Franz Liszt - Piano Concerto No.1 & No.2

[이제는]

Franz Liszt - Piano Concerto No.1 & No.2

Franz Liszt - Piano Concerto No.1 & No.2 리스트 / 피아노 협주곡 1, 2번 Franz Liszt 1811∼1886 이 협주곡은 「교향적 협주곡」이라는 단서가 붙어 있으며, 표제가 주어지지 않은 교향시적 성격을 지닌 곡이다. 리스트는 이것을 1839년에 만들었으나, 후에 네 번 고쳐 썼다. 제1번 E♭장조에 비하면 평판은 높지 않지만, 그러나 내용면에서는 뛰어난 곳이 많다. 세 개로 나눈 악장을 갖지 않고, 여섯 개의 다른 형으로 구성되어 있다. 제1부 Adagio sostenuto assai, 제2부 Allegro agitato assai, 제 제3부 Allegro moderato, 제4부 Allegro deciso, 제5부 Marciale un poco meno allegro, 제6부 Allegro animato. 기본적 주제는 곡머리의 클라리넷으로 나타난다. 그러나 이에 관현악기의 아름다운 화성이 이어져 곡은 시작된다. 이 기본 주제에 부주제가 덧붙여져 서로 관련을 유지하면서 혹은 주장하고 혹은 설명을 펼치며 현란한 피아노의 기교를 나타낸 변주를 행하여, 가락을 한없이 변화시켜 리스트 독자적 세계를 표현해 간다. 그리고 마지막에 불꽃과 같은 피아노의 호화 찬란한 연주가 나타나 이 곡을 끝맺는다. 이 곡의 완성은, 바이마르에서 초연한다는 것이 결정되고 나서도 리스트가 아직 계속해서 가필했기 때문에, 악보가 출판되는 1853년까지 걸렸다. 이 초연에는 리스트가 관현악을 지휘하고, 피아노는 제자인 한스 폰 브론스알트가 맡았다. Sviatoslav Richter, piano Kirill Kondrashin, cond. London Symphony Orchestra Menahem Pressler, piano Isidore Cohen, violin Bernard Greenhouse, cello Beaux Arts Trio 리스트의 피아노 협주곡은 모두 3곡인데 생전에 1번과 2번이 발표되고 3번은 죽은 후에 발견되었다. 이 피아노 협주곡 제 1번은 종래의 협주곡과 같이 악장이 구분되어 있지 않고 4개의 악장을 1악장으로 취급한 점이 특이하다. 리스트는 제 1악장에서 3악장까지 각각 1개의 테마를 설정하고 있는데 혹자는 이것을 "테마라기 보다는 동기 혹은 베를리오즈가 사용한 고정관념 같은 것이다"라고 해석하기도 한다. 협주곡 제1번은 1838년에 초안이 잡혀 1849년에 완성되었으며, 1853년과 1856년에 수정되어 오늘에 전해지고 있다. 이 작품은 모두 네 개의 악장을 가지고 있지만, 둘째와 셋째 악장은 연결되어 쉬지 않고 연주하도록 되어 있다. 또 셋째 악장은 통상적인 겹세로줄 없이 끝나서 넷째 악장으로의 직접적인 진전감을 나타내고 있으나, 넷째 악장이 쉼표로 시작되어 마지막 두 악장 사이에 약간의 단절감을 가져오고 있다. 즉, 이 작품은 사실상 작곡자의 교향시가 가진 단악장 구조에 근접해 있다고 볼 수 있지만, 그에 비하면 표제적인 내용은 결여되어 있는 것이다. 제1악장 알레그로 마에스토소 - 제2악장 쿼시 아다지오 - 제3악장 알레그로 비바체 - 제4악장 알레그로 마르치알레 아니마토, 이 네 개의 악장들은 순환 형식으로 통일되어 있으며, 반복되는 주제는 리스트의 전 작품 중에서도 주제 변형의 측면에서 가장 풍부한 상상력이 발휘된 예에 속한다. 특히 세 번째의 스케르초 악장의 시작 부분에는 트라이앵글이 두드러지게 울려 퍼지고 있어서 ‘트라이앵글 콘체르토’라는 별명을 얻기도 했다. 