스크랩 음악 이론의 이해

[솔롱고]

음악 이론의 이해     

                                                                            김 미 옥

목 차

I. 음악이론의 영역
II. 음악이론의 두 갈래: 사변적 vs. 실제적 이론
II-1. 사변적 이론 II-2. 실제적 이론
III. 음악이론의 주제들과 그 역사적 고찰
III-1. 음계와 선법 III-2. 리듬과 박자
III-3. 조율법 III-4. 기보법
III-5. 대위법 III-6. 화성법
IV. 맺음말



I. 음악이론의 영역


서양음악이론은 음악분과학들 가운데 가장 정의내리기 어려운 분야로 보인다. 음악이론이란 용어에 적용되는 여러 가지 의미들을 단계적으로 정리해 보면 다음과 같다:

①실기를 제외한 음악의 모든 분야(즉, 음악학 자체).
②음악학에서 음악사 분야를 제외한 모든 다른 분야(즉, 체계음악학).
③체계음악학의 일부, 즉, 음향학(조율법), 악기학을 비롯하여 작곡법, 연주법, 관현악법, 기보법, 음계이론, 리듬론 등. 재즈를 비롯한 대중음악에 대한 최근의 이론적 취급도 여기에 속할 수 있다.

④음악의 구조(선율, 리듬, 박자, 대위법, 화성, 형식 등)에 대한 연구.

이와 같은 음악이론의 다양한 의미는 18-20세기에 걸쳐 나타나는 음악학의 분야들에 대한 다양한 분류에서도 유사하게 나타나는데, 그런 현상에 대한 가장 큰 이유로는 음악의 분야들이 날로 세분화되어온 것을 들 수 있다. 음악학의 세분화된 여러 분야들이 이미 매우 전문적으로 다루어지고 있으므로, 본고에서의 음악이론에 관한 논의는 이제부터 ③과 ④에만 국한된다.

음악이론은 시대에 따라 당면하게 되었던 특정한 이론적 주제나 문제들을 중심으로 다루며 발전했다. 이와 같이 역사적으로 광범위한 음악이론을 근본적으로 이해하기 위해, 본고는 우선 고대 그리스시대부터 현대까지의 음악이론을 크게 사변적인 것과 실제적인 것으로 나누어 개관해 본 다음, 역사적으로 비중있게 다루어져온 주제들을 간추려 고찰해 보겠다.


II. 음악이론의 두 갈래: 사변적 vs. 실제적 이론


음악이론을 역사적으로 살펴보면 크게 사변적인 것과 실제적인 것으로 나누어 볼 수 있다. 사변적인 이론은 경험이나 기술적인 것과 상관없는 순수한 사유(思維)만으로 이루어진 것을 의미하는 반면, 실제적인 이론은 오히려 그런 것들을 중요하게 다루는 것이다. 그 두 이론의 기원은 모두 고대 그리스시대로까지 거슬러 올라갈 수 있는데, 이 가운데 사변적 이론은 근세에 이르기까지의 음악이론을 지배하고 그 이후에도 여전히 영향력을 발휘한다:

①실제적 이론이 그 그늘에 갇혀 있다가 중세(5-14세기)의 중·후반부터 르네상스시대(15-16세기)에 걸쳐 서서히 부각되기는 하지만, 사변적 이론의 전통이 강했기 때문에 실제적 이론도 그것에 토대를 둔 것이 많다.

②바로크시대(17-18세기 중엽)에는, 작곡규범을 비롯한 실천적 이론서들이 많이 나타나기는 하지만,합리주의·자연과학적 사고의 대두로 다시 수개념에 입각한 음악이론들이 부활하기도 한다.

③18세기 후반-19세기의 음악이론에서는 수학적 개념이 보편적으로 제거되지만, 철학적·물리학적 측면과 접목된 사변적 음악이론이 지배적이다.

④20세기에는 여러 각도에서 음악을 조망해보려는 접근방법이 새롭게 시도되나, 20세기 중엽부터는 다시 수학적·객관적 이론이 나타나기도 한다.

⑤20세기 후반에 부각되는 현상학적 음악이론은 이러 경향에 대한 반작용으로 해석되지만, 역시 사변적 음악이론으로 분류되어야 할 것들이다.


II-1. 사변적 이론

사변적 이론은 음악이론의 아버지라일컬어지는 피타고라스(기원전 6세기)에서부터 시작된다. 우주만물이 수학적 조화로 이루어져 있다고 믿은 그는 음향도 수적 비율로 밝혀보고자 했다. 결과적으로 그는 음정들을 수적 비율로 정의하므로써, 예술로서의 음악과는 관계없는 수학·과학으로서의 음악연구에 기초를 놓았다: 현의 길이를 1로 보았을 때를 1도로 본다면, 1/2은 8도, 2/3는 5도,3/4은 4도. 4까지의 숫자에 국한되어 있는 그의 음정비율은 그 당시에 이 숫자가 상징했던 완전성(만물의 구성요소인 물, 불, 흙, 공기)을 그대로 반영한다("완전음정"). 피타고라스는 그 어떤 저서도 남기지 않았지만, 이런 기초는 고대 그리스·로마의 피타고라스학파 이론가(기원전 4세기경-기원 3세기경)들에 의해 기록·보완·강화되어 후세에 전달된다.

중세 초기의 보에티우스(A. M. S. Boethius, 480경-524경)는 그리스의 음악이론을 중세에 전해주는데 다리의 역할을 한 피타고라스학파의 이론가이다.

