김용선: 투명한 본질시각을 향한 사모곡 Song of Adoration toward a True Essence

[미관彌款]

김용선의 네 번째 개인전은 존재와 표상, 이념과 본질에 대한 추구가 새로운 지평을 여는 큰 발자국이라 할 수 있다. Kim Yong-sun's fourth solo exhibition is a gigantic step in opening new horizons both in the existence and the appearance, and the idea and the essence of painting

거기에는 근본과 뿌리에 대한 갈증이 투명한 공간의 깊이로 화면을 장악하고, 회심의 미소를 짓게 하는 카타르시스 적인 소재와 표현기법에 대한 확신이 있다.

자신이 어릴 적 놀던 숲을 떠나 도시 생활을 하면서 느끼는 답답함을 숲 속에서의 청량감으로 표현하고, 보는 사람에게 역시 청량감을 엿볼 수 있게 한다는 것이 김용선이 말하는 카타르시스의 의미이다. 그러고 보면 김용선의 화업은 화가로서의 성취와 함께 폭넓은 공감대를 함께 나누고 누린다는 공리적인 목적이 있다.

민족명산 민족정기

이번 전시의 압권은 분명 금강산과 백두산이다. 장엄한 산도 산이려니와 깊고 유현한 숲의 장관이 캔버스의 크기와 상관없이 거대한 스케일로 다가온다. 지금까지 쌓아 올려서 두터워진 질감을 이번에는 뿌리까지 파고든다. 금강산과 백두산 그리고 숲의 소재는 그렇게 김용선 회화의 분수령을 장식하고 있었다.

금강산은 민족의 명산이다. 금수강산에서도 빼어난 명산이요, 중국인들도 고려 땅에 태어나서 실컷 보고 싶다願生高麗國 一見金剛山라고 영탄하게 만들었던 한국인의 자부심이었다. 김용선은 금강산을 읊었다. ‘한 걸음 한 걸음 땅 냄새를 맡으며 장탄식을 뱉어본 사람만이 금강산을 말할 수 있다’ 는 그런 영산이 금강산이었다.

그 금강예찬의 뒤에는 어릴 적 화가가 되고 싶다는 초심, 혹은 초발심을 굳혔던 시절이 있다. 초등학교 일 학년 첫 시간, 삼월 하늘에 휘날리는 태극기를 그려 선생님에게 칭찬을 받은 후 오늘까지 한번도 화가에의 꿈과 현실을 저버린 일이 없다는 김용선의 사모곡이 있다. 계룡산 숲 속에서 노닐던 절대고독의 숨막히는 드라마 속에서 그 숲을 그려야겠다고 다짐하던 마음의 숲이 있다.

그리고 금강찬가와 맞물려 겸재 정선이 그의 길을 밝혀 준다. 정선鄭敾 1676-1759은 당시 화단에서 중국의 명가화첩 혹은 개자원화보 등의 임모에서 신선산수와 도석인물을 익히고 답습하던 관행에 의문을 품는다. 그리하여 겸재는 조선의 풍경을 중국의 기법과 시각과 세계관으로 번안하는 대신 칠십 노구를 끌고 금강산을 찾는다. 그렇게 금강전도가 그려졌다.

한국적 공기원근법, 그 투명한 깊이

정선의 금강전도는 상승기류를 타고 하늘로 오르면서 본 듯한 시각으로 금강을 작은 화폭에 담았다. 그러나 이 땅의 주인이 이 땅의 명산을 그린다는 기개가 하늘을 찌르고, 수묵담채로 그렸으되 천변만화하는 금강의 본질을 꿰뚫었다. 무엇보다도 한국적인 공기원근법의 완성이라는 성취가 돋보인다. 원래 공기원근법이란 공기와 빛의 작용에 따라 생기는 멀고 가까운 곳의 농도와 색채로 물체의 거리감을 표현하는 서구적인 원근법이다.

겸재의 금강전도金剛全圖 앞에 서면 금강이 발아래 펼쳐진다. 마치 하늘에 누군가가 있어 내려다보는 시각이라 할 수 있다. 그 누구는 한국인이 우러러 모시는 하느님-하늘님-조상님일 수도 있다. 그래서 정선의 공기원근법은 경건한 느낌이 있다. 하여 한국적인 공기원근법이라 했다.

