The Boxer

[금낭화]

The Boxer

https://www.simonandgarfunkel.com/

Simon & Garfunkel - The Boxer (from The Concert in Central Park)

Simon & Garfunkel

1960년대 포크 록이 폭발한 이래로 Simon & Garfunkel은 중독성 있고 가사가 분명한 노래와 풍부한 보컬 하모니의 승리하는 조합으로 빠르게 차트 정상에 올랐습니다. 뉴욕 퀸스 구에서 어린 시절 친구였던 Paul Simon과 Art Garfunkel은 "The Sound Of Silence," "A Hazy Shade Of Winter," "Mrs. Robinson," "The Boxer," "Bridge Over Troubled Water"와 같은 불후의 노래 덕분에 그들의 세대를 훨씬 넘어서서 그들의 파트너십이 끝난 후에도 오랫동안 공감을 불러일으키는 작품을 만들어냈습니다. 그들은 James Taylor에서 Fleet Foxes에 이르기까지 모든 사람에게 영향을 미쳤으며 Aretha Franklin과 Disturbed와 같이 다양한 아티스트가 커버했습니다.

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60년대 초반 진지한 가짜 포크 음악 시대에, Simon & Garfunkel은 처음에는 완전히 전형적이었습니다. 다른 많은 하모니에 매료된 젊은이들처럼, 그들은 Everly Brothers에서 실력을 키웠고, Great Traditional Songbook과 다음 포크 그룹을 알고 있었으며, 그들은 다른 세대와 마찬가지로 좋은 대학에 진학하고, 부모님을 기쁘게 하고, 동료들에게 존경을 받고, 그 과정에서 즐거움을 얻고자 하는 동일한 노력에 의해 움직였습니다. 하지만 결론적으로 Simon & Garfunkel은 평범한 포크 가수와는 거리가 멀었습니다. 많은 동료들처럼, 퀸즈의 Forest Hills 출신인 이 두 사람은 음악적 스펀지였지만, 거기서 그치지 않았습니다. 놀랍게도, 그들은 1957년 15세의 나이에 Everlys의 모조곡인 "Hey, Schoolgirl"로 톱 50에 진입했습니다. 당시 자신들을 톰과 제리라고 부르던 그들은 밴드스탠드에서 노래를 립싱크하기도 했지만, 그 이후로 대중문화에 본격적으로 진출한 것은 별다른 성과가 없었다.

몇 년 후, Simon은 출판사 EB Marks의 송플러거로 일하면서, Marks의 카탈로그에서 레이블의 A&R 담당자에게 노래를 홍보하는 동안 그가 작곡한 곡 중 일부를 작업했습니다. Simon은 Marks의 곡을 하나도 커버하지 못했다고 주장하지만, 자신의 작품으로는 더 나은 성과를 거두었습니다. 라이브 오디션 후, Simon & Garfunkel은 Columbia Records의 스태프 프로듀서이자 재즈 전문가(Miles Davis)인 Tom Wilson의 호의로 레코드 계약을 맺었습니다. Wilson은 Simon의 노골적으로 시적인 노래와 Garfunkel의 애절한 테너에서 무언가를 들었습니다. 결국 Wilson이 옳았습니다. 하지만 찬사를 받으려면 아직 1년, 앨범이 더 필요했습니다. 무엇보다도 S&G의 1964년 데뷔 앨범인 " Wednesday Morning, 3 AM "은 폴과 아티가 그 세대의 많은 사람들과 함께 걸었던 음악적 길을 요약한 것으로 자리 잡고 있습니다. 그것은 에버리스에서 배운 보컬/리드미컬한 상호작용, 포크 팝의 기본, 난해한 것, 영국 문학에서 영감을 받은 은유, 시적 이미지의 무의식적인 혼합이며, 싹트는 사회적 의식이 밑바탕에 깔려 있습니다. S&G가 외부 자료를 선택하고 처리하는 방식은 대체로 주목할 만한 것이 없었지만, 5개의 오리지널 곡은 두 젊은이가 부인할 수 없는 재능을 공유한다는 것을 분명히 보여주었습니다. 특히 눈에 띄는 것은 " The Sound of Silence "로, 간소한 어쿠스틱 형태에서도 계시의 힘으로 다가왔습니다. 흥미롭게도, 사이먼은 케네디 대통령이 암살당한 달인 1963년 11월에 곧 세대의 애국가가 될 이 곡을 쓰기 시작했습니다.

