테마로보는 미술:사조와 장르 / 사실주의(Realism)

[숲향기]

 

// 일반적으로 서양미술사조 가운데 ‘사실주의(寫實主義, Realism)’라고 하면 신고전주의와 낭만주의 이후 1840년경부터 1870년대까지 프랑스 회화에 등장한 새로운 조류를 지칭한다. 근래에는 번역어 ‘사실주의’보다는 원어 그대로 ‘리얼리즘’이라고 표기하는 추세이므로 본문 역시 이를 따르고자 한다. 당시 미술뿐만 아니라 문학에서도 펼쳐진 이 운동에 동참한 예술가들은 자신이 살고 있는 동시대의 생활상을 세심하게 관찰하고 진실되게 기록하는 것을 목적으로 삼았다. 신고전주의가 추구한 고상한 주제와 매끈한 화면은 물론 낭만주의의 주관적이고 격정적인 표현 역시 거부한 리얼리스트들의 화폭에는 고대의 신들이나 이상적으로 미화된 영웅의 모습이 아닌, 도시 노동자와 농민을 포함한 당대의 인물들, 그리고 눈에 보이는 그대로의 자연과 사물들이 담기게 되었다. 이처럼 19세기 중반 프랑스에서 형성된 미술 운동으로서의 리얼리즘은 유럽 여러 지역으로 확산되어 반향을 불러일으키는 한편, 영국과 미국에서 독자적인 형태로 전개되기도 했다. 보수적인 화단에 충격을 던진 리얼리즘 19세기 리얼리즘 회화의 선구자는 두말할 나위 없이 귀스타브 쿠르베(Gustave Courbet)이다. 그의 작품 [오르낭의 매장]은 1848년 고향으로 내려간 화가가 이웃의 장례식을 주제로 그린 것으로 1850년 살롱전에 발표된 이 작품을 본 관객과 보수적인 비평가들은 충격을 금치 못했다. 그도 그럴 것이 장엄한 역사화나 종교화에 어울릴법한 거대한 크기의 캔버스 화면에는 중앙 하단에 파여진 구덩이 주위로 한 무리의 촌사람들이 길게 늘어서 있었다. 화가의 가족과 친척, 친구 등 오르낭 마을의 실제 주민들을 모델로 해서 그렸다는 화면 속 인물들은 어정쩡하고 품위라고는 찾아볼 수 없을 뿐더러 분주하기까지 했다. 전통적인 아카데미 형식의 고상한 작품을 기대하고 온 관객들은 이 그림의 주제가 무엇인지 도대체 알 수 없었다. 수준 높은 연례 전시인 살롱의 출품작임에도 불구하고 아카데미의 규준을 따르기는커녕 오히려 고의로 위반하고 있는 듯한 [오르낭의 매장]에서 화가 쿠르베가 보여주고자 한 것은 과연 무엇이었을까?

쿠르베 [오르낭의 매장] 1849~1850년경 캔버스에 유채, 315cmx668cm, 오르세 미술관, 파리 © Photo RMN, Paris - GNC media, Seoul  프랑스국립박물관연합(RMN)   지엔씨미디어 작품 보러가기

그것은 바로 당대의 리얼리티(reality)였다. 초월적이고 영웅적인 죽음이 아닌, 아름답고 로맨틱한 비애감도 아닌, 마을 공동체에 속한 어느 누군가의 죽음이라는 하나의 사건에 대한 담담하지만 구체적이고 현실적인 기록인 것이다. 이러한 의미에서 쿠르베는 1855년 <리얼리즘 Le Réalisme> 선언문을 작성하고 자신을 리얼리스트로 규정했다.

1849년에 그려진 또 다른 작품 [돌을 깨는 사람들]은 쿠르베가 추구한 리얼리즘을 보다 극명하게 드러낸다. 커다란 화면 안에는 다 헤진 옷을 입고 그들의 노동에 열중해 있는 두 인물이 등장한다. 관객을 등진 채 돌이 담긴 바구니를 옮기고 있는 소년과 푹 눌러쓴 모자 사이로 굳게 다문 입과 움푹 패인 주름만이 드러나 보이는, 망치질에 여념이 없는 노인, 그리고 그들의 작업에 필요한 몇 가지 도구 외에 별다른 요소는 보이지 않는다. 돌 깨는 일은 고대로부터 언제나 사회 최하층 계급의 몫이었기에 이러한 노동자를 그린다는 것 자체가 금기를 깨는 것이기도 했지만 무엇보다 논란이 되었던 것은 어떠한 감흥도 가치도 부여되지 않은 인물들의 표현이었다. 비평가들은 쿠르베가 그린 인물들이 그들이 깨는 돌보다 더 의미 없어 보인다고 비난했다.

