세계미술사의 흐름과 디자인사의 전개과정

[보문동이]

◑ 원시시대
공동체 생활을 하였다. 방벽, 물담는 그릇, 흙으로 만든 인형인 제의용 토우 등 주로 흙을 이용하여 제작하여 사용하였다. 또한 석기를 이용하여 목재를 다듬어서 도구로 사용하기도 하였다.
･ 최초의 벽화 : 남프랑스에서 발견된 '라스코 동굴 벽화'이다.
･ 문자의 발명 : 수메르인들에 의해 발명되었으며 이로 인해 문화, 사회, 경제 등에 일대 혁신을 가져왔다. 이 그림 문자들은 점토에 갈대로 만든 세필로 기록되었고 초보적이 십진법을 사용하였다
･ 부족문화의 생성 : 재산의 사유화 및 교역, 상업의 발달로 소유권을 시각적으로 나타낼 필요가 생겼다.
･ 원통형 인장의 개발 : 메소포다미아에서 진짜임을 입증하기 위하여 서류에 날인하기 위한 인장이 개발되었다.
･ 구석기시대예술 : 라스코 동굴 벽화, 알타미라 동굴 벽화
･ 중석기, 신석기 시대 : 가지무늬토기
･ 청동기 문화 : 미술 건축, 공예의 발달을 촉진시켰다.


◑ 고대사회
▶ 이집트
이집트 종이와 비슷한 파피루스의 개발로 커뮤니케이션에 중요한 역할을 하였다. 이집트인들은 이 파피루스에 글과 그림이 함께 있는 삽화 필사본을 만들었다. 그 내용은 죽음과 신앙에 대한 내용이 대부분이었다. 조형물로는 피라미드, 스핑크스, 오벨리스크 등이 있고, 왕과 왕비상, 촌장상, 서기의 상 등의 조각품과 공예품 등이 있다. 유리공예는 이집트인들이 처음 발명한 것으로 목걸이, 귀금속, 장식 등 보석과 같이 취급하였다. 태양신을 숭배하고 영혼불멸의 내세를 믿었으며, 회화에서는 피라미드 내부의 벽화를 정면성의 법칙을 적용 하였다.
▶ 그리스
이상적인 비례와 조화의 미를 추구하고, 건축에는 파르테논 신전은 황금비인1:1.618 로 적용의 예이다. 조각에는 밀로의 비너스, 원반 던지는 사람 (8등신)이 있다. 공예는 도기화에는 적갈, 백색의 바탕에 그림의 색을 흑색 선각화가 있다.
▶ 로마
아우구스투스 황제상, 아그립파상, 폼페이 벽화가 대표적이다.
그리스 미술의 영향을 받았으나 현실적이고 실용적인 생활을 중시하였다. 헬레니즘 문화를 계승 발전 시켰다. 건축은 오늘날 서양 건축의 기반이 된 아치(arch), 볼트(vault), 돔(dome) 등을 콘크리트로 만들어 사용하였다. 오늘날의 영문자인 알파벳은 그리스도와 로마에 의해서 완성되었다. 폼페이 벽화는 프레스코 및 모자이크 벽화이다.
◑ 중세사회
▶ 초기기독교 시대
기독교가 박해를 받던 시기에 지하묘지에서 예배활동을 행하였다. 카타콤의 벽화는 프레스코 벽화이다.
초기 기독교 시대 조형 예술은 교회 건축과 내부 장식, 공예가 발달 하였다. 회화는 프레스코에 의한 대담한 벽화와 모자이크가 있다.
▶ 비잔틴(Byzantine)
비잔틴 예술을 대표하는 것은 사원 건축과 기독교 예술이다. 모자이크는 11세기 라프니수도원의 모자이크가 대표적이다. 조형예술은 십자군 원정으로 이스탄불을 점령한 후가 화려한 최후의 전성기라고 할 수 있다. 문화는 동양적인 조형 예술의 특징을 유럽전역은 물론 서아시아와 북아프리카에 까지 영향을 주었다. 로마와 동양의 절충 양식이다. 직물은 페르시아풍이다. 건축은 동서양의 절충 문화 돔(Dome)양식이 성행(성소피아 성당) 하였다. 회화는 모자이크 벽화가 성행하였다.
▶ 로마네스크(Romanesque)
로마풍이란 뜻으로 추상적이고 문양적인 것이 특징이다. 서로마를 중심으로 한 유럽 전체의 중세 미술을 대표한다.
전기 : 5~11세기로 공예 위주로 조형 양식이 주류를 이루었다.
후기 : 11~13세기로 교회 건축이 발달하였다. 금속공예가 주류를 이루었으며, 특히 칠보공예가 발달하였다. 조형에서는 프레스코와 장식이 많았다. 건축은 로마풍을 의미하고 아치형의 창 두터운 벽 작은 창(피사 대성당) 회화는 프레스코 벽화가 성행하였다.
▶ 고딕(Gothic)
고딕풍이란 의미로 게르만의 한 부족인 고트족의 이름에서 유래되었다. 12세기 후반 프랑스 노틀담 성당 등 건축을 중심으로 형성되었다. 그밖에도 독일의 쾰린 성당, 영국의 웨스트민스터 성당 등 스타인드 글라스를 이용한 환상적인 분위기와 사원건축이 많으며 수직의 첨탑사원 등이 주류를 이루고 있다.
조각은 반 입체풍으로 인간에 대한 관찰력이 특징이다. 건축은 높은 첨탑과 넓은 창, 색유리에 장식을 하였고, 회화는 스테인드글라스(색유리)장식이 성행(노틀담, 샤르트르, 랭스, 아미앵 대성당) 하였다.
▶ 르네상스(Renaissance)
르네상스(Renaissance) 신흥시민계급을 중심으로 그리스의 인간적 이상미와 고대문화 정신으로 되돌아가려는 문예부흥운동이라고 할 수 있다. 기존의 교회 중심의 생활양식에 반발하여 14세기부터 16세기까지 이탈리아를 중심으로 일어났다. 프랑스에서는 문예부흥으로 독일에서는 종교개혁으로 나타났다.
13세기 말부터 14세기 초에 걸쳐 그려진 성 프란체스코 사원의 장식화를 그 시발점으로 볼 수 있다. 회화에 원근법을 도입하여 일대 혁신을 가져왔다. 최고의 전성기로는 15세기 말 레오나르도다빈치(모나리자, 최후의 만찬), 미켈란젤로(최후의 심판, 천지창조), 라파엘로(성모자상, 정원의 성모)등에 의해 화려하게 꽃피게 되었다.
▶ 바로크(Baroque)
바로크 미술의 특징은 역동적이고 남성적인 미술이다. 건축은 베르사이유 궁전에 화려하고 과장된 표면장식이 대표적이다.
▶ 로코코(Rococo)
고도의 세련된 기법이 경쾌하고 화려하다. 꽃 모양의 소용돌이를 이용하여 장식하였으며, 곡선 형식의 자유로운 꼬부라진 다리 등이 유행하였다. 루이 15세 양식으로 프랑스를 중심으로 일어났다. 회화는 와토의 진실한 쾌활, 부대의 출발, 샤르뎅의 정물화의 시조, 탈의의 마야 등이 있다.

