[연극 기본이론] 이미지 창조자 - 디자이너

[장철홍]

6.이미지 창조자 디자이너



디자이너는 무대 공간을 형성하고 채운다.

그들은 배우의 환경을 창조하며,연극의 세계를 관객이 잘 볼 수 있도록, 또한 재미있는 연극이 될수 있게끔 노력한다.

디자이너는 무대라는 특수한 환경 속에 있는 배우에게 관객의 주의가 집중되도록 연출가
와 협력한다.

때로는 무대화가 ( screengrapher ) 한 사람이 무대. 조명. 의상을 다 디자인하는 경우도 있으나,

무대 디자인. 의상 디자인. 조명 디자인이 서로 다른 분야의 예술이므로 우리는 이들을 각기 분리하여 살펴보기로 하지요.


━ 무대 디자이너 ━


* 배경 *


무대 디자인은 약 70 여 년 전 미국 연극계에 도입되었다.

19 세기에는 이 무대 디자이너에 해당되었던 이가 상주 ' 무대화가 '였다.

그는무대 감독을 위해 수많은 무대장치 그림을 그렸다.

그 당시의 무대 배경의 주된 기능은 시간과 공간을 나타내어 배우에게 배경을 부여하는 것이었다.


당시에는 주문이 있는 즉시 배경을 만들어낼 수 있도록 전문화가를 둔 무대 작업장이 있었다.

이러한 작업장들은 표준 배경막과 무대 소품을 판매하는 대대적인 통신판매 사업을 빈번히 수행하기도 하였다.

세기가 바뀌면서 사실주의가 연극에 도입된 후, 무대를 사실적으로 보이게 만드는 일은 좀
더 복잡해졌다.


19 세기 말의 연극은 삶이 환경. 유전. 경제. 사회 그리고 정신의 힘에 의해

설명 될수 있다고 선언한자연주의 철학에 의해 지배되었다.

이 같은 상황이었으므로, 연극은 가능한 한 조심스럽고 효과적으로 이러한 힘들을 표현해야만 했다.

( 경제적 요소를 포함한 ) 환경이 사람들의 삶을 정말로 지배한다면,

그 환경을 우리 눈에 실제로 보이는 것처럼 보여줄 필요가 있었다.

이런 무대 환경을 만들어내는 책임이 극작가와 배우로부터 디자이너에게로 옮겨갔다.

사실주의 무대가 요구하는 것은 무대를 거실처럼 ( 또는 연극행위가 실제로 일어나는 공간처럼 ) 보이도록 하는 것이다.

사실주의는 우리 시대 연극의 가장 지배적인 경향이 되어 왔다.

그러나 사실을 직접적으로 표현하는 것에 대한

반작용으로 현대 연극계에 새롭고 흥미있는 여러 움직임들이 나타나기도 했다.

이러한 새로운 사실주의적 표현은, 무대에는 무대가 아니라

어떤 사람의 실제 거실이며 ( 어두운 객석에 앉아 있는 ), 관객은 보이지 않는 제 4 의 벽 ( fourth wall )

너머에서 실제로 아무것도 안 보는 것처럼 가장한다.


새로운 연극 운동의 예언자들은 무대 위의 거실과 3 면의 벽과 천장을 갖춘

상자형 무대 ( box - set ) 역시 부자연스러운것이라고 주장하면서,

무대를 위한 특별한 종류의 연극적 사실성을 개척하려 한다.


* 디자이너의 훈련 *


60 년전의 디자이너들은 배우들처럼 레퍼터리 극장에서 훈련받았다.

무대장치에 관한 대강의 지식만을 가졌던 무대화가는 대개 그림에만 관련되어 있었고,

디자이너의 훈련은 무대 작업장에서 도제 제도로 이루어져 왔다.


예술적 조정자로서 연출가의 등장과 더불어, 가시적이고 기술적인 모든 요소에 대해 책임을 지는

협력적이고 해석적인 예술가로서 무대 디자이너의 개념이 함께 발전되었다.

1920 년대 미국의 각 대학에서는 무대. 의상. 조명 디자이너와 같은 새로운 연극 예술가들이 훈련되었다.


* 연극을 위한 디자인 *


무대 디자이너들은 무대장치를 디자인하기 위해 5 가지 기본적인 방법 중 하나를 사용한다.

어떤 디자이너들은 실제의 방이나 장소에서 시작하는데,

특정한 무대를 위해 그것들 가운데서 선택하거나 규모를 가꾸거나 혹은 고쳐 만들기도 한다.