쿠르베 [돌을 깨는 사람들] 1849년
캔버스에 유채, 165cmx257cm, 드레스덴 국립 미술관 소장 (1945년 소실됨)
© Photo RMN, Paris - GNC media, Seoul  프랑스국립박물관연합(RMN)   지엔씨미디어
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이는 장-프랑수아 밀레(Jean-Francois Millet)의 [이삭줍기]와 비교해보면 그 차이를 알 수 있다. 바르비종파(Ecole de Barbizon) 화가로서 당시 농촌의 생활상을 주제로 작업했던 밀레 역시 리얼리스트의 면모를 갖추고 있었다. 쿠르베와 마찬가지로 밀레 역시 어떠한 이야기도 극적 전개도 없이 그저 허리를 깊이 숙이고 묵묵히 일하고 있는 농부들의 모습을 그려 넣었다. 그러나 미술사학자 린다 노클린 (Linda Nochlin)이 지적했듯이, 얼굴조차 보이지 않고 어색하고 경직된 포즈로 오로지 육체 노동의 본질만을 전하고 있는 쿠르베의 노동자들에 비해 밀레의 농부들은 다소 계산된 포즈를 취하고 있는 듯 보이며 이러한 구성은 그들 뒤로 펼쳐진 고즈넉한 배경과 조화를 이루고 있다. 뿐만 아니라 일상의 고된 노동에도 불구하고 그것이 지닌 어떤 초월적이고 윤리적인 가치를 일깨우는 듯한 느낌을 준다.

장-프랑수아 밀레 [이삭 줍기] 1857년
캔버스에 유채, 83.6cmx111cm, 오르세 미술관
© Photo RMN, Paris - GNC media, Seoul  프랑스국립박물관연합(RMN)   지엔씨미디어
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쿠르베가 생각한 19세기 리얼리스트의 임무란 현실세계에서 체험하고 포착한 경험정보와 시각정보를 가감 없이 정확하게 표현하는 것이었다. 동시에 이는 전통적인 아카데미즘을 거부하는 것이기도 했다. 쿠르베의 리얼리즘이 지닌 이러한 가치들은 풍자화가 오노레 도미에(Honoré Daumier)의 작품들에서도 발견된다. 그는 [삼등열차]에서 고단한 삶에 지쳐 서로에게 무관심한 노동자 계층의 여행객들을 저널리스트와 같은 시선으로 표현해냈다.

오노레 도미에 [삼등열차] 1860~1863년 캔버스에 유채, 65cmx90cm, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕	존 에버릿 밀레이 [오필리어] 1851~1852년 캔버스에 유채, 76.2cmx111.8cm, 테이트 갤러리, 런던

영국 라파엘 전파와 미국의 리얼리즘

한편 쿠르베를 필두로 프랑스에서 전개된 리얼리즘과는 또 다른 방향으로 영국 미술에서도 독자적인 리얼리즘을 지향하는 움직임이 일어났다. 1848년 런던에서 결성된 라파엘전파(Pre-Raphaelites)는 당시 왕립 미술원(Royal Academy of Arts)의 화가들이 르네상스 전성기 화가 라파엘로의 회화 전통을 따름으로써 자연을 이상화하고 미를 추구하기 위해 진실을 외면하고 있다고 생각했다. 따라서 그러한 인습을 타파하려면 라파엘로 훨씬 이전 시기, 충실한 자연의 모사를 중시한 중세의 장인들을 본받을 것을 주장했다. 이러한 라파엘전파의 리얼리즘은 쿠르베 식의 사회적 관심보다는 그들이 다루는 주제를 가능한 한 성실하고 정교하게 묘사함으로써 마치 사진을 보듯, 시각적 일루져니즘(illusionism)을 극대화하는 것이라 할 수 있었다.

