고충환평론 영문번역본

[phoenix夢園]

A painting by Roh, Choon-seok



Digging out light from the human body, from the body, from each being



Koh choong-hwan ( Art Criticism)





The outer wall of the studio was unusual. A horse painting with a dynamic and elaborate description and a mural with Geumgang fighter on one side, emblazoned with a low relief form, filled the wall. Someone said they would think it was a hermitage asked if it was made on order. I thought I would also make sculptures. There were no canvases and no paint, so it cost more to draw cheap construction materials. I thought it was a bit reckless. If there was no canvas, I would draw it with my gums if I didn't have teeth, I thought it was a natural painter. As such, the mural was silent testimony to the reckless artist, drawing it as it was held in hand and painting it as it was.



In fact, it was said to be a building material called an acrylic filler. It was said that when you put on weight with an acrylic filler, the high part collapsed and had to be tinkered, and cracks were formed during the drying process. I thought that it would be a problem if it were an industrial product, but rather, it created a formative effect like microcracks on the ceramic surface. I also thought that the color penetrated into the microcracks and obtained an unexpected effect like an inlay technique when I put color on it and wiped it.

In this way, the artist drew a series of figure paintings that borrowed the low-aid form along with the plane. There are people who can know who they are at a glance, such as Ahn Jung-geun, Roh Moo Hyun, Beethoven, and Che Guevara, while there are people who don't know them. Perhaps the people who created and shaped the artist's personality, therefore themselves_others. What is unique in this figure painting is that it exemplifies a mosaic method, such as gathering a single person in one place. Like a pixel in which parts come together and make the whole, it may be called a monad of one's personality or a monad of oneself_others. It is also noteworthy that it exemplifies the possibility of variable installation work that can be arbitrarily and arbitrarily edited and reconstructed according to the logic of the situation at the time.

Thus, the artist was homaging historical, political, artistic, and life-historical figures through a series of portraits reminiscent of a formal laboratory, which can be called Maninbo(Writing about countless people)'s pictorial response. And with this opportunity, I was formally experimenting with a spectrum of painting methodologies from realistic representation to abstraction.



He said he draws whatever he can hold and draws whatever he or she comes to. It is a so-called object painting that was created by introducing objects in life such as aluminum foil, canned beer, jeans, and cardboard. It can be said that a kind of object personality is exemplified by projecting oneself on objects beyond projecting oneself on people. The artist and the work are not uncommon to be different from each other, but as seen in the artist's work, it will reflect the artist's usual belief that the artist and the work should be a one-body testimony and therefore a reflection of life.

It was actually called upcycling. It would mean reusing things for the better beyond reuse (recycling), and therefore recreating objects in daily life into artworks. There is a series of works, but one of them stands out is a work based on a pier and a port surrounded by the sea, reminiscent of a map created while looking down with a side view. On a large frame made of cloth and corrugated cardboard, the points, places, and directions were marked using living objects such as beer cans and gum paper. The place where I stayed, the place where I saw, can therefore be called a work to prove myself and prove my life history.

And it is Samjok-oh that is noteworthy. Samjok-oh, who came from mythology, is known as the solar bird. Needless to say, it represents light, and light is also the reason the artist works. Then, what is the meaning of light in the artist's work? Light is the color, and color is the light. Light is crucial in painting that mediates color. Light, on the other hand, is life, and life is light. Therefore, light is crucial to beings that mediate life. For the artist, light has a pictorial and ontological meaning, and it is a part that is confirmed by the theme consciousness that appears in each place of light (2024) and in the light of life (2025).

Everyone and everything have their own light (hence life), and the artist's work is to dig out that light. It is to help the self-realization of existence by discovering light that feels soft (in the case of cloth), flashes and emits light (in the case of metal objects), and sometimes sleeps in an abyss darker than pitch black. Thus, the artist was digging up a faint hint of light inherent in the object, the existence, and the faded object.



There are portraits and object paintings, but the axis of the artist's work is humanization, which borrows the body and develops the logic of the situation in which humans are in and exist. From realistic representation to expressive brush strokes, it has reached the point where the form has been dismantled and reconstructed in the past. First of all, looking at the realistic representation, a muscular man shows his back on the background screen in a gloomy atmosphere.

