'팝아트의 교황' 앤디 워홀 /그림으로 읽는 철학1/ 화가 김원숙 /화가 이왈종 /백남준아트센터

[나를찾아서]

앤디 워홀

Andrew Warhol

1928-1987

팝아트의 선구자. '팝아트의 교황'이라 부른다네요. 대중미술과 순수미술의 경계를 무너뜨리고 미술뿐만 아니라 영화, 광고, 디자인 등 시각예술 전반에서 혁명적인 변화를 주도하였죠. 살아 있는 동안 이미 전설이 되었으며 그의 작품과 더불어 워홀이라는 인물 자체가 팝을 대표합니다

미국 펜실베이니아 피츠버그에서 이민자의 아들로 태어난 워홀은 피츠버그 카네기 공과대학에서 산업디자인을 전공하였고, 졸업 후 뉴욕에 정착하여 잡지 삽화와 광고 제작 등 상업미술가로 큰 성공을 거두었습니다. 1960년 기존의 상업미술 대신 순수미술로 전환해 배트맨, 딕 트레이시, 슈퍼맨 등 연재만화의 인물시리즈를 그리기 시작했습니다. 

‘자화상’(Self-Portrait_1986) 

워홀은 수프 깡통이나 코카콜라 병, 달러 지폐, 유명인의 초상화 등을 실크스크린 판화기법으로 제작하였는데, 그가 선택한 작품 주제는 대중잡지의 표지나 슈퍼마켓의 진열대 위에 있는 것으로 워홀은 그것을 그의 스튜디오인 ‘팩토리’(The Factory_공장)에서 조수들과 함께 대량 생산하였습니다.

                     ‘베토벤’

‘리즈 테일러’. 얼마 전 하늘의 스타가 되었죠. 다음 달에 2000만 달러에 경매된다고 뉴스에 나왔네요.

              ‘마릴린 몬로’

‘여덟 명의 엘비스’(Eight Elvises_캔버스_1963). 1억 달러에 거래. 워홀의 그림 중 최고가 기록. 하이고, 엘비스가 여덟 명이기에 망정이지 열 명, 스무 명이었다면 워쨌으까ㅎㅎㅎ

               ‘LOVE'

고흐 ‘감자 먹는 사람들’

허영이 낄 틈 없는 ‘온전한 밥상’

이주향 | 수원대 교수ㆍ철학

빈센트 반 고흐, ‘감자 먹는 사람들’

1885년, 캔버스에 유채, 81.5×114.5㎝, 반 고흐 미술관, 암스테르담

‘감자 먹는 사람들’을 처음 봤을 때의 충격을 잊을 수 없습니다. 나는 저 그림이 무서웠습니다. 무엇보다도 그 손이 싫었습니다. 울퉁불퉁 깡마른 농부의 손이. 얼마나 일을 하면 저렇게 될까, 얼마나 가난하면 저렇게 될까? 이상하게 그 그림이 생각난 것은 시끄럽고 소란한 인도의 바라나시에서였습니다. 나는 시바 신 앞에서 무아지경에 빠지는 사람들이 무서웠고, 신새벽 갠지스 강에서 시신을 태우는 사람들이 무서웠습니다. 그 강물을 그대로 떠 마시는 사람들이 무서웠고, 1달러만 달라고 구걸하는 손들이 무서웠습니다. 그 도시, 바라나시에서 나는 불면증이었습니다. 무서워서 잠들지 못했던 거지요. 그 불면의 밤에 그 깡마른 손의 환영을 본 것이었습니다.

며칠을 불면에 시달리다 나는 깨달았습니다. 내가 느끼는 무서움에는 실체가 없다는 것을. 나는 하고 싶은 것을 하지 못하게 하는 가난을 두려워하고, 나를 잃어버리는 신명을 두려워하고 있었던 겁니다. 나를 잃어버리기 전에는 나를 찾을 수도 없고, 어떤 일을 하건 신명이야말로 나를 구원할 영성의 한 그물코임을 놓쳤던 거지요. 그렇게 내 속의 두려움을 직시하고 나서야 불면에서 해방되고, 비로소 바라나시의 소란을 활기로 즐길 수 있었습니다. 그때 아, 다시 한번 ‘감자 먹는 사람들’을 보고 싶다는 생각을 했습니다.

이제 주름진 얼굴, 불거진 광대뼈에 가려 있던 농부들의 순한 눈이 들어옵니다. 그들의 눈은 눈망울이라 해도 좋을 만큼 순하디 순한 소의 눈을 닮지 않았습니까? 그리고 또 보입니다. 나무의 뿌리처럼 불거진 심줄의 손으로 세상에서 가장 맛난 감자를 먹는 사람들의 온전한 식욕이.

먹어도 먹어도 피가 되지 않을 것 같은 식탁이 있습니다. 칼로리를 따지느라 음식의 반 이상을 버려야 하는 밥상, 격식을 차리고 남의 눈치를 살피느라 쓸데없이 많이 차려져 있는 밥상은 풍성한 밥상이 아니라 군살 같은 밥상입니다. 밥을 앞에 두고 밥을 먹는 게 아니라 외교를 해야 하는 밥상도 온전한 밥상이 아닙니다. 온전한 밥상은 밥상이라 부르기엔 완벽하게 허술한 밥상, 밥상이라 부르기도 민망한 저 밥상입니다. 삶의 허영심이 한 치도 끼어들 수 없는 밥상! 한 톨의 남김도 없이 일용할 양식을 온전히 먹는 사람들, 일용할 양식으로 피를 만들고 살을 만드는 사람들. 그 사람들의 가난한 식탁 위의 감자는 그들에게 자기 자신을 온전히, 기분 좋게 내주지 않겠습니까?

소박한 나무식탁 하나와 그 둘레에 걸터앉은 사람들로 꽉 차는 그 공간의 중심에 램프 하나. 그 램프를 중심으로 감자를 먹는 사람들을 그린 고흐는 본능적으로 일용할 양식의 힘을 아는 사람들을 그리고 싶었던 모양입니다.

“나는 램프 불빛 아래서 감자를 먹고 있는 사람들이 접시로 내밀고 있는 손을 그리고 싶었다. 그 손은 그들이 땅을 판 손이기도 하다. 농부는 목가적으로 그리는 것보다 그들 특유의 거친 속성을 드러내는 것이 진실하다. 시골에서는 여기저기 기운 흔적이 있는, 먼지가 뒤덮인 푸른 옷을 입은 처녀가 숙녀보다 멋지다.”

고흐는 자기 손으로 땅을 파고 김을 매고 열매를 거두어 먹는 농부들을 사랑했던 것입니다. 고흐는 그들 속에서 그저 황폐하기만한 가난을 본 것이 아니라 군살 없는 삶을 봤으니까요. 그래서 고흐는 땅을 파는 도구가 되어 거칠 대로 거칠어진 손으로 자신들이 거둔 감자를 먹는, 그 한순간의 식탁을 그리기 위해 농부들을 그리고 또 그렸습니다.

