세계적인 장애화가(9)_클로드 모네(Claude Monet)_글 이명환

[BeauxArts]

세계적인 장애화가(9)_클로드 모네(Claude Monet)_글 이명환

질병이 모네의 그림에 미친 영향

1908년 베니스로 여행을 떠난 후 68세의 나이의 클로드 모네(Oscar-Claude Monet1840-1926)는 양쪽 눈에 백내장이 발견되어 왼쪽 눈의 시력을 잃고 오른쪽 눈의 색 지각 능력이 비정상적으로 변하게 되었다.

이러한 변화의 단서는 그의 작품에서 찾아볼 수 있었다. 1923년 그의 오른쪽 눈에 대한 수술은 <*1>"Xantopsia", 즉 노란색 시력으로 알려진 드문 합병증으로 발전했으며 차이스(<*2>"Zeiss")렌즈를 통해 부분적으로 교정되었다.

그는 1926년 12월 5일 86세의 나이로 폐암으로 사망할 때까지 14년간 시각장애인 화가로 사는 불운의 기간 이전 자연광이 프리즘으로 통해 분석한 7색의 컬러를 인식하여 시시각각 변화무쌍한 컬러가 자연의 풍광을 이루고 있다는 사실에 일찍 눈을 뜬 화가로서 인상주의 태동의 직접 관여한 화가였음을 미술사는 기록하고 있다.

클로드 모네는 ‘인상주의’의 창시자이며, 서양 미술사에서 가장 중요하고 유명한 화가로 손꼽히는 인물 중 한 명이다. 대상을 뚜렷하고 명확하게 표현하는 전통 회화 기법을 거부하고, 빛에 따라 실시간으로 변화하는 대상의 색과 형태를 포착하여 그리는 인상주의로 당대 미술계의 새로운 움직임을 일으켰다.

인상주의라는 말 자체가 클로드 모네의 그림 중 매우 중요한, <인상, 해돋이>라는 작품에서 시작이 된다. 이 그림은 1874년 모네, 피에르오귀스트 르누아르, 에드가 드가를 포함한 일군의 화가들이 개최했던 '앵데팡당 展( Salon des Artistes Indépendants )' 에 처음으로 선보였다.

이 전시에 대한 비평문에서 당대 프랑스 비평가 루이 르루아(Louis Joseph Leroy)는 <인상, 해돋이>가 스케치에 지나지 않는다고 비난했으며, 부정적인 의미에서 이 전시회에 '인상주의자의 전시회'라는 별칭을 붙였지만 앙데팡당전 참여 화가들은 인상주의자라는 단어를 자랑스럽게 받아들였다.

비평가 루이 르루아 왈 “카탈로그에 실릴 제목을 나에게 물어보는데, 이 그림을 르아브르(Le Havre: 불어의미로 ”항구”이며 북 노르망디의 항구도시 이름이기도 함)풍경이라고 정직하게 말할 수 없어서 그냥 인상이라고 했습니다.”

<*1>의학용어

Xanthopsia

물체가 노란색으로 보이는 시각 장애

a visual disturbance in which objects appear yellow

<*2>"Zeiss"

독일의 광학 정밀기계 제조회사의 렌즈 상표명.

프랑스 인상파 화가 클로드 모네(Claude Monet)는 자신의 화원(Le jardin de Monet à Giverny de Normandie)에 있는 일본풍 건축양식으로 만들어진 다리 아래에 있는 수련을 그린 상징적인 그림으로 가장 잘 알려져 있기까지는 약 20년 동안 이 풍경을 담은 약 250점의 그림을 그렸다.

러셀 라자루스 박사가(Dr. Russel Lazarus) 말하는 늦은 나이에 클로드 모네에게 발병한 백내장이 그의 예술활동에 끼친영향에 대한 연구결과를 대 검안사 네트워크(Optometrists Network)를 통해 발표했다.

모네의 초기 작품과 후기 작품의 차이점을 분석해 보면 그가 백내장으로 인해 점차 시력이 저하되고 있음이 분명하다는 입증될 만한 단서를 발견했다.

그럼 모네에게 찾아 온 백내장이란 무엇인가?

백내장은 눈의 자연 수정체가 흐려지는 현상이며 노화 과정의 정상적인으로 일으키는 현상으로 80세 이상 성인의 50% 이상에게 영향을 미치며, 치료하지 않으면 결국 시력 상실이나 실명을 초래하는 고령기에는 신체 퇴화에 따른 무서운 병 아닌 병에 속한다.

태어날 때 건강한 눈의 수정체는 투명하고 눈 뒤쪽에 있는 빛에 민감한 세포층인 망막으로 빛을 정확하게 굴절시킬 수 있으나 고령의 나이에 들면서 수정체 내의 단백질이 서로 뭉쳐 백내장을 형성하기 시작하여 점진적으로 시간이 지남에 따라 악화되는 경향에 염두에 두고 있다.

백내장의 징후는 무엇인가?

● 흐릿하거나 흐릿한 시력

● 야간 시력이 좋지 않음

● 이중 시력

● 조명 주변의 후광 보기

● 색상이 덜 생생하다고 인식

● 빛과 눈부심에 대한 민감도

● 색상을 실제보다 더 노란색으로 인식

백내장이 모네의 작품에 어떤 영향을 미쳤나?

운명을 타고난 예술가처럼 자신의 비전에 크게 의존하는 사람에게 백내장은 그들의 삶과 생계에 극적인 영향을 미칠 수 있으며 클로드 모네(Claude Monet)에게 어떤 영향을 미쳤는지는 다음과 같다.

1897년 클로드 모네는 정원(Le jardin de Monet à Giverny de Normandied) 전체 환경의 측면을 생생하게 묘사한 최초의 수련 걸작을 제작했다. 이 그림에는 수평선과 연못을 둘러싼 나무와 관목, 그리고 마치 공중에 떠 있는 것처럼 물 위에 떠 있는 아름다운 수련이 그려져 있다.

그는 파란색, 녹색, 노란색, 빨간색, 주황색 및 보라색 음영을 활용하여 전체 색상 미각을 사용했다. 인상주의적이긴 하지만, 이 초기 그림의 선은 날카롭고 명확한 점이 특징을 이루고 있다.

그러다가 불행하게도 60대에 백내장이 생기기 시작할 시기 모네는 자신의 시력이 악화되고 있음을 깨닫고 파리의 안과 의사에게 다음과 같은 편지를 썼다. “나는 더 이상 동일한 강도로 색상을 인식하지 못합니다. 더 이상 동일한 정확도로 빛을 칠하지 않습니다. 빨간색은 탁해 보였고, 분홍색은 밋밋해 보였고, 중간 톤과 낮은 톤은 나에게서 빠져나갔습니다.”

모네의 백내장이 상당히 진행되었을 때, 그는 정확한 유화 색상을 정확하게 선택하기 위해 더 이상 시력에 의존할 수 없었음을 간파했다. 대신 그는 유화 안료 병에 라벨을 붙이고 색상을 어떻게 인식했는지가 아닌 라벨을 기준으로 선택하여 화폭에 얹어 표현했음을 알리는 대목이다.

결국 모네의 그림은 백내장으로 인한 컬러 장애에서 훌륭한 걸작품을 남기기 위한 선택은 수평선이나 일본교, 주변 환경을 없애고 수련 그 자체로만 구성하였다. 아마도 그가 명확하게 볼 수 있는 유일한 방법은 물을 직접 내려다보는 것뿐이었기 때문일 것이다. 그의 붓질은 덜 뚜렷해졌고 더 많은 빨간색, 주황색, 노란색을 포함하여 따뜻한 톤을 사용했음으로 분석된다.

모네는 백내장 수술을 받아 시력이 약간 좋아졌지만 컬러 시각은 해결하지 못해 여전히 매우 나빴다. 그는 색각(color vision)을 교정하기 위해 착색렌즈( tinted lenses) 착용을 선택했다.

수련작품들/ 클로드 모네의 아틀리에 광경 /Les Nympheas - Claude Monet à Giverny dans l atelier des "grandes decorations" - 1916

클로드 모네가 착용했던 착색렌즈 안경 :크리스티 홍콩에서 인상파의 개인 소장품과 미술품 판매 - 이 유물은 이전에 알려지지 않은 예술가의 후손에게서 나온 것.

클로드 모네의 사용했던 착색렌즈 안경이 홍콩 소더비 경매나왔다.클로드 모네의 아들 미셸(Michel)이 자신의 딸 롤랑드 베르네주(Rolande Verneiges)에게 상속한 이 이안경을 오랜세월 동안 소장하다가 2008년에 사망하자 후손들이 모네의 안경을 매각하려고 내놓았다.