1965년 봄, 포크 가수 출신에서 로커로 전향한 5인조 버즈는 밥 딜런의 "Mr. Tambourine Man"을 히트곡으로 리메이크하면서 즉시 "포크 록"이라는 이름이 붙은 새로운 하이브리드를 만들어냈습니다. 그때 톰 윌슨은 깨달음을 얻었습니다. 수요일 오전 3시 에 녹음된 " The Sound of Silence " 의 모든 어쿠스틱 녹음을 맡은 프로듀서는 전기 기타리스트와 리듬 섹션을 스튜디오로 데려와서 그들의 파트를 원래 트랙에 오버더빙했습니다. 1965년 후반에 " The Sound of Silence "는 미국에서 1위 싱글이 되었고, 사이먼 앤 가펑클은 다시 모여서 첫 번째 히트곡과 관련이 있고 그에 걸맞은 앨범을 만들 준비를 했습니다. 회고해보면, Sounds of Silence 의 가장 흥미로운 측면 중 하나는 같은 시기에 다른 여러 미래 명예의 전당 헌액자들이 녹음한 작품과 얼마나 밀접하게 연결되어 있는지 느끼는 것입니다.John Sebastian과 그의 Lovin' Spoonful(" Kathy's Song ")의 뻔뻔스러운 낭만주의, Ray Davies와 그의 Kinks(" Richard Cory, " " A Most Peculiar Man ")의 날카로운 캐릭터 연구, 그리고 Byrds(" I Am a Rock ")의 솟아오르는 사랑스러움.Byrds의 David Crosby는 Garfunkel이 두 명을 위해 생각해 낸 것과 같은 종류의 영감을 받은 편곡을 세 명 또는 네 명을 위해 했습니다.사실, 그 당시 세상은 훨씬 더 작아 보였고 Simon & Garfunkel의 음악은 새로운 미국 속어로 빠르게 흡수되고 있었습니다.

1966년 가을, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme 이 발매되었을 때, 미국은 사회적, 정치적 격변의 와중에 있었고, Simon은 그 격동의 역사적 순간을 앨범의 흥겨운 사회정치적 패러디인 " A Simple Desultory Philippic (Or How I Was Robert McNamara'd Into Submission) "에서 생생하게, 하지만 재치 있게 요약했습니다. Simon은 노래 전반에 걸쳐 Martin Luther King Jr.와 Maxwell Taylor 장군부터 Beatles와 Lenny Bruce까지 헤드라인에 나오는 수많은 이름을 언급하면서, "하루에 한 잔의 차"에서 얻을 수 있는 완화 효과에 대한 냉소적인 언급을 끼어넣었습니다. 이는 점점 더 많은 수의 미국 청소년이 피우고 있던 종류의 차였습니다. 하지만 그 주제만큼이나 시대를 잘 반영하는 것은 바로크 어쿠스틱 기타 연주와 앨범의 오프닝인 " Scarborough Fair/Canticle "을 소개하는 천상의 가펑클 보컬부터 앨범을 마무리하는 " Silent Night "의 아카펠라 독주까지 파슬리, 세이지, 로즈마리 , 타임의 사운드였습니다. 1966년에 안목 있는 청소년이나 젊은 성인이었다면 이 앨범을 소유했을 뿐만 아니라 닳도록 들었을 것입니다. 모든 단어, 음표, 뉘앙스가 영구히 두개골에 박혀 있었습니다. 다시 들어보면 뇌 세포가 남아 있는 전쟁 아기나 부머 세대라면 누구나 쉽게 알 수 있을 것입니다.

1966년까지 S&G는 세련되고 냉정한 현실을 모두 수용하는 세대의 도시적 그릇이 되었고, 풍부하고 광적인 시대의 시대정신을 동화한 다음 수놓았습니다. 동시에 이 두 아티스트는 다른 동료들과 마찬가지로 정밀성, 명확성, 아름다움이라는 변하지 않는 예술적 기초를 확고히 고수했습니다. 따라서 Parsley, Sage는 시간의 순간에 완고하게 집착하는 노래와 단순히 시대를 초월한 노래를 담고 있습니다. 의심할 여지 없이 전통적인 " Scarborough Fair "(Simon이 영국에서 휴가를 보내면서 배운 곡)를 절묘하게 뉘앙스 있게 편곡/각색한 것과 Simon이 쓴 " Cloudy ", " Homeward Bound ", " The Dangling Conversation ", " For Emily, Until I May Find Her "에서 이 듀오는 그 시대나 다른 시대의 가장 사랑스러운 녹음을 만들었습니다. 그들이 이 모든 것을 목소리와 어쿠스틱 기타, 그리고 최소한의 리듬과 멜로디 장식으로 이루어냈다는 것은 여전히 ​​놀라운 업적으로 남아 있습니다.