이 곡은 1855년2월 바이마르에서 리스트 자신의 독주와 그의 절친한 친구였던 베를리오즈의 지휘로 초연되었다. 리스트는 19세기 최고의 기교파 피아니스트이자 당대의 가장 급진적인 작곡가였다. 그는 음악의 거의 모든 분야에 걸쳐 훌륭한 업적을 쌓았는데, 그 대표적인 예는 표제적인 내용을 바탕으로 한 ‘교향시’라는 형식을 창안하여 후대의 작곡가들에게 지대한 영향을 미친 일이다. 하지만 그가 최상의 실력을 발휘했던 분야는 역시 피아노 음악이었다. 그는 자신이 소유한 초절적인 연주 테크닉을 바탕으로, 20개의 곡으로 구성된 ‘헝가리 광시곡’을 비롯하여 표제가 붙은 다수의 독주곡들, 6개의 모음곡집, 6개의 연습곡집, 그리고 오페라 아리아·교향곡·기타 작품들을 편곡한 독주 및 연탄곡 등등 방대한 피아노 작품들을 작곡했다. 아울러 그는 피아노와 관현악을 위한 작품들도 여러 개를 썼으며, ‘피아노 협주곡’이라는 형식으로는 두 곡을 남겨놓았다. 두 곡 모두 리스트 특유의 화려한 낭만적 악상과 현란한 피아노 기교가 유감없이 발휘된 독창적이고 획기적인 걸작으로 인정받고 있다. 피아노 협주곡 1번, 2번 리스트의 피아노 협주곡은 화려하고 장엄하고 웅대하다. 제1번 협주곡의 특징은 4개의 악장을 모두 하나로 연결하여 중간 휴지부가 없는데, 리스트는 제1악장에서 3악장까지 각각 1개의 주제를 설정하고 있다. 1855년 바이마르에서 베를리오즈의 지휘 아래 리스트 자신의 피아노 연주로 초연되었으며, 이듬해 빈에서 다시 연주되었는데, 당시 평론가 한슬릭은 '트라이앵글 협주곡'이라고 혹독하게 비평한 바 있다. 그후 12년간 연주되지 않다가 오늘날에 와서 비로소 명작으로 평가받고 있다. 협주곡 제2번은 제1번에 비하면 덜 화려하지만, 형식면에서는 훨씬 독창적이다. 제1번이 지극히 화려하고 재기로 넘치는 반면, 이 제2번은 보다 서정적이며 시적이고 낭만적인 랩소디 풍의 깊이 있는 악곡이다. 하나의 악장으로 구성된 이 곡은 주로 부드러운 부분과 보다 강렬하고 진취적인 부분으로 나뉘는 여섯 개의 주요 부분이 교대되면서 전개된다. A장조로 시작되는 아다지오 소스테누토 아사이 - B플랫단조로 시작되는 알레그로 아지타토 아사이 - E장조로 시작되는 알레그로 모데라토 - D플랫장조로 시작되는 알레그로데시소 - A장조로 시작되는 마르시알 레 운 포코 메노 알레그로 - 역시 A장조로 시작되는 알레그로 아니마토. 이 여섯 개의 부분들은 주제적으로 강하게 결합되어 있고, 각 부분의 대조적인 분위기는 이 주제의 교묘한 변형에 의해 만들어지고 있다. 이것은 역시 리스트 자신이 창안한 교향시를 연상시키는 면인데, 그 수법이 제1번에서보다 훨씬 효과적이고 치밀하다. 제1번과 마찬가지로 명인적인 기교에 의한 다채로운 피아노 독주부로 가득 차 있는 이 곡은 1857년에 작곡되었으며, 그 해 1월 바이마르에서 작품을 헌정 받은 한스 폰 브론쟈르트의 독주와 리스트 자신의 지휘로 초연되었다. Piano Concerto No.1 in E flat major, S. 124 Lang Lang, piano Edward Gardner, cond. BBC Symphony Orchestra Royal Albert Hall, BBC Proms 2011 Piano Concerto No.2 in A major, S. 125 Konstantin Scherbakov, piano Christian Thielemann, cond. Orchestra of the Weimar Liszt School of Music Tamas Erdi, piano Iosif Ion Prunner, cond. George Enescu Philharmonic Orchestra The Romanian Athenaeum, Bucharest, Romania, 2011 낭만주의 시대 피아노 협주곡의 이상은 고전주의 시대 피아노 협주곡의 전통을 계승, 발전시키는 것이었다. 