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모네의 백내장에 관한 연구서 발표_안과 의학박사 제임스 라빈(James Ravin)

시력을 잃기 시작하여 빛과 색채를 알아볼 수 없게 된다는 청천벽력 (靑天霹靂)과도 같은 불행한 현실에 직면한 예술가가 되는 공포를 받아들여야 했던 프랑스 인상파 클로드 모네(Claude Monet)의 시력은 60대 후반부터 악화되기 시작했다.

이때 그는 다양한 색상을 식별하는 능력이 감소하는 것을 경험하기 시작했을 것이고 아이러니한 점은 모네의 그림에는 특정한 종류의 예리한 밀도가 부족했기 때문에 그의 의학적 문제가 즉시 명백하게 드러나지 않았으나 나이가 들수록 더욱 깊게 악화되었을 것이다.

1898년 클로드 모네는 시력이 약해지기 시작하기 10년 전 모습

안과의사인 제임스 라빈(James Ravin) 박사는 1985년 JAMA에 “모네의 백내장”에 관한 연구서를 발표하여 일반인들에게도 의학, 병력 및 예술의 놀라운 상호 작용에 눈을 뜨게 하는데 일조했다

마치 루이 파스퇴르(Louis Pasteur-1822년 12월 27일 Dole(Jura)-1895년 9월 28일 Marnes-la-Coquette(Hauts-de-Seine, 당시<Seine-et-Oise>사망)가 한때 면역체계라는 개념을 발표하여 의학의 발전으로 인한 인류의 생명 연장에 희망을 제시했다.

파스퇴르는 19세기 후반 질병의 세균 이론을 대중화한 그의 연구로 전통적으로 현대 면역학의 창시자로 여겨졌으며, 모든 전염병은 예방 백신으로 예방할 수 있을 뿐만 아니라 백신 접종으로 치료할 수 있다는 인류의 희망을 현실하였다.

이 프랑스의 과학자, 화학자, 훈련을 받은 물리학자, 미생물학의 선구자인 그는 광견병 백신을 개발하여 일생 동안 큰 명성을 얻었다.

감염 후 곧 적용되는 경우 치료 백신 접종이전 파스퇴르는 미생물 세계에 대한 인식이 시작된 시기에, 즉 면역체계라는 개념이 존재하지 않았던 시대에 연구하고 있었다. 그 당시에는 확실히 130년 이상이 지난 오늘날 우리가 알고 있는 것과는 달리 존재하지 않았다.

따라서 아무도 곰팡이, 박테리아, 바이러스를 구분하지 못했고 면역에 관한 이론을 공식화한 사람도 없었는데 왜 파스퇴르는 미생물 세계의 침입으로부터 우리를 보호하기 위해 면역 체계가 어떻게 기능하는지 알아낼 정도로 천재였을까? 여러분들께서 다양한 경로를 통해 리서치 실력을 발휘하여 알아보실 기회를 남겨 드립니다.

모네가 안과 의사에게 보낸 편지를 연구하고, 특별히 착색된 백내장 안경을 검시하고, 마지막으로 모네가 상담했던 안과 의사 밑에서 일했던 보조안과의사와 인터뷰한 Ravin 덕분에 백내장이 어떻게 나타나는지 훨씬 더 잘 이해할 수 있게 해준다.

1918년에 이르러 모네는 더 이상 "같은 강도의 색상"을 인식할 수 없으며 햇빛을 정확하게 해석할 수도 없다“고 말했음을 증언하므로서 나이가 들면서 퇴화하는 눈의 수정체는 그의 마지막 예술 작품에 큰 영향을 미쳤다는 것이다.

엉뚱하게 들릴 수도 있겠지만, 모네의 후기 작품에 대한 보조 안과의사의 첫 '인상'은 그것이 얼마나 흐릿하게 보이는가였다. Ravin 안과의학박사는 1908년에 제작한 Monet의 그림에서 멀리 있는 물체가 더 흐릿하게 보인다고 지적했다.

1918년에 모네는 더 이상 "같은 강도의 색상"을 인식할 수 없으며 인상파 유파의 핵심인 햇빛을 정확하게 해석할 수도 없다고 말했다. 예를 들어 빨간색은 "흐릿한색상으로 식별되어 되었습니다.” 라는 발언도 남겼다.

1918년 이후 모네는 여러 안과 의사와 상담을 시작했지만 대부분 오판된 진단에 의한치료 계획을 받았다. 안과 치료사들은 거의 지난 150년이란 세월 동안 비교적 고통 없는 방법으로 백내장을 제거해 왔지만, 모네가 직면한 수술은 여전히 합병증으로 가득 차 있었다.

당연히 그는 동료 예술가인 메리 카사트(Mary Cassatt)가 비슷한 수술을 받았지만 결과가 만족스럽지 못한 것을 알고 있었기 때문에 수술대에 눕는 것을 무척 꺼려했다. 모네는 점점 더 우울해졌고 "나는 내 인생에서 잔인한 시간을 많이 보냈지만 이렇게 고문을 받은 적은 없었다"고 심정을 토로했다.

프랑스 정치가이자 전 의사였던 조르주 클레망소(Georges Clemenceau)는 모네에게 그의 유명한 수련을 그리도록 의뢰했다. 이 작업은 1914년부터 1926년 사망할 때까지 예술가가 수행한 대규모 프로젝트였으며 시력에 대한 의학적 도움도 받아 결과에 다다랐다.

모네는 그림을 프랑스에 기부하겠다고 약속했지만 자신의 작품과 시각 장애에 너무 불만이 생겨 1921년에 그림을 철회하려고 마음을 굳혔으나 다행히도 클레망소는 그런 결과를 초래할 하지않을 것이라고 확신했다.

1922년까지 모네의 작품에는 뚜렷한 형태가 부족했고 미술 평론가는 작품이 점점 더 단색으로 변하고 있다고 지적했다. 그해 9월 법의학적으로 시각 장애인이 된 후 모네는 샤를 쿠텔라(Charles Coutela)라는 파리의 안과의사에게 판결었다. 최종진단을 받은 후 모네는 오른쪽 눈의 수술 가능성에 대해 초조해했지만 정신건강을 고려해서 결국 묵인했다.

백내장 안경을 착용한 상태에서도 모네의 회복은 나무눌보처럼 더뎠다. 오른쪽 눈의 수정체 후막이 불투명해져서 보는 데 어려움을 겪게되는 상황에 직면했다.

모네는 주치의 쿠텔라에게 “이 치명적인 수술을 받은 것을 후회한다는 것은 정말 유감스럽습니다.” “너무 솔직하게 말해서 죄송하고, 저를 이런 상황에 빠뜨린 것은 범죄라는 점을 말씀드리고 싶습니다.”이렇게 편지를 썼다.

모네는 1923년에 또 다른 수술을 받고 이듬해에 회복되었지만 여전히 다양한 색조의 안경이 필요했으며 남은 생애 동안 계속해서 시각 장애와 색채 장애를 겪었지만 계속해서 그림을 그렸다.

1926년 12월에 사망에 이른 모네의 사망은 아마도 만성 흡연으로 인한 만성 폐쇄성 폐질환이란 원인일 가가능성이 매우 높다는 게 의학계에서 보는 시각이다.

이듬해 봄, 그의 장엄한 수련은 루브르 박물관 뒤편의 튀일리 정원(Jardin des Tuileries)에 있는 오랑주리 미술관(Musée de l'Orangerie) 에 설치되어 오늘날까지 그 수련작품을 감상할 수 있다.

많은 미술사가들은 백내장의 베일 아래 완성된 작가의 후기 작품을 "20세기 추상 미술과의 연결 고리"로 본다고 Ravin은 썼다. 소위 완벽한 시력을 갖고 있거나 약간 근시안적인 사람들에게 수련은 모네가 어떤 눈 상태를 겪었는지에 관계없이 여전히 후기 인상파의 걸작으로 불리고 있다.

뮤제 오랑주리(Musée de l'Orangerie) 공식 Web site

https://www.musement.com/us/

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클로드 모네의 수련연작 탄생배경

Claude Monet's masterpiece Water Lilies series

1890년에 모네는 파리에서 북동쪽으로 약 40마일 떨어진 프랑스 노르망디 지역의 세느강 그 지류인 엡테(Epte)강이 만나는 유역에 위치한 작은 농촌 지베르니(Giverny, village de Normandie)에 자신의 집과 꽃밭 길 건너편에 있는 습지대를 구입했는데, 그곳을 통해 강의 지류가 흘러갔습니다.

모네는 1879년 첫 아내 카미유가 사망한 지 몇 년 후 지베르니로 이주하여 새로운 앨리스 오슈데(Alice Hoschedé)와 1892년에 재혼하여 여덟 명의 자녀를 뒀다.

처음에 모네와 그의 가족은 밝은 녹색 장식이 있는 분홍색 집을 임대로 사용했다가 1890년에 같은 집을 매입했다.