르네상스시대에는 인본주의와 관련하여 사변적 음악이론이 약화되기는 하지만, 그 명맥은 이어진다. 15세기 전반에 활동한 이태리의 우골리노 디 우르베베타노(Ugolino di Urbevetano 또는 Ugolino ofOrvieto, 1380경-1457)는 음악을 이론과 실제로 나누어 르네상스이론서의 전형을 세웠는데, 이론부분에 있어서는 보에티우스의 수학적·자연과학적 이론을 포함시키므로써 사변적 이론을 부활시켰다(『음악학과에 대한 설명』Declaratio musice descipline, 1430년경). 이런 부활은 당시의 이론가들이 양극적으로 보에티우스의 이론에 대한 지지 또는 거부의 입장을 취하게 되는 결과를 초래하는데, 궁극적으로는 이태리의 요한네스 팅토리스(Johannes Tinctoris, 1435경-1511경)와 프란키누스 가푸리우스(Franchinus Gaffurius, 14511522)에 의해 거부쪽으로 기울게 된다. 보에티우스의 권위는 마침내 꺾이게 되지만, 16세기에도 여전히 수학에 기초한 사변적 이론과 당시의 음악적 실제를 연계하고자 하는 이론이 나타난다.

바로크시대의 사변적 이론은 독일의 천문학자·수학자인 요한 케플러(Johann Kepler, 1571-1631)의 『천체의 하모니』(Harmonices mundi, 1619)에서 잘 나타난다: 특히 제5권에서는 음들의 관계가 우주 행성들의 움직임으로부터 산출되어 있는 등 피타고라스적 사고가 그대로 반영되어 있다. 프랑스의 요셉 소뵈르(Joseph Sauveur, 1653-1716)의 음향연구와(배음을 발견: 『음정의 보편적 체계』Systeme general des intervalles des sons, 1701), 장 필립 라모(Jean Philippe Rameau, 1683-1764)의 수학적 음향학에 기초를 둔 화성이론도 마찬가지이다(『화성론』, Traite de l'harmonie, 1722). 또다른 사변적 이론으로는 감정표현의 객관적 체계화(감정이론, Affentenlehre)를 들 수 있다.

18세기 후반-19세기에 음악을 철학·물리학에 접목시킨 사변적 음악이론가로는 화성이론에 헤겔의 변증법을 적용한 모리츠 하웁트만(Moritz Hauptmann, 1792-1894)과, 실증주의적·심미적 사고를 도입한 프랑수와-요셉 페티스(Francois-Joseph Fetis, 1784-1871), 그리고 자연과학이론에 복귀하여 근대 음향학의 기초를 놓은 헤르만 폰 헬름홀츠(Hermann von helmholtz, 1821-1894)를 들 수 있다(III-6 참조).

음악을 여러 각도에서 조망해보려는 20세기의 새로운 접근방법은 양식, 역사, 사회적 문맥과 단절된 사변적 음악이론이 완전 또는 충분하지 않다는 생각에서 비롯된 것이다. 그러나 20세기 중엽부터는 다시 수학적·객관적 이론이 다루어진다. 20세기 후반에 현상학적 음악이론을 제시한 이론가로는 토마스 클립톤(Thomas Clifton) 등이 있다.


II-2. 실제적 이론

실제적 음악이론은 기원전 4세기경의 아리스토크세누스에서부터 시작된다. 그는 수적 비율의 중요성을 인정은 했지만, 실제의 음악을 판단하는데는 감각적 지각이 더 근본적인 중요성을 가진다고 주장한다(『하모니의 요소들』Harmonic Elements). 현존하는 고대의 음악이론서들은, 아리스토크세누스의 것을 제외하면, 대체로 모두 피타고라스 학파에 속한다.

중세시대에 처음으로 실제음악을 다루기 위한 목적(특히 성가의 지도)으로 쓰여진 음악이론서가 나타난다(9세기경). 11세기의 귀도 다렛쪼(Guido d'Arezzo, 992경-1050)는 그의 『작은 학문』(Micrologus, 1026경)에서 보에티우스의 이론을 성가의 훈련에 필요한 만큼만 다루고 있으며, "그의 책은 가수들에게는 필요가 없고 오직 철학자들에게나 유용한 것"으로 언급하고 있다. 그러나 귀도는 아직 예외적인 편에 속한다. 당시의 다른 이론서들은 보편적으로 보에티우스의 전통과 실제적 측면의 화합을 시도했다.

13세기 후반과 14세기에는 -특히 기보법과 새로운 박자체계와 관련하여- 계속 실제적인 이론서가 주류를 이루게 된다(III-4 참조). 이 저서들에 나타나는 새로운 공통점은 보에티우스의 권위에 대해 비중을 두고 있지 않은 것이다.

르네상스시대에는 특히 대위법과 선법을 다루는 실제적 음악이론서들이 많이 나타난다.

바로크시대에는 새로운 음악양식이 -<통주저음」?(Basso continuo)과 단선율만 주어지고 내성부와 장식음들이 즉흥적으로 채워지는 방식의 화성적 음악이- 발전하면서, 실제 연주를 위한 지침서들이 많이 나타난다. 즉흥적인 장식음에 대한 지도서로서 가장 대표적인 것은 줄리오 카치니(Giulio Caccini, 1550경-1618)의 『새음악』(Le nuove musiche, 1601/2)이다. 또한 옛음악과 새음악을 각각「?제1작법」?(Prima prattica)과「?제2작법」?(Seconda prattica)로 인정하면서 이 둘의 차이점을 설명하는 이론서들이 나오는가 하면, 당시에 일어나기 시작하는 선법에서 장·단조로의 전환과정을 논급한 이론서들도 나타난다(III-1 참조). 제1작법(엄격대위법)을 설명한 대표적인 이론서로는 요한 푹스(Johann J. Fux, 1660-1741)의 『파르낫소에의 계단』(Gradus ad Parnassum, 1725경)이 있다.

고전-낭만주의시대의 실제적 음악이론서로는 대위법에 관한 것들(III-5 참조), 라모의 화성이론에서 수학적 방법이 제거된 것들(III-6 참조), 기악음악의 형식이 처음으로 중요하게 다루어진 하인리히 코흐(Heinrich C. Koch, 1849-1916)의 『작곡입문서』(Versuch einer Anleitung zur Composition, 1793) 등이있다.

20세기에도 작곡기법·규범이나 작품분석을 다루는 이론서들이 자연과학·철학에 기초된 경우가 많은데, 특히 배음이 다시 큰 비중을 차지한다.