He seems to be pushing the wall with his whole body, and he seems to be trying to open an invisible door. Compared to the front showing more information, the backside has a limited amount of information, which makes him think more (Michelle Tournier). It's implicit and suggestive. The author said that it was an expression‎ of the loss of humanity caused by the development of civilization. In addition, the title "The Far Side of Civilization" and "The Prohibited Door" are thus supported by a sense of subjectivity. There is a lack of logic in the absurd situation of humans (natural persons) struggling with the invisible wall, who are struggling with the rejected door, unknown why they were banned or who they are banning, as in Kafka's novel.

The absurd logic of the situation faced by humans (natural people), who are struggling with the rejection gate, which is unknown who (what) bans them, is weak. The muscular powerlessness (the muscular power paradoxically highlights the lethargy) that the man is showing is read as an allegorical expression‎ of this absurd situation logic.

And since then, the artist's paintings based on the human body have gone beyond the point where the human body is dismantled and reconstructed, showing a tendency to go to abstraction in the past, and I think it is the most remarkable part of the artist's painting and shows considerable painting achievements.

The human body (shape) is dismantled and replaced by long and short brush strokes, which are impressive. It is a gradation technique, and it is said that it was taken from a picture of a film signboard that brightens the color when the paint is rubbed with a brush after brushing. He also said he sympathized with Lee Seung-jo's painting based on the nucleus, also known as the pipe artist. Therefore, it can be said that it is a conceptual version of a pipe painting. Since this technique itself includes the texture of light, there are parts that match the form and content of the artist who keeps light as a topic.

In this way, the artist dismantles and reconstructs the form, and exemplifies a painting that tends to be called an all-homogeneous painting. The long and short brush strokes that fill the screen around the dismantled and reconstructed human body (form) express the energy (internal energy) that the human body, the body, and existence radiate, the same age (rhythm), and life (vitalism), and the simultaneous expression‎ attempted in the futurism and exemplified by Marcel Duchamp. It would be meaningful to watch how the artist's work, which is connected to a point that is also meaningful in art history, will develop in the future. Thus, the artist was digging out light from the human body and from the body through the brush with the texture of light and the restrained color emotion that appeared in monochromatic monotone.



노춘석의 회화



인체로부터, 몸으로부터, 존재 저마다의 빛을 캐내는



고충환(Kho Chunghwan 미술평론)





작업실 외벽이 예사롭지 않았다. 저부조 형식의 돋을새김 된, 손에 잡힐 듯 정치한 묘사가 역동적인, 말 그림이, 그리고 한쪽엔 금강역사가 그려진 벽화가 벽면을 가득 채우고 있었다. 누가 보면 암잔 줄 알겠다고 했다. 주문을 받아 제작한 것이냐고 물었다. 더러 조형물 제작도 하겠거니 싶어서였다. 캔버스도 없고 물감도 없어서 값싼 건축재료를 구해 그리다 보니 돈이 더 들어갔다고 했다. 좀 무모하다고 생각을 했다. 캔버스가 없으면 벽에도 그리고, 이빨이 없으면 잇몸으로도 그릴, 천생 화가라고 생각을 했다. 그렇게 벽화는 손에 잡히는 대로 그리고, 닥치는 대로 그리는, 무모한 작가를 침묵으로 증언하고 있었다.



사실은 아크릴필러라는 건축재료라고 했다. 아크릴필러로 살을 올리면 높은 부분이 주저앉아서 땜질해야 했고, 건조 과정에서 크렉이 생긴다고도 했다. 공산품이라면 문제가 되겠지만, 오히려 도자기 표면에 난 미세균열과도 같은 조형적 효과를 자아낸다고 생각했다. 그 위에 채색을 올리고 닦아내는데, 미세균열 속에 색이 파고들어 상감기법과도 같은 우연한 효과를, 예기치 못한 효과를 얻고 있다고도 생각했다.