◑ 미술공예운동(Art and Craft Movement)
▶ 미술공예운동의 발단과 시대적 배경
영국에서 19세기에 일어났으며 산업혁명의 물결 속에서 가구 등의 일용품과 건축시장에 범람하기 시작한 값이 싸고 저속하며 조잡한 기계생산 공예품에 대한 반작용으로서 시작이 되었다. 따라서 이 운동은 기계를 부정하고 중세시대의 수공예 생산방식으로 복귀하는 것을 주장하고 있다. 기계의 추악하고 퇴폐적인 측면을 비판하였으며 '반기계' 라고 하는 시대착오적이고 퇴행적인 측면을 옹호한 것이다. 수공예의 부흥의 대표적인 선구자 윌리엄모리스(WilliamMorris,1834∼1896)는 시인이자 사회개혁자, 존 러스킨(John Ruskin, 1819∼1900, 사회사상가)과 고딕 부흥양식의 대표적인 건축가인 퓨진(A.W.Pugin)의 영향을 받았다. 모리스는 1861년 마샬 포크너 상회(Morris,Marshallm, Faulkner Co)라는 회사를 설립하고 질이 높은 벽지, 염색직물, 스테인드글라스, 양탄자, 실내장식용품 등을 스스로 디자인하고 제작하였다. 이 당시에 “미술공예” 라는 명칭이 “미술공예 전람회협회” 라는 단체의 이름으로 최초로 사용되었다. 이것은 곧 딜레마에 빠지게 되었는데 수공예에 의해서 생산한 제품이 기계에 의해서 생산된 제품보다 값이 매우 비싸며 수공에 의존하다 보니 소량만이 생산 가능하므로 대중의 수요를 충족시킬 수 없었다. 시대의 흐름에 역행하면서 기계에 반발하였으나 이 운동은 현대예술운동에 막대한 영향을 미치게 되었다. 이것은 아르누보, 반데벨데 헤르만 무데지우스라고 하는 독일건축가에 의해서 독일에 소개되고 미술, 공예, 건축이라는 3가지의 상관된 개념이 그에 의해서 종합되어 1907년에 창설된 독일공작연맹에서 구체적으로 표현되게 된다.
▶ 미술공예운동
미술공예운동은 예술 활동에서의 중요한 부분과 19세기후반의 사회주의적 사고를 지배하였으며 유럽과 미국전역에 걸쳐서 장식 미술에 대한 새로운 이해의 출발점이 되기도 하였다. 형태와 모양은 단순하고 평범하며 선적이거나 유기적인 형태로 제작되었다. 양식의 가장 순수한 형태라는 측면에서 볼 때 장식은 제작과정에서 주어진 것이다. 자연의 식물, 새, 동물의 형태들은 강력한 영감의 원천이며 대가로 간주되고 있는 윌리엄 모리스는 직물, 벽지 디자인에서 나타나고 있는 본질적으로 평평하고 2차원적인 양식화된 패턴 속에서 형태들을 사용하였다.
1880∼1890 년대에 활동하였던 미술공예운동의 제2세대 작가들의 작품 중에는 아르누보의 길을 개척한 센츄리(Century Guild)의 작품에서 엿보이는 역동성과 움직임이라는 눈에 띄는 요소와, 보다 추상화된 특성이 존재하고 있다. 이러한 장식유형의 특징은 윌리엄 드 모르강, 월터 크레인 찰스 애쉬비 등이다. 이들은 장인과 자신들의 삶의 방식이 우월하다는 것을 믿고, 기계로 만들어진 것보다 손으로 만든 제품이 더 가치가 있다고 믿었다는 점에서 서로 결속되어 있었다. 일부는 기계를 거부하였고 기계가 적절히 사용된다면 사회에 이익을 주는 유용한 수단이 될 수 있다고 믿고 있었다. 이들은 자신들이 갖고 있던 사상을 토론하면서 각자의 체험을 공유하였고 이 그룹이 중세 사회에서 특출 난 부문이었던 중세의 장인길드(craft guild) 이었다. 이들은 삶의 질을 개선시키고 고양시키며 예술적 교류가 창조자와 고객 모두에게 높은 품위를 부여해 줄 것이라고 생각하였다. 장인은 예술가로 이해되었으며 예술행위 그 자체는 사회 속에의 선을 위한 긍정적인 힘을 고취시키고 제공하는 것으로 인식되었다.
▶ 미술공예운동의 특징
첫째, 이념적으로는 사회적, 도덕적 동기를 가지고 있었으며, 가치 있는 예술을 생산해야 한다는 신념에서 유래하였던 것으로 윤리적인데 관심을 집중하였던 근대 운동이다.
둘째, 예술적 직업인의 부흥이 근대적 생산방식을 반대하는 쪽으로 강하게 향하고 있었기 때문에 미술공예운동은 근대화 운동의 출발점이기는 하지만 동시에 반근대화 운동이라고 할 수 있다.
셋째, 민중을 위한 제품 생산이라는 미술공예운동의 이상을 실현하기 위해서는 당시의 기계문명을 배제할 수 없었으며, 이러한 시대착오적 모순 속에 이 운동의 한계점이 있다.
넷째, 역사주의는 당대 예술가들이 시대정신에 맞는 새로운 것을 개발하고 발전시키려는 진취적인 자세보다는 과거의 양식을 모방하고 부흥하며 재현시키는 절충주의적 경향을 나타내었던 것이 대부분이었다
다섯째, 수공예를 강조하여 대중 예술을 주장하였으나 미술공예운동이나 기업활동을 통해서 만든 생활품은 기계제품보다 저렴하지 못했기 때문에 대중을 위한 것이 되지 못했다.
▶ 윌리암 모리스(Willinm Morris, 1834~1896)
영국의 시인, 공예가, 사회 개혁가, 옥스포드 대학 재학중 ' 옥스포드 앤 캠브리지 매거진(Oxford and Cambridge Magazine)' 발간. 존 러스킨으로 부터의 영향과 중세성당에 대한 열광으로 모리스는 건축 사무소에 들어가나 회화로 방향을 전환한다. 1857년 번 존스(Burne Jones)와 함께 런던에서 스튜디오를 개설. 이 스튜디오에서 이들은 기성 가구오와 직물의 휴한 모양에 반기를 들고 그들 스스로 필요한 집기와 가구를 디자인하고 제작했으며 텍스타일 또한 직접 만들었다. 이것은 근대의 취향에 있어서 가장 의미있는 혁명의 하나가 되었다. 1861년 번 존스, 매독스 브라운, 필립 웹 등의 도움을 받아 'Morris Marshal Faulkner Co' 을 설립하였다. 모리스는 후세인들로 하여금 예술과 공예가 산업화함에 따라 뒤따르는 저속, 저급의 디자인을 무용화 시킴으로서 어떤 길을 제시해 주었다고 할 수 있다.

