하이퍼리얼리즘 아트 – 현시점 최고의 12명의 미술가들_글 :이명환

[BeauxArts]

하이퍼리얼리즘 아트 – 현시점 최고의 12명의 미술가들_글 :이명환

들어가는 말

사진보다 더 사실적인 그림을 믿어지지 않겠지요?, 그만큼 사실적으로 보이는 작품, 예술가가 어떻게 그것을 그려냈는지 궁금해지는 작품들을 대하면 설마? 무슨 트릭을 쓴 것 아닐까 하는 의구심부터 들것이다.

하지만 이러한 의구심 속에서도 하이퍼리얼리즘 아트 작품으로 알려져 있으며, 말문이 막힐 정도로 다양한 형태의 작가들의 아이덴티티가 배어 있는 감성이 담겨있다. 대부분의 예술가는 예술을 현실로부터의 도피처로 사용하지만, 하이퍼리얼리즘 예술가들은 예술과 현실 사이의 경계를 지우려 하기 때문에 같은 말을 할 수 없다.

그렇다면 하이퍼 리얼리즘이란 무엇일까?

하이퍼리얼리즘은 비교적 새로운 예술 형식으로, 이전 운동에서 발전해 왔다, 하지만 여전히 예술을 창작하는 데 사용되는 전통적인 도구들은 이 장르에도 적용되고 있다.   

여기에는 물감, 점토, 흑연, 잉크, 목탄 등이 급기야 에어스프레이 건 등을 사용한다. 모든 예술 형식과 마찬가지로, 하이퍼리얼리즘에도 몇몇 개척자들이 이 장르를 홍보하고 마스터한 역사가 있다.

하이퍼리얼리즘은 포토리얼리즘의 미학적 이데올로기에 기반하며, 미국과 유럽의 소수 예술가들에 의해 홍보되었다.

슈퍼리얼리즘 또는 하이퍼리얼리즘 예술은 1960년대 후반과 70년대 초에 주목을 받았다. 이는 척 클로즈(Chuck Close), 오드리 플랙 (Audrey Flack), 리처드 에스테스(Richard Estes), 데니스 피터슨(Dennis Peterson) 같은 화가들이 초사실적인 느낌을 내기 위해 사진을 바탕으로 한 그림을 만들어 사진으로 착각할 수 있는 하이퍼리얼한 느낌을 냈기 때문이다.

초현실적인 조각가와 화가들은 항상 사진을 참고 자료로 삼아 이미지를 생생하게 재현했다. 이 지점에서 포토리얼리즘과 하이퍼리얼리즘 예술의 차이가 분명해졌다. 포토리얼리즘 예술가들은 충분한 디테일을 담은 이미지를 재현하려 했지만 하이퍼리얼리즘 예술은 이미지를 생생하게 표현해야 했다.

이는 모든 세부 사항이 제시되어야만 하기 때문에 주제에 엄청난 집중을 요구한다. 하이퍼리얼리즘 예술은 본질적으로 현실을 묘사하는 것이며, 작품이 참조 자료와 구분되지 않는 경우가 종종 있었다.

초사실적인 조각가와 화가들은 공통된 목표를 가지고 있는데, 그것은 거짓 현실을 창조하는 것이다. 이 작품들은 매우 고해상도로 촬영된 사진의 확장판으로 볼 수도 있을 만큼 초극적 묘사였다. 이 작품들은 음영과 미묘한 조명 효과 등 다양한 고 퀄리티 기법을 사용하여 제작됐다.

초사실적인 회화에서는 캔버스의 정면이 일반적으로 이미지 앞에 있는 형태, 영역, 형태를 묘사한다. 조각품은 자연에서 실제로 발견되는 것보다 놀라울 정도로 더 많은 디테일을 담고 있는 있다.

하이퍼리얼리즘 운동

포토리얼리즘은 팝 아트에서 탄생했으며, 미국의 미니멀리즘 미술과 추상 표현주의 운동에 대한 해답으로도 탄생했다. 카메라를 사용해 예술을 창작하는 것이 모더니즘을 수용하는 것으로 여겨진다는 주장이 있었다.

카메라와 사진의 수용은 70년대에 접어들면서 하이퍼리얼리즘 운동이 힘을 얻으면서 강한 비판을 받았다. 이는 15세기부터 예술에 시각적 보조 자료가 존재함에도 불구하고 사용되어 왔다.

카메라는 스케치용 도구인 '카메라 옵스큐라(라틴어로 '(obscura) 방(camera)'이라는 뜻에서 유래

카메라 발명된 이후, 무대 및 초상화가는 거의 쓸모 없어졌고, 이로 인해 많은 이들이 사진을 직업으로 삼게 되었다.

초 사실적인 회화와 조각을 계속 그리기로 선택한 이들은 사진을 참고 자료로 사용한 사실을 부인하기 위해 많은 노력을 기울였다. 이는 그들의 작품이 오해받거나 모방으로 여겨질까 두려워했기 때문이다. 하지만 카메라는 예술가들에게 새로운 실험의 세계를 열어주는 참고 자료를 제공했다.

사진은 많은 지지를 받았고, 사실적인 예술을 얻는 최고의 방법으로 여겨졌다. 반면 예술계는 현실 세계에서 자연스럽게 찾을 수 없는 추상 작품에 집중하도록 설계되었다. 그 결과, 하이퍼 리얼리즘이 탄생하여 특히 2000년대 초반에 엄청난 인기를 끌었다.