III. 음악이론의 주제들과 그 역사적 고찰

아래의 논의는 시대적으로 이론서에서 먼저 다루어지기 시작했던 주제의 순으로 되어 있다. 음계와 선법, 리듬, 조율, 기보법이론은 그리스시대에 이미 대두하여 역사적으로 변천을 겪게 된다. 대위법은 10세기경부터 나타나 역시 역사적 변천을 겪으며 중요한 이론으로 대두된다. 화성이론 등은 르네상스 후반부터 서서히 다루어지기 시작한다.


III-1. 음계와 선법

고대 음조직의 바탕은「?테트라코드」?(4음음계: 숫자 4의 상징성은 II-1 참조)이며, 아리스토크세누스(기원전 4세기경)의 『하모니의 요소들』에서 처음 나타난다(하모니란 말은 원래 조화나 질서를 의미). 이 이론서는 2개의 테트라코드가 이어진「?옥타브음계」?도 선보인다(음역은 2옥타브: A-a').

<그리스선법」?은 프톨레마이오스(Ptolemaios, 2세기경)에 가서야 명확히 설명된다. 그는 전통적으로 13-15개의 선법이 언급되었다고 밝히면서도 7개로 체계화하고 있다(음계와 선법이 하행선율로 취급되어 있다).

중세의 선법(<교회선법」?이라고 한다)에 대한 이론적 논의는 9세기경부터 나타나고 11세기경에 가서 체계화된다. 교회선법은 그리스선법과는 다른 8개의 상행음계로 되어 있고, 종지음과 음역에 따라 각각 고유한 번호와 라틴어 명칭을 갖고 있다(교회선법이 본의 아니게 그리스선법과 다르게 된 이유는 각주 7 참조).

교회선법은「?낭송음」?(Tenor)과 시작·중간·종지부분의 선율적 형태에 의해 구별되기도 한다(교회선법은 성가를 체계적으로 분류하기 위해 고안된 것이다). 낭송음은 선율적 중심음으로서 많은 가사가 이 음에 낭송되는데, 정격은 종지음의 5도음에 오고, 변격은 정격 낭송음의 3도 아래음에 온다(그 음들이 반음일 경우에는 예외).

<헥사코드」?(Hexachord)는 귀도가 성가를 쉽게 지도하기 위해 11세기에 고안한 6음의 계명음계(ut-re-mifa-sol-la)이다(옥타브계명음계의 기원). 이 음절들은 옥타브계명음계의 이동도체계처럼 상대적 음높이를 나타낸다: 헥사코드는 c, f, g음 위에 구성된다(f에서 시작되는 헥사코드는 b음 대신 b┒음이 쓰임). 헥사코드의 지도를 더욱 쉽게 하기 위해, 귀도는 '귀도의 손'이라고 불린 도표도 고안했던 것으로 알려져 있다. 이 도표는 지휘자 또는 지도자가 가르키는 손가락의 마디를 노래하는 자가 보고 손쉽게 헥사코드의 음들을 알아 볼 수 있게 한 것이다. 이도표는 또한 결과적으로 중세-르네상스 음악의 이해에 필수적인「?무지카 픽타」?(Musica ficta: '가짜음')의 개념을 낳게 된다.

<르네상스선법」?은 8개의 중세선법에 4개가 더 합해진 것이다. 12선법체계의 대두(글라레아누스의 『12선법』)는 당시에 중세선법이 잘못 전해진 그리스선법으로 판명되면서 그 권위가 약화된 것와 때를 같이 한다. 중세선법의 권위의 약화는 짜를리노가 12선법의 순서를 도리아로부터 자리매김하는 대신 이오니아로부터 시작한데서도 잘 나타난다(이런 변경은 조율을 염두에 둔 것이다).

<옥타브계명음계」?는 헥사코드를 대체한 것으로서 르네상스시대에 나타난다. 그 대체의 근본적인 이유는 헥사코드가 옥타브 체계와 맞지 않았기 때문이다. 그러나 르네상스 초기에 처음으로 옥타브계명음계가 제안되었을 때(파레야, 1482), 보수파의 비난은 엄청난 것이었다.

바로크시대에는 장·단조가 르네상스선법보다 점차로 우세해진다. 장·단조가 이오니아와 에이올리아와 같기는 하지만, 그 전환이 12선법에서 2선법만이 남은 식으로 간단히 진행되지는 않는다. 16세기말에 영국의 음악이론가·작곡가인 토마스 몰리(Thomas Morley, 1557-1602)는 조성을 ①전통적 선법, ②교회조(Church tones), ③조(Key) 또는 선율(ayre)로 구분하고 있는데, 이 분류는 바로크시대에서의 선법에서 장·단조로의 전환을 설명하는데 그대로 적용될 수 있다. 즉, 바로크시대를 통해 여전히 12선법이 논의되고, 한편으로는 17세기 초에 선법과 조성의 개념이 혼합된「?교회조」?가 이론서들에 나타나며, 장·단조의 개념도 서서히 체계화된다.

16세기 후반-17세기 초의 몇몇 이론가들은 이미 12선법을 장·단조의 2종류로 분류했다: ①짜를리노는 (표현효과에 따라) 선법들을 (종지음 위로) 장3도와 단3도의 유형으로 나누었다(『하모니의 체계』, 1558). ②선법들을 장3화음과 단3화음의두 유형으로, 또는 ③올림표(┐)노래와 내림표(┒)노래의 두 종류로 나눈 예도 있다.

17세기 후반-18세기 초에 이르러서는 장단조가 체계화된다: ④선법이름의 언급없이 장단조란 용어만 사용한 이론서가 나타나기 시작하며, ⑤그 조들의 필수적인 음로서 으뜸음(Tonic)이 거론된다. ⑥병행조와 관계조의개념도 논의되며, ⑦마침내 24장단조의 체계가 확립된다: 요한 하이니헨(Johann D. Heinichen, 1683-1729)과 요한 마테존(Johann Matheson, 1681-1764) 등.