다른 디자이너들은 배우들과 함께

연극의 가장 중요한 사건에서 출발하여 그들 주변에 플랫폼. 무대의 형상 그리고 공간을 더한다.


또 어떤 디자이너들은 연극의 분위기에서 출발하여 그 분위기를 반영한 선과 형상과 색깔을 찾는다.


다른 이들은 아이디어와 은유로서 장면을 디자인한다.


1920 년대 독일의 표현주의자들은 무대장치에 혼란스러운 정신의 악몽같은 광경을 반영하려고 하였다.


또 다른 그룹은 배우와 관객을 포함해서 전체 공간을 환경으로 조직하였다.


환경주의자들은 공연이 주어진 공간으로부터 발전하여 전적으로 주어진 공간 안에서 수행된다는 개념에서 시작하였다.

여기에는 환상이나 모방을 창조하려는 노력보다는 공연자와 관객 그리고 공간이나 대상물들이

사람. 경사로. 사다리. 플랫폼. 계단. 미로 등 있는 그대로 존재한다.


━ 의상 디자이너 ━

　
미국의 디자이너 패트리셔 지프로트 ( Patricia Zipprodt ) 는 살아가면서 예측하지 못 했던 일들이

별안간 나타나는 자동차 여행에 의상 디자인을 비유했는데,

의상 디자인의 경우엔 뜻대로 구할 수 없는 직물. 부적당한 예산. 변덕스러운 배우 등이 그렇다.

때문에 의상 디자이너는 자동차 운전수와 같이 여러가지 문제를 풀어가는 성실한 태도를 갖고 있어야 한다.


* 의상 *


의상은 인물에 대한 많은 정보와 극의 성격. 분위기. 스타일에 관한 것들을 알려준다.
또 연극의 환경에 색채와 스타일과 의미를 더하는 시각적인 신호이기도 하다.

의상은 시대. 사회계급. 경제적 상태. 직업. 나이. 지리. 기후 그리고 그날의 시간까지 입증해 준다.

의상은 다양한 인물들 간의 상대적인 중요성과 그 관계를 분명히하는데 도움을 준다.

장식. 선. 색채는 가문. 집단. 파벌. 당파의 구성원들을 함께 결속시킬수 있다.

의상의 교제는 인물 간의 관계 변화나 인물의 심리적인 변화를 가리킨다.

또 한 의상의 유사성이나 대조는 각각 동적적이거나 적대적인 관계를 보여준다.


예를 들어 , 햄릿의 검은 의상은 궁정안의 사람들이 입고 있는 밝은 빛깔과 대조를 이루며,
궁정에 대한 그의 태도 변화를 말로 하는 것보다 더 웅변적으로 대변해 준다.


* 디자인 회의 *


무대 디자이너와 의상 디자이너는 극중 인물아 살아가는 세계를 가시화하기 위해서 연출자와 함께 작업을 한다.

그들은 말 혹은 대충 그린 스케치를 가지고,

대본을 무대상의 연극적 초점으로 이끌어주는 각기 다른 접근법이나 생각들을 함께 연구한
다.

디자이너들은 연출가의 구상을 시각적으로 보완해 주며,

그렇게 함으로써 종종 연극 작품에 대한 새로운 아이디어를 연출자에게 불어넣기도 한다.


연출자와 무대 디자이너처럼 의상 디자이너도

대본을 연구하고 스토리. 분위기. 성격적 특성. 시각적 효과. 지리. 시대 그리고 계절 등이 주목하면서 일을 시작한다.

그런다음 의상 디자이너는 실제적인 질문들을 제기 할 것이다.

어떤 배우들이 선정되었는가?

얼마나 많은 의상 ( 갈아 입을 것까지 포함하여 ) 과 액세서리가 필요한가?

의상 예산은 얼마인가 ? 결투와 같은 무대 행동이 의상을 만드는데 의상을 입는데에 영향을 끼치는가 ? 등등


공연에 대한 전반적인 계획이나 구상은 디자인 회의에서 이루어진다.

의상 디자이너는 스케체. 색채판. 의상 도표. 악세사리 일람표. 직물 견본 조각 등을 갖고 회의에 참석하여,

연출자외 무대 디자이너에게 자신의 견해를 시각적으로 분명히 제시한다.

또한 의상 디자이너는 이후에 생길지도 모르는 실수와 돈이 많이들 막바지에서의 변경을 피하기 위해 치밀하게 준비해야 한다.


* 의상 제작 *


의상의 스케치와 계획이 승인이 되면.