그렇게 작가는 평면과 함께 저부조 형식을 빌린 일련의 인물화를 그렸다. 안중근과 노무현, 베토벤과 체 게바라와 같은 한눈에도 누군지 알 만한 인물이 있는가 하면, 누군지 모르는 사람도 있다. 아마도 작가가 평소 알고 지내는 사람들일 것이다. 아마도 작가의 인격을 만들고 형성시켜준 사람들, 그러므로 자기_타자들일 것이다. 이 인물화에서 특이한 것은 낱낱의 사람들을 한자리에 모아놓는 식의, 모자이크 방식을 예시해주고 있다는 점이다. 부분이 모여 전체를 일구는 픽셀처럼 자기 인격의 모나드, 자기_타자들의 모나드라고 해도 좋다. 여기에 그때그때 상황 논리에 따라서 임의적이고 자의적으로 편집하고 재구성할 수 있는 가변설치작업의 가능성을 예시해주고 있는 점도 주목해볼 부분이다.

그렇게 작가는 만인보의 회화적 응답이라고 해도 좋을, 형식실험장을 방불케 하는 이 일련의 인물화를 통해서 역사적인, 정치사적인, 미술사적인, 그리고 생활사적인 인물들을 오마주하고 있었다. 그리고 이를 계기로 사실적 재현에서부터 추상에 이르는 회화적 방법론의 스펙트럼을 형식 실험하고 있었다.



손에 잡히는 대로 그리고, 닥치는 대로 그린다고 했다. 알루미늄 포일, 캔맥주 깡통, 청바지, 골판지와 같은 생활 속 오브제를 도입해 그림을 그리고 조형을 만든 것으로, 일명 오브제 회화라고 해도 좋을 것이다. 자신을 사람에 투사하는 것을 넘어, 사물에 자신을 투사한, 그래서 일종의 사물 인격체가 예시되고 있다고 해도 좋다. 작가와 작품이 다른 경우가 없지 않지만, 작가의 작업에서 보는 바와 같은, 작가와 작품이 한 몸으로 자신을 증언하는 것이 되어야 한다는, 그러므로 생활의 반영이 되어야 한다는 평소 작가의 신념을 반영할 것이다.

사실은 업사이클링이라고 했다. 재사용(리사이클링)을 넘어 더 좋게 재사용하는 것, 그러므로 생활 속 오브제를 예술작품으로 재생하는 것을 의미할 것이다. 일련의 작품들이 있지만, 그중 눈에 띄는 것이 부감법으로 내려다보면서 그리고 만든 것 같은, 지도를 연상시키는, 한쪽에 바다를 끼고 있는, 부두와 항만을 소재로 한 작업이다. 천과 골판지로 큰 얼개를 조성한 위에 맥주 깡통과 껌 종이 같은 생활 오브제를 이용해 지점을, 장소를, 길을 표시했다. 내가 다니는 길을, 내가 머문 장소를, 내가 본 지점을, 그러므로 나를 증명하고, 자신의 생활사를 증명하는 작업이라고 해도 좋다.

그리고 주목되는 것이 삼족오다. 신화에서 건너온 삼족오는 태양새로 알려져 있다. 말할 것도 없이 빛을 표상하고, 빛은 작가가 작업하는 이유이기도 하다. 그렇다면, 작가의 작업에서 빛은 무슨 의미가 있는가. 빛이 곧 색이고, 색이 곧 빛이다. 그러므로 빛은 색을 매개하는 회화에서 결정적이다. 그런가 하면, 빛이 곧 생명이고, 생명이 곧 빛이다. 그러므로 빛은 생명을 매개하는 존재에게 결정적이다. 작가에게 빛은 이처럼 회화적 의미와 존재론적 의미를 내포하고 있는 것인데, 각 빛의 장소(2024)로 나타난, 그리고 생명의 빛(2025)으로 나타난 주제 의식으로도 확인되는 부분이다.

사람이나 사물이나 저마다 저만의 빛(그러므로 생명)을 내재하고 있고, 작가의 작업은 다름 아닌 그 빛을 캐내는 일이다. 부드러운 빛의 질감이 감촉되는(천의 경우), 번쩍거리면서 발광하는(금속 재질의 오브제의 경우), 때로 칠흑보다 어두운 심연에 잠자고 있는(존재의 경우) 빛을 발굴해 존재의 자기실현을 돕는 일이다. 그렇게 작가는 오브제에 내재 된, 존재에 내재 된, 빛바랜 사물에 내재 된 희미한 빛의 기미를 캐내고 있었다.