“50번 그리는 것으로 부족하면 백번, 그래도 부족하면 또 계속!”

그것은 천부적 재능이 없는 자의 노력이 아닙니다. 차라리 그것은 오가며 그집 앞을 지나는 남자의 심정일 것입니다. 매료된 마음에 이끌려, 그리고 또 그리는 반복의 행위는 화두를 들고 또 드는 구도자의 행위 같은 거 아닐까요? 그러고 보니 알겠습니다. 왜 고흐가 저 그림을 가장 사랑했는지를. 고흐가 가장 사랑한 그림 ‘감자 먹는 사람들’은 고흐를 가장 잘 드러내는 그림이기도 합니다. 이제 나는 저 그림에 감동해 기꺼이 고백합니다. 화사한 옷도 없고, 아름다운 여인도 없고, 한번 살아보고 싶은 동화 속의 공간도 없지만 저 그림이야말로 아름다움의 극치라고.

조지 클라우센 ‘들판의 작은 꽃’

꽃에 이끌린 소녀의 ‘노란 봄꿈’

이주향 | 수원대 교수ㆍ철학

조지 클라우센 ‘들판의 작은 꽃’ 1893

이 세상은 매일매일 변하는 주가에 온 신경을 곤두세우는 투자자의 시선으로도 볼 수 있지만, 저렇게 한 송이 꽃에서 눈을 떼지 못하는 소녀의 눈으로도 볼 수 있습니다.

작디작은 꽃이 정말 아름답지요? 저 노란 꽃이 아름다운 건 아무래도 소녀의 시선 때문일 겁니다. 꽃에 홀린 소녀의 표정이 아니라면 저 작디작은 꽃이 저렇게 선명하게 존재감을 가질 수 있었을까요? 꽃을 보는 소녀야말로 노란 꿈을 꾸고 있는 꽃입니다. 저 소녀가 말해주는 것 같지요? 뭔가 아름답고 생명 있는 것에 매료되는 미감은 나이 들지 않는다는 것을. 감각의 제국엔 나이도, 성별도, 국경도 없습니다.

그러고 보니 저 그림은 김춘수의 ‘꽃’을 연상시키는 그림 아닌가요?

내가 그의 이름을 불러주기 전에는

그는 다만

하나의 몸짓에 지나지 않았다.

내가 그의 이름을 불러주었을 때

그는 나에게로 와서

꽃이 되었다.…

나는 너에게 너는 나에게

잊혀지지 않는 하나의 눈짓이 되고 싶다.

소녀가 꽃에 매혹되어 잊을 수 없는 눈짓을 보내는 순간, 꽃도 소녀에게 매혹되어 모두가 별처럼 빛나는 겁니다. 꽃은 대지가 피워낸 별이고, 꽃에 빠져 있는 소녀는 대지의 별을 보호하려는 것 같습니다. 소중한 것을 보호하려는 소녀의 손짓과 표정에 내 심장이 뛰네요. 저 소녀는 몇 살일까요? 저 소녀는 우리 내면의 소녀란 생각이 듭니다. 생명 있는 것에 매료되는 순간 우리는 모두 소녀가 되는 거라고.

봄입니다, 자연이 생명 있는 것을 도발하는 봄, 봄! 아기의 속살처럼 부드러운 연둣빛 잎사귀에 싸여 봄꽃들이 피어납니다. 노란 꽃, 분홍 꽃, 흰 꽃, 보라 꽃들이 별처럼 피어납니다. 니체가 말했습니다. 봄날의 대지엔 젖과 꿀이 흐르는 것 같다고. 대지의 젖과 꿀이 꽃잎을 물들이고 마침내 소녀의 눈 속에 스민 그림이 저 그림입니다.

봄입니다. 자연이 인간을 도발하는 봄입니다. 담담하게 살려 해도 피부가 햇살에 반응하고, 눈이 나비처럼 피고지고 피는 꽃들을 따라다닙니다. 저 그림을 보고 있으면 햇살 좋고 바람 좋은 봄날, 우울하게 방 안에 갇혀 있는 건 봄날의 자연을 모독하는 거라는 생각이 절로 찾아듭니다. 저 그림처럼 아름다운 꽃들이 문득문득 피어나고 문득문득 사라져 망연해질 틈도 없는, 젖과 꿀이 흐르는 들판으로 나가고 싶습니다.

아름다운 것들에 이끌려 저렇게 한눈을 파는 시간이 얼마나 아름다운 경험인지요? 저런 순간이 삶을 사랑하게 만드는 문이니까요. 그럼에도 왜 우리에게는 끌리는 대로 이끌리는 일이 생각보다 어려운 일일까요? 삶에 심한 스트레스를 받고 있기 때문입니다. 사는 게 팍팍해 돈이 나오냐, 밥이 나오냐며 따지고 있기 때문입니다.

꽃이 질 거라고요? 지는 것이 무서워 정 주지 못 하겠다고요? 그거, 아십니까? 영웅이 감동을 주는 건 마지막 순간을 살기 때문이고, 꽃이 아름다운 건 지기 때문이라는 사실을! 마지막 순간을 산다는 건 뒤를 남기지 않고 산다는 뜻이고, 진다는 건 온 힘을 다해 피었다는 뜻일 테니까요. 온전히 피어나면 시들어 죽는 게 두렵지 않습니다. 충분히 사랑하면 좋은 이별을 할 수 있습니다. 존재이유를 실현하면 집착이 남지 않는 법이니까요.

농촌을 배경으로 자연에 기대 사는 사람들을 그렸던 클라우센 경은 화가로 작위를 받았을 만큼 여유 있는 삶을 살다 간 화가였습니다. 고흐처럼 비극적이지도 않았고, 고갱처럼 옥죄는 삶을 살지도 않았습니다. 아버지를 따라 장식미술을 했는데, 우연히 아카데믹 화가로 명성이 자자한 에드윈 롱의 집을 장식하다가, 그의 눈에 띄어 화가의 길을 걷게 된 거지요. 귀족으로서의 삶을 누리면서도 지지부진해지지 않고 자신을 잘 경영하는 인생들을 보면 삶이 희망적입니다.

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라라와복래가 조지 클라우센 경(Sir George Clausen, 1852-1944)의 그림 몇 점 더 선보입니다.~~ 지난해 8~9월 예술의 전당에서 ‘영국근대회화전’이 개최되었는데, 이때 클라우센 경의 작품이 울 나라에 본격적으로 소개된 듯합니다.

         봄날의 아침, 하버스톡 힐 A Spring Morning, Haverstock Hill, 1881

         이삭 줍는 사람들 Gleaners, 1882

         등불 옆에서의 독서 Reading by Lamplight, 1909

부상당한 천사

The Wounded Angel

후고 짐베르크

후고 짐베르크의 ‘부상당한 천사’,1903, 캔버스에 유채, 헬싱키 아테네움 미술관.