연출자는 연습에 몰두하게 되고 의상 디자이너는 의상의 구입이나 대여 및 제작에 들어간다.

디자이너는 배우들과 가봉한 옷을 입어볼 날짜를 정한다.

의상이 극장 사무실에서 제작되어야 한다면 ( 대개 대학 공연의 경우가 그렇듯이 )

의상 디자이너는 실제로 배우의 치수를 재고 옷감을 고르고

재단하는 등의 과정을 거쳐 의상을 제작하고, 액세사리를 만들거나 구입한다.

배우들에게 옷이 제대로 맞는가를 몇 차례 확인을 해 본 후, 의상이 어울리는지를 검토해 보기 위한

' 의상 사열식 '( dress parade ) 을 총연습 이전에 실시한다.


* 총연습 *


의상 사열식과 총연습( 예정된 무대장치와 조명을 완비한 채 의상, 가면, 분장을 완전히 갖추고서 하는 연습 )은

개막 1 주일 전 쯤에 실시한다.

이때 의상이 부적당하거나 또는 색상이 조명이나 무대 배명과 어울리지 않는다는 사실이 발견되기도 하는데 이런 경우,

디자이너는 새 옷감으로 다시 디자인하여 완전히 새로운 의상을 다음 총연습이나 개막일까지 완성해야 한다.


* 의상 담당 *


총연습이나 공연 기간동안 발생하는 의상에 관한 모든 문제는 새로운 의상 담당이 맡게 된다.

의상 담당은 각 배우들이 필요로 하는 의상이나 액세서리 일람표를 작성하여

그 표를 통해서 매공연 때마다 의상과 액세서리를 제공한다.

공연이 다 끝난 후에는 공연에 사용된 모든 의상을 깨끗이 세탁하여,

모자나 가발. 구두 그리고 여러가지 장신구들과 함께 창고에 보관하거나 의상 전문점에 판다.


* 분장 *


분장은 배우의 연기를 도와주고, 의상을 완성시켜 주며, 배우를 눈에 잘 띄게 하는데 필수적이다.

대극장에서는 먼 거리와 조명 때문에 분장을 하지 않은 배우의 모습은 특색이 없고 불분명하게 보일 수가 있다.

또 분장은 의상처럼 등장 인물의 신체적인 외모

- 인격, 나이, 배경, 종족, 건강, 환경 - 를 강조함으로써 배우가 성격을 드러내는데 도움을 준다.

분장은 '순수' 분장과 '성격' 분장으로 나눌수 있다.


＊순수 분장 : 배우의 정상적인 용모를 드러내는 일과 눈에 확연히 띄게 하기 위한 채색에 주안점을 둔다.

＊성격 분장
: 나이나 태도를 드러내도록 배우의 용모를 변형시키은데, 주로 코와 눈밑의 주름살. 눈썹. 치아. 머리. 수염 등을 덧 붙여서 외모를 변화시킬 수 있다.



분장이 잘못 되면, 등장 인물의 내면 세계와 상충되는 외모를 부여함으로써 배우의 성격화를 망칠 수도 있다.

따라서 연기자는 기술로서의 분장의 기본을 알아야 하며,진짜 머리와 가발을 어떤 때에 이용해야 하는지를 알아야 한다.

환상적인 작품의 제작에서는 다른 전문가가 분장을 디자인할 수도 있으나,

대부분의 경우 특히 직업 극단에서는 배우가 직접 디자인해서 그대로 분장을 한다.


그러면 배우는 어떻게 분장을 하는가?

기본적인 분장 도구를 가지고 연습하는 데에는 대용물이 있을 수 없으므로, 배우들은 자신의 얼굴을 새롭게 발견하게 된다.

각 얼굴은 다른 방식으로 조명을 받거나 반사함에 따라 서로 달라진다.

그 다음에는 인물의 표정과 태도를 강조하게 위해 유성 페인트. 코접합제. 가발을 사용해 보아야 한다.

배우는 그 인물에 맞는 표정이나 선 그리고 음영을 가장 잘 알기 때문에. 스스로 분장을 하는 것이 좋다.


* 가면 *


초기 연극에서 가면은 여러가지 용도로 쓰였다.

가면은 등장 인물의 기본적인 이미지를 먼 거리에서도 분명히 알아 볼 수 일도록 얼굴의 특징을 확대시켰다.

그리스의 가면은 슬픔. 분노. 공포. 연민과 같은 기본적인 분위기를 표현하였다.