◑ 아르누보(Art Nouveau)
▶ 아르누보의 발단 및 시대적 배경
20세기 디자인의 원리를 형성했던 헨리 반데 벨데(Henn de Velde, 1863~1957)중심으로 일어난 양식운동으로 전 조형분야에 걸쳐 곡선적이고 화려한 장식이 풍미하여, 건축의 외관이나 일상생활용품에 자연물의 유기적 형태(Oranic Form)에서 비롯된 장식을 이용한 하나의 양식을 의미한다. 아르누보라는 것은 '신예술', '새로운 예술' 이라는 의미로 1890년경부터 20세기 초기에 걸쳐서 일어나, 역사적 양식을 탈피하고 새로운 미를 창조하였고 했던 범 유럽적 운동이었다.
미술공예운동에 있어서는 공예품의 미적수준을 높이기 위해 고딕을 표준으로 하는 조형 활동이 진행되었으나, 아르누보는 과거의 역사적 양식에서 탈피해 참으로 새로운 조형미의 창조에 도전한 것이다. 그것은 공예와 건축을 중심을 폭넓게 다양한 분야에서 그 모습을 찾아볼 수 있다.
영국의 미술공예운동은 19세기 전반의 기계문명에 대한 반성과 과거의 절충양식으로부터 탈피하여 공예품의 미적 품질을 높이는 전진적인 새로운 조형으로 향하도록 했다고 하는 의미에서 대단히 공헌도가 컸다고 할 수 있으나, 19세기 말경까지 혼미는 계속되고 있었다. 19세기 문명은 물질적인 진보에 따른 정신적인 측면이 부응하지 못하고 있었으며, 예술은 근대화를 겨냥하면서 충분히 그 시대에 대한성격을 파악할 수 없었으므로 정확한 시대의 표현을 찾을 수 없었다.
아르누보는 벨기에에서 일어나 그 영향은 전 유럽에 미쳐 각기 다른 특성으로 전개되었다. 특히, 프랑스에서는 그 영향을 받아서 개화시켜 '900년 양식'이라고 불려지는 최전성기를 맞이하였다. 그리고 독일에서는 '유겐트 스틸(Jugend Stil)', 이태리에서는 '스틸 리버티(Stile Liberty)', 바르셀로나를 중심으로 한 스페인에서는 '아르테 호벤(Arte Hoven)', 오스트리아에서는 '세세션(Secessin)', 영국과 미국에서는 '모던 스타일(Modern Style)' 등으로 불려져 국제적인 운동으로 발전했다.
아르누보를 나타내는 이 모든 명칭이 '청춘, '근대', '자유',' 새로움' 이라는 의미이지만 주로 곡선을 사용한 식물 모방에서는 '꽃의 양식', '물결양식', '당초양식' 등으로 불려지고 있다.
이와 같이 나라마다 양식의 해석이 다양하고 시대마다 그 모습이 다를지라도, 그것의 폭넓은 호속력은 대안적인 예술과 장식미술을 추구하려는 공동목표를 옹호함으로써 이루어졌다. 아르누보의 시기는 새로운 세기를 지향하면서도 물론 옛 것에도 의존하는 여혼의 자각의 시대였다.
▶ 아르누보의 근원
아르누보라는 명칭은 1895년 독일에서 시작된 잡지 '유겐트( Jugend)'가 발행되면서 '유겐트 스틸(Jugend Stil)' 이란 용어로부터 유래하였으며, 같은 해 사무엘 빙(Samuel Bing, 1838~1905)에 의해 파리에서 개장된 상점의 이름 '라 메종드 아르누보 (La Maison De Art Mouveau)' 로부터 유래하였다고 볼 수 있다. 1878년 사무엘 빙은 중국, 일본 등을 여행한 후 1896년 프로방스가에 미술품점을 열어 실내 장식을 반데 벨데에게 의뢰했다. 빙은 자신의 점포에 아르누보라는 이름을 붙여 곡선을 사용한 벨데의 장식과 더불어 이 말은 갑자기 평판을 받게 되어 순식간에 유럽전체에서 퍼지게 되었다.
▶ 양식적의 특징
아르누보의 특징은 사치스런 재료의 사용과 섬세한 디테일, 장인 정신 그리고 아름다운 물결모양의 곡선무늬에 있었다. 식물과 같은 유기적 형태에서 영감을 얻어내는 아르누보는 역겨운 도시적 분위기가 제거된 머나먼 환상의 세계를 연상시킨다. 곡선적인 화려한 양식을 풍미하여 건축의 외관이나 일상 생활용품에 자연물의 유기적 형태에서 비롯된 곡선적인 장식을 애용한 것이 두드러진다. 동식물의 형태를 모티브 한 유동적인 형식을 사용하였고, 종래에 그다지 채용되지 않았던 담쟁이덩굴의 감아 붙인 모습과 수선화, 단풍나무, 페릭컨, 백조, 학, 뱀 등의 장식 문양을 즐겨 이용하였다.
▶ 아르누보의 평가
첫째, 아르누보의 양식은 자연물의 유기적 형태로부터 모티브를 찾아 이것을 양식화 하여 장식미술에 적용했기 때문에 양식적인 면에서는 비대칭적이고 생동적이어서 과거의 장식미술에 비하면 새로운 감각을 부여하였다.
둘쨰, 과거의 장식에서 탈피하여 혁신적인 탐색과 혁신을 통해서 미술은 모든 생활에 실용화하려 했으나, 작가의 개성과 장식과다의 형태에 치우쳐 결과적으로는 사치스럽고 환상적이며, 여성적이고 심지어는 쾌락적이기까지 한 곡선적 과잉장식의 '메너리즘(Mannenism)'에 빠지게 되면서 비난을 받는다.
셋째, 과거의 역사적 양식으로부터 탈피를 목적으로 하여 형태, 색, 장식, 용도, 재질의 적합을 주장하였으나, 후기에는 구조를 무시한 변화 많은 장식에 치우쳐 있었기 때문에 기계에 의한 대량 생산에는 부적합하다는 문제점이 대두되었다.
넷째, 미술공예운동보다 발전적이라고 볼 수 없지만, 모리스 이념의 다른 한 측면이라고 할 수 있으며, 새로운 미를 창조하려 했던 측면과 과거 양식에서 탈피하려 했던 양식혁명의 정신에 커다란 역사적 의의가 있다.
다섯째, 비엔나의 '아방가르드(Avant Garde)' 운동에 영향을 주었으며, 비엔나 분리파 운동은 곡선적인 아르누보 양식에서 벗어나 직선적인 기하학적 양식으로 발전됨으로써 바우하우스의 기하학적 다자인에 이르는 역사적인 발전단계로 평가된다.
여섯째, 새로운 시대의 일시적인 취미에 불과하였고 기계시대에 기능주의 전통이 정착하는 과도기적 현상으로 밖에 볼 수 없으며, 결과적으로 장식에서 벗어나지 못하여 기계시대에서는 불가피하게 단명했지만, 생활제품의 실용을 위해서는 새로운 양식을 추구하였다는 점에서 혁신적이었고, 현대 디자인의 또 다른 하나의 배경이 되었다.