포토 리얼리즘과 하이퍼리얼리즘의 첫 번째 차이점은 하이퍼리얼리즘이 포토 리얼리즘에서 비롯되었다는 점이다. 하이퍼리얼리즘은 정치적 장면을 서술하는 데 사용할 수 있는 강력한 이미지를 창조하는 데 중점을 두는 반면, 포토리얼리즘은 기법과 작가의 접근법에 중점을 두고 있다.

현시점 최고의 하이퍼리얼리즘 작가 12명을 리서치하여 소개하고자 한다.

현대 시대부터 시작해, 미술계 최고로 알려진 재능을 보이며 하이퍼리얼리즘(초 극사실주의) 예술적 가치를 한 츰 드 높이고 있는 미술가들이다. 

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드루 블레어  : 초 극사실주의 그림(에어 브러시 작업)

그녀는 이보다 더 아름다울 수 있을까?, 하지만 위 사진의 티카라는 이름의 모델은 사진이 아니라 그림이다.

이 놀라운 모습은 미국의 에어브러시 아티스트 드루 블레어가 초가운 페인트 선을 사용해 70시간 이상의 정성스러운 작업을 거쳐 만들어냈다. 그는 미니 스프레이 건을 사용해 얇은 페인트 선을 보드에 발라내어 피부 모공까지 생생한 그림을 그려낸다.

1. 드루 블레어 ( Dru Blair,1971~ )

드루 블레어는 노스캐롤라이나 뉴번에서 태어났다. 사우스캐롤라이나 컬럼비아에서 자란 그의 야망은 원래 의학 분야를 원했지만 사우스캐롤라이나 그린빌에 있는 퍼먼 대학교에서 학부 과정을 다니던 중, 그는 예술적 재능을 발견했다. 그는 4학년 때 전공을 바꾸어 1981년에 학사 학위를 받았다.

미술 학위. 이후 사우스캐롤라이나 머틀비치에서 에어브러시 아티스트로 일하며 셔츠 페인팅을 했다. 그는 사우스캐롤라이나 대학교 컬럼비아에서 학업을 이어가 1984년에 석사 학위를 취득했다. 그는 1985년부터 1987년까지 애틀랜타에서 일하며 상업 일러스트레이트로 일했다.

1988년에는 국가 에어브러시 우수상을 수상하며 상업적 기회의 물결을 열었다. 이듬해 그는 첫 항공 회화 '파워'를 제작했으며, 이 작품은 공군 잡지 표지 세 작품 중 첫 번째가 되었으며 세계에서 가장 많이 팔린 항공 인쇄물로 남아 있다.

그의 출판사인 블레어 아트 스튜디오 주식회사와 최근에는 노스캐롤라이나 롤리에 있는 블레어 미술학교가 출범한 후 다른 항공 관련 그림들도 그렸다.

드루 블레어는 1989년부터 공군 협회 평생회원, 1991년부터 미국 공군 명예 회원, 1993년부터 미국 육군 항공 협회 평생회원, 1989년부터 노스캐롤라이나 디자이너 및 일러스트레이터 협회 회원, 1991년부터 공군 미술 프로그램 회원, 그래픽 아티스트 길드 회원(1993년부터)됐다.

미국 항공 예술가 협회 예술가 펠로우(1994년부터 회원)이며, 국제 에어브러시 협회 이사회 멤버다. 그는 TV 인터뷰와 수십 편의 잡지 표지에 등장했다. 그의 그림은 수백 권의 잡지와 책에서 찾아볼 수 있다. 상업 프로젝트로는 버드와이저 불프로그와 같은 인기 테마가 포함되어 있다.

그는 에어브러시 기술에 관한 교육 영상을 6편 제작했으며, 세계 에어브러시 박람회에서 초청 강연자로 활동하고 있다. 3월에는 독일에서 열린 국제 에어브러시 포럼에서 명예 게스트로 초청되었으며, 전 세계에서 1만 명 이상의 예술가들이 참여했다.

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티알프 스파르나이가 그린 하이퍼리얼리즘 작품

2. 티알프 스파르나이 (Tjalf Sparnaay, 1954~Megarealism Artist))

네덜란드 화가 티알프 스파르나이의 작품으로, 그는 일상 음식을 맛있어 보이게 표현한다. 61세인 그는 국제 하이퍼리얼리즘 예술 운동에서 가장 중요한 화가 중 한 명으로 평가받으며, 1987년부터 메가 리얼리즘 시리즈를 작업해 왔다.

티알프 스파르나이  작품은 전 세계 여러 컬렉션에 소장되어 있으며, 뉴욕을 비롯한 네덜란드 외 지역에서도 정기적으로 전시되고 있다. 스파르나이는 2015년 푼다 티 미술관(Museum de Fundatie)에서 첫 개인전을 열었으며, 로테르담의 명망 높은 쿤스트 할(Kunsthal)을 비롯한 여러 미술관에서 작품을 선보였다.

그의 작품 중 다수는 미국과 유럽을 순회한 국제 전시 '극사실주의 회화 50년(50 Years of Hyperrealistic Painting)'에 포함되기도 했습니다.

