스크랩 쇼스타코비치 교향곡 15번

[늘사랑]

쇼스타코비치: 교향곡 15번

글: 김성익

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

먼저 전반적인 음악사에 비추어진 쇼스타코비치의 역할과 의미를 고찰한 뒤, 그가 작곡한 15개의 교향곡 중에서 차지하는 이 곡의 의미에 대해서 이야기하기로 한다.

쇼스타코비치의 교향곡들

20세기에 들어와서 교향곡이란 장르는 서서히 쇠퇴해지고 말았다. 그 이전에는 교향곡 자체는 조성의 튼튼한 골격하에서 이루어지는 구조체라는 것이 지배적인 인식이었지만 20세기에 들어서면서, 서서히 조성을 파괴하는 경향이 주류로 형성되었기 때문에 일어난 필연적인 결과가 되어 버렸다. 현대음악의 무조적인 형식은 궁극적으로 교향곡을 시들하게 만들 것임은 명약관화하였다.

이러한 본토 유럽의 변화와 맞물려 러시아에서도 갖은 시도의 노력이 행해졌지만 그렇게 성공적일 수는 없었다. 결국 이러한 노력은 혁명을 거치면서 소련이라는 정치적인 재편에 의해, 유럽과는 다른 형태를 띠게 되었다. 즉 러시아 5인조나 차이콥스키 등의 시도에는 분명히 한계가 존재하였으며 아직 근대적인 음악을 태동시키지는 못했다. 이러한 배경하에 모든 것들이 스탈린의 체재 하에 묶인 상황의 소련에서는, 스탈린이 요구하는 음악을 작곡하지 않을 수 없었으며 이런 음악은 유럽과는 다른 스타일의 서사적이고 기념비적이며 다분히 선동적인 표제음악이 요구되었다.

스탈린이 문화적인 열등감을 박차고 일어설, 새롭게 준비된 천재로서의 쇼스타코비치를 자유 세계의 문화적 아성에 전면적으로 내세운 것은 자칫 쇼스타코비치의 능력이 과소평가 될 수도 있는 우려를 낳기도 했다. 계획경제처럼 그도 계획된 예술가에 불과하다는 폄하의 생각이 일어날 수도 있다. 그러나 이제 우리는 쇼스타코비치를 생각함에 있어서 이러한 생각이 얼마나 유치한 사고임을 잘 알고 있다. 쇼스타코비치는 자신에게 주어진 제약적 상황에도 불구하고 이루어낸 교향곡의 업적과 유산에 대해서는 분명히 합당한 평가를 받아한다. 또한 우리는 정확하게 이런 면들을 고찰할 수 있어야 한다. 제한된 세상에서 펼쳐진 그의 천재성은 어떠한 수식어구도 필요 없으며 단지 귀만 기울인다면 충분히 발견할 수 있다.

쇼스타코비치의 음악은 현대에 작곡되었지만 현대음악이라고 하기보다는 다소 근대적인 음악이라고 보는 것이 정확하다. 그러나 이렇게 말러의 뒤를 잇는 듯한 음악적 어법과 표제적인 면과 정치적인 풍자를 표현하는 듯한 그의 음악은 현대음악이냐 아니냐라는 구별보다는 더 우선되는 의미가 있다. 그것은 바로 그의 표제적이며 서사적인 작품보다는 절대음악적 성격이 강한 작품에서 표현되는 진실한 소리가 그 주인공이다. 즉 그러한 절대음악에서 쇼스타코비치가 이야기하는 것이 그의 참다운 주장임을 잊어서는 곤란하다. 우리는 그의 이런 음악정신을 교향곡 제1번, 4번, 5번, 10번, 그리고 그의 마지막 교향곡인 15번에서 접해볼 수 있다.

그의 마지막 교향곡

첼리스트 로스트로포비치와 함께한 쇼스타코비치 1945년 그의 60세 생일을 기념하는 이날 첼로 협주곡 2번 초연이 있었다.