그러나 낭만주의 시대 초기에는 작곡가가 곧 피아니스트였던 시기였던 만큼, 당시 피아노 협주곡들은 독주자의 기량을 뽐내기 위한 장식적인 화려함이 우선했다. 베토벤 이후 1830년대에 발표된 모셀레스나 멘델스존의 피아노 협주곡은 비교적 오케스트라와 피아노 솔로의 융합을 이루고자 노력한 작품이었지만, 독주자에게 기대는 부분이 너무 많았던 것이 사실이다. 이후 낭만주의 시대의 대표적인 젊은 세 거장이 1830년대부터 새로운 형식의 피아노 협주곡을 발표하게 되는데, 이 곡들은 진정한 낭만주의 시대의 협주곡의 이상을 확립한 명곡으로 자리 잡게 된다. 그 장본인들은 쇼팽과 슈만, 그리고 리스트였다. 이 가운데 쇼팽은 피아노 파트의 새로운 서정을 뽑아내는 데에는 성공했지만, 오케스트레이션에서는 반주 기능 외에 별다른 성과를 거두지 못했다. 그러나 슈만의 경우는 대단히 성공적이었다. 1839년 한 편지에서 교향곡과 협주곡과 그랜드 소나타의 중간 단계의 작품을 만들고 싶다는 의견을 피력한 이후, 1841년에 작곡한 피아노 협주곡 Op.54는 전통적인 장르의 벽을 넘어 새로운 종류의 융합물을 이룩한 걸작으로 평가받는다. 모차르트나 베토벤 때만 해도 협주곡의 특징이었던 피아노와 관현악의 교향악적 통합이 중시되었다. 그러나 슈만 이전에 유행한 협주곡들에서는 그런 고전적 이상이 철저히 포기되었는데, 슈만은 이처럼 거장 독주자가 작품을 압도하는 것을 참을 수 없었다. 시적이고 아름다우며 내용적으로 완벽하게 통합된 새로운 형식의(환상곡풍의 양식이라고 말할 수 있는) 슈만의 피아노 협주곡이 갖고 있던 저 드높은 위상은, 리스트라는 희대의 비르투오소가 나타나면서 입지가 완전히 역전되었다. 어찌 보면 천박하게 느껴질 수도 있는 주제들이 펼쳐지며, 거장적인 동시에 형식파괴적인 리스트의 피아노 협주곡이 청중들을 단번에 매혹시켰기 때문이다. 낭만주의 시대의 황제이자 이단아 리스트는 자신의 아이디어를 모든 장르, 모든 방면으로 분출시킨 외향적인 작곡가였다. 리스트는 자신의 수많은 작품들을 출판 이전과 이후에 빈번히 개정하고 개작했다. 그렇지만 베토벤이 주요 작품들의 최종에 도달하기 위해 오랜 기간에 걸쳐 힘들여 스케치하고 다듬은 과정을 리스트에게서는 발견할 수 없다. 그럼에도 불구하고 리스트는 전 생애에 걸쳐 시대를 앞서거나 혹은 시대에 영합한 훌륭한 작품을 많이 남겼는데, 그 주요 원동력은 표현하고자 하는 욕구였다. 그의 작품들은 양적 풍부함뿐만 아니라 표현하고자 하는 불타는 욕구, 그 질적인 풍만함으로 가득 차 있었던 것이다. 슈만, 브람스의 고전주의적 접근 방식과 바그너와 그의 추종자들이 만들어낸 장대한 효과, 극적 수법이 19세기 음악사의 커다란 두 갈래 흐름이었다. 20세기에 들어서서 이 두 개의 길은 결국 막다른 골목에 다다르게 되는데 브람스적 전통은 도흐나니와 메스너와 같은 작곡가들로 이어지면서 그 흐름이 점점 사그러들었고, 바그너적 전통은 엄청나게 부풀어 오를 대로 올라 리하르트 슈트라우스와 말러에 이르러 결국 흔적도 없이 폭발해버렸던 것이다. 리스트는 바그너를 존경했고, 바그너에게 그의 딸을 내주며 사위로까지 맞았지만 결코 바그너의 음악적 양식을 따르지 않았다. 물론 브람스의 고전적 경향도 역시 거부했다. 리스트는 만년에 이르러서 급격한 스타일의 변화를 보였다. 이 두 갈래의 길 모두를 완전히 뛰어넘어 자신만의 길을 모색했던 것이다. 특히 리스트의 피아노 협주곡은 19세기를 넘어서서 20세기의 인상주의(음향의 교묘한 중첩을 통한)나 원시주의(대중적인 멜로디로부터 원초적인 힘을 이끌어내는)까지를 미리 예견한 작품이라고 해도 과언이 아니다. 