◑ 세세이션(Secession)
19세기말 프랑스 인상파의 영향으로 오스트리아를 중심으로 일어난 반아카데미즘 미술운동이다. 전통 즉, 종래의 양식으로 부터 분리를 주장하였다.
오토 와그너(Ott Wagner)와 조셉 호프만(Josef Hoffman)을 중심을 건축을 위주로 일어났다.
1903년 조셉 호프만에 의해 빈 공방이 설립되어 기계에 의한 공예품, 가구 등의 제작판매가 실시되었다.
실천적 리얼리즘을 배격하고 시민예술을 추구하였으나 오히려 귀족주의가 되었다.

◑ 독일공작연맹(DWB:Deutsher Werk Bund)
▶ 독일 공작연맹의 배경 및 기본이념
19세기에 진행된 예술운동의 이론이나 실제는 커다란 의의를 지니고 있다. 러스킨이나 모리스의 미술공예운동만 하더라도 단순히 역사주의 운동이라고 결론지을 수 없는 깊은 윤리감이나 내포되어 있었으며, 아르누보를 중심을 한 세기말의 운동도 단순히 세기말적인 분위기에 젖은 '선향화화적'인 움직임에 불과한 것은 아니었다. 이들 새로운 움직임은 모두 근대 디자인을 성립시키는 과정에서 빠뜨릴 수 없는 중요한 움직임이었다. 독일에서는 미술학교와 미술 공예학교의 개혁이 성행되어, 예술과 공예와 공업의 통일을 실현하는 것을 목표로 작업장 교육을 구체화 하려고 했다. 프로이센 상무성의 명에 의해 런던에 주재하고 있던 헤르만 무테지우스(Hermann Muthesius)는 기계화의 가능성과 영국 전원주택의 소박하고 기능적인 우수함을 배워, 독일에 귀국후 근대화에 주력하여 기계문명을 도입, '합리적 즉물론'을 강하게 내세웠다. 한편 독일 에서는 미술학교와 미술 공예학교의 개혁이 성행되어, 예술과 공예와 공업의 통일을 실현하는 것을 목표로 작업장 교육을 구체화하려고 했다. 그것은 기계화 시대에 있어서 교육기관과 산업을 결합시켜 나가려는 계획이기도 했다. 이와 같은 상황에서 독일공작연맹이 1907년 10월 뮌헨에서 결성되고 쟈클리히케이트, 즉 즉물적인 조형운동이 추진되었다. 이 운동의 기본이념은 적극적으로 기계를 도입, 예술(예술가), 공업(제조업자), 수공예(크래프트맨)의 협력에 의해 독일 공업제품의 '양질화', '규격화'를 모색하여 이성적이고도 단순한 디자인을 추구하였다. 제품의 품질을 올릴 것을 목표로 하였다.
▶ 독일공작연맹의 영향
오늘날의 디자인사에 있어서 여러 가지 커다란 공헌을 하였는데 그 세부적인 것은 다음과 같이 요약할 수 있다.
첫째, 디자인에 관련된 많은 성과의 흐름을 하나로 통합하고, 20세기적 시점에서 근대적인 흐름을 이끌어 내는 합류점이 되어 디자인 동향에 새로운 전기를 마련하였다.
둘째, 20세기 초 독일의 산업과 경제성장에 결정적인 역할을 하였으며, 선진 강대국으로 발전시킨 사회운동, 문화운동, 나아가 산업화 운동이었다고 할 수 있다.
셋째, 기능적이고 구조적이며, 기하학적인 디자인을 성취함으로써 미술과 산업을 밀접하게 결합하는 독일 디자인을 실천하였으며, 미술가의 역할을 재정립하였다.
넷째, 바우하우스에 영향에 주어 학교 교육에 있어서 예술과 공예와 공업의 통일을 실현하고자 하였으며, 인더스트리얼 디자인을 예술의 한분야로 정착시키는데 중추적인 역할을 하였다.
다섯째, 유럽제국에서 동일한 개념의 단체가 설립되거나 개편되는데 영향을 주었으며, 산업과 예술이 새로운 차원에서 대중의 생활에 공헌하는 현대적 형태의 디자인을 성취하는데 새로운 활력소가 되었다.
▶ 표현주의(Expression‎ism, 1905~1920)
독일에서 일어난 미술운동으로 그뤼네발트ㆍ뒤러의 깊은 신앙체험과, 반 고흐ㆍ뭉크ㆍ마티스 의 강한 정서에 그 바탕을 두고 있다. 1905년 드레스덴에서 시작한 ‘다리파’와 1911년 뮌헨에서 조직된 ‘청기사파’,그리고 1919년 바이마르에서 활동한 ‘바우하우스’그룹들과, 1920년대에 전개 된 신 직물주의 등이 모두 표현주의에 포함된다. 표현주의란 말은 제1차 세계대전 전에는 독일의 화가들뿐만 아니라 러시아 화가들에게도 적용되었고, 주로 인상파나 자연주의파 화가들에 대한 강한 반발을 나타내는 말로 쓰이기도 했다.
표현주의는 정확한 관찰만을 앞세우는 과학만능을 혐오하고, 니체나 쇼펜하우어 같은 독일 철학자들의 영향 하에서 내면의 진실을 표현하려는 새로운 운동이었다. 표현주의는 화가들의 내면세계를 표현한 강한 내적표현주의(Intensive Expression‎ism)와, 자연과 외부세계를 표현한 외적표현주의(Extensive Expression‎ism)로 구별될 수 있다.
▶ 입체주의(Cubism)
20세기 초 프랑스에서 일어난 미술혁신 운동으로 1907년 피카소와 브라끄 등이 주도한 이 운동은 새로운 공간의 형성, 조형적인 새 질서의 확립을 추구함으로써 시각의 일대 변화를 일으켰다. 이들은 자연대상을 해체하고 이것을 여러 각도에서 보는 시각을 연결시켜 새질서로 재구성함으로써 자연세계와는 다른 자율적인 회화의 세계를 만들어 냈다. 입체주의는 그 후 새로운 미술운동으로 발전했는데, 오르피즘, 섹숀도르(황금분할파), 순수주의 등은 입체주의에서 발전한 것들이다.
･ 큐비즘의 전개 :
1906년 전 입체주의 시기 - 피카소의 아비뇽의 처녀들, 입체주의 미학의 문제 제기, 세잔 + 아프리카 원시조각의 영향, 2차원적 화면에 3차원의 대상을 재현하는 문제제기. 1908∼10 분석적 큐비즘의 형성기 - 브라크와 피카소의 합동작업, 세잔방식의 공간과 양감의 언어로 니그로 조각의 원리에 토대를 마련하였다.
1910∼12 분석적 큐비즘의 후기 - 다시점 양상들이 동시성 이미지로 융합되어 더욱 추상화되었고, 재현과 추상의 균형 위에 순수추상의 토대를 마련하였다.
1912∼14 종합적 큐비즘(꼴라주 큐비즘) - 추상화된 화면에 현실의 사물을 도입, 스텐실 기법의 문자요소, 파피에 꼴레, 앗상블리쥬의 원리 색채의 재도입, 추상적 형상들을 중첩시켜 구축하는 새로운 회화과정으로 피카소는 콜라주의 발견자이며, 브라크는 콜라주의 특수화된 한 형태인 파피에 꼴레의 발명자였다. 그의 입체파 화가는 페르낭드 레제가 있다.