그의 대표작인 '계란 프라이'는 전 세계적으로 복제 이미지로 사용되거나 다른 작품에 영감을 주었다. 초창기부터 그는 세계적인 현대 음식 화가로 자리매김했으며, 현재는 1960년대와 70년대 포토리얼리즘/극사실주의가 탄생한 도시인 뉴욕의 ​​유명 루이스 마이젤 갤러리(Louis K. Meisel Gallery)에서 전시 활동을 하고 있다.

원본 작품의 가격은 €17,500(£13,200)에서 €120,000(£90,000) 이상까지 다양하며, 크기에 따라 매겨지고 있다.

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고트프리트 헬른바인 _하이퍼리얼리즘 작품 Gottfried Helnwein at Friedman Benda Gallery image size:592x395

3. 고트프리트 헬른바인 ( Gottfried Helnwein,1948~)

고트프리트 헬른바인은 오스트리아-아일랜드계 시각 예술가로, 화가, 제도사, 사진작가, 벽화가, 조각가, 설치 및 퍼포먼스 아티스트로서 다양한 기법과 매체를 사용해 활동해 왔다.

주로 선글라스를 끼고 그림을 그리는 헬른바인은 주로 심리적·사회학적 불안, 역사적 문제, 정치적 주제에 관심을 가지고 있다. 이로 인해 그의 작품은 종종 도발적이고 논란이 되는 것으로 여겨진다. 그의 그림은 충격적이면서도 아름다운 것 사이를 오가지만 항상 도발적이다. 그의 주제가 모두에게 맞는 것은 아니지만(주로 폭력과 아이들을 중심으로 전개)

불안한 주제를 다룬 포토리얼리스틱 회화로 가장 잘 알려져 있다. 그의 초기 작품들은 종종 피투성이이거나 생명의 위험에 처한 아이들을 묘사했는데, 1979년작 'Life not Worth Living'은 죽은 어린 소녀가 식탁 위에 머리를 얹은 모습을 묘사하며, 오스트리아의 연쇄살인범 소아과 의사에 관한 기사와 함께 처음 발표되어 그를 하룻밤 사이에 명성과 악명을 안겨주었다.

1948년 10월 8일 오스트리아 빈에서 태어난 헬른바인은 태어난 도시의 시각예술대학교에서 공부했다. 그림 외에도, 그는 'Aktions'라 부르는 대규모 퍼포먼스 아트도 제작했으며, 여기에는 탱크, 탄약, 붕대 감은 아이들이 포함되어 있다.

헬름바인의 수집가 중에는 아널드 슈워제네거가 있는데, 그는 2007년 캘리포니아 주지사실에 자신의 그림 《데스 밸리》(2002)를 걸었다. 헬름바인의 미국 내 첫 개인전은 2004년 샌프란시스코 현대미술관에서 열렸으며, 2009년에는 시각 예술과 문화에 대한 공로로 스티거 상을 수상했다.

https://www.albertina.at/en/press/en-exhibitions/gottfried-helnwein-23/

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로베르토 베르나르디 _하이퍼리얼리즘 작품

4. 로베르토 베르나르디 (Roberto Bernardi,1974~ )

로베르토 베르나르디는 각 시각적 걸작을 정성스럽게 만드는 데 최대 한 달을 투자한다. 이탈리아 토디 출신의 이 예술가는 아주 어린 나이에 그림을 그리기 시작했으며, 그의 첫 유화 작품은 1980년대 초로 거슬러 올라간다. 그는 자신의 예술적 형성에 큰 영향을 미칠 회화 기법 학습에 전념했다.

처음에는 풍경화와 초상화에 도전한 후, 베르나르디는 하이퍼리얼리즘으로 방향을 전환했다. 로베르토 베르나르디 작품은 20,000달러에서 125,000달러 사이에 판매되고 있다.(뉴욕의 베르나르두치 마이젤 갤러리를 통해 유통되고 있으니 참고하세요)

1974년 이탈리아 토디에서 태어난 로베르토 베르나르디 토디에서 거주하며 활동하고 있다.

베르나르디는 아주 어린 나이에 그림을 그리기 시작했으며, 첫 유화 작품은 1980년대 전반기로 거슬러 올라간다.

세부 사항에 대한 집착과 전통 회화 기법 학습은 그의 예술적 형성에 영향을 미쳤다. 1993년 고등학교를 졸업하고 로마로 이주하여 산 프란체스코 아 리파 교회에서 복원가로 일하기 시작했다.

그 후 복원 작업에서 벗어나 자신의 예술 작품 창작에 전념한다. 처음에는 풍경화와 초상화를 그렸으나, 곧 하이퍼리얼리즘과 밀접한 새로운 형태의 사실주의로 나아간다.

1994년 9월, 베르나르디는 첫 개인전을 열어 대중과 지역 평론가 모두의 인정을 받았다. 그 이후로 베르나르디는 뉴욕, 런던, 파리, 디트로이트, 싱가포르 등 전 세계에서 15회 이상의 개인전을 가졌다.

그의 작품은 국제 미술관에서 25회 전시회에 포함되었고, 전 세계 여러 미술관에서 100회 이상의 그룹전에 참여했다.

1999년, 베르나르디는 동료이자 예술가인 라파엘라 스펜스를 만나 때때로 축구 팬들의 군중 등 사회적 장면을 묘사한 대규모 그림을 제작한다. 이 작품들은 놀라운 솜씨와 세심한 세심함으로 완성된다.