리스트는 고전파의 아버지 하이든의 타계 2년 뒤에 태어나서 현대적 작곡가 알반 베르크가 태어난 뒤 1년 후에 서거했는데, 어떤 의미에서 리스트는 이들 양쪽 음악세계 사이의 공간을 연결한 교두보 역할을 한 선구자라고 말할 수 있다. 여기에 비르투오소로서 혁신적인 테크닉의 향상과 그만의 독특한 오케스트레이션 및 작곡 기법이 더해져 간혹 지루하거나 천박하게 들리기도 하지만, 분명 동시대의 음악과는 구분되는 미래지향적인 음악을 창조해냈다. 그는 이런 개척정신을 동시대 베를리오즈와 공유했고, 다음 세대에는 페루지오 부조니에게 이어졌다고 말할 수 있다. 이들 세 사람의 공통점은 당시로서는 분명 너무도 혁신적인 나머지 이질적이었지만, 오히려 자기 시대의 음악에 끼친 독특한 공헌에 대해 무한한 찬사를 받았다는 것이다. 피아노 협주곡 1번 - 선명함과 복잡합의 변증법적 조화 리스트가 작곡한 2개의 피아노 협주곡은 그 기원이 1830년대로 올라가는데, 특히 1번의 주요 주제들은 1830년대의 한 스케치북에서 발견되었다. 이후 1840년대 후반 이 작품을 개작했고, 1853년과 1856년에 또 다시 개정을 했다. 초연은 1855년 2월 17일 독일 바이마르에서 이루어졌는데 리스트가 피아노 독주를, 작곡가이자 지휘자로 활동하던 베를리오즈가 지휘를 맡았다. 이 작품은 젊은 시절로부터의 아이디어에서 기인한 만큼 완전히 성공적이라고 말하기는 힘들다. 주제들은 화려하고 독창적으로 처리되었음에도 불구하고 진솔함을 불러일으키는 특성이 많이 결여되어 있는 것이 사실이다. 내용으로부터 감동을 얻으려고 하더라도 우선 그 비르투오소적인 과시적 요소들이 너무 많이 담겨 있기 때문이다. 이러한 요소들은 고상한 품격을 저하시키기도 한다. 그러나 화려함을 강조하기 위해 원래 속도보다 두 배 정도로 빠르게 연주하는 현대 피아니스트들에 의해 품격의 단점은 강점으로 탈바꿈되기도 했다. 네 개의 악장은 이전에 작곡된 <방랑자 환상곡>을 모델삼아 휴지부 없이 계속 이어져나가며, 서정적인 느린악장의 주제는 피날레 행진곡 악장의 주제로 변형 되어간다. 흥미로운 점은 리스트가 오케스트라 독주악기들을 피아노와 결합시켜 사용한 것에 있다. 1악장에서 클라리넷 독주가 나오는 긴 구절이 그 예이다. 이는 전적으로 리스트의 전형적인 오케스트라적 접근 방식이다. 그의 목적은 언제나 선명성이었으며 바그너를 비롯한 기타 19세기 작곡가들이 집요할 정도로 추구했던 두껍고 칙칙한 텍스추어를 좋아하지 않았다. 이 대목에서 그는 ‘대규모 오케스트라를 위한 실내악’이라는 새로운 형식의 주창자로서 말러나 쇤베르크, 스트라빈스키와 같은 현대 작곡가들의 현대적 기법을 예견했다. 몇몇 총주 구절들에서만 복잡하고 무거운 관현악법을 구사했다. 사실 리스트가 이런 구절에서 간혹 지나치게 복잡하게 음표를 써넣는 경우도 있다. 금관악기 작법이 둔중하고 품위가 없는 경우도 있다. 심지어 마지막 부분에 등장하는 느닷없는 트라이앵글로 인해 당대의 평론가 한슬리크로부터 ‘트라이앵글 협주곡’이라는 비아냥도 받기도 했다. 그러나 리스트의 목적은 자신의 생각을 가능한 한 단순하게 청중에게 전달하는 것이었다. 그런 까닭에 그는 음향이 종종 빈약하고 가냘프게 들려도 개의치 않았으며, 또 안전하지만 단조롭고 빼곡한 텍스추어보다는 다양성과 색채를 얻어내는 데 훨씬 더 관심이 많았다. 슈만이나 브람스의 피아노 협주곡 악보들과 리스트의 피아노 협주곡 악보들과 비교만 해도 우리는 이러한 접근 방식의 본질적인 차이를 어렵지 않게 발견할 수 있다. 