모네는 평생 정원 가꾸기에 열광했기 때문에 정원 가꾸기에 손을 댔다. 지베르니의 조경에서 모네는 그림을 구성하는 것과 거의 같은 방식으로 색상, 빛, 음영 및 시선을 조작하여 배경을 구성했다.

예를 들어, 모네는 기존 나무를 자르고 다양한 식물을 심은 다음 식물이 자랄 수 있도록 머리 위에 녹색 금속 아치를 설치하여 정문까지 넓은 통로를 만들어 자신의 즐거움과 그림의 주제를 정원계획 동일화 했다.

모네가 오랫동안 살았던 집과 작업실 그리고 직접 만든 인공연못으로 수련이 가득 차고 우아한 일본식 다리로 덮여 있는 자신의 그림은 생애 말기에 탄생한다.

모네의 열정은 자연은 캔버스가 되어 하천의 방향을 바꾸어 수련 정원을 탄생시켰으며, 곧 수양버들, 붓꽃, 대나무가 자유로운 형태의 연못 주위로 자라났고, 수련 잎과 꽃송이가 고요한 물 위에 떠 있는 아름다운 생태 존이 형성되기 시작하여 일본식 다리가 그 구성의 한쪽 끝을 막았다.

1900년까지 모네의 상상력이 만들어낸 이 독특한 산물(그의 인상주의는 더욱 주관적이 되었기 때문에)은 그 자체로 환경 예술의 주요 작품이 되었다.

그는 이국적인 연꽃밭에서 20년 이상 명상하고 그림을 그렸다. 백합과 물, 일본교를 그린 최초의 캔버스는 1m 남짓한 크기였지만, 커다란 꽃과 패드가 마치 허공에 떠 있는 것처럼, 구름이 반사된 푸른 물은 유례없는 개방적인 구성을 통해 포용하는 공간을 암시했다.

지베르니 소도시의 모네의 정원 (Le jardin de Monet à Giverny de Normandie )작품 Water Lilies (Agapanthus) by Claude Monet, c. 1915-26, via Cleveland Museum of Art Water Lilies by Claude Monet, 1906, via Art Institute of Chicago

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지베르니 모네의 정원 (Le jardin de Monet à Giverny de Normandie )컨텐츠

모네는 자신의 생태공간을 두 개의 주요 정원 컨텐츠로 꽃밭과 상징적인 수련 연못으로 구성했다. 모네와 그의 가족은 즉시 꽃밭을 시작했지만 더 유명한 수련 연못은 1893년이 되어서야 시작했다.

그것을 만들기 위해서는 근처 강에서 물을 끌어오는 허가를 받아야 했으며 몇 년 후 연못을 확장하기 위해 다시 한 번 허가를 요청해야만 했다. 물의 정원 아이디어, 특히 상징적인 등나무가 드리워진 일본 다리는 일본 판화에 대한 모네의 관심에서 영감을 얻었을 것 보인다.

이는 모네가 호쿠사이와 히로시게 같은 화가들의 작품과 동료 인상파 화가들의 그림을 수집했다는 사실을 근거로 삼고 있다.

모네는 Latour-Marliac 종묘장에서 모든 수생식물을 구입했다. 종묘장 설립자인 Joseph Bory Latour-Marliac은 최근 다채로운 수련의 새로운 잡종 품종을 만들어 1889년 파리 세계 박람회에 소개했던 인물이다.

이전에 유럽인들에게 흰 수련만 키우는 것이 유행처럼 되었던 분위기였기에 반전적으로 모네의 생생한 분홍색, 노란색, 빨간색조 계열의 그림을 매우 인상적으로 만들기에 충분했을 것이다. 차례로 그의 그림은 식물의 새로운 품종을 대중화하는 데 도움이되었다.

Latour-Marliac 종묘장은 오늘날에도 여전히 운영되고 있으며, 남아있는 영수증을 통해 Monet가 몇 년 동안 주문한 품종, 색상 및 수량들을 확인할 수 있다. 선례를 들어, 1894년 그의 첫 번째 주문에는 많은 수의 연꽃이 포함되어 있었지만 오랫동안 보관하지는 않았다. 지난 몇 년 동안 Claude Monet 재단은 Latour-Marliac 종묘장과 협력하여 지베르니 수련 연못을 모네의 생애 동안 가장 화려한 모습에 더 가깝게 재현해 놓았다.

당시 모네는 수생식물은 관리가 많이 필요하기 때문에 도우미 정원사 8명을 고용했다는 기록이 있다. 모네의 정원에는 수생식물 외에도 많은 일본 식물과 기타 이국적인 식물이 포함되어 있다.

모네는 창작 화가의 절반 이상을 지베르니에서 정착하여 살았다. 따라서 그의 예술은 그 기간 동안 변화하고 발전했기 때문에 식별 가능한 지베르니 스타일이 없다. 그는 양귀비 밭, 두 개의 정원, 센강의 풍경 등 지베르니와 주변 지역에서 볼 수 있는 많은 주제를 다뤘다.

모네의 독창적인 발상은 창작을 위한 옥외장소인 강에 그림을 그리기 위해 특별히 장착된 플로팅 스튜디오 보트를 사용했다는 것. 그러면서도 모네는 또한 지베르니에 거주하는 동안 광범위하게 여행하면서 경력 초기에 확립한 패턴을 이어갔다. 모네는 노령과 시력 저하, 백내장 수술로 인한 어려움의 극복을 위해 유동에서 정착 시스템을 선택하여 생애 말기까지 주로 집 근처에서 그림을 그렸다.

모네는 날씨, 계절, 시간 등의 변화하는 조건에 따라 동일한 모티브를 계속해서 묘사하는 시리즈 작업으로 유명하다. 이러한 연속성은 시간의 흐름을 현실의 한 측면으로 묘사하려는 그의 관심을 충실하게 반영하고 있다.

실제로 건초 더미를 묘사한 그의 첫 번째 시리즈는 지베르니 근처 들판에서 그려졌습니다. 모네는 일반적으로 한 번에 두 개 이상의 캔버스에서 작업했으며 빠르게 그림을 그린 다음 매시간 조건이 바뀌면 한 그림에서 다음 그림으로 전환하는 피노리마 시간성과 색조성을 반영하면서 독창적인 화폭을 재현했다.

모네는 지베르니에 있는 자신의 수련 정원에서 그린 수백 점의 그림을 페이사쥐 도(paysages d'eau)라고 불렀는데, 이는 “물의 풍경”을 의미하며 일부는 연못, 다리, 주변의 수양버들 등을 다양한 구성으로 보여주고 있다.

그러나 다른 작품들은 점점 더 추상화되어 갔는데 수면을 점점 더 가까이서 볼 수 있도록 다리, 배경 및 수평선을 잘라내어 거의 모든 깊이와 원근감을 제거했다는 특징을 볼 수있다. 모든 인상파 화가들이 광학과학에 매료되었을 때 모네는 백내장 안구질환에 의한 불가결적 상황에서 선택으로 광학 과학을 접했을 현실상황을 유추해 보니 명화가 더욱 명화답다.

모네는 자신의 화폭의 밀도 높은 완성도를 높이기위해 자신의 모티프를 반사 시키는 거울 역할을 하는 물과 관련된 장면을 그리는 데 관심을 가졌다. 모네의 수련 그림 중 다수에서는 하늘, 구름, 수련 및 기타 식물의 반사와 식물을 구별하기 어려울 수 있다.

모네의 그림은 반사될 때 색상이 어떻게 나타나고 변화하는지 탐구해야 하는 구성의 수련 그림, 특히 후기 그림은 그의 가장 실험 정신이 담긴 행위가 고스란히 반영되어 추상 표현주의 화가들은 이 그림을 좋아했다.

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수련작품 프레임 너머의 환경.

회화사에 새로운 것이며 최초의 수련 그림에만 암시되어 있던 공간성을 포용하는 이 개념은 1925년에 파리의 오랑주리(Orangerie)에 있는 두 개의 80피트 타원형 방에 설치될 거대한 벽화의 변환으로 확장되었다.

모네의 오랫동안 탐구한 자연 연구의 이 최고의 업적, 즉 그가 말했듯이 "가장 사라지는 효과에 직면하여" 자신의 인상을 남기기 위해 노력한 그의 노력은 그가 죽을 때까지 헌정되지 않았습니다. 오랑주리 벽화에 대한 많은 대규모 연구와 1916년부터 1925년 사이에 물의 정원에서 그린 기타 전례 없고 독특한 작품은 1950년대까지는 거의 알려지지 않았다.

오늘 날 인상파 화가하면 제일 먼저 떠오르는 수련작품은 전 세계 주요 개인 소장품과 박물관에 소장전시되어 있어 모네는 전설이 되어가고 있을 만큼 세상이 사랑하는 화가로 꼽는다.

백내장으로 시력이 나빠졌음에도 불구하고 클로드 모네(Claude Monet)는 1926년 사망할 때까지 계속해서 그림을 그렸으며 수련연작작품이 가장 유명하다.