◑ 바우하우스(Bauhaus)
▶ 바우하우스의 발단 및 시대적 배경
바이마르에서는 사회민주주의 정부가 수립되고 월터 그로피우스 (Walter Gropius, 1883~1969)는 독일 공작연맹의 즉물적 조형이론을 이어받아 건축가로서 인정받게 된다. 그는 제1차 세계대전 발발 후 1915년 국가주의 대두로 인하여 국외로 갔던 반 데벨데에 의해 바이마르 공예학교의 교장으로 의뢰받았으나 전쟁으로 실패하였다. 1918년 이후, 독일 도처에서 마침내 아카데미가변화가 일기 시작했으며, 정부의 후원과 함께 반 데 벨데가 맡고 있던 '바이마르 미술 공예학교(Weimar School of Arts and Crafts)'와 기존의 '바이마르 미술 아카데미(Weimar Academy of Fine Arts)'를 통합하여 1919년 종합조형학교, 즉 '국립 바이마르 바우하우스'를 창립했다. 바우하우스는 '바우휘테'라는 용어에서 비롯된 것으로 이는 중세시대에 교회당을 건축 할 때에 목수, 석공, 조각가, 화공 등 다양한 부문의 사람들이 모이는 장소, 혹은 중세의 '장인집단'을 의미한다. 바우하우스 교육의 기본 목표는 모든 디자인 분야가 하나의 총체예술을 달성할 수 있는 현대판 바우휘테를 만드는 것이었다. 조형적 상상력과 기술적 능력 을 결합해서 자신들의 세계를 상징하는 전형적인 형태를 창조할 수 있는 인간을 교육시키는 것을 목표로 하였다.
▶ 바우하우스의 시대적 구분
시대적 특성에 따라 일반적으로 다음과 같이 제1기부터 4기로 구분할 수 있다.
･ 제1기 : 국립 Weimar Bauhaus 시대(1919~1924) - 수공예가를 양성하려고 했던 공예학교의 성격이 강했다.
･ 제2기 : 시립 Dessau Bauhaus 시대(1925~1927) - 공업과 관련되는 모든 제품의 디자인을 해결할 수 있는 능력을 가진 산업 디자이너를 양성하려는 디자인대학의 성격이 강했다.
･ 제3기 : Hanes Meyer시대(1928~1929) - 학교의 성격을 좌경화시킴으로써 바우하우스의 수명을 단축시켰으며, 사회주의 노동대학 같다고 비판을 받아 결국에는 시로부터 퇴교명령을 받았다.
･ 제4기 : Mies Van der Rohe시대 (1930~1933) - 시립바우하우스로서 건축공과대학의 성격이었다.
▶ 바우하우스 선언문
모든 조형 미술의 궁극적인 목표는 건축에 있다. 한동안은 건축물을 장식하는 것이 미술의 가장 훌륭한 과제였다. 다시 말해 미술은 대 건축의 불가결한 구성 요소였다. 그러나 오늘날 미술은 고립 상태에 있다. 미술이 이와 같은 고립 상태에서 벗어날 수 있는 길은 오로지 모든 공예가들과의 적극적인 협력을 통해서만 가능하다. 건축가, 화가 및 조각가들은 건축이 그 전체나 각 부분을 포함해서 종합적인 성격을 띠고 있다는 사실을 새롭게 인식하지 않으면 안 된다. 이렇게 되면 비로소 그들의 작업이 <살롱 미술>로 전락하여 상실했던 건축 정신을 다시 불러일으키게 될 것이다. 그전의 미술학교들은 이러한 통일을 성취할 수 없었다. 그 까닭은 미술이란 가르칠 수 있는 것이 아니기 때문이다. 디자이너와 응용 미술가의 단순한 도안과 회화의 세계는 다시 건축의 세계로 바뀌어야 한다. 예술적 창조에 기쁨을 느끼는 젊은이들이 다시 한 번 수공예의 학습에서부터 그들의 삶을 시작한다면 비생산적인 <예술가>는 불안전한 예술적 기교로 인해 비난받지 않게 될 것이다. 왜냐하면 그들의 기술은 이제 수공예를 위해서 간직될 것이고, 거기서 우수한 재능을 발휘할 수 있게 될 것이기 때문이다. 건축가, 조각가, 화가들은 모두 공예로 돌아가야 한다. 왜냐하면 미술은 직업이 아니기 때문이다. 미술가와 공예가 사이에 본질적인 차이란 존재하지 않는다. 미술가란 고양된 공예가이다. 영감이 찾아오는 드문 순간에 자기 의지를 초월하여 하늘의 은총이 그의 작업을 예술로 꽃피게 하는 것이다. 모든 미술가들에게는 공예의 숙련이 필수적이다. 그 속에 창조적 인 상상력의 근원이 있는 것이다. 이제 공예가와 미술가 사이에 가로놓인 높다란 장벽을 만드는 계급 차별을 없애고 새로운 공예가 집단을 만들자! 우리 다 함께 건축과 조각과 회화를 하나의 통일 속에 포용하고 또 언젠가는 새로운 신앙의 상징처럼, 수많은 일꾼들이 손으로부터 하늘나라로 올라갈 새로운 미래의 건축을 희구하고 상상하며 창조하자.
-월터 그로피우스-
▶ 바우하우스 프로그램(바이마르 국립 바우하우스 프로그램)
･ 바우하우스의 목적 : 바우하우스는 모든 창조적 노력을 하나의 전체로 통합하고 조각- 회화 - 수공예 -공예 등 모든 실용미술의 교육을 새 건축에 꼭 필요한 요소로서 다시 결합하고자 힘쓴다. 바우하우스의 궁극적인 목적은 비록 요원하긴 하지만 기념적인 미술과 장식적인 미술의 구별이 없는 통일된 미술작업, 즉 대 건축에 있다. 바우하우스는 모든 수준의 건축가-화가-조각가들을 그들의 능력에 따라 교육시켜 유능한 공예가와 독립적인 창조적 미술가가 되게하여 미래의 지도적 미술가와 공예가를 위한 작업 공동체를 형성하고자 한다. 서로 연재되어 있느 이들은 건축물을 전체적으로,즉 구조-끝손질-장식-가구 등에 있어서 조화있게 디자인하는 방법을 구축하게 될 것이다.
･ 바우하우스의 원칙 : 모든 이론을 초월하는 예술은 본질적으로 교육의 대상이 될 수 없다. 그러나 공예는 분명히 교육의 대상이 될 수 있다. 건축가-화가-조각가는 진정한 의미에서 공예가이다. 따라서 모든 예술적 창조에 꼭 필요한 기초로서 모든 학생들에게는 공방이나 실험 실습장에서의 철저한 훈련이 요청된다. 우리들의 공방은 점차로 설립될 것이며 외부 공방과이 실습계약도 곧 매듭지어질 것이다. 학교는 공방의 심부름꾼으로 언젠가는 공방에 흡수될 것이다. 따라서 바우하우스에는 선생과 제자가 따로 없고 마이스터-직인-도제가 있을 뿐이다. 교수법은 공방의 성격에 의해 결정된다. 즉, 수공기능에서 발전된 유기적 형태를 취한다. 그리고 모든 경직성을 피하여 창의성을 우선시키며 개성의 자유를 보장한다. 그러나 엄격한 교육훈련이 부과 된다. 마이스터 및 직인의 자격시험은 동업조합의 규칙에 따라 바우하우스 마이스터평의회 또는 외부 마이스터 앞에서 실시된다. 마이스터의 작업에 학생들도 공동협력한다. 그리고 학생들에게도 외부의 위탁이 인정된다. 공공 건물과 예배용 건물 등 미래를 겨냥한 대규모의 유토피아적 건축물의 디자인은 마이스터와 학생들이 공동으로 계획한다. 모든 마이스터와 학생들은-건축가,화가,조각가-건축을 구성하는 모든 요소와 부분이 점차적으로 조화를 이룩해 가도록 공동작업을 한다. 국내의 공예 및 산업계 지도자들과도 부단히 접촉하며 전람회 등의 활동을 통해 일반 대중과도 접촉을 갖는다.
시각 작품과 조각을 건축의 테두리 안에서 전시하는 문제를 해결하기 위해 전람회의 성격을 새로이 연구한다. 작업이외에 마이스터와 학생이 친밀한 관계를 맺을 수 있는 활동, 즉 연극-강연회-시-음악-가장무도회 등을 권장하며 이러한 집회를 통해 즐거운 의식을 마련한다.
･ 교육과정의 구분 : 교육은 세 과정으 분류된다. a.도제과정 b.직인과정 c.준마이스터 과정. 개인의 교육은 전체프로그램과 작업일정의 범위 안에서 각 마이스터의 재량에 따라 맡겨지고 작업일정은 학기마다 수정된다. 하생들에게 가능한 한 다양하고 광범위한 기술적,예술적 훈련을 베풀기 위해 건축가,화가,조각가 지망생들이 모두 다른과정에도 참여할수 있도록 작업일정이 편성될 것이다.
･ 입학 : 마이스터 평의회가 충분한 학력이 있다고 인정하는 품행이 방정한 자는 연령 및 성별의 구별없이 수용능력에 따라 입학이 허가된다. 수업료는 1년에 180마르크이다(수업료는 바우하우스의 수입이 증가함에 따라 점차로 감약되어 마침내는 무료가 될 예정이다). 입학금은 20마르크이며 외국인 학생은 두배를 내야한다. 서신 문의는 바이마르 국립 바우하우스 사무국으로.
･ 1919년 4월 바이마르 국립 바우하우스 학장 발터 그로피우스 -