핀란드의 국민화가 후고 짐베르크(Hugo Simberg, 1873~1917)는 세기말과 세기 초를 산 상징주의 화가이자 그래픽 아티스트입니다. 그가 즐겨 사용한 두 가지 캐릭터는 악마와 죽음입니다. 그래서 그의 작품은 대개 음울한 아름다움을 자아냅니다. ‘부상당한 천사’(상처 입은 천사)는 짐베르크의 대표작으로, 2006년 핀란드의 문화 아이콘으로 선정되었습니다.

천사는 왜 부상을 당했을까?

저 소년의 눈빛은 무엇을 말하는 것일까?

짐베르크는 상징성이 가득한 이 그림에 대해 설명해달라는 요청에 다만 “사람마다 자기가 보고자 하는 자신의 내면의 것을 볼 따름”이라고 짧게 대답했을 뿐 어떤 설명도 하지 않았다고 합니다. 심지어 첫 전시 도록에 작품 제목 대신 줄 하나 달랑 그어 넣었다는군요. 그래서인지 무언가 강렬히 전하고자 하는 것이 있는 듯한 이 그림을 두고 아마란스(Amaranth) 꽃이 생기게 된 사연이 담긴 핀란드 전설을 바탕으로 그린 것이라는 둥 어른들의 지나친 기대에 상처 입은 어린이들의 마음을 상징하는 그림이라는 둥 갖가지 해석이 떠돕니다. 글이든 그림이든 작품이 일단 작가의 손을 떠나면 그에 대한 해석은 온전히 독자의 몫이긴 하지요... 아무튼 라라와복래의 눈을 단박에 사로잡은 이 그림을 더 알고 싶어 여기저기 웹서핑을 해보았지만 궁금증을 채울 정보는 없더군요... 몇 가지 그럴듯하거나 흥미 있는 이야기를 담는 것으로 대신합니다. 어쨌든 그림 감상은 자유!!~~

그 하나, 핀란드 전설 배경 이야기 

눈에 상처를 입고 날개가 꺾인 천사가 마을 어귀 시냇가에 쓰러져 있습니다. 물가에서 놀던 두 아이가 그런 천사를 발견하고 치료하려고 들것에 태워 마을로 데려옵니다. 하지만 마을 어른들은 지고한 존재인 천사가 부상을 입을 수 없다며 천사로 가장한 마녀임에 틀림없다면서 불태워 죽이려고 합니다. 천사는 슬퍼하며 하늘로 되돌아갑니다. 천사의 눈에서 흘러 떨어진 피는 ‘영원히 시들지 않는 꽃’ 아마란스로 피어납니다. 이상이 아마란스 꽃에 얽힌 핀란드 전설입니다. 다음 동영상은 그런 내용을 담고 있습니다.

그 둘, 미술평론가 이주헌의 이야기

핀란드 화가 후고 짐베르크가 그린 ‘부상당한 천사’는 어린이가 어른들에게 혼났을 때 그들의 기분이 어떤지를 잘 묘사한 그림입니다. 부상당한 천사. 들것에 실려 어디론가 가고 있는 천사는 지금 머리가 깨져서 흰 천으로 머리를 감쌌습니다. 날개도 꺾여 안쪽으로 휘어져 있습니다. 하늘을 나는 것이 식은 죽 먹기보다 쉬운 일이지만, 천사는 지금 날기는커녕 걷지도 못합니다. 두 명의 어린이가 이 불쌍한 천사를 어디론가 나르고 있습니다. 아이들의 표정으로 보아 그들 역시 천사의 불행을 자신의 불행으로 받아들이는 것 같습니다. 오른쪽의 아이는 슬프다 못해 화가 나 있습니다. 제발 우리를 너무 구박하지 마세요, 너무 야단치지 마세요, 하는 듯한 표정입니다. 그림의 천사는 이렇듯 어른들로부터 심하게 꾸중을 듣거나 혼이 나 풀이 죽을 대로 죽은 아이의 영혼을 상징합니다. - 이주헌 <그림 속 여인처럼 살고 싶을 때>에서

그 셋, 인터넷에 가장 많이 인용된 이야기(글쓴이 미상)

“아빠, 왜 천사의 눈을 가리고 가는 거야? 또 왜 저 소년은 불만에 찬 표정인 거야?”

흐음, 그건 말이지...

저 천사에게 자신을 치료해주는 사람이 누군지 모르게 하기 위해서야.

“왜?”

저 천사는 고결해서 자존심도 강하거든.

근데 자신이 평소 도움을 주던 생명들에게 도움을 받았다는 걸 알게 되면 속상할 테니까...

“그럼 왜 소년은 화가 난 표정이야?”

소년은 한 가지 사실을 알고 있거든.

신이 눈을 가리게 한 이유를.

그것이 천사를 배려하기 위함이란 것을...

그래서 소년은 자신의 존재를 누군가가 알아주었으면 하는 거야.

추락한 천사들을 도와주는 건 지상에 살고 있는 자신들이란 걸.

자신들은 환한 광명도 우아한 흰 날개도 갖고 있지 않지만,

그 고결한 천사들이 다쳤을 때 도와주는 건 바로

이름도 없고 더러운 손과 얼굴의 자신들이란 걸 말하고 싶은 거란다.

하지만 신의 명령 때문에 그걸 말할 수는 없어서

조금은 화가 난 것이란다.

아들아,

앞으로 네가 살아갈 세상도 이런 것이란다.

아름다움만이 선은 아니야.

너는 어두운 곳에 웅크리고 있는 선도 찾아내야 하는 거란다.

물론 눈이 가려진 넌 진실을 알아내기가 쉽지 않아.

하지만 말야...

네가 세상살이에 추락해버릴 때 너를 도와줄 투박한 손이 찾아온다면,

넌 그 손에게 감사하는 마음을 잊지 말아야 한단다.

세상엔 보이지 않는 선(善)이 있는 것이 아니라,

보려고 하지 않는 선(善)이 있을 뿐이니까 말야...

후고 짐베르크의 그림을 더 보시려면 아래 주소를 클릭!하세요..

http://cybermusee.com/case/cybergallery/pop_gallery.asp?mh=hugosimberg

슬픈 이야기를 그린 ‘행복한 화가’

화가 김_원_숙

         김원숙 ‘신부’, 캔버스에 유채, 45×45cm

김원숙 화백의 많은 작품에서는 슬픔과 외로움이 느껴집니다. 얼굴이나 화폭에 외롭고 슬픈 삶의 흔적이 담겨 있기 때문입니다. 그래서 그의 그림은 보는 사람들에게 깊은 여운을 남깁니다.