15번 교향곡은 음악적 형식으로 본다면 전형적인 교향곡의 스타일을 가지고 있다. 그리고 다시 1번 교향곡의 뉘앙스를 풍기면서 두 교향곡이 서로 맞물고 있는 특이한 형태를 차지하고 있다. 즉 절대 음악적 성격을 띄고 있으며 이는 음악적 퇴행의 길을 걷는 것이 아니라 그 기나긴 교향곡의 길에 마지막 이정표를 세우고 영원한 음악적 순환의 굴레로 만들었다. 15번 교향곡의 이런 작품적 특징은 그의 마지막 작곡의 시기에 위치해서, 작품 내면 못지 않게 시기적으로도 매우 아이러니컬한 모습을 나타내고 있다. 15번 교향곡이 쇼스타코비치 전체 교향곡에서 차지하는 역할은 바로 그의 모든 교향곡에 대한 결론을 이야기하고 있다는 것이다. 이곡을 작곡함으로써 그는 교향곡 장르에 대한 새로운 진보에 대한 시도를 다시 처음 상태로 되돌려 놓았다. 쇼스타코비치는 작곡가의 철학이 깃든 교향곡이란 장르는 무조라는 현대의 음악적 언어로 펼치기보다는 오히려 고전적 언어가 더 효율적이다라는 것을 피력하고 있다. 즉 현대음악은 새로운 형식을 통해서 재탄생 될 것임을 확신하고 있으며 교향곡의 존재 영역에 대한 정의를 내리고 있다. 15번 교향곡에서 우리가 엿볼 수 있는 것도 바로 이러한 우화적인 면과 아울러 따뜻하고 쾌활한 분위기이다. 그리고 대부분의 작곡자들의 마지막 작품에서 풍기는 삶에 대한 영원성, 종교성, 경건함과는 달리 매우 긍정적 생각과 실내악적인 경향을 풍기고 있다.

곡의 초연은 1972년 모스크바에서 아들인 Maxime Shostakovich의 지휘와 USSR Radio Symphony Orchestra의 연주에 의해서 이루어졌다. 그러면 간단하게 각 악장 별로 살펴보기로 하자.

• 1악장 Allegretto
  매우 유쾌한 분위기를 이끌고 다니며 롯시니의 "월리엄 텔 서곡"의 마지막 부분에서의 금관의 선율을 모방하고 있다. 이를 통해서 쇼스타코비치는 오케스트라의 움직임을 매우 선명하고 경쾌하게 드러내고 있다. 이러한 시도는 곡 전체의 구성은 고전적이지만 세부적인 형태는 소나타 형식에 구애되기보다는 자유로운 형식 표현을 갈구하고 있다. 그러면 이러한 자유로운 형식은 어떤 의미가 있는가? 그것은 자유로운 형식을 통해서 자유로운 생각을 상상할 수 있으며 이 생각은 쇼스타코비치의 과거 회상으로 연결된다. 이러한 모든 역할의 결정적인 도구가 바로 롯시니로부터 모방한 금관의 선율인 것이다. 어릴 적 그가 깊은 인상을 받은 선율이며 이를 통해서 과거로 날아가는 것이다. 이 선율은 5회에 걸쳐서 반복되고 있으며 매우 다양한 인상을 남기면서 전체 악장을 이끈다.
• 2악장 Adagio-Largo
  2악장은 장송 행진곡 풍으로 진행된다. 특히 전통적인 장송행진곡과는 달리 그만의 독특한 분위기를 나타내고 있다. 이러한 장송행진곡은 1번 교향곡의 3악장, 4번 교향곡의 마지막 악장인 3악장, 11번 교향곡의 3악장"추억"에서도 쓰인 바 있는 형식이다.
• 3악장 Allegretto
  바순으로부터 시작되는 목관의 도입부와 현을 중심으로 하는 재현부, 그리고 바이올린 솔로로 시작되는 중간부, 타악기로 마무리 짓는 피날레는 상당히 그로테스크한 면을 증폭시킨다. 실로폰, 캐스터네츠 등의 타악기가 끝맺는 부분은 그렇게 음량이 크지 않다. 여러 가지 악기가 다양한 얼굴을 가지고 등장하지만 실제적으로 나타나는 효과는 그리 과장되지 않은 모습을 내포하고 있다. 이러한 부분은 마지막 악장에도 포함하고 있다.
• 4악장 Adagio-Allegetto
  이 악장은 표면적으로는 두 가지 특징을 지니고 있다. 수많은 타악기를 이용하고 있다는 것과 유명한 바그너의 음악을 그 소재로 삼고 있다는 것이다. 바그너의 "니벨룽의 반지" 중에서 운명의 동기나 지그프리드의 장송행진곡, "트리스탄과 이졸데" 등에서 음을 인용하고 있다. 타악기는 3악장에서도 얼굴을 내비치지만 4악장에서는 팀파니를 포함해서 무려 14종의 타악기가 등장한다. 그렇지만 타악기 특유의 강렬하다거나 투박한 면을 강조하기보다는 산뜻하고 명료한 음색이 울려 퍼진다. 1악장의 롯시니 선율이 5회에 걸쳐 나타나듯이 바그너의 이 금관과 어울어진 선율은 8차례나 반복된다. 그러면 왜 윌리엄 텔이나 지그프리드가 등장하는가? 이들은 바로 영웅들이다. 쇼스타코비치는 이러한 영웅들을 끄집어내서 음악적 소재로 사용한 것은 20세기는 영웅의 시대가 아님을 말한다. 또한 저 영웅들은 고전적인 교향곡이라고도 비유할 수 있다. 마치 영웅은 영웅의 시대에서 빛나듯, 교향곡도 마찬가지의 개념을 가지고 있다고 해석한다. 쇼스타코비치는 분명 이 4악장을 통해서 더 이상의 교향곡과의 교감은 접어두고 새로운 형체를 찾아 나서고 있음을 분명히 나타낸다.