◑ 신조형주의(Neo-Plasticism), 데 스틸(de Still)
몬드리앙은 1920년에 자신의 저서 ‘신조형주의’를 통해 신조형주의 라는 명칭을 소개하였다. 신조형주의의 기본 이념은 ‘새로운 조형성의 탐구’에 있으며 이 이념을 통해 몬드리앙은 순수 조형의 세계를 추구 하였다. 몬드리앙은 입체주의의 조형적 이념을 계승, 입체주의의 조형적 원리를 극대화하는 가운데 수직과 수평의 구조를 통해 회화를 가장 기본적인 형태로 환원 시 키고자 하였다. 색채는 3원색과 흑, 백, 회색등 무채색에 국한 시켰다. 몬드리앙의 ‘나무’ 연작 은 모티브가 된 나무의 형태를 화면에서 사상시켜 나가는 가운데 전차 단순화, 추상화에 이른 것이다. 이러한 몬드리앙의 회화적 방법론은 1917년에 결성된 ‘데 스틸’ 그룹으로 이어졌다. ‘데 스틸’ - 그룹의 대표적 작가는 시인이자 신문기자 출신의 화가 반 도에스버그로 그는 동명의 잡지<데 스틸: 양식을 뜻하는 네델란드 말>를 창간하기도 하였다. 데 스틸은 신조형주의와 함께 완전한 추상을 추구 하였다.

◑ 다다이즘(Dadaism)
1915~22년경 스위스, 독일, 프랑스 등의 유럽과 미국에서 일어났던 반문명, 반합리적인 예술운동. 제1차세계대전중 사회적 불안이나 허무감에서 생긴 문학, 예술상의 한 운동으로, 일체의 전통이나 권위나 사상, 기존의 예술형식을 부정하고 파괴할 것을 주장했다.
다다란 명칭은 1916년 2월 쮜리히에서 결성된 국제적인 전위예술가 그룹이 그들의 회합장소인 카페볼테르에 증축한 화랑을 위해, 시인인 트리스탄 짜라가 선택한 것이었다. 다다이즘은 제1차대전의 정신적 상황의 산물이었고 1920년대 초에는 자취를 감추었지만 그것은 예술상의 주의도 정치 운동도 아니고 파괴와 창조를 모색하는 ‘정신의 상태’라는 점에 그 뜻이 있다.