19세기에는 조성의 관계, 즉 하나의기본음과 기능적으로 관련지워진 다른 음들과의 구속력이 조성의 확장으로 인해 약해지고, 20세기에는 마침내 조성조직의 붕괴를 가져온다: 12음을 동등하게 취급하는 반음계(무조주의, 12음기법)와 더불어, 온음음계나 특정한 방식에 의해 임의로 조립된 음계(Synthetic scale)의 사용도 등장한다(벨라 바르톡과 올리비에 메시앙).


III-2. 리듬과 박자

리듬은 '흐름'이나 '움직임'을 의미하는 그리스어의 리트모스(rhythmos)에서 유래된 말로서, 선율과 하모니와 함께 음악을 이루는 기본적 요소이다. 박자는 규칙적으로 반복되는 '흐름'으로서의 리듬을 규정지을 수 있는 최소단위인 박의 수에 의하여 이루어진다(강박과 약박의 규칙적인 교대). 리듬과 박자에 대한 개념이나 체계도 시대에 따라 바뀐다.

고대인들은 피타고라스적 사고에 근거하여 리듬을 우주 질서(즉, 시간과 운동의 질서: 계절의 주기, 밤과 낮, 삶과 죽음 등)의 지배원리로 보았다. 음악에서의 리듬도, 3가지 요소 가운데, 가장 근본적인 것으로 간주되었다. 리듬에 대한 고대인들의 이런 해석은 고대의 음악이 원래 시의 운율에서 빌어온 것임을 상기시켜 주기도 한다.

아리스토크세누스는 그의 리듬론에서도 반피타고라스적 견해를 보여준다(『리듬의 요소들』Rhythmic Elements): 리듬은 매체를 통해서만 존재할 수 있다. 그는 오름(arsis: '발의 올림')과 내림(thesis: '발의 내림')으로 리듬의 시간단위를 규정하므로써 박의 개념도 설명하고 있다.

시의 운율로서의(또는 음악의 리듬으로서의) 리듬체계에 대한 구체적 설명은 4세기경에야 처음 나타난다. 그 체계에서는 기본은 길고 짧은 두 종류의 리듬(2 : 1)이 다양하게 결합되어 6가지의 리듬형 또는「?모드리듬」?(Rhythmic Modes)을 형성한다. 모드리듬의 체계는, 제1모드와 마찬가지로, 모두 3박자의 형태로 되어 있는데, 아우구스티누스는 이런 특성을 삼위일체와 연결시켜 완전한 것으로 본다. 이런 관점은 중세를 오랫동안 지배하여, 중세 말에 가서야 2박자체계가 확립된다.

중세에서도 12세기 경의 악보를 통해 모드리듬이 쓰인 것을 알 수 있는데, 그 이전의 음악, 즉 그레고리오 성가에 대한 리듬 해석에 대해서는 많은 논쟁이 거듭되어 왔다(이 음악들은 음높이만 갖고 있다). 현재 공식적으로 인정하고 있는 견해는 그레고리오 성가가 지정된 장단의 길이 없이 자연스러운 가사의 흐름을 따르고 있다는 것이다. 그러나 이와 같은 리듬을 당시의 세속음악(춤곡 포함)에까지 적용할 수 있느냐는 의문은 아직도 그대로 남겨져 있는 상태이다.

중세 후기에 일어나는 진정한 변화는 리듬의 모든 수직적 단계에서 2박자가 3박자와 동등하게 취급되고, 따라서 그것들을 구별하기 위한 박자표도 고안된 것이다(III-4 참조). 즉, 2박자의 자유로운 사용은 3박자체계로만 된 모드리듬을 마침내 완전히 붕괴시킨다.

중세 말(14세기 말)에는, 당시의 복잡한 시대상(교황의 유배 등)을 반영하듯이, 극단적인 리듬의 사용이 나타난다: 성부들 간의 2박자와 3박자의 상충, 연속적 당김음, 수적 비율로 지시되는 복잡한 리듬의 축소나 확대 등. 이런 현상은 일시적인 것으로서 15세기로 들어가면서 차차 없어지게 된다.

르네상스시대의 리듬과 박자체계는 중세의 것과 근본적으로 다르지는 않으나(III-4 참조), 이론과 실제에 있어서 모두 인본주의의 영향을 받는다. 즉, 실제의 음악에 있어서는 중세 말보다 훨씬 단순한 리듬들이 선호된다(예를 들면,「?포부르동」?Fauxbourdon). 그리고 음악이 실제로 어느 정도 빠르기로 연주되었는지를 짐작할 수 있는 설명이「?탁투스」?(Tactus: 치다, 때리다의 뜻)란 용어와 함께 처음으로 나타나기도 한다(가푸리우스).

한편, 이론적으로는 그리스의 리듬에 대한 연구가 부활하면서 서서히 엄청난 논쟁이 일어나게 된다. 특히 시의 운율로서의 리듬에 대한 연구는 르네상스시대를 종식시키는 모노디(레치타티보·오페라)의 탄생을 가져온다.

바로크시대는 시적 운율을 본딴 모노디로 시작되고 고대의 리듬에 대한 연구 또한 계속되지만(마테존의 『완전한 악장』Der Vollkommene Capellmeister, 1739), 다른 한편으로는 크게 유행하게 되는 춤곡과 합리주의적 사고로 인해, 리듬의 규칙성도 추구된다. 마딧줄이 악보에 보편적으로 나타나는 것도 이 시기이다.

고전시대에서도 리듬의 규칙성이 이상적인 것으로 취급되지만, 19세기로 가면서는 리듬과 박자의 관계에 대한 사변적 이론들이 다시 부활한다. 그 주장은 다음과 같이 다양하다: ①리듬과 박자는 동일한 것으로 인식된다. ②리듬은 박자에 종속되어 있다. ③박자는 내적인 리듬이 외적으로 드러나는 것이다.