그의 예술 스타일의 전환점은 2000년대 초반에 찾아오면서 점점 더 자주 뉴욕을 방문하게 되었다. 2004년, 버나디는 잠시 맨해튼으로 이주해 73번가의 스튜디오에서 작업한다.

이 시기 그의 작품들은 미국 문화의 영향을 강하게 받았다. 그의 갤러리는 그를 뉴욕 미술계와 시장으로 소개하며, 리처드 에스테스, 척 클로즈, 톰 블랙웰 등 여러 예술가들을 만나 여러 국제 미술관에서 단체전에 자주 참여한다.

2004년부터 2010년까지 베르나르디는 미국과 유럽 수집가들이 후원하는 수많은 예술 프로젝트에 참여했으며, "취리히 프로젝트"와 "함부르크 프로젝트"(2007), 포뮬러 원 그랑프리 기간 중 '라스베이거스 프로젝트'와 '몬테카를로 프로젝트'(2008),  "베이징 프로젝트"에서는 베르나르디가 라파엘라 스펜스와 함께 베이징에서 수년간 거주하며 일했던 미국 정치인 엘리엇 커틀러의 초청을 받았다.

2012년, 베르나르디는 독일 튀빙겐 쿤스트할레 미술관에서 시작해 전 세계 13개 박물관을 순회하는 국제 박물관 투어에 참여했다. 이번 전시 투어에는 티센-보르네미사 박물관(스페인), 버밍엄 미술관(영국), 뉴올리언스 미술관(미국), 오클라호마시티 미술관(미국), 빌바오 미술관(스페인), 로테르담 쿤스트탈 미술관(네덜란드), 탬파 미술관(미국) 등이 포함된다.

2010년, 이탈리아의 다국적 석유 및 가스 회사인 ENI는 베르나르디를 전 세계 젊은 예술가들로 합류시켜 에니의 소통을 해석하도록 하고, 베르나르디에게 그들의 권위 있는 미술 컬렉션에 작품을 추가하도록 의뢰했다.

2014년, 버나르디는 미국 포트웨인 미술관에서 열리는 "현대 리얼리즘 비엔날레 2014"에 초청받은 바 있다. 지난 10년간 베르나르디의 작품은 진화해 왔으며; 그의 하이퍼리얼리얼 구성은 점점 팝 아트 운동의 영향을 받고 있다.

2015년, 옥스퍼드 대학교 출판부는 D. 골드스타인의 출판물 『설탕과 달콤함』에 그의 그림 중 하나를 수록했다. 이 작품은 검은 배경 위에 수직으로 놓인 다양한 색의 롤리팝을 표현했다. 2016년, 버나디의 작품은 태즈메이니아 MONA(구 현대미술관)에서 출간된 "예술의 기원에 관하여"로 출간되었다.

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에마누엘레 다스카니오 : 초 극사실화(하이퍼리얼리즘)

5. 에마누엘레 다스카니오 ( Emanuele Dascanio ,1983~)

에마누엘레 다스카니오의 매우 사실적인 흑연 연필과 목탄 초상화는 영성, 감정, 에너지로 진동한다. 이 매체를 능숙하게 활용하고 주제에 대한 깊은 연결과 결합하여 시선을 속여 대상이 실제인 것처럼 믿게 만든다.

다스카니오는 1983년 밀라노의 가르버냐테에서 태어났다. 아레세의 루치오 폰타나 미술학교를 졸업한 후, 2003년 브레라 아카데미에 입학했으나, 같은 예술에 대한 타락한 삶을 살고 있다는 느낌에 6개월 만에 아카데미를 그만두었다.   

미술학교를 졸업한 후 5년간 혼자 작업했고, 이후 유명한 이탈리아 화가 지안루카 코로나의 조수로 일했다. 코로나는 젊은 예술가에게 르네상스 시대의 위대한 고대 거장들의 유화 기법을 가르쳤다.

예술적 성장에 대한 열망과 필요성을 계속 느끼며, 2007년에는 마리오 도니체티 마스터의 제자인 지안루카 코로나의 작업실에서 공부하고 작업했으며, 그에게서 좋은 스승을 만나 르네상스 시대부터 전해 내려온 유화 기법을 배웠다.

다스카니오는 이후 북부 이탈리아에서 그의 회화로 권위 있는 국립 회화상인 르 세그레테 디 보카를 포함해 상을 수상했다.

그는 국내외 상위권 대회와 전시회에 참가해 상위권에 머물렀습니다. 예술 기법 연구와 표현력 지속적 향상 탐구에 많은 시간을 할애한다. 그의 작품들은 이탈리아와 해외의 개인 소장품에 소장되어 있다.

마누엘레 다스카니오는 사진으로 착각될 정도로 사실적인 이미지를 창조할 수 있는 이탈리아 예술가이다. 그의 일부 일러스트는 완성하는 데 최대 780시간이 소요되었다.

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로빈 일리 투명 비닐 _하이퍼리얼리즘 작품

6. 로빈 엘리 ( Robin Eley,1978~ )

1978년 영국 런던태생, 1981년 가족과 함께 호주로 이주하여 중등 교육을 마쳤다. 1997년 미국으로 이주하여 웨스트몬트 칼리지에 진학하여 2001년에 미술을 전공하여 문학사 학위를 취득했다.