이 작품에도 여인이 불 켜진 방안에 혼자 앉아 있고, 댓돌 위에도 고무신이 한 켤레만 가지런히 놓여 있어 외롭고 슬픕니다. 그런데 그림을 찬찬히 살펴보면 문틈으로 나와 있는 옷자락에 뭔가 사연이 있는 듯 보입니다. 김 화백의 작품에는 이런 암시와 은유가 많은데, 이것이 그의 그림이 갖고 있는 또 하나의 특징입니다.

이 그림에서 보이는 문틈에 걸린 옷자락은, 신혼 첫날밤 신랑이 신부에 대해 오해를 하고 도망갔다가 몇 십 년 후 돌아와 그때의 오해를 푼다는 '신부 원귀' 설화에 나오는 이야기입니다.

신부는 초록 저고리 다홍 치마로 겨우 귀밑머리만 풀리운 채 신랑하고 첫날밤을 아직 앉아 있었는데, 신랑이 그만 오줌이 급해져서 냉큼 일어나 달려가는 바람에 옷자락이 문 돌쩌귀에 걸렸습니다. 그것을 신랑은 생각이 또 급해서 제 신부가 음탕해서 그 새를 못 참아서 뒤에서 손으로 잡아당기는 거라고, 그렇게만 알곤 뒤도 안 돌아보고 나가 버렸습니다. 문 돌쩌귀에 걸린 옷자락이 찢어진 채로 오줌 누곤 못 쓰겠다며 달아나 버렸습니다.

그러고 나서 40년인가 50년이 지나간 뒤에 뜻밖에 딴 볼일이 생겨 이 신부네 집 옆을 지나가다가 그래도 잡시 궁금해서 신부방 문을 열고 들여다보니 신부는 귀밑머리만 풀린 첫날밤 모양 그대로 초록 저고리 다홍치마로 아직도 고스란히 앉아 있었습니다. 안쓰러운 생각이 들어 그 어깨를 가서 어루만지니 그때서야 매운 재가 되어 폭삭 내려앉아 버렸습니다. 초록 재와 다홍 재로 내려앉아 버렸습니다.

- 서정주 '신부'

김원숙 화백은 1972년 홍대 미대 재학 중 미국으로 그림 유학을 떠났고, 지금까지 미국에 살고 있습니다. 그런 그가 '신부' 이야기뿐 아니라, 수로부인, 심청 이야기 등 한국 설화에 바탕을 둔 작품을 많이 그린 이유는, 한국을 눈으로 볼 수 없고 오직 가슴으로만 느낄 수 있었기 때문입니다.

좀 더 구체적으로 설명하면, 김 화백의 눈에 보이는 세상은 한국이 아니라 미국이기에, 직접 보지 않고도 그릴 수 있는 한국의 설화와 신화를 화폭에 담아 '한국성'을 유지했습니다. 그리고 세계인들의 공감을 얻기 위해 '한국성' 속에 인간의 보편적 삶의 모습과 감정을 담았습니다.

그래서 그는 19995년 유엔에서 '올해의 예술가'로 선정되었고, 외국 화랑과 미술관에서만 34회의 개인전을 열면서 '세계적 작가'로서의 입지를 굳혔습니다.

           김원숙 ‘집’ 시리즈

           김원숙 ‘피리’, 나무에 유채, 40×40cm, 2002

김 화백의 작품에는 한국 집이 많이 등장합니다. 그 이유는 그가 이방인의 삶을 살기 때문에 한국에서 살던 집에 대한 향수 때문일 수도 있고, 집이 삶의 바탕이라는 의미를 강조하려는 의도일 수도 있습니다.

위의 '피리' 역시 그가 즐겨 사용하는 소재인 초가집 안에서 외롭게 보이는 여인이 피리를 불고 있습니다. 그런데 커튼이 반쯤 걷힌 곳에 끝이 보이지 않는 길이 보입니다. 여인이 가야야 할 길인지, 피리 소리가 멀리 퍼져 나가길 바라는 것인지는 알 수 없지만, 작가는 "보는 사람의 느낌대로 보면 된다"라고 합니다.

이런 은유가 바로 김원숙 화백 그림의 탁월함이고 매력입니다. 그래서 김원숙 화백의 전시회에 간 애호가들은 그의 그림을 오랫동안 바라봅니다.

                  김원숙 ‘마음의 집’, 돌석고에 채색, 21×21×23cm, 2005

                            김원숙 ‘수로부인2’, 캔버스에 유채, 168×122cm, 1990

김원숙 화백이 화가로서 가진 훌륭한 점의 하나는, 쉬지 않고 새로운 표현방법을 추구한다는 점입니다. 그는 서양화뿐 아니라 수묵화ㆍ도조ㆍ조각의 세계를 넘나들며, 자신의 그림을 좋아하지만 경제적 여유가 많지 않은 애호가들을 위해 석판화도 만듭니다. 그리고 조선시대 기생들의 시를 모아 영문으로 발간한 <기생시조 화집>에 삽화도 그렸습니다.

이런 김 화백의 그림에 대한 열정은 그림 그리는 일을 재미있게 생각하기에 가능합니다. 그러나 그는 그림을 쉽게 그리는 화가가 아닙니다. "아직도 아침 기도를 드리러 빈방에 들어가는 수도승들처럼, 빈 화실에서 자기와의 춤과 싸움에 임하는" 자세로 정신을 집중시켜 작품을 탄생시키는 그런 화가입니다.

위의 작품에서는 물에 빠진 여인이 빠른 물살 때문에 어쩔 수 없이 집 밖으로 떠내려가고 있습니다. 아무리 손을 뻗으며 발버둥이처도 세상의 험한 물살은 여인을 그렇게 떠나보냅니다. 그것이 세상이라고, 삶은 그렇게 슬프고 고통스러운 것이라는 화가의 외침이 들어 있는 작품입니다.

           김원숙 ‘연속 그림’ 시리즈

           김원숙 ‘바늘구멍 1, 2’, 나무에 유채, 각 18×18cm, 1992

           김원숙 ‘달빛 아래의 길’, 캔버스에 유채, 48×91cm, 1992

김원숙 화백은 그림으로 이야기를 만들거나, 이야기를 그림으로 만드는 데 탁월한 재주를 가진 화가입니다. 그래서 그는 한 액자 속에 줄거리가 있는 두 점의 그림을 그리기도 하고, '바늘구멍'처럼 독립된 두 액자에 줄거리가 연결되는 그림을 그리기도 합니다.

그가 이야기가 있는 그림을 많이 그린 이유는 어린 시절의 가정환경과 연관이 있습니다. 그는 어렸을 때 언론인이자 음악인인 아버지가 건네주는 동화책과 소설책을 많이 읽었고, 할머니에게 많은 옛날이야기를 들으면서 자랐습니다. 그리고 옛날이야기를 듣고 난 후에는 그 이야기를 그림으로 그려 형제들에게 보여줬다고, 미국 미술평론가 엘레노어 허트니와의 인터뷰에서 밝혔습니다.