리듬과 관련하여 19세기에 나타나는 또다른 특징으로는「?리듬적 모티브」?의 개념을 들 수 있다(리만의 『음악리듬과 박자의 체계』System der musikalischen Rhythmik und Metrik, 1903). 이 개념은 리듬과 화성이 음악에서 밀접하게 관련되어 있다는 견해에서 나온 것으로서, 19세기에 다시 부각된 리듬·박자의 중요성을 반영한다.

20세기음악에 나타나는 리듬이나 박자는 실로 다양하다: ①리듬의 첨가나 삭제(인도리듬의 영향), ②역행과 비역행리듬(대칭적 리듬), ③폴리리듬(성부들이 다른 박자들로 되어 있음: 중세 말의 프랑스음악, III-4 참조)과 멀티리듬(한 성부에 있어서 박자가 빈번히 바뀜), ④음렬방식으로 조직화된 리듬, ⑤혼합박자(2박와 3박자의 결합: 민속음악의 영향 등), ⑥무박자(마디를 없앰) 등. 이런 현상을 반영하듯이, 20세기 후반에는 리듬과 박자가 독립적인 것이라는 견해도 나온다.


III-3. 조율법

조율법이란 음정관계를 음향학적·수학적으로 규정하여 악기의 음높이를 결정하는 것을 말한다. 조율법도 역사적으로 변천되어 왔는데, 그 근본적인 이유는 음향면에서 나타나는 불합리한 점들이, 특히 발전하는 음악의 시대적 요구에 따라, 계속 시정되어야 했기 때문이다. 모든 조율법에서 나타나는 공통점은 단지 옥타브의 비율을 2:1로 했다는데 국한된다. 다른 음정들은 조율법에 따라 대부분다르게 되어 있다.

피타고라스 조율법은 고대 그리스에서 사용된 최초의 체계적인 조율법으로서 엄격한 수학적 원칙을 기본으로 한다. 이 조율법에 근거한 음계는 주어진 음으로부터 순정5도(피타고라스의 완전5도, 즉 3/2의 음정비율을 가진 5도)로 조율하므로써 얻어질 수 있다.

피타고라스 조율법은 여러 문제점을 안고 있는데, 특히 심각한 것은 기준음인 C로부터 12번째 5도음인 B#이 이명동음인 (7옥타브 위의) C와 1/4음 정도나 차이가 난다. 그 수적 차이를「?피타고라스 콤마」?(Comma)라고 한다.

피타고라스 조율법에 대한 비판은 이미 그리스시대부터 제기되었다. 그러나 피타고라스 조율법은 중세까지 기본적인 조율법으로 일관하였는데, 그 실제적 이유는 완전음정들만을 기본 음정으로 간주한 중세(중엽)까지는 대체로 이 조율법이 큰 문제없이 수용될 수 있었기 때문이다(사실 피타고라스 조율법은 18세기까지 존속된다).

순정율(Just Intonation)은 중세 후기부터 어울림음정으로 받아들여진 3도와 6도의 음향적 향상을 위해 시도된 조율법이다. 피타고라스 조율법과 다른 점은 순정5도 외에 순정3도도 조율의 기본으로 쓰이는 것이다. 순정3도는 피타고라스 조율법에서의 장3도 비율인 81/64(장3도는 2개의 온음으로 되어 있으므로, 온음의 비율인 9/8를 제곱하여 얻음)를 약간 작은 80/64, 즉, 5/4로 만든 것이다.

순정율의 이론적 근거는 이미 고대 그리스시대에 나타나 있다. 그러나 순정율도 다음과 같은 문제점들을 갖고 있어, 실제의 사용에 따른 논란은 르네상스 말까지도 계속된다(이 논쟁은 16세기 초에 부활한 프톨레마이오스에 대한 연구로 인한 것이다): ①장3도의 비율을 약간 줄임으로써 결과적으로 크기가 다른 온음들이 생기게 된다. ②C음에서 순정5도를 네번 쌓아올려 얻은 e′음과 순정3도를 일곱 번 쌓아올려 얻은 e′음이 일치하지 않는다(<신토닉 콤마」?, Syntonic comma).

가온음율(Mean-tone: "중간음")은 대략 15세기 후반부터 19세기 전반에 걸쳐 주로 건반악기에 사용되었던 체계인데, 특히 건반악기와 관련하여 순정율의 단점을 어느 정도 보완할 수 있었다. 이 체계는 순정율의 경우와 마찬가지로 순정3도를 사용한다. 그러나 이 3도음정이 두개의 다른 크기의 온음으로 되어 있는 순정율과는 달리, 가온음율은 그 음정의 "중간"을 갈라 같은 크기로 된 2개의 온음을 만든다. 이 두 조율법은 5도의 비율에서도 차이가 난다. 즉, 순정율과 피타고라스 조율법은 순정5도를 그대로 쓰지만, 가옴음율은 그 보다 조금 작은 비율을 적용하거나 혼용한다. 따라서 (순정율에서의) 신토닉 콤마도 상대적으로 줄어들게 된다. 이런 방법이 인위적이기는 하지만, 적어도 3개의 올림표나 2개의 내림표까지의 사용이 원만하게 이루어지게 되었다. 그러나 가온음율은 크기가 다른 2개의 반음을 포함하고 있어, 시간이 흐름에 따라 다시 다른 조율법이 요구된다.

평균율은 장·단조체계가 확립되는 바로크시대에 채택되어 현재까지 사용되고 있는 조율법이다. 즉, 균등한 온음과 반음을 만들 수 있는 조율체계가 필요하게 되었던 것이다.


III-4. 기보법

음악의 기보는 고대부터 시작되었고, 각 시대마다 이론적·실제적 문제들을 해결해가며 발전해간다. 근대의 기보체계는 바로크 초기에 정립된다.