엘리의 개인전으로는 로스앤젤레스에서 열린 Loss/Less(2017)와 Prism(2014), 호주에서 열린 Idolatry(2013)와 Singularity(2012)가 있다.

단체전으로는 호주 국립 초상화 갤러리에서 열린 'In the Flesh'(2014), 대전 미술관에서 열린 '21st Century Hyperrealism', 뉴욕 버나르도치 마이젤 갤러리에서 열린 BMG First Look(2013), 캘리포니아 리들리 트리 미술관에서 열린 'Journeys'(2012)가 있다.

엘리는 세계에서 가장 풍부한 초상화상인 더그 모란 국가 초상화상에서 2010년 준우승과 2011년 하이 칭찬상을 포함해 수많은 호주 미술상 결선 진출자로 활동했다. 2014년에는 포트웨인 리얼리즘 비엔날레에서 큐레이팅 아티스트 심사위원상을 받았다.

또한 그는 아치볼드 상(2012), 유틱 기념 정물화 아트상(2010, 2012), 노라 헤이 센 정물화 아트상(2011)에서도 최종 후보에 올랐다.  2012년에는 Arts SA의 국제 발표 보조금을 받아 미국 캘리포니아에서 작품을 전시할 수 있는 초청을 수락할 수 있었다. 

작가 작품은 전 세계 수많은 개인 미술 컬렉션과 공공 기관에 소장되어 있습니다. 일리는 현재 캘리포니아 로스앤젤레스에서 활동하며 거주하고 있다.

영국 예술가 로빈 엘리 투명 비닐에 싸인 캔버스를 묘사한 듯한 초현실적인 그림을 만들어내며, 관람객이 자신의 인식을 의심하게 만드는 놀라운 환상을 만들어낸다.

엘리의  사실적인 유화 시리즈는 구겨진 플라스틱 종이나 뽁뽁이로 감싸인 듯한 남녀 초상화를 보여준다. 세심한 디테일에 대한 집착은 놀라울 정도로, 모든 주름과 주름이 정교하게 포착되어 종종 사진으로 착각될 정도로 생생한 질감과 깊이를 만들어낸다.

로빈은 독창적인 작품을 창작할 뿐만 아니라, 유명한 그림을 재해석하여 반사 필름과 테이프의 초현실적인 착시를 더해 독특한 감각을 더한다. 그 결과, 고전과 현대 미술이 어우러져 정말 매혹적인 작품들이 탄생되고 있다.

로빈 엘리의 작품이 사진이 아니라 유화라는 사실을 알게 되면, 곧바로 다시 한번 다시 살펴보게 된다. 사람을 이렇게 사실적으로 그리는 것이 어렵지만, 로빈은 자신의 모델을 비닐에 '감싸' 넣어 그의 예술을 더욱 인상적으로 만든다.

엘리는 약 5주간 그림에 시간을 보내며, 주당 약 90시간을 일한작업에 몰입한다. 그는 현대 세계에서 고립에 대한 인식을 탐구하려 하며, 그의 그림 속 비닐 포장은 이를 전달하는 매체로 작용한다. 왜냐하면 "그것은 통해 볼 수는 있지만, 느낄 수는 없는 것"이기 때문이다.

https://www.langweiledich.net/hyperrealistische-gemalde-robin-eley/

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엘로이 모랄레스의 독특한 자화상 시리즈 — 놀랍도록 초사실적인 방식으로 그려졌다 2017년 6월 20일 마치 페인트 공장에서 발생한 폭발 사고의 여파처럼 보이지만 ,  이는 유명한 스페인 하이퍼리얼리즘 화가 엘로이 모랄레스의 놀라운 작품이다 .

7. 엘로이 모랄레스 ( Eloy Morales ,1973~)

엘로이 모랄레스는 1973년 마드리드에서 태어난 스페인 화가이며,  마드리드 콤플루텐세 대학교에서 회화를 공부했으며 1990년대에 예술 경력을 시작했다.

그의 그림은 주로 대형 포맷으로 그려진 초사실적인 초상화이다. 엘로이 모랄레스는 빛, 색채, 질감을 능숙하게 활용해 인상적이고 감동적인 이미지를 창조하는 것으로 알려져 있다.

2007년 제작된 "데이비드"는 그의 형을 면도 폼으로 바른 대형 유화 캔버스 초상화로, 그의 경력에 전환점을 찍었다. 두꺼운 면직물의 빛나는 빛나는 점이 그에게 자화상 시리즈의 아이디어를 주었고, 이 작품들은 그를 대중에게 큰 성공을 거두게 했다. "La pintura in my cabeza" 또는 "Paint in my head"가 탄생했다

언뜻 보기에는 아래 이미지들이 아무렇게나 물감을 바른 일련의 사진 초상처럼 보인다. 너무 리얼해서 눈의 착시를 일으킨다. 이 작품들은 실제로 스페인 화가 엘로이 모랄레스의 캔버스 유화이다.

이 독특한 자화상 시리즈는 믿을 수 없을 만큼 예술 작품이다. — 완벽하게 초현실적으로 그려졌다. 눈을 보면 그들은 너무 현실적이어서 예술가 본인의 영혼을 볼 기회가 있을지도 모를 정도로 착각을 일으킨다.