정선의 금강전도는 김용선의 금강산 그림에서 새로운 매체, 새로운 기법 그리고 새로운 시각으로 부활한다. 정선의 수묵담채는 김용선의 유화로, 동양적인 준법은 페인팅 나이프에 의한 긁기로 나타난다. 김용선은 두터운 질감의 산과 숲을 그리면서 대상과 소재를 어떻게 보느냐 고심하다가 겸재를 만났다.

그러나 김용선의 투명시각은 겸재의 투명시각과는 다르다. 정선의 금강전도가 상승기류를 타고 하늘로 올라가면서 본 부감시각이라면 김용선의 시각은 두터운 질감을 헤집고 캔버스 천까지 뚫으리라는 기개로 파고 들어가는 본질환원의 시각이다. 그런데도 성취에 있어서 두 작품은 같게 느껴진다.

본질을 향한 갈증

김용선이 본질환원의 경건한 길잡이로 삼는 또 하나의 작품인 인왕제색도仁王霽色圖는 비가 온 후에 젖은 인왕산의 바위를 그렸다. 금강전도는 금강산의 골산 즉 개골산의 모습을 담았다. 봄 금강-여름 봉래-가을 풍악 그리고 겨울 개골의 어떤 모습을 금강전도에 담았거나 간에 그것은 겨울 개골산을 닮았다.

 인왕제색도는 비에 젖어 짙은 무채색의 수묵으로 그려 그 진면목을 극대화할 수 있는 실경이 담겼다. 이 둘의 공통점은 뿌리요, 뼈요 그리고 본질이다. 주변적인 것에 사로잡혀 본질을 흐리는 관성에 대한 아쉬움 그리고 갈증을 해소할 수 있는 길, 그것이 김용선을 감동케 한 실경이자 풍경이었다.

동양의 지혜와 만물의 섭리를 꿰뚫어보는 혜안, 처세의 최고 경지로 일컬어지는 것이 노자老子 B.C. 6세기 경의 도덕경이었다. 오색영인목맹五色令人目盲이라 했다. 현란한 색은 사람의 눈을 멀게 한다는 것이다. 근본으로 돌아가서 세상을 보라는 말이다. 그리고 그 예지를 시대정신에 비추어 실질적인 지침서로 집필한 것이 홍자성洪自誠 중국 명대의 채근담採根譚이었다.

채근담에는 “꾀꼬리 울고 꽃이 만발한 산과 계곡의 농염함에 현혹되지 말고 낙엽이 떨어지고 천지가 메말라있는 모습에서 천지의 진오眞吾 즉  나의 참모습을 보라”고 했다. 김용선이 자연과 풍광에서 찾는 정신세계는 언젠가 도달해야하는 자연이니 외관의 아름다움이 아니라 정신적 지주로서의 세계일 것이다.

그렇게 작품을 바라보면 김용선이 바라보는 골산骨山과 비에 젖은 묵산墨山은 하나의 방향을 향하고 있다. 바로 천지의 진면목 다른 말로 하면 환원된 본질이다. 처음 개인전에서는 어릴 적 뛰놀던 계룡산鷄龍山의 현란한 단풍이 두터운 질감으로 그려졌다. 밑 작업의 위에 두 번 세 번 색을 입혀 나가면서 두께를 더하는 작업이었다.

두 번째와 세 번째 개인전에서는 짙은 색과 두꺼운 질감이 더욱 강조되었다. 그러면서 동양화의 수묵담채와 같은 엷은 투명함의 성취에 눈을 돌렸다. 그 속에 있는 공기를 느끼려다보니 단풍보다는 여름의 녹음綠陰이나 눈 쌓인 겨울이 많이 그려졌다.

그렇게 차츰 차츰 쇠락한 자연의 모습에서 진오眞吾를 찾아 나가다가 이번 개인전에서는 투명한 공간을 확장하는 무채색 혹은 단일색조의 화면, 그리고 단속적인 나이프 터치에 의해 파고 들어가는 화면에서 많은 잎들이 겹치는 투명한 효과를 위해 긁어나간다.

김용선은 20년 이상 나이프로 작업하고 있다. 그것은 어린 시절 동네 아이들과 함께 흙 마당에서 나뭇가지나 대못 등으로 그림을 그리는 것이 좋았던 시절부터의 습관이면서 어린 시절에 대한 향수와 동경이기도 했다.