그리스의 음악기보법체계에 대한 정보는 고대 말기인 3세기경에 가서야 나타난다(알리피우스의 『음악입문』, Introduction to Music). 음악은 오랫동안 시의 운율에 의존했었고, 상대적으로 뒤늦게 발전한 기악음악은 즉흥연주되었다. 『음악입문』에는 선율만이 문자로 표기되어 있으며, 성악을 위한 것과 기악을 위한 것으로 구분이 되어 있다. 중세의 음악기보는 9세기경부터 나타나며, 최초의 것은, 그리스의 경우와 같이, 음높이에 관해서만은 정확히 알 수 있는「?문자 기보법」?(Daseian Notation)이다(귀도 다렛조의 『작은 학문』과 헤르마누스 콘트락투스의 『음악론』II-2 참조).

비슷한 시기에 나타나 계속 발전되는 기보법은「?네우마 기보법」?(Neuma: 기호)이다. 이 기보법은 기호들, 즉 네우마(? ? ?)를 가사 위에 표시해 놓은 정도로 시작되지만, 곧 네우마가 가사 위의 빈공간에 높낮이가 다르게 표시(Heightened Neumatic Notation:「?네우마 고저 기보법」?)되는가 하면, 이 빈 공간에 줄이 하나 둘 그려지기 시작했다(Staff Notation:「?보표 기보법」?: 귀도). 네우마들도 차차 음표모양(검정 사각음표)을 갖추어 감에 따라 네우마 기보법은 음높이를 정확하게 알려줄 수 있기에 이르렀다(중세에는 4선보가 선호됨).

뒤이어 발전되는「?모드 기보법」?(ModalNotation: 12세기경)은 리듬을 알아볼 수 있는 최초의 것이다. 그러나 아직 음표의 모양만으로는 음가가 식별될 수 없다: 단지 선율의 시작 부분이 각 모드리듬에 따라 다른 음표군(Ligatura: へべ 또는 へべへ 등)들로 배치되어 있다(예를 들면, 시작부분이 3음군 - 2음군 - 2음군으로 배치되어 있는 경우는 제1모드로 노래부르라는 표시이다).

13세기 중엽의「?멘수라 기보법」?(Mersural Notation)은 음표모양 자체로 리듬을 알아 볼수 있게 고안된 것인데, 리듬은 수직적으로 세 단계를 이룬다(브레비스가 기본): 롱가(ㅐ【) - 브레비스(?)- 세미브레비스(?). 각 단계들은 상황에 따라 그 윗 단계와 1:2 또는 1:3의 비율을 갖게 되는데(상대적 음가), 그 이유는 항상 3박자로 움직이는 단위(삼위일체를 상징)를 만들기 위해서이다. 프랑코기보법에서는 또한 처음으로 쉼표가 체계화된다.

14세기 초에 나타나는「?아르스 노바기보법」?은 비트리와 무리스(II-2 참조)에 의해 체계화된 것이다. 여기에는 작은 음가들이 새로이 수용되어 수직적 리듬체계가 4-5 단계로 확장된 것 이외에도, 리듬의 모든 단계에서 2박자가 3박자와 동등하게 취급되어 있다(절대적 음가를 가질 수 있게 된것이다). 따라서 그것들을 구별하기 위한 박자표도 쓰이기 시작한다.

14세기는 그 외에, 일시적이기는 하지만, 독자적인 이태리 기보법(파도바의 『멘슈라 음악예술의 한계 영역』)과 남프랑스 중심의 특수한「?특수 기보법」?(Mannered Notation: III-2 참조)도 선보인다.

르네상스 기보법은 중세의 프랑스 기보법을 바탕으로 하여 발전된 것이다. 기본적인 차이점은 다음과 같다: ①중세의 검은 음표대신 흰 음표가 쓰이기 시작하고(?, ? 등) ②중세의 브레비스 대신, 이제는 세미브레비스를 기본 리듬단위로 한다(? = ♩). ③기악음악을 위한 특수 기보법 (<태블러추어」?, Tablatura)도 따로 발전하게 된다.

르네상스시대에 나타난「?특수 기보법」?의 또 다른 예로서 들 수 있는 것은 16세기 중반에 비첸티노가 고안한「?4분음 기보법」?이다. 그는 고대의 그리스 이론서들을 연구하는 과정에서 반음계 뿐만 아니라 4분음계를 쓴 음악을 만들어보았고, 이것을 실제로 악보에 표기해 보고자 했다. 4분음은 보표 위에 검은 점으로 표시되었다(옛음악의 현대적 적용, 1555). 그러나 이와 같은 그의 급진적인 견해는 당시에 받아들여지지 않았다.

바로크시대의 기보법은 기존의 것에 마디가 첨가되고 음표모양이 둥글게 바뀐 것으로서, 현재까지 사용되고 있다. 18세기부터는 기보사를 다룬 저서들이 나오기 시작하고, 대중을 위한 숫자기보법도 제안된다: 장 자크 루소(Jean-Jacques Rousseau, 1712-1778).

20세기에는 다양한 음악기법과 전자음악·컴퓨터음악이 출현함에 따라 다시 새로운 기보법이 요구되고 있다. 그에 대한 여러 가지의 시도가 있지만, 작곡가에 따라 큰 차이를 보이는 다양한 음악양식으로 인해, 아직 제대로 정착되지 못하고 있는 실정이다.


III-5. 대위법

대위법(라. Contrapunctus, 영. Counterpoint)이란 용어는 중세시대에 주어진 성가선율과 새로 만들어질 선율의 음정 관계를 음표 대 음표(Punctus contra puntum: 점 대 점) 단위로 대립 또는 대위시켜 살펴본 데서 비롯된 것이다. 13세기에는 그런 뜻으로 디스칸투스(라. discantus, 영. Discant)란 용어가 쓰였으나, 14세기부터 차차 '음표대 음표' 또는 '대위'라는 말 자체가 디스칸투스를 대체하는 용어로 등장한다. 대위법은 16세기의 다성적 아카펠라(무반주의 소규모 합창곡)에서 그 절정에 도달한다.