모네의 광학과학적 시각각의 정점은 파리의 Musée de l' Orangerie에 설치된 Nymphéas라고 불리는 거대한 수련 그림 시리즈에서 발견할 수있다. 지베르니에 정착하여 수련을 재현하는데만 전념했던 생애 마지막 수십 년 동안 이 그림들을 그렸다.

모네는 1890년대에 둥근 방 전체를 채우는 파노라마식 장식 수련 그림에 대한 아이디어를 처음으로 발상했다. Orangerie뮤지엄에 소장한 모네의 그림은 실제로 여러 개의 둥근 방을 채우도록 D.P했다.

모네는 제1차 세계대전 중에 수련연작 프로젝트 작업을 시작했으며, 1918년 휴전 직후 프랑스 국민에게 당시 미완성이었던 그림 약속을 선언하므로 당대 프랑스 국민의 모네에 대한 사랑과 관심도를 추측할 수 있다.

모네가 사망한 다음 해인 1927년에 많은 신중한 계획을 통해 이 패널들을 결합하여 총 328피트의 선형 효과를 얻을 수 있었습니다. 1952년 화가 앙드레 마송(André Masson)은 이 건물을 "인상주의의 시스틴 예배당"으로 묘사하여 모네에 대한 경의를 표했다는 일화를 남겼다.

모네는 자신의 수련 파노라마 중 22점을 프랑스 국민에게 선사했지만, 동일한 수평 형식으로 다른 여러 장의 작품도 제작했다. 한때 파리 설치를 위해 의도된 세 개의 다른 그림은 현재 클리블랜드 미술관, 세인트루이스 미술관, 넬슨-앳킨스 미술관에 소장되어 있다.

이 세 작품을 나란히 놓으면 하나의 연속적인 구성을 보여준다. 또 다른 수련 삼부화는 뉴욕 현대 미술관에 있고 비슷한 작품이 런던 국립 미술관과 다른 곳에도 걸려 있다. 실제로 이러한 다른 수련 파노라마 중 일부는 파리에 전시된 것보다 훨씬 더 추상적이다. 파리의 작품은 구성을 분할하기 위해 수많은 나무와 식물을 포함하고 있으며, 뉴욕과 런던의 작품과 같은 예는 끊임없는 수련과 반사가 모두 수면에 어우러져 있는 모습을 보여준다.

모네는 야외에서 완전히 그림을 그리기에는 너무 번거로웠기 때문에 이 그림을 작업하기 위해 자신의 지베르니 사유지에 특별한 스튜디오를 지어야 했다. 실제로 그는 지베르니에 총 3개의 스튜디오를 가지고 있었으며 처음의 첫 번째 스튜디오는 그와 다른 사람들이 그의 완성된 작품을 감상하는 장소일 뿐이었다.

나중에 그는 그림을 완성하기 위해 옥외에서 철수하여 더 이상 그와 그의 동료 인상파로 알려진 엄격한 야외 연습을 고수하지 않고 결국 실내에서 작품의 완성도를 높여 줄 손 감각을 살려 줄 붓터치 의지를 갖게 되었다.

파리 오랑주리 미술관에 있는 모네의 수련/Monet’s Nymphéas in Paris’s Musée de l’Orangerie

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모네의 숨결이 남겨진 순례지 지베르니

모네는 1926년 사망할 때까지 지베르니에서 살았다. 그가 오랫동안 그곳에서 거주한 덕분에 이 마을은 예술가, 예술 애호가, 관광객을 위한 일종의 순례지가 되었다. 특히 미국 인상파는 지베르니 마을을 일종의 예술가 공화국으로 만들었지만 실제로는 모네의 사유지에 머물지 않았다.

모네는 공식 학생이나 견습생을 고용한 적이 없지만 미국 화가 Lilla Cabot Perry와 같이 친해지게 된 소수의 예술가들에게 조언을 했다. 오늘날 지베르니(Giverny)라는 이름은 프랑스 인상주의의 대명사가 되어 글로벌적 관광객 유입에 원동력이 되고 있다.

오늘날, 클로드 모네 재단이 클로드 모네의 집, 작업실, 정원은 관리하고 대중에게 공개하고 있다.

Maison de Claude Monet(House of Claude Monet)

Maison de Claude Monet(House of Claude Monet)

84 Rue Claude Monet, 27620 Giverny,Normandie, France

t: +33 2 32 51 39 60

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착색렌즈( tinted lenses) 색안경의 역사

안경은 수세기 동안 사용되어 왔으며 최초의 안경 사용 기록은 13세기로 거슬러 올라간다. 안경의 기능은 지난 몇 년 동안 동일하게 유지 되었지만 안경을 만드는 데 사용되는 스타일과 재료는 크게 바뀌었다.

가장 눈에 띄는 변화 중 하나는 안경의 착색이며 착색 안경은 태양의 유해한 영향으로부터 눈을 보호하기 위해 20세기 초에 처음 사용되었다. 오늘날에는 패션과 기능 등 다양한 목적으로 사용된다.

선글라스를 사용하면 백내장과 황반변성으로부터 눈이 보호된다. 야외에서 항상 선글라스를 착용하면 햇빛에 적응하여 눈의 피로를 덜 느끼게 된다. 실내로 이동하게 되면 어두운 색상은 실외에서 눈에 익숙해져 적응이 어려울 수 있다.

옅은 색의 안경을 착용하면 대비가 향상되고 눈의 피로가 줄어든다. 특정 색상의 색조는 시력 측면에서 다양한 이점을 제공한다. 착색 렌즈이외 눈부심과 수평 반사를 효과적으로 차단할 수 있는 방법은 없다. 착색렌즈의 어떤 색상이나 밀도를 선택하든 UV 및 HEV 광선으로부터 보호된다.

대비를 향상시키고 눈의 피로를 줄여줄 뿐만 아니라 실내 조명에 노출될 때 눈이 민감한 사람들에게 이상적인 선택이 되며 특정 색조의 이점은 다른 색조의 이점과 동일하지 않다.

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70년대에는 왜 안경에 색을 입혔을까?

"크룩사이트 (The term “cruxite”) 혹은 "크룩슬라이트" (or “cruxlite” to some) “라는 용어는 1970년대와 1980년대에 인기를 끌었다. 주요 목적은 눈부심을 줄이는 것으로 유용함과 동시에 패셔너블했다.

1950년대, 1960년대, 1970년대는 뿔테안경, 캣아이안경, 비행기안경의 전성기였다. 엘비스 프레슬리와 마릴린 먼로는 1950년대 가장 잘 알려진 두 스타였다. 1930년대 후반 베이비의 주요 목적은 비행 중에 조종사의 눈이 화상을 입지 않도록 하는 것이었다.

1960년대에는 브로우라인과 티쉐이드 안경이 등장했다. 안경테 스타일인 브로우라인 안경은 윗부분을 크게 만들어 눈썹 같은 느낌을 준다. Malcolm X는 다양한 안경을 착용했는데 그 중 다수는 다양한 색조를 띠고 있었다.

1970년대에 안경은 특히 디자인 측면에서 많은 변화를 겪으며 뚜렷한 경향이 나타났다. 안경이 처음으로 패션 액세서리로 인식되었다. 1970년대 레트로 스타일의 안경에는 버터플라이, 스퀘어, 더블 브릿지 안경 등이 있다. 가까운 장래에 오래된 고전이 새로운 청중을 찾을 것이라는 데는 의심의 여지가 없다.

눈에 맞는 렌즈를 선택할 때는 항상 태양에서 나오는 자외선의 유해한 영향으로부터 눈을 보호할 수 있는 렌즈를 선택할 필요가 있었는데 확산 광이나 눈부심이 가득한 조명에서도 좋은 착색 렌즈는 고대비 이미지를 제공하기 때문이다.

햇빛에는 대비가 없기때문에 보기 어려울 수 있다. 특정 색상의 빛을 걸러내는 렌즈를 사용하면 더 선명한 빛으로 사물을 볼 수 있다. 노란색 렌즈를 사용하면 청색광을 필터링할 수 있는데, 이는 직사광선 아래에서 작업할 때나 야외에서 작업할 때 유용하다. 오늘 날 편광렌즈를 착용하면 주야간 눈부신 광선에 의해 사물을 정확하게 식별하지 못함을 해결할 수 있는 광학렌즈 안경을 사용하는 것과 같다.

태양으로부터 나오는 유해한 자외선으로부터 시력을 보호해 주는 노란색 착색 렌즈를 착용하면 눈이 확산광이나 눈부심 가득한 빛을 더 잘 볼 수 있게 되므로 모네의 착색안경은 그야 말로 모네가 화폭 앞에 앉았을 시간동안 동반자로서의 충분한 신체적으로 밀착된 관계였을 것이다.