S&G 음악의 공명은 1967년의 획기적인 영화 졸업으로 새로운 맥락을 찾았는데, 이 영화는 헐리우드가 젊은이의 소외와 욕망을 심각한 주제로 받아들이는 것을 인정했으며, 표준 영화 음악이 아닌 듀오의 노래를 사용하여 내러티브를 이끌고 분위기를 풍부하게 했습니다.사운드트랙이 지속적인 트렌드를 시작했다고 말하는 것은 과소평가일 것입니다.Parsley  , Sage, Rosemary and Thyme이 출시된 지 1년 반 후인 1968년 3월 Bookends가 빛을 본 사이에 비틀즈는 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band로 팝 스타에서 예언자로의 변신을 완료했고, 서부 해안에서는 Summer of Love와 Monterey Pop Festival(Simon, Garfunkel, John & Michelle Phillips, Lou Adler가 함께 기획하고 S&G가 공연)이 젊은 사회가 새로운 사운드와 변화된 의식 상태에 개방되었음을 알렸으며, 당시 많은 사람들이 그것을 경험하는 데 필요한 전제 조건이라고 믿었습니다. 피할 수 없이 이 듀오는 이 극적인 청각적, 주제적 가능성의 풍요로움에 매료되었지만, 많은 동시대 사람들이 그랬듯이 산성 록 열풍에 뛰어들지 않고, Simon & Garfunkel은 새롭게 확장된 음악적 팔레트의 색깔을 마치 그들의 목소리와 어쿠스틱 기타를 사용했던 것만큼 조심스럽게 사용하여 노래의 의미와 정신을 표현했습니다.

그리고 그 노래들은 의미와 함축성이 짙었습니다. 가장 문학적인 앨범인  Bookends는 적절한 제목을 달고 소설을 담은 책과 같은 음악적 버전이었습니다. 개념적 노래 사이클의 형태로, 그리고 일련의 상호 연관된 단편 소설이 들어 있었습니다. 그 중에는 The Graduate 의 핵심 노래인 " Mrs. Robinson "과 " A Hazy Shade of Winter ", " Fakin' It ", 오웰적인 " At the Zoo ", 그리고 우리 어린 시절의 잃어버린 순수함을 반영한 애절한 " Punky's Dilemma "가 있습니다. 지나치게 야심 찬 이 음반은 삶의 흐름과 삶의 돌이킬 수 없고 계속 축적되는 손실의 심리적 영향에 대한 명상으로 기능했습니다. 노래 사이클은 미국 꿈의 삶과 죽음을 묘사했습니다. 우리가 자라면서 받아들인 낭만적인 개념은 생생한 서사 " America "에서 가장 가슴 아프게 표현되었으며, 희망과 절망에 대한 애절한 찬가였습니다. 하지만 S&G는 거기서 멈추지 않고, 범위를 보편적인 것, 즉 노년과 죽음을 향한 끊임없는 행진으로 확장했습니다. 애절한 " Old Friends "는 폭풍이 지나가고 초점이 공원 벤치에 앉아 "침묵 속에 같은 두려움을 공유하는" 두 노인의 이미지로 다시 옮겨가기 전에 비틀즈의 "A Day in the Life"처럼 불협화음으로 폭발할 위기에 처한 아름다운 현악과 호른 편곡으로 뒷받침되었습니다. 이 노래는 "Bookends Theme"로 매끄럽게 흘러갔고, Simon은 "기억을 간직하세요. 그게 당신에게 남은 전부입니다."라는 제안으로 마무리했습니다. 30년이 넘은 지금도 Bookends의 노래는 당시보다 훨씬 더 불안해 보입니다... 하지만 공원 벤치, 반쯤 비어 있는 침대, 그리고 그들이 웅변적으로 표현한 다른 가을의 진실에 30년 이상 더 가까이 다가갔을 때, 어떻게 다를 수 있을까요?