그의 그림에 쏟아지는 노력 때문에 각 작품을 완성하는 데 약 한 달이 걸리며, 작가는 작업실에서 하루 8시간씩 일한다.

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란 오트너_하이퍼리얼리즘 작품

8.란 오트너 ( Ran Ortner, 1959~ )

란 오트너의 작품은 높이 8피트, 너비 32피트에 달하는 캔버스에 바다를 그린 그림들로 구성되어 있다. 육지, 하늘, 배, 형상, 기타 기준점이 전혀 표시되지 않았다.

이렇게 사실적인 파도를 얻기 위해 오트너는 우수한 반투명성 때문에 구식 납 흰색을 고집한다. 그는 산화납과 호두유를 사용해 직접 섞어 3일 동안 약한 불로 조제했다. 그의 다른 색상들—회색, 파랑, 초록뿐만 아니라 주홍색과 엄버색도 모두 옛날 방식으로 추출되었는데, 아마씨유, 양귀비 씨, 호두나무 오일과 결합된 광물에서 비롯되었다.

2009년 10월, 오트너는 현재 매년 열리는 기업가 릭 드보스가 설립한 첫 번째 아트프라이즈에서 우승했으며, 그는 암웨이 공동 창립자의 손자이다. 상금이 50만 달러로, 세계에서 가장 큰 현금 상금이며 대중 투표로 수여된다. 334,000표 이상의 투표 끝에 오트너의 오픈 워터 24호가 1,260개 작품 중 25만 달러의 1위상을 차지했다. 상을 받기 전, 오트너는 생계를 유지하기 위해 고군분투하며 때때로 청구서를 내기 위해 돈을 빌리기도 했다.

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란 오트너는 1959년 샌프란시스코에서 태어나 알래스카의 시골에서 자랐다. 그의 첫 직업은 프로 오토바이 레이서였으며,  여전히 오토바이를 타며 열렬한 서퍼이기도 하다.

1990년, 오트너는 브루클린으로 이주하여 20년 동안 고독 속에서 작업에 몰두했다. 시간이 흐르면서 그의 작품은 점차 단순화되었고, 결국 미니멀리즘이라는 언어로 응축되었다.

미니멀리즘에 몰두했던 이 시기에 오트너는 광활한 바다의 느낌과 수십 년간의 서핑을 통해 얻은 생생한 신체적 기억을 떠올리게 하는 반복적인 모티프를 발견했다.

2005년, 오트너는 평생 동안 바다에 대한 매혹을 작품에 담아내기 시작했다. 위대한 고전 회화의 감정적 복잡성에 영향을 받은 그는 유화 물감을 겹겹이 쌓아 올리는 기법을 통해 특정한 강렬함을 표현하고 있다. 이 과정을 통해 오트너는 바다에서 느끼는 역동적인 생동감과 섬세함을 동시에 작품에 담아내고 있다.

2009년, 오트너는 제1회 아트프라이즈(ArtPrize) 공모전에서 우승했으며, 수상 소식은 뉴욕 타임스, 월스트리트 저널, BBC, NPR 스튜디오 360 등 여러 언론에 보도되었다.

2011년, 오트너의 작품 ‘딥 워터 No. 1’은 르 베르나르댕(Le Bernardin)의 중심 작품으로 선정되어 뉴욕 타임스에 소개되었다. 이듬해에는 더 선 매거진(The Sun Magazine)의 창의성 특집호에서 오르트너의 삶과 작품에 대한 심층 인터뷰가 진행되었다.

2013년, 네덜란드 정부는 오트너의 작품 ‘엘리먼트 No. 5’를 헤이그에서 열린 유엔 세계 물의 날 기념 포럼의 중심 작품으로 의뢰했다.

2014년, 오트너의 작품은 레이 스미스(Ray Smith)가 주최한 마나 컨템퍼러리(Mana Contemporary)의 개관 전 ‘최고의 예술가들은 모두 나의 친구들(All The Best Artists Are My Friends)’에 선정되었다.

2015년에는 래리 실버스타인(Larry Silverstein)과 클라라 실버스타인(Klara Silverstein)의 초청으로 오트너의 대형 회화 두 점이 세계무역센터 7번지에 전시되었다. 《엘리먼트 넘버 1》은 7 월드 트레이드 센터 로비에 영구 설치될 작품으로 선정되었다.

2016년 1월, 오트너는 뉴욕의 로버트 밀러 갤러리에서 개인 회화 전을 열었고, 2016년 3월, 프랭클린 앤 마셜 대학의 필립스 미술관에서는 오트너의 작품들을 선별하여 《These This》라는 제목의 개인전을 개최했다.

오트너는 현재 브루클린에 있는 자신의 스튜디오에서 작업을 이어가고 있다.

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파비아노_극사실화 _빛, 질감, 영혼: 파비아노 밀라니의 초현실적인 초상화는 꿀처럼 사로잡힌다 _ 2022년 1월 26일

9. 파비아노-밀라니( Fabiano-millani ,1981~)

파비아노 밀라니는 1981년 6월 27일 브라질 상파울루에서  태어나 리우그란데두술에서 자랐다. 밀라니는 17세 때 리우그란데두술 주 산토앙헬루에서 드로잉 강좌를 수강하며 예술 활동을 시작했으며, 현재까지도 그곳에 거주하고 있다.