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착색 안경의 시력에 미치는 영향 및 장점

특히 강한 시각적 효과를 나타내는 블루라이트는 특히 위험한 형태의 빛이다. 블루라이트가 너무 많으면 두통, 눈의 피로, 시력 상실 등 다양한 시력 문제가 발생할 수 있다. 착색된 안경을 착용하면 이러한 문제를 방지하는 데 도움이 될 수 있다.

착색 안경의 종류는 매우 다양하며 대청색광의 유해한 영향을 제외한 모든 것을 제한하는 반면, 다른 안경은 일부만 제거하지만 전부는 아니므로 태양의 유해한 광선으로부터 눈을 보호해야 할 때 착색렌즈가 필수이다.

색안경은 언제 나왔나?

기록문서들에 따라 날짜가 다르기 때문에 명확한 답은 없다. 그러나 색유리가 19세기 말이나 20세기 초에 발명되었다는 점을 반영한다면 색안경이 최초로 사용된 것으로 기록된 것은 1908년 영국의 한 오토바이 운전자들이 색안경을 착용했을 때라는 기록의 시기로 본다.

최초의 선글라스는 언제 시장에 출시되었나요? 영국의 디자이너이자 발명가인 James Ayscough는 18세기에 파란색이나 녹색 색조를 지닌 최초의 선글라스를 만들었다는 기록이 있다. 그는 이 틴트가 자신의 시력을 향상시켜 줄 것이라고 믿었기 때문에 이를 일반 대중에게 판매하여 사용하게 되었다.

어떤 사람들은 멋져 보이기 위해 안경에 색을 칠하기도 한다(로버트 다우니 주니어를 연상해 보시라). 이론적으로 착색 안경은 도움이 될 뿐만 아니라 시력이나 눈 건강을 개선하는 데 도움이 될 수 있다.

기존 일반 안경과 달리 감광성 렌즈는 빛이 통과하는 것을 차단하고 나머지 빛은 통과시킨다. 감광도에 가장 적합한 색상 색조란 없다. 그러나 편두통이 있는 동안 실내에 머물면서 선글라스를 착용하면 눈이 어둠에 적응하게 되어 광선공포증이 더욱 악화 될 수 있다. 어떤 사람들은 어두운 방에 머물거나 실내에서 선글라스를 착용하여 단기적인 안정을 추구하지만 이로 인해 눈이 적응할 수 있다.

형광등의 영향을 줄여준다고 주장하는 착색 선글라스도 있지만 노출을 줄이는 데 사용할 수 있는 선글라스도 있다. 노란색이나 주황색 중에서 선택할 수 있다. 노란색 색조가 중간 정도 및 낮은 조명 조건에서 유익할 수 있다는 일부 증거가 있다. 이 때문에 근시가 있는 사람에게는 갈색 렌즈를 착용하는 것을 권장하는 이유다.

Axon Optics와 같은 정밀 착색 편두통 안경의 경우 장밋빛 색상이 있다. 색안경 착용으로 인한 부작용에 대해서는 문서화 된 바가 없다. 하지만 시람들의 차이에 따라 색각을 짧은 시간 동안 전혀 인식하지 못할 수 있고, 눈에 띄게 문제가 되는 사람도 있을 수 있다. 특정 빛의 파장은 색상을 왜곡하는 착색 필름으로 인해 가려질 수 있으며 더 나아가 코팅을 하면 추가적인 이점의 가치가 있을 수 있다.

안경에 색을 입혀야  할까요?

https://learnglassblowing.com/the-history-of-tinted-glasses/

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모네의 어린 시절과 초기 작품

식료품 상업에 종사한 아돌프 모네(Adolphe Monet)의 장남으로 Paris에서 태어난 클로드가 다섯 살이 되던 해 가족은 위쪽 노르망디( Haute normandie)의 르아브르( Le Havre:항구 의미의 단어이자 항구도시 이름)근처의 해안 마을로 이주했다.

이 곳 마을에서 모네의 아버지는 매출이 많은 선박 잡화 및 식료품 기업의 사업관리직을 맡았다.

자연의 풍광이 아름다운 로컬로의 이주는 전기적 의미 이상의 의미를 갖는데 모네가 해변에서 보낸 어린 시절, 바다와 급변하는 노르망디(Normandie) 날씨에 대해 얻은 친밀한 지식이 먼 훗날 언젠가 자연에 대한 그의 신선한 비전을 불러일으켰기 때문이다.

시각예술가로서 모네의 첫 번째 가능성을 보인 것은 그가 15세 때 예리한 눈썰미로 주의 깊게 관찰하며 잘 그린 캐리커처를 성공적으로 판매하면서 타고난 재능이 드러났다. 이 초창기에 모네는 명확한 설명이 거의 테크닉 적인 범선의 연필 스케치화도 그렸다.

숙모 마리 잔 르카드르 (Marie-Jeanne Lecadre)는 아마추어 화가였으므로 그녀의 제안에 따라 모네는 지역 예술가와 그림을 공부하러 다니기 시작했으며 화가로 입문하겠다고 작정한 모네의 삶은 다소 너무 자신만만하여 오만할 정도의 태도를 보였던 학생에게 당시 흔하지 않았던 야외 그림 그리기 연습을 소개한 외젠 부댕(Eugène Boudin)과 친구가 될 때까지 전업화가로 창작생활을 전적으로 시작하지 않았다.

이 경험은 60년 이상 눈에 보이는 현상과 인식을 색조로 변환하는 효과적인 방법의 혁신에 집중했던 모네의 방향을 설정했던 계기를 맞이했던 사건이 되어 인상파 유파의 태동의 중요한 미술사적 의미를 갖는다.

비록 유화 풍경화는 적어도 16세기부터 그려졌지만 대개 실내공간 즉 아틀리에(atelier:화실)에서 제작되어 직접적인 인상이라기보다는 자연 관찰에 대한 회상이었다.

영국 화가 존 컨스터블(John Constable)과 윌리엄 터너(J.M.W. Turner : Joseph Mallord William Turner조지프 말로드 윌리엄 터너)는 1810년 이전에 야외에서 작은 유화 스케치를 제작했었지만 Monet가 이러한 실험적 작업행위에 대해 알았을 가능성은 전혀없다. 당시 오늘날처럼

인터넷으로 정보공유를 위해선 20세기 말경1993년 일리노이대학교에서 개발한 '모자이크' 프로그램의 월드 와이드 웹(world wide web/www)에서 정보를 검색하기 위한 소프트웨어인 브라우저는 먼 미래의 일로 가능할 것이기 때문이다.

모네는 1859~60년에 처음으로 그가 태어난 파리를 방문히면서 바르비종파(l'école de Barbizon) 화가 샤를 도비니(Charles Daubigny)와 콘스탄트 트로용(Constant Troyon.)의 작품에 깊은 인상을 받게된다.

모네는 가족의 성가심으로 그는 École des Beaux-Arts 등록을 거부하는 대신 엘리트 예술가들의 모임을 자주 방문하면서 한 편으로는 일자리를 잡은 Académie Suisse에서 Camille Pissarro를 만났다.

모네가 비공식적인 아카데미 스위스에서의 활동은 군 입대 문제로 중단되어 1861년부터 1862년까지 알제리에서 복무하며 아프리카의 빛과 색채에 매료되었다. 모네가 군 복무 대상지를 알제리를 선택한 것은 아마도 1832년 모로코 방문으로 인해 그의 색채 작업에 영향을 받은 낭만주의 화가 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix)에 대한 존경심의 결과였을 것으로 본다.

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1862년 모네는 아마도 병 때문에 르아브르(Le Havre)로 돌아와 다시 부댕과 함께 바다를 그렸으며, 동시에 네덜란드 해양 화가인 요한 바르톨트 용킨드(Johan Barthold Jongkind)도 만나게 된다.

그해 말에 모네는 파리에서 계속 공부했는데, 이번에는 학구적인 화가 Charles Gleyre 아틀리에에서 공부하며 Frédéric Bazille, Alfred Sisley 및 Pierre-Auguste Renoir를 만났다.

모네를 비롯한 돈득한 친분을 쌓은 친구들은 마스터와의 의견 차이로 바르비종 근처 퐁텐블 숲(forêt de Fontainebleau)의 샤이앙비에르(Chailly-en-Bière) 마을로 떠났다. 모네가 일본 판화를 발견한 것도 이 시기(적어도 1872년 이전)였으며, 그 장식성과 평면성은 프랑스 현대 회화의 발전에 큰 영향을 미치게 된다.

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클로드 모네의 첫 번째 인상파 그림

클로드 모네: 정원 벤치 위의 카미유 모네 정원 벤치 위의 카미유 모네, 캔버스에 유채, 클로드 모네, 1873년; 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서. 60.6×80.3cm.

1860년대 모네의 삶은 위태롭고 방황했으며 거의 아무것도 팔지 못했다. 그러나 여러 작품이 연례 살롱전에 전시되기 위해 통과되었는데, 가장 눈에 띄는 것은 그의 미래 아내 카미유의 훌륭하지만 아직 인상파 초상화가 아닌 초상화로 큰 성공을 거두었다.