피아노 협주곡 2번 - 낭만주의자에게 드리워진 20세기의 그림자 [피아노 협주곡 2번]은 1번보다 훨씬 더 성공적인 작품이다. 이 곡은 1839년에 처음 작곡되었고 그로부터 1861년에 이르는 시기에 지속적으로 개정되었다. 초연은 1857년 역시 바이마르에서 열렸고 출판은 1863년이 되어서야 이루어졌다. 주제들은 1번 협주곡보다 훨씬 흥미로우며 발전적이다. 특히 첫 도입부 주제는 이상스러울 정도로 음향 효과가 전혀 없는 것이었다. 이와 똑같은 형태는 그 이후 전혀 등장하지 않고 언제나 아르페지오 혹은 분산코드 형태가 되거나, 아니면 어떤 식으로든 장식적인 모습으로 나온다. 이러한 처리 수법에서 리스트의 대가적인 면모가 확연하게 드러나는데, 이는 이전에는 결코 볼 수 없었던 개성적인 발전 방식이다. 느린 도입부에서 그 다음 알레그로의 전환 역시 탁월하다고 밖에 말할 수 없다. 언제 넘어갔는지 인식할 수도 없는 사이에 재빨리 빠른 템포가 펼쳐지기 때문이다. 물론 이후 펼쳐지는 군악대 리듬은 저속하긴 하지만 리스트의 최대 걸작 가운데 하나인 이 아름다운 협주곡의 명성을 떨어뜨리진 않는다. 눈에 띄는 점은 그 주제의 변용에 따른 피아노 테크닉의 변화무쌍함이다. 바그너의 라이트모티브를 연상시키는 듯 하나의 주제가 계속 다른 모습으로 펼쳐지면서, 피아노의 신답게 그 변용에 따라 그 누구도 생각지 못했던 새로운 피아노 테크닉을 선보이며 전적으로 듣는 이로 하여금 그 음향의 효과에 몰입하게끔 만든다. 이러한 최면적인 효과 덕분에 리스트는 낭만주의 음악사의 획기적인 발전을 이끌어냈다고 평가받았지만 이후 거의 맥이 끊기다시피했다. 다만 그가 피아노 협주곡 양식에서 새롭게 완성해낸 순환주제적 성격(자신의 교향시 장르에서 전형적일 정도로 사용했던)은 20세기 중반 아르놀트 쇤베르크에 의해 온전히 계승되었다. 리스트의 피아노 협주곡은 장식적인 측면에서도 전무후무한 업적으로 평가받을 만하다. 그러나 그가 사용한 장식의 의미는 쇼팽이 사용한 장식의 의미와는 전적으로 달랐다. 쇼팽에게 음악적 장식은 음악의 선율과 프레이즈를 그 신비함 속에 가두어버리려는 구심점이다. 그러나 리스트에게 있어서는 선율과 영감을 힘있게 밀어내는 원심점이다. 또한 장식적인 고음부는 리스트에게 있어서 연약하고 상처받기 쉬운 표현 구역이 아니라, 신비적인 전율과 번득임 속에서 자신만의 역동성을 발산할 수 있는 창조적인 장소였다. 이러한 측면에서 리스트는 단순히 장식적인 것만을 추구하는 2류 작곡가가 아니었다고 단언할 수 있다. 그는 실제로 과거의 거장인 팔레스트리나, 랏수스, 그레고리오 성가 등의 연구에 기초해 음악적 간결함, 의고성, 비장식성을 발전시켜 나갔는데 여기에는 항상 불안한 감성이 내재되어 있다. 그래서 그의 피아노 협주곡을 듣노라면, 느린 악장에서의 아름답고 처연한 멜로디에 배어있는 불안함이 빠른 악장의 난폭할 정도로 씩씩한 멜로디에 의해 정복되는 느낌을 받곤 한다. 그 과정에서 우리는 1인칭적인 관점에서 펼쳐지는 내면 독백으로서의 피아노 협주곡이, 제임스 조이스의 [율리시스]와 같은, 의식의 흐름으로 확장되는 점을 감지할 수 있다. 이 얼마나 현대적인 기법인가. 아니, 당시로서는 터무니없이 급진적이라고 말할 수 밖에 없을 것이다. 19세기를 박차고 20세기의 격동을 향한 창문을 제시한 프란츠 리스트. 그는 고급과 저급, 낭만과 현대, 세속과 종교를 오가는 영원한 오딧세이와 같은 존재임이 분명하다.

[john]

리스트 정말 대단하죠? 그의 머리카락을 가져보는 것이 소원이었던 그 때의 팬들의 외침이 들릴까...한 번 귀를 기울여 봅니다...ㅎㅎ

[서우(曙雨)]

아침에 잠간 맛보기만 하고 저녁에 다시 올께요 ^*^

[Kaka O]

리스트 1&2 소중히 모십니다.
선곡 고마워요