라파엘전파의 주요 멤버였던 존 에버렛 밀레이(John Everett Millais)의 작품 [구조]를 예로 들어보자. 마치 붉은 색유리를 통해 보는 듯 전체적으로 붉은 색조를 띠고 있는 이 그림은 불길 속에서 어린이를 구출해내는 소방수를 주제로 한 것이다. 밀레이는 이 장면을 그리기 위해 런던의 화재현장을 쫓아 다녔으며, 목재가 불에 타는 모습은 난로에서 장작이 타는 것을 보고 그렸다고 한다. 또한 포드 매독스 브라운(Ford Madox Brown)의 [아, 사랑스런 새끼 양들]은 단순히 야외에 있는 그의 아내와 딸, 그리고 양떼를 그린 것이지만 브라운은 이 작품을 제작하기 위해 아내에게 18세기 의상을 입혀 꼼짝없이 서 있게 했으며, 그 자신은 햇빛 때문에 두 번이나 쓰러졌다고 말한 바 있다. 이처럼 정직과 성실로서 예술을 대하는 태도가 그 어떤 것보다 우선하는 예술가의 절대적인 자질로 여겨진 때가 바로 19세기 리얼리즘 시기이기도 했다.

	1 존 에버릿 밀레이 [구조] 1855년 캔버스에 유채, 121.4cmx84cm, 내셔널 갤러리, 멜버른 2 포드 매독스 브라운 [아, 사랑스런 새끼 양들] 1851~1859년 캔버스에 유채, 76cmx61cm, 버밍엄 미술관 작품 보러가기

유럽을 풍미한 19세기의 리얼리즘은 미국에서도 예외가 아니었다. 대표적인 미국의 리얼리스트 화가 토마스 이킨스(Thomas Eakins)가 그린 [싱글 스컬을 타고 있는 막스 슈미트]를 살펴보자. 1870년 여름, 유럽에서 미술 공부를 마치고 돌아온 이킨스는 어릴 시절의 친구 슈미트의 1인용 조정 경기 우승을 기념하는 의미에서 작품을 제작했다. 화가로부터 서서히 멀어져 가는 슈미트의 시선, 맑은 하늘과 펜실베이니아주 스퀼킬 강과 다리의 모습을 정확하게 묘사함으로써 리얼리스트로서의 면모를 유감없이 발휘하고 있다.

토마스 이킨스 [싱글 스컬을 타고 있는 막스 슈미트] 1871년
캔버스에 유채, 82.6cmx117.5cm, 메트로폴리탄 미술관

이킨스는 해부학에 대한 풍부한 지식을 바탕으로 수술을 집도하고 있는 외과의사 새뮤얼 데이비드 그로스(Samuel David Gross) 박사의 초상화를 제작하기도 했다. 1870년 이후부터 주로 초상화 작업에 몰두했으나 사실상 주문자들로부터 그리 좋은 평가를 받지는 못했다고 한다. 대상을 결코 미화하지 않는 탓에 그가 그린 초상화의 약 10퍼센트 정도가 파괴되었을 정도였다.

토마스 이킨스 [그로스 박사의 클리닉] 1875년 캔버스에 유채, 244cmx198.3cm, 제퍼슨 의과대학, 필라델피아	토마스 이킨스 [클라라] 1900년경 캔버스에 유채, 61cmx51cm, 오르세 미술관 소장 © Photo RMN, Paris - GNC media, Seoul  프랑스국립박물관연합(RMN)   지엔씨미디어 작품 보러가기

엄밀히 말해 미술에서 ‘리얼리즘’은 어느 시대에나 존재해왔다. 리얼리즘의 관건은 각각의 시대마다 추구한 ‘리얼리티’의 본질이 과연 무엇이었으며, 예술가들은 이를 어떻게 표현하고자 했는가에 따라 달라진다고 할 수 있다. 본문에서는 미술사조로서 등장한 19세기 리얼리즘에 한정해 살펴보았다. 19세기의 리얼리스트 쿠르베는 말하길, “회화예술은 예술가의 눈으로 볼 수 있고 손으로 만질 수 있는 대상만을 표현할 수밖에 없다. 왜냐하면 한 시대를 살고 있는 예술가는 근본적으로 과거와 미래의 모습을 재현할 수 없기 때문”이라고 했다. 이러한 신념은 기본적으로 시각에 의존한 접근방식이라 할 수 있다. 시각적으로 인지된 정보만을 정확하게 묘사하고자 한 이들의 노력은 이후 에두아르 마네(Edouard Manet)를 거쳐 인상주의자들에게 지대한 영향을 미치게 되었다.

글 이민수 / 미술칼럼니스트

홍익대학교 대학원 미술사학과 졸업, 박사과정에 재학 중이다. 인간, 사회 그리고 미술의 상호 관계와 이 세 가지가 조우하는 특정 순간을 탐구하고자 하며, 현재 문화센터와 대학부설교육원에서 대중들을 위한 미술사를 강의하고 있다.

발행일  2011.02.14

이미지 프랑스국립박물관연합(RMN), 지엔씨미디어, Wikipedia, Yorck Project