이런 독특한 유년 시절의 경험 때문에 그는 이야기를 그림으로 표현하는 데 익숙했고, 훗날 의식적 혹은 무의식적으로 그림 속에 이야기를 담거나 이야기를 그림으로 표현했다고 할 수 있습니다.

그래서 오광수 전 국립현대미술관 관장은 그의 작품에 대해 "일기의 형식과 같은 숨김없는 고백체이기 때문에 그의 작품 앞에 서면 그림을 본다는 것에 앞서, 그가 들려주는 이야기에 귀를 기울이게 된다"라고 했습니다.

영국의 미술평론가 휘트니 채드윅 역시 "김원숙의 그림은 프랑스 표현을 빌려 '그려진 시'라고 할 수 있고, 그림 속의 뜻을 각자의 가슴 속에 새롭게 그려볼 수 있도록 해준다"라고 설명했습니다.

           김원숙 ‘강물을 퍼담듯이’, 캔버스에 유채, 168×168㎝, 1992 

김 화백 그림의 특징이 잘 나타난 작품입니다. 화폭 속에 눈에 익은 강과 산, 그리고 항아리가 있어 쉽게 공감이 가지만, 여인이 강물을 퍼서 항아리에 담는 이유가 무엇인지 한참 생각하게 합니다.

그러나 너무 어렵게 생각하지 않고 정희성 시인의 절창 '저문 강에 삽을 씻고'를 떠올리면, 화폭 속에 흐르는 강의 의미와 여인이 강물을 퍼담는 의미가 자연스럽게 이해될 수 있을지도 모르겠습니다.

흐르는 것이 물뿐이랴

우리가 저와 같아서

강변에 나가 삽을 씻으며

거기 슬픔도 퍼다 버린다.

일이 끝나 저물어

스스로 깊어 가는 강을 보며

쭈구려 앉아 담배나 피우며

나는 돌아갈 뿐이다.

삽자루에 맡긴 생애가

이렇게 저물고, 저물어서

샛강 바닥 썩은 물에

달이 뜨는구나.

우리가 저와 같아서

흐르는 물에 삽을 씻고

먹을 것 없는 사람들의 마을로

다시 어두워 돌아가야 한다.

- 정희성 '저문 강에 삽을 씻고'

           김원숙 ‘푸른 강물’, 캔버스에 아크릴릭, 106×125㎝, 1996

이 그림 역시 삶을 은유적으로 표현한 작품입니다. 격동적으로 흐르는 인생의 강물, 빠른 물살이 무서워 강 언덕에 뱃머리를 걸치고 있는 돛단배, 그리고 산 사이로 난 길. 거친 세상 속에서 어디를 향해 어떻게 가야 할지 고뇌하는 많은 사람의 마음속 모습인지도 모릅니다.

김 화백이 이런 은유적 작품을 즐겨 그리는 이유는, 자신의 그림이 화가만의 그림이 아니라, 보는 사람과 함께할 수 있는 그림이 되기를 원해서입니다.

자신의 경험 혹은 주변 인물들의 삶의 모습을 이야기하듯 화폭에 옮긴 후, 보는 사람들에게 '당신은 어떤 삶을 살고 있느냐?', '살면서 이런 경험을 해본 적이 있느냐?'라는 질문을 던지며, 삶에 대해 같이 생각하자는 것입니다.

김원숙 화백의 이런 '이야기 그림(story base painting)'은 우리나라 현대미술에서 쉽게 만날 수 없는 독특한 그림형태이기 때문에, 그의 작품들은 한국 현대미술사의 한 페이지를 장식하기에 부족함이 없습니다. 그래서 그는 쓸쓸하고 슬프고 외로운 그림을 많이 그렸지만 '행복한 화가'입니다.

원문 출처 : http://www.ohmynews.com/NWS_Web/View/at_pg.aspx?CNTN_CD=A0000424420

평범한 삶을 이야기하듯 그리다

화가 이_왈_종

                              이왈종 ‘서귀포’, 종이부조에 채색, 54×39cm

화사하면서도 기품 있는 색채가 화면 가득합니다. 바다가 보이고 돌담 뒤에 수선화가 활짝 피었으니, 제주도 어느 가정집 모습임을 알 수 있습니다. 20년 가까이 제주도 서귀포에 칩거하면서 오로지 창작에만 몰두하는 이왈종 화백의 <서귀포> 시리즈 작품으로, 어디 한 군데 흠잡을 데 없는 '똑 떨어지는 작품'입니다.

그런데 물고기의 크기가 배와 같고, 새의 크기도 개와 비슷합니다. 그리고 돌담 뒤의 제주 수선은 바다를 뒤덮고 있는 등 원근법과 대상의 크기를 무시했으니, 조선시대 민화의 전통을 계승한 '현대적 민화'라 할 수 있습니다. 이 화백의 그림에 이런 민화적 요소가 보이는 이유는 그가 한국화를 전공했기 때문입니다.

그래서 그는 그림 그리는 재료와 방법도 전통의 바탕에서 사용합니다. 이 작품은 그가 지난 몇 년간 사용하던 장지가 아니라, 닥종이 판에 그림의 대상을 입체적으로 만든 후 천연 안료로 채색을 했습니다. 그러나 닥종이 판이라는 것이 결국 한지를 우려서 만든 것이니, 그는 전통에 충실하면서도 다양한 실험을 통해 한국화의 현대화에 앞장서고 있다고 할 수 있습니다.

                               이왈종 '서귀포', 종이부조에 채색, 53.5×39cm 

위의 작품과 연속성을 갖고 있는 그림으로, 부부만이 조용히 살던 집에 친구가 찾아오자 마당에 술상이 차려졌고, 편안한 자세로 둘러앉아 이야기를 하는 모습입니다.

이렇게 평범한 삶의 모습을 이야기하듯 화폭에 옮기는 것이 바로 이 화백이 갖고 있는 탁월한 작가적 능력이고, 그림과 친하지 않은 사람들도 그의 그림을 편안하고 재미있게 보는 이유입니다.

그리고 이 화백은 이렇게 편안한 작품세계를 만들기 위하여 서울에서 제주도로 내려왔고, 몇 차례의 변화를 거쳐 그가 추구하던 '중도의 삶'을 찾고 표현하는 데 성공했습니다.

"살다보면 사사로운 일들로 끊임없이 갈등하게 된다. 선과 악, 사랑과 증오, 쾌락과 고통, 분노와 절망, 집착과 무관심 등 서로 대립되는 감정들에 휘말려서 괴로워한다. 중도란 이러한 갈등에서 벗어나 평상심을 되찾고자 하는 마음이며 나는 그러한 것들을 그림으로 표현한다." -화가와의 인터뷰 <아트인 컬쳐> 2000년 4월호

                          이왈종 '서귀포 생활의 중도', 장지에 아크릴릭, 34×26cm 

이 화백이 서귀포로 내려간 것은 1990년경입니다. 서울에서 미술대학 교수를 사직하고, 그림만 그리기 위해 홀로 '유배'를 갔습니다. 가장으로서 수입이 확실하고 정년이 보장된 교수직을 버리고, 수입이 불확실한 전업화가의 길을 간다는 것은 결코 쉽지 않은 일입니다. 그러나 그는 새로운 그림세계를 찾기 위해 과감한 결단을 내렸습니다.