파비아노 밀라니, 단순히 밀라니로 알려진 그는 하이퍼 리얼리즘 분야에서 뛰어난 브라질 예술가로 알려져 있다. 상파울루를 기반으로 활동하며, 특히 꿀과 물로 장식된 소녀들을 묘사한 놀라운 사진적 사실 초상화로 미술계를 사로잡았다.

이 작품들은 너무나 정교하게 만들어져 처음 보면 사진처럼 착각할 정도이다. 밀라니의 기법은 빛과 질감의 뛰어난 상호작용을 포함하여, 관람객이 예술과 현실을 인식하는 데 도전하는 생생한 외관을 만들어낸다.

그의 독특한 접근법은 기술적 실력을 보여줄 뿐만 아니라 관능미와 연약함을 불러일으키며 각 작품의 시각적 내러티브에 깊이를 더한다.

밀라니의 하이퍼리얼리즘 미술에 대한 기여는 그에게 찬사를 안겨주었을 뿐만 아니라, 회화 교사로서의 역할을 통해 많은 이들에게 영감을 주었고, 이 까다롭고 정밀한 분야에서 차세대 예술가들에게 영향을 미쳤다.

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미겔 앙헬누녜스_하이퍼리얼리즘 작품

10. 미겔 앙헬 누녜스 ( Miguel Angel Nuñez, 1966~)

미겔 앙헬누녜스(스페인태생)는 1966년 12월 21일 우루과이 동양 공화국 말도나도에서 태어났으며, 어린 시절 그는 화가 마놀로 리마의 작업실에서 사사를 시작했다.

1985~1994년까지 말도나도 시립성형 및 시각예술학고에서 카를로스 토넬리 교사와 근무했으며, 1996년에는 교사로 합류했다. 미겔 바테가조레 교수에게 미술사를 배웠다.

2001~2004 그는 구스타브 알라몬의 지도 아래 교육문화부 국립예술워크숍에서 공부했으며, 2003년 미겔 바테가조레 교수와 조형예술컬러 워크숍, 2008~2009년에는 마드리드에 위치한 Arauco재단의 지원금을 받아 기예르모 무뇨스 베라가 주관하는 회회 분야 향상워크숍에 참석, 안토나오 로페스를 포함한 여러 스승들과 교류했다.

그의 회화는 국내뿐만 아니라 라틴 아메리카, 브라질, 파나마, 아르헨티나, 우루과이 등 여러 나라에서도 잘 알려져 있다. 사실적인 기법을 통해 그는 일부 작품이 초현실주의 또는 하이퍼 리얼리즘으로 간주될 수 있는 방향으로 나아가고 있다.

하이퍼 리얼리즘 정물화는 물체나 인물의 정확한 외관뿐만 아니라 각 피사체 안에 담긴 정신과 감정까지 묘사해 낸다. 이 예술가의 예술적 실천은 빛과 질감 연구에 중점을 두고 있다. 동시에, 그의 매우 정교한 구도들은 캔버스나 나무 위에 유화 기법을 사용해 만들어진다.

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아티스트 카일 램버트 _붓으로 그리지않는 손가락으로 그린 극 초사실주의 작품

11. 카일 램버트 ( Kyle Lambert , ?년 영국 7월 18일생~)

카일 램버트는 넷플릭스의 기묘한 이야기와 원피스 같은 TV 프로그램[1]을 포함한 일러스트 포스터로 잘 알려진 영국의 예술가.

약력
-램버트는 맨체스터 메트로폴리탄 대학교에서 순수미술 회화와 애니메이션 일러스트레이션을 전공.

-애플 아이패드로 그린 유명인 초상화로 온라인에서 주목을 받음.

경력
-램버트는 스트레인저 씽스 프랜차이즈의 아트워크를 제작

-정글 크루즈(영화) 마블의 에이전트 오브 쉴드. 더 보이스, 타임리스, 블랙리스트, 어도비 주식회사, 위커 마알턴 타워스 리조트의 n(SW8) 롤러코스터 샌디에이고 동물원의 Africa Rocks 캠페인,  그리고 뮤즈의 2018년 앨범 《Simulation Theory》 커버 등이 등장. 

이 초현실적인 이미지들은  아이패드로 그려졌다니 믿어지지 않는다. 붓을 잡는 대신 오로지 손가락으로 일궈낸 그림이다. 아티스트 카일 램버트는 배우 모건 프리먼의 놀라운 초상화를 만드는 데 한 달이 걸렸다고 말한다.

그는 아이패드 앱 Procreate를 사용해 걸작을 완성했다. 영국 출신의 이 예술가는 200시간이 넘는 시간을 투자해 285,000회 이상의 손 터치로 붓질을 남겼고, 이 과정을 매혹적인 타임랩스 영상으로 기록됐다.

이 작품은 모건 프리먼의 믿을 수 없을 만큼 사실적인 초상화로 큰 주목을 받은 디지털 일러스트레이터 카일 램버트의 작품이다.

"카일 램버트는 미국에 기반을 둔 시각 예술가로, 엔터테인먼트 산업에서 인상적인 디지털 일러스트레이션 작업으로 잘 알려져 있다. 카일은 기술을 활용해 상업적으로 성공한 예술 작품과 일러스트를 최고 수준으로 창조하며 작업의 경계를 넓히고 있다.