◑ 초현실주의(Surrealism)
미술작품은 우리로 하여금 묘사된 사물에 반응하도록 유도함으로써 은유적으로 작용한다. 더욱 이 추상양식이나 상호모순 되는 묘사의 방법들이 사용되는 모더니즘 미술을 통하여 우리가 경험 하는 체계는 인습적이고 가면적인 체계라는 사실이 시각적으로 드러나게 되었다. 1차 세계대전 이후에는 이러한 관념이 지배적 이었다. 전쟁직후 몇 년 동안은 일반적으로 전위적 입장들을 포기하는 경향이 나타났다. 많은 미술가들이 가졌던 현대적 세계에 대한 신념이 무너졌던 것이다. 그리하여 대중들이 즐길 수 있는 재미있고 위안을 주는 작품을 제작하는데서 만족감을 느끼는 태도로 되돌아가는 경향을 보였다. 이것이 초현실주의 운동이 시작된 계기가 되었고 당시 파리문화계를 주도해 나간 것은 초현실주의였다. 칼융과 지그문트 프로이드의 정신분석학에 고무된 초현실주의 화가들은 잠재의식이나 무의식을 통해서 환상, 꿈, 악몽, 광기, 비정상 등을 소재로 다루었다.

◑ 추상표현주의(Abstract Expression‎ism)
추상표현주의는 미국에서 일어난 전후 미술 양식으로 앵포르멜과 비정형의 맥락을 같이 하며, 순수 추상과 기하학적 추상에 대립하는 경향의 명칭이다. 질감과 화가의 신체적 동작에 의한 격렬하고 생명감 넘치는 긴장의 표출을 특징으로 하며, 드리핑기법으로 균질 회화를 추구하였다. 추상표현주의는 1930년대 경제 대공항 이후, 1940년대 중반에서 1950년대 초반 까지 'New York 10번가' 를 중심으로 가장 활발하게 생성된 미술운동이다. 1929년 미국에서 전시회를 열고 있던 러시아의 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 초기 작품의 자유 분방한 형상에 대해 미술 평론가 알프레드 바(Alfred Barr)가 '형식은 추상적이지만 내용은 표현적' 이라고 말한 것에 유래된다. 1945년 '뉴욕커' 지의 로버트 코츠 (Robert Coates) 기자가 당시 맹활약을 보였던 잭슨 폴록 (Jackson Pollock) 과 윌렘 드 쿠닝 (Willem de Kooning) 의 작품에 이 명칭을 부여함으로써 널리 알려지게 된다. 추상표현주의는 자연의 재현이 아닌 작가의 내면세계를 중시하는 추상형태나 무의식의 상태에서 발생한 우연한 결과를 존중하는 20세기의 현대 미술의 변화된 요소들을 바탕으로 예술활동의 중심 무대인 유럽을 떠나 미국을 중심으로 새롭게 출발한다.
작가 자신의 직관적인 표현의 행위를 예술로서 나타내게 함을 원칙으로 하는 추상표현주의는 회화에 있어서 무의식성을 강조한 초현실주의의 오토마티즘(Automatism)에서 강한 암시를 받았으며 전쟁 전에 현대 미술사에 등장한 다양한 경향을 종합시켜 유럽에 종속적으로 이끌려 오던 미국의 현대 미술을 독자적으로 분리시킨다. 나아가 추상표현주의는 현대미술을 새로운 영역으로 확장시키는 전환점이 된다. 어떤 의도성 있는 계획적인 표현의 궁극적 목표가 없이 오직 내적인 직관의 표현으로 화면에는 예기치 않았던 우연한 이미지가 개입된다.
▶ 추상표현주의의 대표적인 화가
잭슨폴록, 윌렘 드쿠닝, 샘 프란시스, 프란츠 클라인, 마크 로드코, 클리포드 스틸등은 액션페인팅(Action Painting) 과 색면추상 (Color-Field Abstract) 이라는 두 흐름으로 나누어진다. 폴록과 뉴만 그리고 로드코 등의 추상표현주의 작가들은 일찌기 전면회화(All-Over)와 무관계(Non-Relational)로 불리우는 화면의 전면구성을 통하여 회화 본래의 평면성에 대한 주의를 환기시킨다.

◑ 팝아트(Pop Art)
'팝'이라는 용어는 광법위한 영역에 걸친 다양한 예술 활동들을 망라하기 위하여 사용된 것이었다. 이들 예술형태들이 가진 공통점은 매스 미디어의 형상과 때로는 기법까지도 이용한다는 점이었다. 새로운 경향을 지칭하기 위하여 다른 용어들도 많이 제시되었다.'신통속주의(Ne
w Vulgariamism)'와 같은 명칭은 이에 대한 미국 비평가들의 혐오감을 표현하는 것이었고 '신사실주의(New Realism)'나 '신다다주의(Neo-Dadaism)'와 같은 용어들은 이것의 미술사와의 관련성을 암시하는 것이었다. '팝'이라는 명칭으로 낙착이 되었던 것은 이 용어가 대중매체의 관심을 끌었기 때문이다. 대중매체들은 다른 어느 것을 위해서도 협동한 적이 없었으나. 팝 아트를 찬양하기 위해서는 결속되었다. 그것은 이 미술성향이 다소 충격적이면서도 재미있기 때문이었으며. 또한 대중매체 자에가 이 같은 예술운동에 대한 집합적인 서구로 보여졌기 때문이기도 하였다. 특히 대중음악의 가수나 그룹으로 이루어진 새로운 영역과 관련을 맺게 되었는데 대중음악가들이 이례적으로 세계적인 주목을 받으며 성공하였던 것은 1960년대의 괄목할만한 현상이었다. 영국에서 제작된 최초의 팝 회화 중 몇몇은 이같은 속
성에 들어맞았다. 그 그림들에서는 영화배우와 대중적 스타들. 그리고 여타의 대중적 영웅들이 찬미되었으며, 화가들이 (대부분이 20세 초반이었던)젊은 대중층과 그들의 열정에 노골적으로 보조를 맞추고 있다는 사실이 드러나 있었다.