이 화백은 '유배'의 장소로 서귀포를 택한 이유에 대해, 어느 인터뷰에서 "대학 시절 동백꽃 위에 눈 내리는 제주 풍경이 가슴속에 찍혀 버렸습니다. 하얀 눈 위로 살포시 얼굴을 내밀고 있는 동백꽃의 영롱함에 반해 버렸지요"라고 밝혔습니다.

위의 작품이 작가가 살고 있는 집을 그렸으니, 방에 보이는 남자는 서울의 가족과 전화를 하고 있는 화가의 자화상이라고 할 수 있습니다. 그리고 화가의 집에는 그들을 위해 돌함지에 물을 담아 놓았는데, 야생 꿩이 날아들어 물을 마시고 목욕을 하는 모습이 보입니다.

         이왈종 '서귀포 생활의 중도' 부분, 한지에 혼합재료, 35×50cm

이 화백은 인터뷰를 할 때 사진기자들에게 자신의 서귀포 작업실 외부 사진을 찍지 말아 줄 것을 부탁한다고 합니다. 작업실이 알려지면 사람들이 찾아오고, 그러면 작업에 방해받기 때문입니다. 그리고 그는 작업실에다 '중도관정'이라는 이름을 붙여놓고, 자신이 추구하는 '중도의 세계'에 도달하기 위해 작업에 매진합니다.

그러나 스스로 '유배'를 원했다 해도, 서울에서 학생들을 가르치고, 인사동에서 친구들과 만나 살아가는 이야기를 하면서 창작에 대한 자극도 받다가, 어느 날 혼자가 되어 그 외로움을 이기며 새로운 작품세계를 찾아간다는 것은 쉬운 일이 결코 아닙니다. 그래서 그는 처음 1년을 '형벌과 같은 생활'이라고 했습니다. 이 그림은 그때 그린 작품인데, 마음을 다스리려고 붓 가는 대로 자신의 모습을 표현했습니다.

물론 화가는 "작가는 외로워야 한다. 외로움은 작가에게 매우 유익한 것일 수 있다. 새로운 세계를 창조한다는 일이 어찌 외롭지 않고서 가능한 일인가?"라며 당시 자신의 심정을 밝혔습니다. 그러나 이 작품을 보면, 얼마나 답답했으면 집의 꼭대기에는 부처를 그려 넣고, 자신은 미친 듯이 북을 두드렸을까, 라는 생각이 듭니다.

                    이왈종 '서귀포 생활의 중도', 장지에 아크릴릭, 51×43cm 

이 화백은 서귀포에 내려와 몇 번의 변화를 거칩니다. 첫 번째 작업은 제주의 풍광을 먹만으로 표현했습니다. 이 과정은 그가 제주도의 자연과 풍토를 이해하고, 자신의 삶의 일부로 받아들이기 위함이라고 할 수 있습니다.

그 다음 작업은 탈춤을 종이부조 위에 표현하는 <생활 속의 중도> 시리즈였는데, 그리 많은 작품을 만들지는 않았습니다.

그리고 세 번째 작업이 서귀포 생활 8-9년 만에 완성한 <서귀포 생활의 중도> 시리즈인데, 그는 이 그림들을 갖고 화단과 애호가들 앞에 당당한 모습으로 나타납니다.

<서귀포 생활의 중도> 시리즈는, 장지에다 조개가루와 안료를 혼합해 바르고 다시 평평하게 긁어낸 후, 그 위에다 그림을 그려나가는 기법으로 작업을 했습니다. 화폭에는 제주도에서 흔히 볼 수 있는 수선화, 고기잡이 배, 돌하르방, 돌담, 야생 꿩, 노루 등과 사람 사는 모습을 기본 소재로 그린 후, 본격적이고도 구체적인 삶의 모습을 담았습니다.

이 화백은 평범한 삶의 중심이 집과 부부에서 시작하고 있음을 암시하는 내용을 많이 표현했는데, 위의 작품도 그 계열이라고 할 수 있습니다. 그래서 나무 속에 있는 집에서는 남편이 부인에게 혼이 나는 모습을 그려 넣었고, 골프채와 자동차가 보이는 아래 집에서는 남편이 혼나지 않는 모습을 보여줍니다. 돈 잘 벌어오는 남편의 모습과 돈 못 벌어오는 남편의 모습을 통해, 세상 돌아가는 이치를 이야기하는 작품으로 볼 수 있습니다.

                        이왈종 ‘서귀포 생활의 중’, 장지에 아크릴릭, 34×26cm 

이 작품은 이왈종 화백 특유의 해학을 잘 보여주는 작품입니다. 남편이 어디 나가고 집에 홀로 있는 아줌마가 아령으로 체력 단련을 하는 모습인데, 화가는 이 작품을 보는 사람들에게 왜 아줌마가 체력 단련을 하는지 아느냐는 짓궂은 질문을 던집니다.

물론 화가로서 웬만한 자신감이 없으면 던지기 힘든 질문입니다. 그러나 이 화백은 자신의 그림이 화가만의 그림이 되기를 원치 않기에, 그리고 자신의 그림이 부끄럽지 않다고 생각하기에, 보는 사람들을 당당하게 그림 속으로 불러들이는 것입니다.

         이왈종 ‘서귀포 생활의 중도’, 장지에 아크릴릭, 23×31cm 

이 그림은 몇 년 전 많은 언론들의 문화면에 소개된 작품입니다. 그런데 작품 사진이 소개된 게 아니라, 이 작품에 얽힌 경매 일화가 실렸습니다.

우리나라에서는 그림 값을 산출할 때, 1호 크기에 얼마고 이 작품은 크기가 몇 호이니 곱하면 얼마다, 라는 계산법을 아직도 많이 사용합니다. 따라서 위의 작품은 4호이기 때문에, 당시 이 화백의 호당 작품 값으로 계산하면 2백만원 정도였습니다.

그런데 경매장에서 두 사람이 일종의 '오기 경합'을 벌여, 중간에 경매사가 시중가에 비해 경매가가 너무 올라가고 있음을 계속 알려주는 진풍경이 벌어졌음에도 불구하고, 결국에는 7백만원에 낙찰되었습니다. 이 화백은 그림을 많이 그리지 않기 때문에, 그의 그림을 기다리는 애호가들 사이에서 벌어졌던 일화입니다.