대위법의 역사에 성부들이 병진행하는 초기 다성음악의 형태도 -병행오르가눔(9-10세기경)도- 포함시킬수는 있겠지만, 진정한 의미에서의 대위법의 기원은 성부의 독자성이 유지되는 11-12세기의 자유오르가눔으로 봐야 할 것이다. 대위법의 핵심적 주제는 어울림음정· 안어울림음정과 (2성부 구조를 바탕으로 하는) 성부진행인데, 전자는 13세기 중엽부터, 후자는 14세기부터 본격적으로 나타나기 시작한다.

중세의 음정이론에서는 원래 완전음정인 1, 4, 5, 8도만이 어울림음정으로 인정되었으나, 13세기 중엽부터는 장·단3도도 불완전어울림음정으로서 포함되기 시작한다 장·단6도는 13-15세기에 걸쳐 이론서에 따라 안어울림 또는 불완전어울림음정으로 취급되었다(15세기까지도 2성부진행에서는 여전히 안어울림음정으로 취급되는 경우가 있었다). 한편, 4도는14세기부터 차차 2성부진행에 한해서는 안어울림음정으로 취급된다.

중세부터의 성부진행규칙은 각각의 성부가 다른 성부들과의 관련성을 잃지 않으면서도 최대한의 독자성을 갖도록 하는데 그 목적이 있다. 그러나 이를 위한 금지 규정들(완전음정의 병행이나 숨은 병행 등)은 르네상스시대에 가서야 뚜렷하게 강조된다.14세기의 성부진행규칙에는 아직 종지에서의 진행만이 주로 다루어지고 있다: 6 - 8도진행일 경우 6도는 장음정이어야 하고, 6-5도일 경우에는 6도가 단음정이라야 한다(즉, 가장 가깝게 순차로 반진행한다는 원칙).

르네상스의 대위법은 팅토리스에 의해 체계화되기 시작하고, 짜를리노에 의해 확립된다(엄격대위법). 팅토리스의 중요성은 다음과 같다: ①대위법을 '작곡된 음악'(Res facta: 만들어진 것)과 즉흥연주로(Mente: 머리로또는 supra librum cantare: '책 위로 노래하기')로 나누므로써 대위법에 있어서의 시행착오를 제거하는 계기가 된다(『대위법 기술서』, pp.102-105). ②안어울림음정의 사용을 체계화했다. 즉, 그는 대위법을 안어울림음정이 금지되는「?단순대위법」?(1 : 1)과 허용되는「?장식대위법」?(1 : 1)으로 분류하고, 안어울림음정을 계류적이거나 경과적인 것 등으로 정리하기 시작했다.

짜를리노는 불완정어울림음정들의 수적 비율에 대한 이론적 근거를 마련하고자「?세나리오」?(Senario: '6') 이론을 내놓았다. 즉, 피타고라스학파의 어울림음정의 한계인 숫자 4를 6으로 확대한 것이다. 그는 세나리오 이론에 기초하여 안어울림음정에 대해 엄격한 규제를 가했다. 그러나 이에 대해, 갈릴레이는 모든 음정이 자연적인 것이므로 안어울림음정을 자유롭게 사용할 수 있다고 주장했다.

바로크시대에는 대위법규칙을 와해시키는「?통주저음」? 양식(모노디)이 출현하지만, 이런 양식에서의 진행은 차차「?자유대위법」?이라는 명칭으로 이론화되어 엄격대위법과 구별되고, 18세기에는「?화성적 대위법」?으로 발전된다.

화성적 대위법은 바하의 음악에서 절정을 이루며, 특히 안어울림음정의 규제 완화를 그 특징으로 한다. 즉, 안어울림음정은 이제 화성에 속하는 것(예: 속화음의 7음)과 그렇지 않은 것으로 나뉘며, 화성적 안어울림음정의 경우에는 여전히 규칙에 따라 해결은 되어야 하지만, 적어도 준비될 필요는 없다. 또한 그 음정은 비화성적 안어울림음정의 해결로도 쓰일 수 있다.

엄격대위법은 교회양식(stile ecclesiastico)을 대표하는 전통적 대위법으로서, 주로 학습을 위한 목적으로 취급되기 시작한다. 그 이론은 요한 푹스에 의해 5종의 교습 방법으로 체계화된다(『파르낫소에의 계단』: 19-20세기의 대위법교습서로 널리 쓰이게 된다).

18-19세기의 엄격대위법 학습에 있어서는 푹스의 전통이 압도적이었다. 화성적 대위법은 키른베르거(Johann Philipp Kirnberger, 1721-1783)의 『뚜렷한 음악구조의 기술』(Die Kunst des reinen Satzes in der Musick, 1776), 1771-9)로부터 시작된다. 그는 주된 성부를 2성부 대신 4성부로 설정했으며, 불협화음을 필수적(화성적)인 것과 임시적(선율적)인 것으로 보았다.

20세기 엄격양식이 음악의 사어가 되었다. 그러나 대위법에 대한 강조는 조적 화성의 중요성이 감소함에 따르는 필연적인 결과로 보여진다: 특히 12음기법에서의 선율의 전위, 역행, 역행전위. 에른스트 쿠르트(Ernst Kurth, 1886-1946)의 『선적 대위법론』(Grundlagen des linearen Kontrapunkts, 1917)은 20세기의 작곡기법과 바하의 연구 등에 영향을 주었다.


III-6. 화성법

음악적 실제에 있어서 화성적 발전은 르네상스시대부터 이미 부각되기 시작한다: 베이스성부의 대두(15세기 중엽)와 V-I도의 화성적 진행. 뿐만 아니라 몇몇 이론서에도 이미 화성개념의 인식을 반영하는 견해들이 포함되어 있다: ①레스 팍타(Res facta: 팅토리스): 셋 또는 그 이상의 성부들의 음정규칙이 동시에 지켜져야 하는 음악을 의미한다(2성부의 음정관계를 기본구조로 하는 대위법과 구별되어 있다). ②3화음: 15세기 후반부터는 3화음이 하나의 조화된 실체로서 언급되기도 한다(가푸리우스 등). ③음정의 전위개념.