지난 10년간 카일은 애플, 어도비, GQ, 넷플릭스, 파라마운트 스튜디오, 배니티 페어 등 세계 최대 브랜드들과 작업해 왔다. 이 창작 과정을 상세히 담은 영상들은 예술 감상 경험의 중요한 부분이 되었다.

카일의 2013년 아이패드 모건 프리먼 그림은 전 세계적으로 1,500만 명 이상의 관객을 확보했다."

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디에고 파지오 _하이퍼리얼리즘 작품

12. 디에고 파지오( Diego Fazio,1989~)

디에고 파지오(Diego Fazio), 또는 디에고코이(DiegoKoi)로도 알려진 그는 이미 세계에서 가장 멋진 아티스트로 칭송받고 있는 이탈리아의 하이퍼리얼리즘 아티스트이다. 그의 연필 드로잉은 너무 사실적이어서 종종 사진으로 오해받기도 한다.

이탈리아에서 태어난 디에고 파지오는 타투 아티스트로 예술 경력을 시작했으며, 미래의 타투를 위한 스케치를 그렸다. 하지만 곧 그림에 대한 열정을 발견하고 문신 영역을 넘어 자신의 재능을 탐구하기로 결심했다.

1989년 이탈리아 라메치아에서 태어난 이 신진 재능은 독학으로 현재에 이르렸다. 그는 2007년에 그림을 그리기 시작했지만 이미 수많은 상을 수상했다.

그의 가장 유명한 작품 중 하나인 "센사치오니"는 파지오가 인간의 특징을 포착하는 놀라운 능력을 보여준다. 입술의 세밀한 표현에 중점을 둔 이 작품은 질감과 사실주의의 교과서이다.

이러한 작품들은 관람자의 인식에 도전하며, 예술과 현실의 경계를 흐리고, 더 깊고 내성적인 차원에서 작품과 교감하도록 초대한다.

파지오의 작업 과정은 꼼꼼하다. 그는 종종 자신의 작업 단계를 소셜 미디어에 공유하며, 초현실적인 예술을 만드는 복잡하고 시간이 많이 소요되는 과정을 엿볼 수 있는 창을 제공한다. 이러한 예술적 여정의 단편들은 관객을 매료시킬 뿐만 아니라 드로잉 예술에 대한 교육적 관점도 제공한다.

독학 예술가

디에고는 어릴 때부터 그림을 그렸지만, 정식 미술 교육은 받지 않았다. 그는 완전히 독학으로 시작했다.  처음에 디에고는 자신의 작품이 대중 사이에서 인기를 끌 것이라고는 상상하지 못했다. 그는 오로지 자신을 위해 예술을 창작했다. 하지만 그의 그림을 볼 기회가 있었던 사람들은 친구들과 놀라움을 나누지 않을 수 없었다. 곧 소문이 퍼지면서 디에고의 작품은 대중 사이에서 인기를 얻기 시작했다.

독특한 스타일

디에고 파지오를 돋보이게 하는 점은 오직 연필만으로 만들어진 초현실적인 스타일이다. 그는 드로잉에서 사진의 정밀함을 정성껏 이룬다. 각 초상화를 완료하는 데 최대 200시간이 소요될 수 있다. 그 세부 묘사의 수준은 놀라울 정도로, 연필만으로 작업했다는 것이 믿기 어렵다. 파지오의 작품은 사진과 닮아 있어 자세히 살펴봐야 설득할 수 있다.

인정 및 수상

디에고코이는 자신의 그림에 서명하며 2010년 이후 여러 미술 축제에 참여해 왔다. 2012년에는 아르테 라구나 대회에서 우승했고, 이후 밀라노 카이로 대회에서 결선 진출자가 되었다. 그의 재능과 하이퍼리얼리즘에 대한 헌신은 미술계 내에서 찬사와 인정을 안겨주었다.

현재, 디에고 파치오는 현재 이탈리아 카탄차로 현에 위치한 페로레토 안티코 코뮌에 거주하며 활동하고 있다.

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맺는 말

입을 다물 수 없을 만큼 놀라운 초 극사실화(하이퍼리얼리즘) 용어보다 더 무서운 존재의 미술가들, 말처럼 쉽게 작품이 탄생하는 것이 아니었다. 

사진은 사진가의 의도를 반영하는 고심의 시간 끝에 사각틀이라는 뷰파인더 프레임의 선택과 순간의 시간에 결정됐다면 화이퍼리얼리즘 작품들은 그리고자 하는 뷰 파인더 프레임에 찍어낸 대상을 여러 고민 끝에 선택하고 어마어마한 크기의 커다란 시간과 싸움 앞에 서서 사투를 벌어야 만 하며, 도저히 보고도 믿어지지 않는 결과를 얻어내는 그야말로 인고의 끝자락이 보이는 것이다. 

그러고 보면 하이퍼리얼리즘 작품은 막대한 노동력이 요구하며 그 가치 또한 쉽게 값을 매길 수 없겠지만 고 퀄리티의 고급노동력에 비례할 수 있겠다 라는 결과을 맺는다. 

"사진은 순간의 뷰 파인더 선택을, 하이퍼리얼리즘은 겹겹의 장대한 시간만이 그리는 작가를 선택한다."

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