                             이왈종 '서귀포', 종이부조에 채색, 33.7×24cm 

이 작품은 맨 위에 소개한 두 작품과 같은 계열의 작품으로, <서귀포 생활의 중도> 시리즈 이후 기법을 또 한번 새롭게 변화시키면서 매우 밝은 작품세계를 보여줍니다. 물고기와 새를 등장시켜 여전히 서귀포임을 알 수 있게 했습니다.

이 작품에서 화가는 인물들의 특징을 좀 더 구체화시켰습니다. 숲 속에서 남녀가 뒹구는 모습을 불만스러운 표정으로 바라보는 아줌마를 통해 우리나라 아줌마들의 불만을 표현했습니다. 그리고 왼쪽의 모자 쓴 아저씨를 통해서는, 시골에서는 아직도 존재하고 있는 친절한 이웃 아저씨의 모습을 보여줍니다.

이왈종 화백은 그가 제주도에까지 '유배' 와 찾았던 '중도의 세계'가 이런 평범한 소시민의 삶임을 알았고, 그래서 그는 오늘도 서귀포 '종가집 설렁탕'에서 이웃 친구들과 아침을 먹으며, 환하고 밝은 색으로 평범한 삶을 재미있게 나타낼 수 있는 그림을 구상합니다.

원문 출처:

http://www.ohmynews.com/NWS_Web/view/at_pg.aspx?CNTN_CD=A0000407544&PAGE_CD=

   미디어스케이프, 백남준의 걸음으로

Mediascape, a pas de Nam June Paik

4월 15일 ~ 7월 3일

무료전시

● 작가 : 김기철, 김신일, 백남준, 양민하, 조은지, 최승훈+박선민, Jeremy Bailey, EIKE, JODI,

            Kristin Lucas, Dan Mikesell, Marisa Olson, Yuri Suzuki, Jan Verbeek, Bill Viola

● 오프닝 : 4월 15일(금) 오후 5시

● 특별 강연: 4월 15일(금) 오후 2시

_ 자비에르 두루 특별 강연

● 오프닝 퍼포먼스 : 4월 15일(금) 오후 6시

_ 제레미 베일리의 '백남준 웹 퍼포먼스'

_ 크리스틴 루카스의 '꼬치로 하는 삐딱한 비디오 화면조정'

_ 조디의 '#스크린 오류'

● 아티스트 프레젠테이션 : 4월 16일(토) 오후 2시

_백남준 아트센터 2층 세미나실

※ 무료 셔틀버스 예약 : 031-201-8512 혹은 www.reservation@njpartcenter.kr 

<미디어스케이프, 백남준의 걸음으로>는 1990년 백남준의 도록 ‘늑대 걸음으로’에서 따온 것입니다. 이에 착안하여 <미디어스케이프, 백남준의 걸음으로>는 백남준의 미래적 사유와 이에 영향을 받은 현재의 작가들의 미디어 지형도를 백남준의 방식으로 소개하고자 합니다.

미디어스케이프란 1990년 인류학자 아르준 아파듀라이(Arjun Appadurai)가 제안한 지구화(globalization)에 대해 다섯 가지 차원의 ‘스케이프’ 중 하나로, 민족, 미디어, 기술, 자본, 이념의 전 지구적 흐름에 따라 지구화는 매우 복잡한 양상을 띤다는 것으로, 접미어 ‘스케이프’는 이러한 양상들이 가지는 유동적 공간성을 강조하고자 사용되었습니다. 그 중 ‘미디어스케이프’는 전자 미디어, 테크놀로지의 발전과 보급에 따라 아이디어와 이미지가 소통되면서 야기되는 새로운 형태의 상상과 실천이 만들어내는 세상을 지칭합니다. 이러한 ‘미디어스케이프’를 키워드로 삼아, 백남준이 미래의 미디어스케이프를 어떻게 고민하고 내다봤는지, 그리고 현재의 미디어스케이프를 살아가는 아티스트들은 이러한 백남준의 정신과 철학을 어떻게 계승하는지 살펴보고자 합니다.

참여 작가들은 과거의 백남준의 어시스턴트, 80년대 백남준의 비디오 수업을 들었던 작가들로부터 백남준에게 경의를 표하는 젊은 작가들까지 다양하며, 비디오아트와 사운드아트, 웹 퍼포먼스, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 넘나드는 인터미디어 개념의 전시를 구성합니다. 1부에서는 뉴미디어와 테크놀로지가 바꿔놓을 미래, 그 미디어스케이프에서 살아가는 우리의 인식과 존재 방식의 변화에 대한 백남준의 고민과 통찰, 그 사유의 과정을 그의 작품과 텍스트를 통해 조명해 보고자 합니다. 백남준이 1974년 록펠러 재단에 제출한 논문 <후기 산업 시대를 향한 미디어 기획 Media Planning for the Postindustrial Age>이 처음으로 한국에 공개되며, 비디오 설치작품을 통해 인터넷과 같은 미래적 비전과 비판적 통찰력이 살아있는 백남준의 비전을 제시합니다.

이번 전시의 특별 코너로 ‘TV 의자를 위한 새로운 디자인’이 기획됩니다. 백남준은 이 작품을 통해 “당신은 아는가? 언제쯤 대부분 미술관에 TV의자가 놓이게 될지를?”과 같은 질문을 던지며, 미래의 미디어 환경에 대한 질문을 던집니다. 이 아이디어를 기초로 하여 TV 소파와 모니터로 만들어진 샹들리에, 폐쇄회로를 이용한 시계 등 관련 백남준의 미디어 조각을 모아 전시하게 됩니다. 이를 통해 백남준이 자신만의 미디어스케이프를 구축함으로써 예견한 미래 사회의 미디어스케이프가 지금 21세기에 과연 얼마나 유효한가를 보여주게 됩니다.

특히 이번 전시에는 백남준이 WNET를 위해 만든 <모음곡 212 Suite 212> 시리즈가 상영됩니다. <212 모음곡>은 원래 1975년 미국의 13번 채널에서 방송이 끝난 후 방영되던 5분 정도 길이의 비디오 시리즈 30개로 구성되어 있으며, 미디어 통제 사회에 대한 비판적인 목소리가 살아있는 백남준의 개인적 뉴욕 스케치와도 같습니다. 백남준 아트센터는 가나 갤러리와 협력을 통해 이 시리즈 중 한편인 ‘패션 애브뉴Fashion Avenue’를 4월 15일부터 31일까지 서울역 앞에 대형 LED 디스플레이가 설치된 서울 스퀘어 미디어캔버스에 상영하여 현재 서울의 미디어스케이프를 변화시키게 됩니다.