바로크 시대를 기점으로 화성은 더 이상 선율들의 진행에 따른 이차적 결과가 아니라 악곡의 기본골격을 이루게 된다. 모노디 양식이 수반한 전혀 새로운 특성은 베이스도 소프라노 성부와 마찬가지로 악곡의 중심 성부로 등장한 데 있다(부차적으로 취급된 중간 성부들은 주어진 베이스 음들을 바탕으로 하여 연주자가 즉흥적으로 화음을 채워넣어야 한다). 통주저음은 또한 바로크 중기부터 다시 부흥하기 시작하는 다성적인 음악에서도 화성을 담당하는 성부로 군림하게 된다. 이렇게 바로크 음악의 화성적 토대를 이룬 통주저음은 18세기 중엽(로코코)에 단순한 화성과 특히 분산화음의 유연한 연결이 선호되면서 쇠퇴하기 시작한다(중간 성부들도 악보에 직접 기록되기 시작한 것이다).

그러나 화음의 개념과 18세기 초에 확립된 조성체계는 라모의 화성이론의 밑거름이 되었다. 라모는 데카르트의 영향 아래 화성을 자연법칙으로 설명하고자 했다(『화성론』, 1722). 짜를리노의 세나리오 이론을 기초로 고심하던 그는 배음이론에 대해 알았을 때 힘을 얻었다. 배음으로부터 그가 끌어낸 이론들은 다음과 같다: ①근음의 중요성(모든 음이 근음에 속해 있다). ②배음체계의 첫 '6'음이 (한 옥타브 안으로 축소했을 때) 1도,3도, 5도로만 이루어져 있는 것을 기초로 하여, 장3화음이 자연의 법칙에 내재되어 있는 실체로 확신("음악의 근본은 선율이 아니라 화성"). ③이확신은 근음진행(Fundamental Bass)과 옥타브전위의 개념으로 발전. ④또한 화음을 3도씩 쌓아가므로써 7화음, 9화음, 11화음도 만듦. ⑤그는 배음에서 근음 다음으로 나타나는 5도를 화성의 근본으로 삼아, 토닉과 함께 도미난트, 서브도미난트(아래에 있는 도미난트)의 중요성을 설명. ⑥이런 기능적 화성의 개념으로 전조를 설명하기도 한다(화음의 기능이 바뀌므로써 전조가 가능).

그러나 라모는 평생의 연구를 통해서도 단3화음과 단음계, 서브도미난트, 불협화음(감3화음과 감7화음) 등을 자연법칙으로 설명하지 못했다. 그는 근음 아래로 진행하는 배음체계에 대해서까지도 연구를 했는데, 이것은 그의 근음진행이론 자체와 들어맞지를 않는다.

라모 이후에 화성이론을 논급한 이론가들은 라모를 비판하는 입장이든지 지지하는 입장이든지 간에 라모의 이론으로부터 출발해야 했다. 대표적인 지지자인 장 르 롱 달랑베르(Jean le Rond d'Alembert, 1717-1783)는 라모의 충실한 해설자이며 라모이론의 핵심적 개념을 작은 책으로 만들어내기도 했다(『라모의 원리에 입각한 음악이론과 실제의 요소들』Elements de musique, theorique et pratique suivant les principes de M. Rameau, 1752). 키른베르거는 대체로 라모의 견해를 받아들였지만 선율적 기능을 보완하였다. 즉, 그는 불협화음을 필수적인 것(7화음)과 부수적인 것(계류음 등과 같이 예비되어야 하는 것)으로 나누어 화성과 대위적인 측면을 결합하고자 하였다(III-5 참조).

19세기 이론가들 가운데 페티스는 라모의 이론을 받아들였지만, 수학적이고 자연과학적인 방법을 거부했고(화성의 발전이 주어진 시간과 장소에서 인간의 취향에 의한 것이라고 주장), 헤름홀츠는 자연과학이론에 복귀하여 과거의 이론들을 합성했다. 리만은 라모가 남긴 문제점들을 다시 거론하기 시작했고, 단3화음과 일부 불협화음들을 설명하기 위해 라모의 하행배음이론도 다시 논급하였다. 그는 기능화성체계를 완성했지만, 말년에는 변화화음을 선율에서 유래된 것으로 설명하며, 화성의 뿌리는 선율이라고까지 말한다. 쉥커(Heinrich Schenker, 1868-1935)는, 키른베르거의 경우와 마찬가지로, 화성과 대위법의 결합을 시도한 사람이다.


IV. 맺음말

고대부터 20세기까지의 음악이론은 방대하다. 그것을 한 논문으로 정리해보겠다는 계획은 용기를 필요로 하는 결단이었다. 본고는, 그런 분량 가운데, 음악이론의 근본적 이해에 꼭 필요한 사항들을 고루 골라 간결하게 설명하면서도(제III장), 동시에 전체적인 뼈대의 파악이 가능하도록 하는데 그 목적을 두었다(제II장). 따라서 그 내용은 본격적인 음악이론 연구에 대한 방향을 보여준 데 불과하다.

그러나 음악연구에 대한 관심을 자극하기 위해서, 각 주제별로 그 동안 제기되어 왔던 이론적 문제점들과 역사적으로 중요한 이론가·이론서의 이름들도 포함시켰다. 또한 최소한의 범위에서 역사적·사회적 배경도 이론과 결부시키고자 했다.

음악이론은 시대적으로 계속 변해가는 역사적 산물이며, 또한 시대에 따라 빈번히 재해석·재평가되어 왔다. 어떤 이론적 주제도 변화나 재평가의 가능성을 완전히 벗어났다고 볼 수 없다. 예를 들어, 200여년 동안 유지되어 왔던 '공통 기보법'(Common-practice Notation)도 전위적인 현대음악의 출현에 따른 여러 시행착오적인 기보법들로 인해 다시 흔들리고 있다. 본고는, 현재 이런 상황 아래 쏟아져 나오고 있는 엄청난 양의 이론·이론서들의 연구에 있어서, 기초적인 참고문헌으로 남고 싶다.

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