◑ 옵아트(Op Art)
짧은 기간 동안 유행하였던 '옵아트(Optical art의 준말)'는 시각현상을 예리하게, 그리고 거의 과학적으로 탐구하는 경향이었다. 옵아트에 있어서는 망막을 자극이 주된, 또는 대부분의 경우 유일한 소통의 수단이고, 그 의도는 관람자의 생리적인 시각반응을 유도하는 것이었다. 이 같은 사실이 암시하듯이. 옵아트의 대부분이 2차원이나 3차원작품을 통하여 교묘한 지각적 효과를 유발하는데 그쳤다. 이들 작품은 움직이기도 하고 정지되어 있기도 하였으며, 조명장치가 부착된 것, 또는 그렇지 않은 것도 있었다. 이와 같은 작품들에 대한 관심은 필연적으로 단명한 것이었으며, 옵아트는 하나의 미술경향으로서의 위치를 그리 오래 지키지 못하였다. 그러나 예외적인 경우도 있었는데 그 주요한 예가 브리지트 라일리(Bridget
Riley)의 작품이다. 브리지트 라일리 는 1960년에 과학자들이 지각작용의 연구를 위해서 사용하였던 도해들을 개작하는 작업을 시작하였다. 그리하여 그녀는 강렬한 흑백 회화를 만들어 내었다. 그녀는 이 같은 회화가 더욱 더 미묘한 효과를 낼 수 있도록 하기 위하여 처음에는 회색을 그리고는 점차 다른 색체를 첨가하게 되었다. 시각적 자극 자체가 그녀의 목표는 아니었다. 라일리는 자신이 그리는 요소들을 자연의 일부로 즉 나무, 구름, 언덕, 강과 같은 풍경의 요소로 보았다. 그리고 그녀는 이들 요소들을 맞추어서 그것들의 형태와 색체의 총체 이상의 마술적 효과를 이루어내었다. 라일리의 작품들은 분명히 과학적이라기보다는 서정적이고 시적인 효과를 산출하고 있다. 포토 리얼리즘은 사진의 형상과 기법에 의존하였음에도 불구하고 팝 아트와도 관련시킬 수 있다. 이 경향에 포함시킬 수 있는 화가들의 범위도 광범위하다. 예를 들어 맬컴 몰리(Malcoim Morley)는 1960년대 중반부터 커다란 캔버스에 잡지 사진을 세밀하게 복사하는 작업을 해왔다. 그의 작품은 사진기법으로 전사한 워홀의 사진적 형상들과 비교됨과 동시에 대비를 이루고 있다.
그러나 몰리는 그가 선택한 형상들이 내포하고 있는 내용에 대하여 어떠한 관심도 가지지 말 것을 주장하였다. 그는 형상들을 거꾸로 그릴 것을 주장하기도 하였는데, 그 이유는 그가 복사하는 대상과 명도 변화가 갖는 의미의 영향력을 피함과 동시에 그 표면의 특성 자체에만 집중하기 위해서였다. 그럼에도 경마 트랙과 같은 그림에서는 표면보다는 의미를 선택한 것으로 보인다. 이것은 남아프리카에서의 즐거운 여가 장면을 밝은 태양광선에서 찍은 사진을 복사하고. 그 위에 피빛 빨강색으로 협박하듯이 × 표시를 그렸다. 이에 비해서 대부분의 포토 리얼리즘 작가들은 비교적 냉정하고 중립적이었다. 많은 미술가들이 주변세계의 일부를 사진으로 찍어서 이 사진들을 캔버스 위에 투시하여 그림을 만들어내고 투시된 형상
에 준하여 채색을 하는 방법을 사용했다. 이런 것들은 가능한 한 가장 순수하게 사물을 묘사한 그림이라고 할 수 있을 것이다. 이 중 특히 매혹적인 예는 리차드 에스티스(Richard Esles)가 만들어내었다. 이런 종류의 작품에 타당성을 부여하는 요인 중 하나는 제작과정에서 의식, 무의식적으로 내려지는 예술적 판단의 풍부함이다. 이 예술적 판단은 투사된 형상에 의존하지 않고는 그 복잡한 세부를 묘사하기가 어려운 시각적 자료들에 개입되고 있다. 카메라는 오직 기술적인 변수에 의해서만 통제되는 객관성을 가지고 세계를 본다. 가장 객관적인 미술가라 할지라도 카메라처럼 너그러운 평등주의적 시각으로는 어떤 정경에도 주목하지 못한다. 또한 미술가가 어느 정도는 사진에 대하여 개인적인 해석을 내릴 수밖에 없는 것은 사실이다. 어쨌든 미술가는 다른 것이 아닌 바로 그 정경을 사진으로 찍어서 같이 찍혀진 슬라이드들 중에서도 다른 것이 아닌 바로 그 슬라이드를 사용하는 것이다. 그리고 그림을 다른 크기가 아닌 바로 그 크기로 그리겠다고 결정한다. 그러고도 미술가에게는 광건에 의해 포착한 형상을 물감에 의해 고착시켜야 하는 문제가 여전히 남아 있다. 이런 종류의 그림 중 가장 이상적인 경우는 우리에게 많은 즐거움을 주며, 그러한 즐거움과 함께 어떤 사념을 유도하기도 한다.

◑수퍼그래픽(Super Graphic)
▶ 수퍼그래픽의 의의
현대 생활에 있어서 공해로 인한 육체적, 정신적 건강을 해치는 보건 문제의 해결과 현대 도시가 점점 복잡하게 전개되므로 인하여 시각환경에 미적인 요소와 쾌적한 환경이 절실히 요구 되고 있다. 거리에서나 공공장소에서 생활과 함께 미적인 체험을 느끼게하며 또한 도시환경뿐 아니라 공사현장의 공사장에서도 미적 체험을 던져주는 장소로 탈바꿈 시킨다면 훨씬 능률적인 현장이 될수 있다는 점에서 Super Graphic은 커다란 의미를 갖고 있다.
▶ 수퍼그래픽의 개념
수퍼그래픽은 건물의 표면이나 공간의 표정을 효과적으로 변화시켜주는 작업이라고 총칭 할수 있으며 도시의 광장이나 공공건물에 뜻하지 않던 거대한 사인이나 색채구조물이 건물과 함께 공존하면서 동시 생활에 하나의 새로움 시각환경으로서 존재하게 된다. 이것이 인간생활 환경을 보다 쾌적하게 해주는 디자인 영역의 하나인 수퍼그래픽이다. 현재 수퍼그래픽은 한정된 범위를 넘어서서 그래픽 적용대상이 우리가 살고 있는 방이나 벽, 또는 건물외벽의 페인팅을 비롯하여 가설적인 건축현장의 담, 집합주택이나 아파트의 색채도입, 그밖에 낡은 건물이나 점포의 색채 및 형태, 학교의 교회 및 공공시설물, 특정한 도로와 스트리트 퍼
니처 및 공원의 도로, 동물원 등이 대상이 되고 있으며 점점 일상적 생활공간으로 확산되면서 종래의 그래픽 개념과 성격을 달리한 환경디자인의 한장으로서 우리에게 새로운 의미를 전달하고 있다.
▶ 명칭
수퍼 그래픽이라는 용어는 1966년 미국의 건축가 찰스 무어(Charles, Wmoore)가 설계한 씨랜취(Sea Ranch)라고 하는 주말 주택의 내부에 적극적으로 색채와 패턴을 도입한 것에서부터 발전되었으며, 초기에는 자이언트 그래픽이라고 불리어졌다.
명칭에 따라서 뉘앙스가 조금 다르긴 하나 여러가지 명칭을 나열해보면, 프랑스에서는 채색벽(le mur paint)이라 불리우며, 옥외벽화(outdoor wall painting), 거리의 미술(Street Art), 도시벽화(City Mural), 채색된 도시(die bemaler studt), 도시의 환타지(Urban fantasy), 주민벽화(Community mural), 종속벽화(Ethnic mural), 뮤랄페인팅(mural painting)등이 있고, 도시의 모든 공간에 나타나기 때문에 스페이스 그래픽(Space graphic), 환경적 커뮤니케이션(Environmental Communication)이라 불리우기도 한다.