그러나 나이프 작업이란 붓에 비교한다면 원체 형상을 만들 수 있는 우수한 기법은 아니다. 산을 보면서 산이 구성하는 전체 형상을 파악하려 해도 바위나 고목에 손과 마음과 눈이 사로잡힐 수 있다. 그렇게 파고 들어가다 보면 정작 보고자 하는 산을 놓칠 수 있다. 그림을 통해서 이미지의 박제 이상을 표현할 수 없을까, 그 아쉬움을 김용선은 마음속의 갈증이라 표현한다.

민족정기, 그 청량한 시야

그 갈증을 달래줄 수 있는 거시적인 시야 그리고 거대한 스케일을 만날 수 있는 곳 그리고 자신이 작업에서 보다 확실하게 자리매김할 수 있는 시각...그것을 찾는 과정에서 자연스럽게 다가온 것이 금강산金剛山이요 백두산白頭山이었다.

금강산은 김용선에게 한국인의 자부심, 땅 사랑과 나라사랑을 일깨워준 명산이었다. 금강산 온정각에서 시작하여 문필봉에서 비롯된 감동은 곳곳에 화가의 발길을 잡아두고, 감명이라는 이름으로 화폭에 자리잡는다.

노루 친 막대 삼년을 울거먹기로 청년 같은 열정과 감동으로 되풀이하게 될 이야기가 또 있다. 러시아의 자루비노 세관과 중국의 훈춘 세관을 거쳐 이도백하에 이르러 백두산 천지로 향하는 여정을 이야기하는 김용선의 식지 않는 감동은 일리어드 오디세이아를 읊는 호머의 열정을 연상케 된다.

얼어붙은 폭포 사이로 우레처럼 쏟아지는 장백폭포의 물줄기를 끼고 두 시간 이상 걸려 80도가 넘는 계단을 올라가서야 볼 수 있는 곳이 천지였다. 설령차라는 궤도열차를 타고 한시간 이상 덜컹거리며 천길 낭떠러지를 올라야 천문봉에 도달하게 된다.

눈만 내어놓고도 살을 에이는 추위 속에서 빼꼼이 볼 수 있었던 천지, 삼대가 덕을 쌓아야 천지를 볼 수 있다는 기적 같은 행운에 이르면 그 감동은 표정으로 그리고 그림을 통해서 전달될 것 같은 느낌을 준다.

이야기뿐이랴. 자작시로, 벽에 붙여놓은 사진으로 그리고 그림 속에 배어든 짙은 감동으로 백두산은 김용선에게 왜 백두산과 천지가 한민족의 젖줄인가, 한국인의 민족정기인가를 일깨워준다.

투명시각의 진면목

백두산이 김용선에게 일깨워준 또 하나의 감동적인 장면은 자작나무 숲이었다. 자작나무 숲이 저토록 아름다울 수 있을까 하는 찬탄에서부터 정비석鄭飛石의 ‘산정무한山情無限’에 이르기까지, 눈에 보이는 숲에서부터 평생 추구했던 마음 속의 숲의 테마가 겹쳐져 만들어진 것이 김용선의 투명시각이었다.

정비석은 ‘산정무한’에서 “비로봉 동쪽은 아낙네의 살결보다도 흰 자작나무의 수해樹海였다. 설자리를 삼가, 구중심처九重深處가 아니면 살지 않는 자작나무는 무슨 수중 공주樹中公主이던가!” 라고 썼다. 그것이 눈에 보이고 마음으로 감동하게 만드는 자작나무의 숲이었다면 김용선의 자작나무 숲은 빽빽이 들어선 나무들을 스쳐 지나가면서 나무 뒤쪽의 공간과 깊이가 투명하게 펼쳐지는 그런 숲의 모습이었다.

김용선은 굳이 현장시각을 고집하지 아니한다. 김용선에서 중요한 것은 풍경의 진면목이요 본질적인 그리고 내면적인 모습이기 때문이다. 오히려 산 전체를 보는 시각을 고수할 때 나무나 바위 등 사물의 기본적인 골격과 그것들의 얽힘을 통해서 산 속에서 살아가는 사물들의 모습이 생생하게 느껴진다고 그는 믿는다.

그래서 김용선의 스케치는 캔버스 위에 그 기골과 기개가 뼈대의 형태로 올려 진다. 보는 사람이 스케치를 보면서 물감의 두께와 왼손으로 그린 그림의 비상한 시각, 나이프로 긁은 단속선, 캔버스 천까지 파고 들어가는 의지를 그대로 느낄 수 있다는 것은 그 묘사의 정확성, 솜씨의 정치성, 그리고 마무리의 완벽성 때문이 아니다. 오히려 형상 외의 형상, 현상을 초월한 본질추구의 의지, 다른 말로 표현하자면 갈증을 읽기 때문이다. 그렇게 형상은 단순화하고 색채는 짙어지고, 인상은 강력해졌다.