추천음반

1975 Stereo

Symphony No. 15
SHOSTAKOVICH
Bernard Haitink (conductor)
London Philharmonic Orchestra
DECCA 11CDs

15번 교향곡을 연주함에 있어서는 지나치게 감상적인 면이나 자극적인 면을 강조하기보다는 오히려 곡의 분위기와 잘 들어맞도록 밝고 투명함을 간직해야 한다. 곡 전반에 걸쳐 흐르는 선율들은 절대 심각한 표정으로 구성되어져 있지 않다. 정확한 감정 전달을 위해서는 다소 담담하고 성실하게 그려지는 것이 무엇보다도 필요하다. 템포도 그렇게 급작스러운 변화를 추구하기보다는 오히려 한 템포 늦추는 것도 좋다.

이러한 감정을 충족시켜주기에는 다소 평면적인 주장을 펼치더라도 세부적인 묘사 특히 타악기의 질감있는 소리가 매우 중요한 요소를 차지한다. 로스트로포비치 (TELDEC)은 1악장에서 각 악기들 간의 이질적인 소리보다는 전체적인 조화를 차분하게 이끌어낸다. 억지스런 울림보다는 자연스러운 음을 만들고 있다. 추천음반으로 꼽은 하이팅크/런던 필의 연주는 로스트로포비치 보다 더 선명하고 투명한 음을 들려준다. 특히 1악장의 큰북은 마치 솔티/빈 필의 베르디 레퀴엠 (DECCA)에서의 위용과도 같은 그런 이미지의 소리를 낸다. 로스트로포비치가 하이팅크보다는 롯시니 선율을 좀 더 자연스럽게 묘사해내지만 하이팅크는 더 분명하고 또렷한 음색을 강조한다.

콘드라신/모스크바 필 (MELODIYA) 음반은 앞선 두 음반보다 빠르게 진행되기 때문에 세부적인 묘사가 정교하지 못하며 투명한 음색보다는 뚜렷한 금관을 앞세운다. 2악장에서도 긴 호흡의 하이팅크와 로스트로포비치가 콘드라신보다는 더 장송행진곡다운 면을 나타낸다. 3악장과 4악장에서 타악기의 음색이나 효과도 하이팅크가 더 세련된 음으로 다듬고 있다. 특히 아다지오 등의 선율이 부각되는 부분에서의 템포처리나 물 흐르듯 처리되는 바그너의 운명의 동기들이 유기적으로 잘 결합시키는 것은 콘드라신에 비해서 더 낫다. 콘드라신은 템포가 빨라서 충분히 길게 뻗지는 못하지만 그 끝은 더 예리하다. 하이팅크가 들려주는 음은 소규모적이며, 낭만적이기 보다는 고전적인 이 교향곡에 더 잘 어울린다. 이 음반은 11장짜리 전집물뿐만 아니라 낱장으로 구할 수 있다.