이미 Paris, 르아브르(Le Havre), 샤이(Chailly), 옹플뢰르(Honfleur), 트루빌(Trouville), 페캉(Fécamp)과 파리와 바다 사이의 다른 지역에서 그림을 그린 모네는 1860년대를 부지발의 라 그르누이예르로 알려진 센강 휴양지에서 마무리했으며, 그곳에서 르누아르와 함께 작업했습니다.

처음으로. 스타일이 거의 동일한 캔버스에 그들은 즐거움을 추구하는 사람들과 목욕하는 사람들, 전경에서 흔들리는 노 젓는 배, 찰랑이는 물에 반짝이는 반사 등을 빠르게 포착했다.

모네가 '허접한 스케치'로 간주한 이 작품은 인상주의 스타일의 선구자였다. Bougival 두 예술가의 연구는 인식의 순간에 즉석에서 강렬하고 단축된 스트로크로 야외 생활의 빛과 움직임을 해석하며, 이는 이전에는 그렇게 직접적인 방식으로 캔버스에 적용되지 않은 시각적 경험과 동등한 역할을 한다.

1870년 트루빌(Trouville)에서 모네는 넓고 확신에 찬 몸짓으로 해변에서 카미유(Camille)에 대한 실험작을 그렸다. 그것은 지금까지 그려졌던 시각적 사실주의의 생생한 예가 되었으며 모래 알갱이가 안료에 묻혀 있는 상태로 남아있다.

Claude Monet: The Beach at Sainte-Adresse The Beach at Sainte-Adresse, oil on canvas by Claude Monet, 1867; in the Art Institute of Chicago.

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모네의 소형선박 아틀리에(Le bateau-atelier)

우리는 서울 근교 또는 타 로컬지역으로 이동하다 하천 또는 저수지 낚시 터에서 보트 방갈로(bungalow)를 한 번쯤 봤을 것이다. 낚시 마니아(mania)들의 강태공 근성을 좀 더 안락한 공간에서 즐겨 보도록한 4평 정도 되는 시설물이다. 이미 이런 시설물과 유사한 보트 아틀리에 (Le Bateau-atelier)를 프랑스 인상파 시대의 화가들이 갖춰 수면 위에서 시간과 위치에 구애 받지않고 창작열정을 전개할 수 있었다는 사실이 무척이나 흥미스럽다.

환경이 사람을 물들인다는 말을 대변하는 것 같은 일들이 노르망디에서 수 세기동안 일어났다. 바이킹 온건파의 노르망디 정착 후 프랑스 파리의 왕으로부터 임명된 영주의 서자로 탄생하여 노르망디 공작으로 추앙되었던 정복자 기이욤(윌리엄)이 1066년에 영국을 정복하여 국왕이 되기까지의 과정을 서술적으로 수놓아 제작한 70여 미터에 달하는 훌륭한 보존상태로 소장된<*1> 바이외 태피스트리(Tapisserie de Bayeux ) 11세기의 걸작품.

1814년 10월 4일 노르망디 지방의 그레빌이라는 부농 집안에서 태어난 장 프랑수아 밀레(Jean-François Mille(1814년 10월 04일 -875년 01월 20일) 어린 시절 농사로 바쁜 어머니 대신 신앙심 깊은 할머니의 보살핌을 받고 자랐으며, 가족 농장에서 일하기도 했다.

이 두 가지 경험은 후일의 밀레 자신의 작품 경향에 지배적인 영향을 끼쳤으며 바르비종(바르비종파:l'école de Barbizon형성된 로컬소도시)에서 스케치를 하면서 이곳에 거주하던 풍경화가들과 교류하는 일이 잦았다. 농민의 농작을 주요 주제로 삼았으며 특히 노동의 고단함을 암시하는 씨를 뿌리는 농부표현을 통해 사회인들의 공감을 얻어내고자 하는 한편, 대지를 삶의 근본으로 삼아 살아가는 농부들의 모습을 숭고하고 장엄하게 드려낸 각별한 표현력 발휘했다.

파리에서 노르망디를 횡으로 흐르는 센강을 주변으로 여름과 겨울의 온도차가 적절하고 우기가 많아 사시사철 푸르는 잔띠로 덮인 대지는 늘 푸르름으로 덮여 목축업이 최상의 성과를 거두는 환경적 여건을 갖춘 지역이다.

낙농업이 발전하여 <노르망디 까망벨>이라는 상호의 부드러운 치즈가 유명하다. 이렇게 부드럽게 가공되는 이유는 한파로 인해 겨울철 저장해야 할 일이 불필요하기 때문이다. 딱딱한 치즈는 저장 보관을 목적으로 추운 스위스 같은 국가에서 생산되는 이유이다.

이렇듯 1년 내내 푸르른 노르망디의 대서양 해안 및 내륙의 아름다움은 인상파 화가들이 이젤을 야외로 들고 모여들여 자연의 아름다움을 자신들의 화폭에 담아가는 창작하는 방법이 이전까지의 방법에서 100% 탈피하게 만든 혁명과도 같았다.

외젠 부댕(Eugène Boudin : born July 12, 1824, Honfleur, France—died August 8, 1898, Deauville)은클로드 모네(Oscar-Claude Monet1840-1926)보다 16살 나이가 많았다.

노르망디 항구도시 옹플뢰르 태생하여 유년기부터 자연친화적인 환경과 친숙한 영향으로 뒷 날 야외에서 자연을 직접 그린 최초의 프랑스 풍경화가 중 한 명으로 많은 해변작품으로 드러나는 주의 깊게 관찰된 19세기 초의 자연주의와 19세기 후반 인상주의의 화려한 컬러 빛과 유려한 붓터치 흔적을 직접적으로 연결하는 화풍을 남겨 인상파 탄생의 전조를 보였다.

클로드 모네 작품_ 모네의 소형배 작업실( bateau-atelier)

외젠 부댕(Eugène Boudin)작품_해변 장면, 나무에 유채, 외젠 부댕(Eugène Boudin), 1862년; 워싱턴 D.C. 국립 미술관 소장

외젠 부댕은 어릴 때부터 노르망디 태생의 풍경화가 장 프랑수아 밀레(Jean-François Millet)의 격려를 받아 파리에서 잠시 공부한 뒤 장 밥티스트 카미유 코로(Jean-Baptiste-Camille Corot)의 그림에 매료되었다.

1853년 대서양 연안으로 돌아온 부댕은 평생의 열정이었던 바다를 그리기 시작했으며, 평면작품 뒷면에 날씨, 빛, 하루 중 시간에 대해 상세하게 작업노트를 기록했다. 1858년에 부댕은 당시 겨우 18세였던 클로드 모네를 만날기회가 생기자 풍경화가가 되가를 설득하였다. 이러한 인연의 덕분에 모네의 인상파 그림에서 밝은 색상에 대한 취향을 분명히 드러나는 물 위의 빛의 유희를 심어주는 데 도움이 되었다.

노르망디 해안 소도시에서 성장한 클로드 모네도 화가 이전 한 인간으로서 경이로운 자연환경에 감흥을 받았을 것이고 매시간 수시로 변모하는 색조가 발하는 순간의 인상을 현장에서 담기 위한 보트 스튜디오 (Le Bateau-atelier)를 이용하여 야외에서의 창작활동을 보장하는 환경을 조성했다.

모네가 1876년 인상파 스타일로 그린 작품은 아르장튀유(Argenteuil)의 세느강에 있는 보트 스튜디오에서 작업 중인 자신을 묘사하고 있다.

보트 아틀리 작품은 72x58.9cm 크기의 캔버스에 유채로 제작되었으며 현재 필라델피아 반스 재단(Barnes Foundation of Philadelphia)의 소장.

모네는 Paris 로부터 12km 북서부에 위치한 아르장퇴유(Argenteuil)로 이주한 직후인 1873년경에 이젤을 펼쳐 웬만한 사이즈의 작품을 제작할 수 있는 만큼 충분한 공간을 갖춘 베니어판의 선실의 보트를 구입하여 친구이자 동시대인 화가인 Charles를 모델초대하여 그렸을 가능성이 높다.

세느강과 우아즈강의 프랑수아 도비니 플로팅 스튜디오를 통해 모네는 작은 젠느빌리에(Petit-Gennevilliers)의 범선 그림 시리즈를 시작으로 다른 방법으로는 접근이 용이하지 않았던 아르장퇴유(Argenteuil) 지역의 세느 강(River Seine)의 풍경을 그릴 수 있었을 것이다.

모네는 평생 동안 사랑하는 세느강 옆에 살았으며 나중에 살았던 아르장퇴유와 지베르니에서 다작의 보트 아트리에를 그렸는데 친구이자 제자인 에두아르 마네(Édouard Manet)가 1874년 아내 카미유(Camille)와 함께 보트 아틀리에(bateau atelier)에서 작업하는 모습도 남겼다.