김용선의 나이프 그림을 보다 확실하게 보는 사람에게 인식시키는 것이 나이프 터치로 덧칠하고 파고 들어간 금강과 백두의 풍광을 뒷받침하는 맑고 깔끔하게 밀어버린 하늘이다. 그렇게 원근과 투명한 느낌 그리고 완성도가 높아졌다.

갈증이라 했다. 하루에도 열 두 시간 자신을 화폭 앞에 잡아놓는 그림의 마력 앞에서 기꺼이 자신을 바치련다는 사모곡의 주인공, 그 뒤편에 김용선이 있다. 세상에 존재한다는 몸짓에서부터 이미지의 미혹을 벗고 풍경을 통한 투명한 본질환원의 시각을 성취하므로 써 자신의 완성을 기원하는 김용선의 작품이 세상의 평가를 기다리고 있다.

*김영재는 서울대학교 M.A, 캘리포니아 주립대학 롱 비치 대학원 M.F.A를 거쳐 동국대학교에서 고려불화의 화엄사상성 연구로 Ph.D 학위를 취득했다. 미술이야기-민화와 우리신화-고려불화 등 8권의 저서를 펴냈다. 현재 평론 및 미술비디오 제작자로 활동 중이다.

Song of Adoration toward a True Essence by the Transparent View

 *Kim Young-jai(Art Philosopher, Ph. D.)

Kim Yong-sun's fourth solo exhibition is a gigantic step in opening new horizons both in the existence and the appearance, and the idea and the essence of painting. In the paintings, he controls the pictures both ways.

First, he manages to quench his thirst of the true essence by creating a picture with transparent depth. Second, he convinces us that his paintings have the side-effect of a catharsis, cleansing both himself and the spectators.

Kim's achievement in sharing sympathy with others is utilitarian in its creation and therefore must also be in its appreciation.

Nation's Mountain, Nation's Spirit

The highlights of Kim's exhibition are the Geumgang and Baekdu Mountain in Korea. Deep and transparent forest scenes show a magnificent scale no matter what the size of the canvas may be. Creating thick pigments on the canvas with painting knife scratches is a cornerstone in Kim's painting.

Geumgang Mountain is referred to as the spiritual mountain by Koreans. It is such a revered landmark that even a Chinese poet eager to see the magnificent vistas. To Kim, Geumgang is the most sacred mountain. Kim stress that only people, who climb step by step with deep sighs of admiration, sweating heavily, deserve to utter a word.

Apart from the adoration of the Geumgang Mountain, other motives encouraged Kim to become an artist. During the first class at the elementary school, the teacher praised Kim as a talented student. Since that day, he made become an artist his life-long mission. He kept fostering his promise by painting the forest scenes in the absolute solitude, recollecting the Gyeryong forest where he spent the early years of his life.

While he strove to achieve his purpose, he saw a painting of Geumgang Mountain by Jeong-sun(1676-1759), whose pen name was Gyeom-jae, one of a great master in Korean art. Gyeom-jae was skeptical about the mannerism of the painting practice of copying ancient picture books containing fairy landscapes and Buddhist or Taoist monks. Consequently, Gyeom-jae painted real nature-Geumgang Mountain-while in his seventies. 

Korean Aerial Perspective, of Its Transparent Depth

Although a small picture, Gyeom-jae's Geumgang mountain picture summons a bird's -eye-view with grand vista, which captures the essence of the mountain. The painting also well illustrates the Korean aerial perspective, as the bird's-eye-view is actually the heavenly god's or ancestor's view.  

The Grand Geumgang Mountain transforms three ways in Kim's works; from the light color of Indian ink to oil pigment, from oriental brush to painting knife and from traditional brush strokes to scratches of painting knife or wooden rod. Moreover, Kim's perspective encompasses other forms of Gyeom-jae's achievement, but the result is seemingly the same. That is to say, Gyeom-jae made a god's-eye-view perspective from the heaven; however, Kim made an artist's-eye-view perspective from the top of the pigment mass to the surface of the canvas.