그렇게 인물화가 있고, 오브제 회화가 있지만, 작가의 작업에서 축으로 치자면 몸을 빌려 인간이 처한, 존재가 처한 상황 논리를 전개한 인체화를 들 수가 있을 것이다. 사실적 재현에서부터 표현적 붓질을 넘어, 종래에는 형태가 해체되고 재구성되는 지경에 이르는데, 먼저 사실적 재현을 보면, 암울한 분위기의 배경 화면 위로 근육질의 남자가 등을 보여주고 있다.

온몸으로 벽을 밀고 있는 것도 같고, 보이지 않는 문을 열어젖히려 하는 것도 같다. 더 많은 정보를 보여주고 있는 앞모습에 비해, 뒷모습은 정보량이 한정돼 있어서 더 많은 생각을 하게 만든다(미셸 투르니에). 함축적이고 암시적이라는 말이다. 작가는 문명의 발달에 따른 인간성 상실을 표현한 것이라고 했다. 여기에 문명의 저편이라는, 그리고 금지된 문이라는 제목이, 그러므로 주제 의식이 이러한 작가의 생각을 뒷받침하고 있다. 보이지도 않는 벽과 씨름하고 있는, 마치 카프카의 소설에서처럼 왜 금지됐는지, 누구를(무엇을) 금지하는지 알 수 없는, 거부하는 문과 씨름하고 있는, 인간(자연인)이 처한 부조리한 상황 논리가 여실하다. 남자가 보여주고 있는 근육질의 무력한(근육질이 역설적으로 무기력을 부각하는) 등이 이런 부조리한 상황 논리의 우의적 표현으로 읽힌다.

그리고 이후 인체를 소재로 한 작가의 그림은 인체가 해체되고 재구성되는 지경을 넘어, 종래에는 추상으로 갈 수도 있겠다 싶은, 경향성의 회화를 보여주고 있는데, 작가의 회화 중 가장 괄목할 만한 부분이고, 여기에 상당한 회화적 성과도 보여주고 있는 부분이라고 생각한다.

인체(형태)가 길고 짧은 붓질로 해체되고 대체되는데, 붓질이 인상적이다. 그러데이션 기법인데, 붓질한 연후에, 붓으로 칠을 문지르면, 칠이 엷게 펴지면서 색이 밝아지는, 영화간판 그림에서 가져온 것이라고 했다. 일명 파이프 작가로 알려진 이승조의 핵을 소재로 한 그림에 공감한다고도 했다. 그러므로 파이프 그림의 구상적 버전이라고 해도 좋을 것이다. 이 기법 자체는 빛의 질감을 포함하고 있어서, 빛을 화두로 간직하고 있는 작가의 회화적 과업과 성과에도 부합하는, 그러므로 형식과 내용이 부합하는 부분이 있다.

그렇게 작가는 형태를 해체하고 재구성하는데, 화면 전체로 확장해가는 붓질이 전면균질회화라고 해도 좋을 경향성의 회화를 예시해주고 있다. 해체되고 재구성된 인체(형태) 주변으로 화면을 채우고 있는 길고 짧은 붓질이 인체가, 몸이, 존재가 발산하는 기(내재적 에너지)를, 동세(리듬)를, 생명(바이털리즘)을 표현한 것도 같고, 미래파에서 시도되고 마르셀 뒤샹에서 예시된 동시성의 표현을 보는 것도 같다. 이처럼 미술사적으로도 의미가 있는 지점에 접속된 작가의 작업이 향후 어떻게 전개돼 나갈지를 지켜보는 것도 의미 있는 일일 것이다. 그렇게 작가는 빛의 질감을 머금은 붓질을 매개로, 그리고 여기에 단색조의 모노 톤으로 나타난 절제된 색채감정을 매개로 인체로부터, 몸으로부터, 존재 저마다의 빛을 캐내고 있었다.