물 위에 떠다니는 작업장에 대한 아이디어는 그보다 앞서 있으며 의심할 여지 없이 센 강과 우아즈 강을 그림을 그릴 목적으로 1844년에 Bottin을 지은 Charles-François Daubigny에서 유래했다.

이에 영감을 받은 모네는 런던에서 돌아와 아르장퇴유(Argenteui)l에 자신의 작품매각이 잦아지며 경제적 풍요로움 속에서 물, 물의 반사, 색상, 진동을 더 잘 관찰하기 위해 수상 작업장인 보트 아틀리에를 선박제작사에 주문했다. 아르장퇴유의 레가타 (Régates d'Argenteuil")에 친구인 Gustave Caillebotte참여 했다.

1878년 마네는 자신의 풍경화 캔버스에 애써 그리지 않았던 산업시설 공장들이 소도시를 채워나갈 즈음 아르장퇴유를 떠나면서 수상 배 아틀리에는 버려지고 파손되었다.

1989년 화가 탄생 150주년을 맞아 수상 배 아틀리에를 재건하려는 아이디어가 수면 위에 오르면서 Île aux Moines에 있는 GUIP조선소가 그 결과물을 공개했다.

1989년 GUIP조선소가 클로드 모네의 작업장 보트를 동일하게 재현함.

<*1> 바이외 태피스트리(Tapisserie de Bayeux ) 

바이외 태피스트리 뮤지엄 공식 웹사이트

https://www.bayeuxmuseum.com/la-tapisserie-de-bayeux

bateau atelie de Monet

Bateau Atelier de Claude Monet - La Normandy Factory

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백내장 수술의 역사

1700년대 이전에 어떤 사람들은 백내장이 수정체를 통해 흐르는 불투명한 액체 물질에 의해 발생한다고 생각했기 때문에 백내장의 어원은 폭포를 의미하는 라틴어 "cataracta"에서 유래했다. 


인류의 최초 Couching 수술

기원전 5세기에 시작된 백내장에 대한 최초의 수술 방법 중 하나는 카우칭(couching)이라는 기술이었다. 이는 "침대에 눕다"를 의미하는 프랑스어 단어 "coucher"에서 유래되었다. 이 방법에서는 제공자가 수동으로 백내장(일반적으로 유리체방 안으로)을 시축 밖으로 빼낼 수 있을 때까지 날카로운 바늘을 사용하여 윤부 근처의 눈을 뚫었다.

그러나 무균 기술의 부족과 절차의 거친 특성으로 인해 결과가 좋지 않았으며 흔한 합병증으로는 속발성 녹내장, 전방출혈, 안내염 등이 있으며 종종 실명을 초래사례가 많았다. 불행히도, 카우칭은 현대 절차에 대한 익숙하지 않음, 수술에 대한 두려움, 전통적인 방법에 의존하는 선호 등의 다인자적 조합으로 인해 북부 나이지리아 및 서아프리카와 같은 세계 일부 지역에서 오늘날에도 여전히 사용되는 전통적인 절차이기도 하다.

피막외 백내장 추출

많은 사람들이 카우칭 기술을 사용했지만, 기원전 600년에 수슈루타(Sushruta)라는 인도 외과의사가 수정체를 제거하고 수정체 피막을 제자리에 남겨 두는 원시 피막외 백내장 추출(ECCE) 사용을 기록한 문서가 있다. 산스크리트어로 번역된 원문에는 다음과 같은 수술 기법이 나왔다.

외과의사가 절개를 하는 수정체 피막에 도달할 때까지 날카로운 바늘을 방수를 통해 눈에 구멍을 뚫은 다음 환자에게 절개 부위에서 렌즈 물질이 나오고 환자의 시력이 좋아질 때까지 콧구멍을 닫은 채 발살바를 하도록 지시했다. 수술 후 토착 뿌리와 잎을 붕대로 감고 환자에게 편평하게 누워 기침이나 재채기를 포함한 격렬한 활동을 피하도록 지시했다.

원시 ECCE에 대한 일부 문서에도 불구하고 수세기 동안 침상은 백내장 수술의 주요 절차였으며, 현대 백내장 추출 수술의 아버지로 종종 여겨지는 프랑스 외과의사 Jacques Daviel이 ECCE를 시행한 1747년까지였다. 그는 각막 칼로 각막을 10mm 이상 절개한 다음 무딘 바늘을 사용하여 수정체 피막에 구멍을 뚫고 주걱과 큐렛을 사용하여 수정체를 추출했다.

수술 후 관리에는 와인에 적신 면 드레싱으로 눈을 드레싱하고 며칠 동안 어두운 방에 누워 있는 것이 포함되었으며 이는 침상에 비해 큰 발전이었지만 후낭 혼탁, 백내장 잔존, 감염 등 심각한 합병증이 만연했다.

캡슐 내 백내장 추출

Daviel이 ECCE를 시행한 최초의 인물로 인정받았지만, 1753년 Samuel Sharp라는 이름의 런던 외과 의사가 피막 내 백내장 추출(ICCE)을 시행한 최초의 기록으로 기록되어 있다. 이는 불투명한 수정체와 주변 피막을 한 조각으로 제거하는 작업을 포함한다.

이 방법에는 다양한 변형이 있지만 기본적으로 모든 방법에는 수정체 피막을 지지하는 소대 섬유를 용해한 후 큰 윤부 절개를 통해 수정체-주머니 복합체를 제거해야 한다. 불행하게도 수정체낭은 전방과 후방 사이의 장벽 역할을 하기 때문에 수정체 제거로 인해 종종 유리체탈출과 그에 따른 망막박리가 발생하며 다른 합병증도 발생한다. 또한, 수정체와 피막을 한 조각으로 제거하려면 큰 절개를 해야 하므로 치유 시간이 길어지고 감염률도 높아진다.

이는 당시 항공기에 주로 사용되었던 폴리메틸메타크릴레이트(PMMA)로 만들어진 최초의 IOL을 개발하기 해 Imperial Chemical Industries의 플라스틱 부문과의 협력에 영감을 주었다.

 1949년에 Ridley 박사는 런던의 St. Thomas 병원에서 최초의 IOL 수술을 수행한 공로를 인정 받았다. 그의 작업은 눈 안에 이물질을 삽입하는 혁명적인 발상으로 경멸을 받았다. 녹내장, 염증, IOL의 굴절 강도를 개별화할 수 없음, IOL의 빈번한 탈구 등의 합병증으로 인해 추가 비판이 발생했다.

  Ridley 박사는 많은 합병증을 해결하기 위해 추가 연구가 필요했지만 그의 혁신적인 작업은 IOL 및 백내장 수술의 현대적 발전을 위한 길을 열었다.

1978년에 Zhou Kai-yi는 실리콘으로 만든 최초의 접이식 IOL을 이식했다. 접이식 IOL의 장점 중 일부는 이식이 용이하고 절개가 작아 난시 유발이 적고 치유가 빠르며 감염이 적다는 것.

현대 백내장 수술

접이식 IOL의 집합체, 1993년 Fischman의 국소 마취제 사용, 1967년 Charles Kelman 박사의 수정체 유화술 도입으로 현대적인 백내장 추출이 효과적이고 안전해졌다. 수정체유화술은 초음파를 사용하여 백내장을 분해한 후 눈에서 백내장을 흡인한다.이러한 발전을 통해 외과의사는 눈의 절개 부위를 10mm에서 일반적으로 3mm 미만으로 줄일 수 있게 되었으며, 이는 회복 시간이 단축되고 수술이 보다 안정적이며 합병증 발생률이 낮아진다는 이점이 있다.

현대 수술에서는 1~3.0mm 범위의 작은 절개를 하고, 전방 수정체낭을 일반적으로 곡선 방식으로 개방한 다음(낭붕괴) 수정체를 수압 박리하여 캡슐에 대한 유착을 느슨하게 합니다. 미세 기구는 수정체를 조각으로 나누는 데 사용되며 수정체 유화술은 백내장을 분해하고 흡인한 다음  가능하면 접을 수 있는 IOL을 남은 수정체낭에 삽입한다.

FLACS(펨토초 레이저 보조 백내장 수술)는 2010년 미국 연방의약국(FDA)의 승인을 받았습니다. 펨토초 레이저에는 각막, 수정체 및 전방을 영상화하는 영상 소프트웨어가 있습니다. 등록 후 레이저는 눈 진입과 난시 교정, 피막 절개, 수정체 연화 또는 단편화를 위해 각막 절개를 수행할 수 있다. 외과 의사는 각막 난시 교정을 위해 또는 난시 교정(토릭)이나 다초점 또는 삼중초점 렌즈와 같은 첨단 기술 렌즈를 삽입하는 경우에 이 기술을 사용할 수 있다.

