다.
사실상 그룹의 방향을 이끌어가고 있는 롤프 자신도 시크릿 가든의 음악을 한마디로 정의하지는 않는다. 다만 그들의 마음 깊은 곳에서 나온 정직한 표현, 그 자체로 어쩌면 그 선율 속에 보이지 않는 영상을 담고 있는지도 모르겠다.
롤프의 표현처럼 결코 상영되지 않을 영화를 위한 음악으로서 시크릿 가든은 섬세하고 꾸밈없이 감정의 솔직한 표현을 담은, 언어보다 강한 그들만의 음악세계로 많은 팬들을 이끌어 나가고 있는 것이다.

94년 유로비전 송 콘테스트에서 만나 듀오를 결성하기 전 롤프는 이미 이름난 작곡가였고, 피오누아라 또한 시네드 오코널(Sinead O'Connor), 반 모리슨(Van Morrison)의 레코딩 세션과 라이브 백 뮤지션으로 활동했었다.
인간의 마음속에 내재된 마음의 안식처, 피난처와도 같은 화원이라는 의미의 시크릿 가든은 유로 비전의 성공 이전에 노르웨이에서만 발매된 [Song From A Secret Garden]을 96년 전세계적으로 발매해 대 히트를 거두게 된다. 특히 미국에서는 채식주의자를 위한 식당가와 뉴 에이지 서점가를 겨냥한 홍보로 아직은 낯설은 이들의 음악이 친숙함을 더하는 계기가 되었다.
이어 97년 [White Stones], 99년 [Dawn of a New Century]를 발매한 시크릿 가든은 꾸준한 연주활동으로 전세계를 누비고 있다.