그러나 오늘날 우리에게 가장 중요한 것은,

가면을 쓴 배우가 쓰지 않은 배우와는 전혀 다른 존재들 무대 위에 창조한다는 점이다.

가면을 쓴 배우는 미묘한 표정의 장점을 잃을 수 있으나,

당당하고 영웅적이고 위엄이 있고 혹은 신비스러운 존재를 표현 할 수가 일다.


가면을 만드는 일은,

초 자연적인 힘이 있다고 해서 가면은 공포의 대상으로 여기던 원시문명 시대 때부터 고대 예술의 하나였다.

가면은 그리스와 로마의 연극에서, 르네상스 시기 이탈리아의

' 코메디아 델아르테 '의 연극에서 그리고 현대 연극에서도 즐겨 사용되고 있다.

가면에 대한 연구는, 20 세기의 위대한 가면 제작자인 블라디슬라프 벤다( Wladyslaw Benda ) 의 경우처럼,

평생동안 이루어지기도 한다. 가면은 예술적인 외관도 중요하지만,

편안하고 가볍고 강하고 배우의 얼굴 윤곽에 딱 맞아야 한다.


오늘날 대학 연극에서는, 의상 디자이너가 색상. 내구성. 그리고 표현력등을 고려하여 의상의 일부로서 가면을 만들기도 한다.


━조명 디자이너 ━


조명은 우리가 무엇을 어떻게 보며 어떻게 느끼는지, 심지어 어떻게 듣는지까지에도 영향을 미친다.

현대 극장에서 조명은 극적 효과를 내는 데 필수적이다.

조명은 관객의 관심의 초점을 통제호고 그들의 이해력을 높여주기 위해, 연출이 지닌 가장
강력한 도구 중의 하나이다.


* 조명 기술 *


장 로젠탈 ( Jean Rosental ) 은 조명 디자인을

" 거의 눈에 보이지 않는 공중에다가 특성을 부여하는 일 " 이라고 정의한바 있다.


조명의 규칙은 ' 가시성 '과 ' 환경 '( 주위의 분위기 )이 종합적인 연극 디자인 속에 내재되어야 한다는 것이다.

조명 디자이너가 사영할 기계 장치를 제외한 연장은 ' 형식 ' ( 조명의 패턴 형태 )과

' 색상 '( 젤라틴을 이용하거나 강도를 변화시키거나 혹은 그 둘을 다 이용해서 만드는 빛의 분위기) 그리고

' 움직임 ' ( 조명실에 있는 조광기와 배전판을 이용한 형태와 색채의 변화 ) 이다.


* 조명 구상과 '큐 ' *


완성된 조명 구상은 다음과 같은 것들을 나타낸다.


1. 사용될 조명 기구의 위치

2. 기구의 유형 와트량 젤라틴 색상판

3. 기구에 의해 조명될 전반적인 지역

4. 조명 기계 작동에 필요한 회로

5. 기타 조명의 전기 작동에 따른 세부 사항들


조명 기구의 각도와 초점을 맞추고 회로를 설치하고 나면, 디자이너는 공연에 맞춰'큐' ( cue ) 를 준비한다.

그 '큐 시트 ' ( 기계 설비와 색채를 지정한 제어판의 도표 ) 를 조명 기사에게 미리 제공하여,

다양한 강도의 조명 조절과 변화를 통해 조명 디자이너가 만족할 때까지 일련의 연습을 하기도 한다.


성공적인 조명은 그 자체에 주의를 끌지 않고도 극 전체를 보완하고 통합한다.

그것은 우리가 보는 것과 그것을 보는 방식을 통제함으로써, ' 가시성 ' 과 ' 환경 '을 통해 작품을 이해하는데 이바지한다.


* 요 약 *


극장 예술가들인 배우. 연출가. 디자이너들은 연극을 구체적인 시각적 측면에서 무대위에 창조해 낸다.

그들은 극작가와 대사와 생각을 연기. 의상. 무대장치 그리고

조명 - 대본 위에 전힌 것들의 시. 청각적인 대응물로서 - 의 분야로 바꾸어 놓는다.


그중 디자이너가 하는 일은 무대 공간을 연극의 세계로 변형시키는 것이다.

연극세계의 중심은 배우이며, 모든 훌륭한 무대 디자인은 그 공간에서의 배우의 존재를 부각시킨다.

뿐만 아니라 무대장치. 의상. 조명과 같은 디자인 분야는 관객들을 혼란시키지 않으면서

작품의 극적행위 - 사건의 진전이나 시각적 전개, 행위를 보다 풍성하게 하는것 - 에 기여해야 한다.