ECCE는 또한 최근 몇 년 동안 새로운 기술인 수동 소절개 백내장 수술(MSICS, SICS 또는 SECCE)에 대한 설명으로 발전했다. 이 보다 현대적인 절차는 주로 개발도상국에서 활용되는 ECCE의 저비용, 작은 절개 방식입니다. ECCE에 비해 상처가 더 작고 자가 봉합되며 봉합이 필요 없다는 장점이 있고, 수정체유화술에 비해 비용이 저렴하고 기술 필요성이 덜하다는 장점이 있다.

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James G. Ravin, M.D. – 안과 의학박사 Biography

James G. Ravin 박사는 오하이오 주 톨레도(Toledo, Ohio )의 안과 의사이며 Mercy Health-St.를 포함하여 해당 지역의 여러 병원과 제휴하고 있다.(빈센트 메디컬 센터/ Vincent Medical Center) 와 프로메디카 톨레도 병원/ ProMedica Toledo Hospital) .

미시간 대학교 의과대학에서 의학 학위(medical degree from University of Michigan Medical School )를 받았으며 20년 넘게 현장에서 근무하며 백내장, 녹내장, 망막 박리 등 심각하고 복잡한 눈과 시력 문제를 진단하고 치료하는 의사로 활동하고 있다. 또한 레이저 망막 수술, 굴절 수술, 렌즈 교체 수술을 집도하고 있다.

30년 이상의 경험을 보유한 종합 안과의사 Ravin 박사는 의학과 수술의 결합을 높이 평가하기 때문에 이 직업을 선택했으며 다수의 연구수행결과를 발표하기도 했다. 그의 중요한 연구 공헌에는 안과학 분야의 115개 이상의 저널 리뷰가 포함된다.

그는 안과 기록 보관소의 편집위원으로 활동하였으며, Doctors of Another Calling이라는 타이틀의 교과서에 기고하기도했다.

톨레도 대학교 의과대학 외과의 임상 부교수이기도 합니다. Ravin 박사는 미 공군에서 대위, 항공 외과 의사로 조국을 위해 봉사했습니다.

소속병원 Hospital Affiliations

Mercy Health-St. Vincent Medical CenterToledo, OH

ProMedica Toledo HospitalToledo, OH

#8 in Ohio

Education & Experience

Medical School & Residency

University of Michigan Medical School

Medical School

University of Southern California/LACUSC Medical Center

Internship, Transitional Year, 1968-1969

University of Michigan Health System

Residency, Ophthalmology, 1971-1974

Certifications & Licensure

American Board of Ophthalmology

Certified in Ophthalmology

CA State Medical License

Active through

OH State Medical License

Active through 2024

MI State Medical License

Active through 2025

Awards, Honors & Recognitions

CMS Stage 1 EHR, 2012

CMS Stage 1 EHR, 2013

AAO Fellow

Publications

100년 전 스페인의 저명한 안과의사 이그나시오 바라께르(Ignacio Barraquer)가 프랑스 외제니 황후의 백내장 수술기록이 남아있다. 

The cataract surgery of Empress Eugenie of France a century ago by the eminent Spanish ophthalmologist Ignacio Barraquer.

Guillermo Simon Castellvi, James G. Ravin, Tracy B Ravin, Anna Maria Carmona-Cornet

<논문 및 연구서들 중 시각예술영역 및 화가들의 시력에 관한 자료리스트>

1.픽셀과 페인팅: 척 클로즈와 조각난 이미지.
2. 19세기와 20세기 초 선정작가의 시각장애와 안과진료의 한계(AOS 논문).
3.고야의 질병-전염성? 환경?.
4. 피카소의 청색 시대의 실명 표현.
5. 고야를 괴롭힌 것.
6. 정치가, 예술가, 안과의사: 클레망소, 로트레크, 메이어.
7. 색각 장애가 있는 예술가: 찰스 머리온(Charles Meryon).
8. 드가의 시력 상실: 망막 질환 진단의 증거.
9.피사로, 누낭염과 현대 눈물수술의 발달.
10. Von Graefe의 클리닉에서 Ecole des Beaux-Arts까지. Richard Liebreich의 유성 경력.

Regarding "Integrating the Integumentary System with the Arts".

James G. Ravin, Amit Om

Iris Recognition Technology (or, Musings While Going through Airport Security)

James G. Ravin

Our Weak Defense Against the Gonococcus

James G. Ravin

The magician with a meningioma.

James G. Ravin

Fluorescein angiography: insight and serendipity a half century ago.

Michael F. Marmor, James G. Ravin

Is medical history still relevant to today's ophthalmologist?

James G. Ravin

Controversy in Ophthalmology at the Beginning of the 20th Century: Opinions Voiced in the Archives, Especially on Cataract and Glaucoma

James G. Ravin

Lucien Howe, Hereditary Blindness, and the Eugenics Movement

James G. Ravin, Alexandra Minna Stern

The multifaceted career of Louis Borsch.

James G. Ravin

The Cogan Ophthalmic History Society celebrates its 22nd year.

James G. Ravin, Ronald S. Fishman

The Story of Percy Lavon Julian: Against All Odds

James G. Ravin, Eve J. Higginbotham

The Archives of Ophthalmology celebrates 2 anniversaries: 140 years of continuous publication and 80 years of affiliation with the AMA.

James G. Ravin

Pixels and Painting: Chuck Close and the Fragmented Image

James G. Ravin, Peter M. Odell

The Visual Difficulties of Selected Artists and Limitations of Ophthalmological Care During The 19th and Early 20th Centuries (An AOS Thesis)

James G. Ravin

Goya's illnesses--infectious? Environmental?

James G. Ravin, Tracy B Ravin

Are we there yet? Celebrating the centennial of the Schiøtz tonometer.

James G. Ravin, Eve J. Higginbotham

Henry "Jullundur" Smith's "Extraction of cataract in the capsule": a landmark article.

James G. Ravin

Blinking Sam: the ocular afflictions of Dr. Samuel Johnson.

Graham A Wilson, James G. Ravin

Representations of blindness in Picasso's Blue Period.

James G. Ravin, Jonathan Perkins

Sir Frederick Treves and sympathetic ophthalmia.

James G. Ravin

An Indian Adventure: Derrick Vail's Shikarpur Fragments

James G. Ravin

James Thurber and the problems of sympathetic ophthalmia.

James G. Ravin

Suzanne Schiff-Wertheimer, MD, as a Role Model

James G. Ravin

Thomas Colledge: a pioneering British eye surgeon in China.

James G. Ravin

Progress in American ophthalmology from 1850 to 2000, as seen through the eyes of Frederick H. Verhoeff.

James G. Ravin

Sir Hans Sloane's Contributions to Ocular Therapy, Scientific Journalism, and the Creation of the British Museum

James G. Ravin

Sesquicentennial of the Ophthalmoscope

James G. Ravin

What Ailed Goya

James G. Ravin, Tracy B Ravin

The statesman, the artist, and the ophthalmologist: Clemenceau, Lautrec, and Meyer.

James G. Ravin

Gullstrand, Einstein, and the Nobel Prize

James G. Ravin

In the kingdom of the shah : Treacher collins' Persian adventure

James G. Ravin

Argyll Robertson: ’Twas better to be his pupil than to have his pupil

James G. Ravin

Vincent van Gogh and Felix Ray MD: the whereabouts of half an ear.

James G. Ravin, Nancy Anderson

Albert Einstein and his mentor Max Talmey. The seventh Charles B. Snyder Lecture.

James G. Ravin

Paul-Ferdinand Gachet's unpublished manuscript. Ophthalmia in the armies of Europe.

James G. Ravin, Pierre Amalric

Sir Arthur Conan Doyle: the author was ophthalmologist*

James G. Ravin, Clive Migdal

An artist with a color vision defect: Charles Meryon.

James G. Ravin, James G. Ravin, Nancy Anderson, Philippe Lanthony

Degas' loss of vision: Evidence for a diagnosis of retinal disease

James G. Ravin, Christie A. Kenyon

Queen Victoria, her physicians, and her cataracts

James G. Ravin

Pissarro, dacryocystitis, and the development of modern lacrimal surgery

James G. Ravin

From Von Graefe's Clinic to the Ecole des Beaux-Arts. The Meteoric Career of Richard Liebreich

James G. Ravin, Christie A. Kenyon

The wanderings of a literary ophthalmologist: A. Conan Doyle, Houdini, and Ada Besinnet

James G. Ravin

Orbital Radiation for the Ocular Changes of Graves' Disease

James G. Ravin, James C. Sisson, William T. Knapp

Fluorescein angiographic findings in a case of traumatic asphyxia.

James G. Ravin, Roger F. Meyer

James G. Ravin, M.D. – 안과 의학박사 경력

https://health.usnews.com/doctors/james-ravin-130730