60년대 말에 만연했던 분위기는 평화롭거나 사랑스럽기는커녕, 베트남 전쟁의 끝없는 학살과 그 공포가 징집 복권의 러시안 룰렛으로 증폭된 것도 아니었다. 맨슨 패밀리가 히피적 이상주의를 상상할 수 없는 잔혹함으로 전이시킨 것도 아니었다. 비틀즈의 해체와 결합되어 60년대 이상주의의 마지막 흔적, 음악을 신성한 성소로 여기는 개념을 위태롭게 한 알타몬트의 반사적 폭력도 아니었다. 한때 조화로웠던 팝 세계가 결코 화해할 수 없는 여러 진영으로 폭발했다. 1970년이 시작된 지 한 달도 채 되지 않아 미국은 즉각적이고 변함없이 사랑받는 Bridge Over Troubled Water 를 발매하면서 가슴 뭉클한 친숙한 출처에서 원하는 노래를 얻었다 . S&G가 '69년 11월에 네트워크 TV 특집에서 유혹적으로 데뷔시킨 타이틀곡은 웅변적인 단순함과 우아함으로 절실히 필요한 희망의 메시지를 제공했다. 앨범의 시작 부분인 " Bridge Over Troubled Water "는 가펑클의 가장 위대한 보컬을 바탕으로 속삭이는 듯한 친밀함에서 숨 막힐 듯한 웅장함으로 점차 상승합니다.

느리게 구축되는 청각적 구조의 그 훌륭한 예는 이 음반의 수많은 즐거움 중 하나일 뿐이며, 그 중에서도 가장 중요한 것은 서사시적 생존자 서사인 " The Boxer "로, 1969년 톱 10 히트곡이자 Simon의 가장 기억에 남는 노래 중 하나입니다. " Cecilia "를 포함한 여러 노래는 후렴구에 도달하는 것보다 더 시급한 것이 없었지만, 그들의 구식 열광은 오래전에 무엇이든 가능해 보였던 순간에 대한 희미해진 기억을 되살려 냈습니다. 황금빛 꿈이 최악의 악몽으로 시들어버린 세대에게 의사가 처방한 것과 같았습니다. 아이러니하게도, 갱신의 언약으로 보편적으로 받아들여진 이 획기적인 작품을 만드는 동안 Paul Simon과 Art Garfunkel의 팀 자체가 해체되는 과정에 있었습니다. 그들의 엇갈리는 야망이 확실히 그것과 관련이 있었습니다. 그러나 더 중요한 것은 그들 이전의 Beatles와 마찬가지로 오랜 세월 동안 주요 멤버들에게 자연스럽고 강요되지 않은 공유 경험이었던 것이 긴장되고 자의식적인 경험이 되었다는 것입니다. 그들이 명성을 얻게 해준 그 10년처럼, 사이먼 앤 가펑클도 더 이상 시간이 흐르지 않았습니다.

" So Long, Frank Lloyd Wright " 에서 Simon은 한때 건축학을 전공했던 친구이자 파트너에게 작별인사를 했다고 확실히 주장할 수 있다. 또는 Garfunkel이 황혼의 보사노바 그루브에 맞춰 "새벽까지 하모니를 이루던 모든 밤들./ 안녕/ 안녕"이라고 한 노조 자체에게 작별인사를 했다고 할 수 있다.

Artie와 Paul에게 그들이 함께 보낸 그 세월과 함께 만든 음악은 이제 그들의 계속되는 개인적 사가의 초기 장에 불과하며, 그에 따른 승리와 실망도 있습니다. 그러나 그 시대를 살아온 우리에게 그들의 노래를 들으면 우리 삶의 특정 순간이 항상 떠오르고, 놀라울 정도로 생생하게 떠오릅니다. 그들은 계속 나아갔고, 우리 모두도 마찬가지였습니다. 하지만 우리가 때때로 낡은 레코드를 꺼내 그 안에 담긴 변화의 기억을 되살리는 것처럼, Simon과 Garfunkel은 헤어진 이후 몇 년 동안 가끔씩 만나서 Madison Square Garden에서 여러 밤을 함께 공연했고, Concert in Central Park 앨범에 기록된 전설적인 1981년 쇼를 했습니다. 그러한 전망은 여러 세대의 음악 애호가들에게 기뻐할 만한 이유입니다.