Thirst of Essence

Kim's another influence to paint the true essence was Inwangjesaekdo by Gyeom-jae, which is a painting of a rocky Inwang Mountain after the rain. If the Geumgang Mountain painting represents the ultimate appearance of the winter mountain, so the rocky Inwang Mountain after rain plays with the ultimate achromatic color: black. Together, these paintings illustrate the essence of object and color. By choosing these paintings as targets, Kim managed to keep his oath to be a painter who paints the ultimate truth of the nature.

Why are the elements, winter and the achromatic black regarded as the essence of nature? Lao-zu(circa, B.C. 6c) in his Taotechig said that the five colors, in other words florid colors, make people blind. His answer is to return to the nature. After Lao-zu, Caigentan by Hong Zi-xing(Ming Dynasty, China) admonished people not to be haunted by the florid mountain with flowers or red leaves, but rather to find the true self in the dried rocky winter mountain. 

Thus, the rocky mountain in the winter and the Indian ink rocky mountain after the rain represent Kim's desire to paint the essence. However, at his first solo exhibition, he painted the splendid autumn red leaves with thick layers of pigment. Then he focused on the transparent scenes of the winter forest and snowy winter mountain. Colors were naturally restricted, and tints were diminished to achromatic colors.

Thereafter, he found his way to the true nature in achromatic colors and transparent canvases by creating paintings with fitful multiple scratches by a painting knife. The painting knife strokes stems from nostalgia of a habit from early childhood: playing with a twig or a big nail.  

Knife strokes are not as skillful tool as a brush in creation. When Kim paints mountain scenery with a knife, he might be captivated by rocks and trees instead of the whole mountain. Kim was anxious to find an escape from painting jack luster images with dull knives. He pursued details like a thirsty person wanting to quench his thirst.

National Spirit, the Refreshing Vision

In the meantime, Kim found Geumgang and Baekdu Mountain and the birch forest provided him an opportunity to fulfill his ambition to approach true nature by creating an art world on grand scales: transparent and macro-vision.  

Geumgang Mountain was a work of pride and love of Kim’s motherland. One can find this impressive affection in every nook and cranny of the canvas, from the entrance of the mountain path, to the famous vistas.

We can expect nothing less than a never-ending story with Mountain and Baekdu Mountain. Kim's passionate story will be told over and over again from boarding through custom pass to the viewing the Cheonji caldera pond of the Baekdu Mountain.

In order to get to the Cheonji pond, one must either climb for a couple of hours up thousands of stiff stairs, or take a narrow gauge railway, the bottomless cliffs inducing terror for an hour.

However, as Koreans are willing to make the pilgrimage to the Cheonji pond, so Kim willingly continued to paint passionately with the most vivid impression and affection of the motherland.

In Baekdu Mountain, Kim was deeply impressed by the white birch forest. Jeong Bi-seok, a Korean writer once wrote about the magnificent view of the birch forest. The essay says. 'At the east side of the Biro peak in Geumgang Mountain, there spreads a white birch forest like an ocean. If the birch woods are very fussy about the location to live, then she must be a princess living in a peculiar palace.'

Painting from sketches or photos, Kim is flexible in capturing the scenes. He has not confined himself to a location painter because Kim’s most important goal is expresses true nature, fixing fundamental and internal impressions on his painting, not concerning himself with where he is painting. By looking at whole scenes of the mountain, he believes that he can catch simultaneously capture the living creatures and the inanimate compounds of the mountain.

Kim's sketches were once transferred to the canvas as a form of a skeleton structure. If the spectators feel the depth of the pigment, left-handed scratches and spectacular visions of his painting, they should be aware it is not a bi-product of accurate description, but rather the main product of an unexpected effect of the strokes. In this context, the figures are simplified, colors are intensified and impressions are deepened.

The background of Kim's landscape is mostly sleek and clean and was painted with a flat brush. In contrast to the thick and tough painting knife strokes, the blue backdrops are the surest way to achieve the perspective of a clean-cut atmosphere.

 Kim Yong-sun is heartened by the critical appreciation of his exhibition works, as he has dedicated all of his life to achieve this transparent vision of the landscape. He continues to strive to discover the true self by eliminating the delusion from his phenomenal image.

*Kim Young-jai received M.F.A., from CSU Long Beach and Ph. D., from Dongguk University. Kim published 8 books including Art Story, Minhwa(Korea Folk Painting) and Our Myth, and Koryo Buddhist Painting. Now, Kim is working as an art critic and art video producer. 

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