백남준의 개념적 틀이 현재적 미디어스케이프를 통해 역동적으로 펼쳐지는 전시의 2부는 백남준과 플럭서스에 경의를 표하는 크리스틴 루카스Kristin Lucas의 <녹아내리기More Melting>라는 작업으로 시작합니다. 구형 CRT 모니터와 VHS 비디오테이프 모양으로 만들어진 색색의 양초가 전시 기간 내내 녹아내리며, 오프닝에는 퍼포먼스로도 선보일 예정입니다. 또한 백남준의 비디오 <과달카날 레퀴엠Guadalcanal Requiem>(1977)의 촬영을 담당한 적이 있는 빌 비올라는 이번 전시에서 초기 비디오 작업인 <정보Information>(1973)와 <마지막 천사The Last Angel>(2003, color video on plasma display)를 전시하게 됩니다. 또한 90년대 웹아트의 선구자인 네덜란드 작가 조디JODI의 작품이 한국에 첫 선을 보이게 됩니다. 또한 현재 독일에서 활동하는 얀 페르벡Jan Verbeek도 대형 비디오 작품 <눈앞의 밝은 미래 Bright Future Ahead>(2006)를 설치합니다. 이들은 뒤셀도르프에서 백남준의 비디오 수업에 참가한 경험을 자신들의 소중한 예술적 자산으로 삼고 있는 작가들입니다.

백남준의 걸음으로 현재의 미디어 풍경을 여행하는 것은 이미 지도를 손에 넣은 상태에서 이를 확인하는 것과는 다른 흥미로운 여행입니다. 관객들은 온몸으로 설치 환경을 인식하며 때로는 직접 작품에 참여하고, 의식적으로는 매체에 대한 비판적 시각을 요구받게 됩니다. 백남준의 미래에 대한 예언은 이미 다 이루어진 것이 아닙니다. 백남준이 인터넷에 대해 한 말과 작품들을 우리가 지금에야 이해하게 되듯이, 백남준의 미디어스케이프의 많은 부분은 여전히 미래의 작가들의 몫으로 남겨질 것입니다.

● 관련 기사

백남준 걸음으로, 미디어아트 길을 찾다

‘미디어스케이프…’전 내일 개막

세계적인 비디오아티스트 백남준(1932~2006)은 작곡가로 출발해 디지털 유목민의 리더가 됐다. 그는 왜 현대음악에서 현대미술로 옮겨갔을까? 삶의 분기점인 플럭서스(전위미술운동그룹)에 들어간 이유는? 일본인 아내 구보타가 플럭서스 멤버였다지만, 백남준은 왜 3년간 다른 남자와 결혼했던 ‘돌싱(이혼녀)’을 아내로 맞았을까? 이런 물음의 답을 확인할 수 있는 전시가 마련됐다. 백남준이 처음 쓰러졌던 1996년 4월9일에 “내가 왜 이리 쓰러져야 하지? 왜 나지?” 자문하며 안타까워했던 일까지 생생한 기록들도 접할 수 있는 전시다.

‘미디어스케이프, 백남준의 걸음으로’전이 15일부터 7월3일까지 용인 백남준 아트센터에서 열린다. 백남준의 비디오작품과 악보, 편지와 책 속의 글 등이 전시되고 그의 후예들인 30~40대 미디어아트 작가들의 작품도 나온다. 전시장에 공개되는 백남준의 글은 지난해 1월 백남준 아트센터가 발행한 ‘백남준-말(馬)에서 크리스토까지’에서 발췌한 것으로, 백남준 삶의 여정을 꿰뚫는 구절들이 그의 화려한 생을 설명한다.

개막일인 15일 오후 5시에는 백남준 라이브러리 개관식이 마련되고, 오후 6시 개막 퍼포먼스가 펼쳐진다. 제레미 베일리의 ‘백남준 웹 퍼포먼스’, 크리스틴 루카스의 ‘꼬치로 하는 삐딱한 비디오 화면 조정’이 관람객 앞에서 연출된다. 같은 날 오후 2시에는 프랑스의 대표적인 현대미술센터인 르 콩소르시엉(Le Consortium) 창립 디렉터 자비에르 두루(54)가 초청 강사로 나서 공공예술의 새로운 방향을 모색해온 르 콩소르시엉의 운영방향을 들려준다.

전시제목은 1990년 백남준의 도록 ‘늑대의 걸음으로’에서 따왔다. 백남준의 비디오아트가 담고 있는 작가 정신의 미래적 성찰을 위해 백남준의 작품 외에 그의 영향을 받은 작가들의 미디어 지형도를 펼치는 작업이다. 전시는 백남준의 작품들을 통해 백남준이 미래의 미디어스케이프를 어떻게 고민했는지 살펴보고, 현대의 미디어스케이프에 존재하는 작가들은 백남준의 정신을 어떤 방법론으로 계승하는지 느껴보는 자리다.

백남준의 비디오아트 ‘거북선’(1995년)

1부에선 백남준의 작품과 텍스트를 통해 뉴미디어가 바꿔놓을 미래, 인류 존재 방식의 변화에 대한 백남준의 철학이 조명된다. 특히 1974년 백남준이 록펠러재단에 제출한 논문 ‘후기 산업시대를 향한 미디어 기획’이 국내에서 최초로 공개된다. 비디오작품 ‘W3’는 인터넷에 대한 백남준의 미래적 비전과 통찰력을 담고 있다.

이번 전시의 특별코너인 ‘당신은 아는가 언제쯤 대부분 미술관에 TV의자가 놓이게 될지를?’에선 미래 환경에 대한 질문이 따라붙는다. 이 아이디어를 기초로 TV 소파와 모니터로 만들어진 샹들리에, 폐쇄회로를 이용한 시계 등 관련된 백남준 비디오 조각을 모아 전시한다.

백남준의 ‘모음곡 212’ 시리즈도 상영된다. 이 비디오 작품은 75년 미국의 13번 채널에서 방송이 끝난 후 13개 채널을 통해 다시 방영되던 5분 길이의 비디오 시리즈 30개로 구성됐다. 미디어 사회에 비판의 목소리를 던졌던 백남준의 뉴욕스케치다.

제레미 베일리의 ‘커스텀 소프트웨어 퍼포먼스’(2011년)

특히 백남준아트센터는 가나갤러리와의 협업을 통해 비디오 시리즈 중 한 편인 ‘패션애버뉴’를 15~30일 서울역 건너편 서울스퀘어 건물 전면에 설치된 미디어캔버스에서 펼친다.

2부 전시에선 우선 백남준과 플럭서스에 경의를 표하는 작가 크리스틴 루카스의 ‘녹아내리기’ 작업이 주목거리다. 구형 모니터와 VHS 비디오테이프 형태로 만들어진 색색의 양초가 전시기간 내내 녹아내린다. 백남준의 ‘과달카날 레퀴엠’(1977년)을 촬영하는 등 백남준의 카메라 보조기사였던 빌 비올라는 자신의 초기 비디오작업인 ‘Information-정보’(1973년) 등을 전시한다. 또 초기 인터넷아트 선구자이며 백남준의 비디오수업을 들었던 제자인 네덜란드의 조디와 독일 얀 페르벡도 참가한다. 무료전시다. (031)201-8512 [유인화 선임기자 l 경향신문 2011-04-14]