영화의 이해④

[장석용]

주관적 카메라(Subjective camera)

시점 쇼트 참조.

줌 렌즈, 줌 쇼트(Zoom lens, zoom shot)

하나의 연속동작으로 광각으로부터 망원 쇼트에 이르기까지(또는 그 반대) 변화시키면서 촬영할 수 있는 다양한 초점 길이를 가진 렌즈. 관객들로 하여금 한 장면 속으로 급속하게 빨려 들어가게 하거나 뛰쳐나오게 한다.

직접 영화(Direct cinema)

시네마 베리테 참조.

짚 팬(Zip pan)

스위시 팬 참조.

창작자 이론(Auteur theory)

1950년대 프랑스의 잡지 [카이에 뒤 시네마 Cahiers du Cinema]의 비평가들에 의해 보편화된 영화이론. 이 이론은 감독을 영화예술의 주 창조자로 강조하고 있다. 강력한 감독은 겉보기에는 작품이 대본 혹은 장르에 의해 진행되는 것처럼 보인다 해도 이러한 소재를 자신의 견해로 압인한다.

창조적 제작자(Creative producer)

실제 예술가적 창조자로서의 섬세함으로 영화제작을 감독하는 제작자.

초점(Focus)

영상이 선명하게 나타나는 정도. <초점 밖 out of focus>이란, 영상이 분명하게 선으로 나타나지 않고 흐릿하게 보이는 것을 말한다.

초현실주의(Surrealism)

프로이트와 마르크스의 사상, 무의식적인 요소, 불합리성, 관념의 상징적 관계를 강조하는 전위 운동. 초현실주의 영화는 먼저 프랑스에서 1924년부터 1931년까지 대부분 제작되었다. 아직도 많은 감독들의 작품 속에는 여전히 초현실주의적 요소가 남아 있긴 하지만, 펠리니와 브뉘엘과 같은 감독들은 거의 명백하게 초현실주의 감독들이다.

촬영기사(Cinematographer, 또는 director of photography, lighting cameraman)

한 쇼트의 조명 및 사진의 질에 대해 책임 지고 있는 예술가 또는 기사.

촬영대본(Shooting xscript)

영화대본을 개개의 쇼트로 구분한 것으로 때로는 기술적인 지시사항을 명기한 대본. 제작 중에 감독과 스탭들이 사용한다.

촬영비(Shooting ratio)

촬영에 사용된 필름양과 완성품에 소요된 필름양과의 비례치. 20분의 1 촬영비란, 마지막 편집에 1피트를 사용하는 데에 20피트의 촬영 필름이 소요된 것을 말한다.

추상영화(Abstract film, absolute film)

순수형식 - 예컨데 선, 모양, 색 - 이 내용을 이루고 있는 비설명적인 영화. 추상영화는 마치 순수형식만 취급하는 음악작품에 비유되기도 한다. 영화감독이 독자적으로 만드는 것이 일반적이지만, 간혹 상업적 이윤을 목적으로 제작되기도 한다.

축자적 각색(literal adaptation)

대사나 연기는 거의 원전을 유지하면서 편집, 화면구성 등과 같은 특유의 영화적 기교를 첨가한 희곡에 기초한 영화.

충실한 각색(Faithful adaptation)

다른 매체(일반적으로는 문학작품)를 기본으로 하여 원작의 진수를 포착하며, 이에 상응하는 영화적 기법을 동원하여 만든 영화.

콘티뉴이티(Continuity)

편집된 쇼트 사이의 일관성이라는 결합 원칙을 함축하고 있는 일종의 논리. 콘티뉴이티에 의한 편집은 쇼트 간의 매끄러운 전환을 강조하는데, 이 속에는 시간과 공간이 자연스럽게 함축되어 있다. 좀더 복잡한 의미에서 고전적 편집이란 한 사건의 논리적이며 심리적인 분석에 따라 쇼트를 연결하는 것이다. 급진적 몽타즈에서의 콘티뉴이티란, 시공간의 문자 그대로의 어떤 결합에 의해서라기보다는 쇼트 간의 상징적 관념의 관계에 의해 결정된다. 콘티뉴이티는 그것이 조각(쇼트들)으로 분할되기 이전에 현실세계의 시공간적 연속성을 의미하기도 한다.

크레인 쇼트(Crane shot)

거대한 기계팔이 달린 크레인이라는 특수장치로부터 찍는 쇼트. 크레인은 촬영기사, 카메라를 싣고 어느 방향으로든지 움직일 수 있다.

클로즈업, 클로즈 쇼트(Closeup, close shot)

프레임에서 여백이 없는 인물이나 사물의 상세한 장면.

키 라이트(Key-light)

쇼트의 촬영을 위한 주된 조명.

타이트 프레이밍(Tight framing)

일반적으로 클로즈 쇼트를 지칭함. 화면구성은 신중하게 균형을 잡고 조화를 이루어야 하기 때문에 연기자가 거의 움직일 수 없다.

테이크(Take)

어떤 특정한 쇼트를 다양하게 찍을 때 쓰는 용어. 수많은 테이크 중에서 하나의 쇼트만이 최종 쇼트에 상용된다.

트래킹 쇼트, 트러깅 쇼트(Tracking shot, trucking shot)

달리 쇼트 참조.

패스트 모션, 액셀러레이티드 모션(Fast motion, accelerated motion)

만약 어떤 연기자가 1초당 24프레임보다 느린 속도로 촬영되었다면, 표준 24프레임으로 투사될 때 그 동작은 정상적인 것보다 빠르게 움직일 것이며, 때로는 덜컹거리게 보이게 된다.

팩터리 시스템(Factory system)

미국의 스튜디오 시대 중 한 사람의 예술가와 그의 협력자에 의해서가 아니라 스튜디오에 의해, 생산되는 모든 영화를 위해 전문부서가 영화를 만든다는 조립라인의 원칙에 입각해 영화를 대량생산하는 것. 감독자 - 일반적으로 프로듀서 - 를 제외하고 어느 한 개인에 의해 영화의 기획부터 배급까지의 모든 과정이 좌지우지 될 수가 없다. 일반적으로 이 용어는 경멸적인 의미로 쓰인다.

팬, 패닝 쇼트(Pan, panning shot)

파노라마의 줄임말로 카메라를 수평으로 좌에서 우, 또는 우에서 좌로 움직이는 것을 말한다.

페르소나(Persona)

<마스크 mask>라는 뜻의 라틴어. 이전에 맡았던 극중 역할이 종종 실제 성격과도 부합되는 배우의 대중적 이미지. 페르소나는 성격 설정의 형태로 이용된다.

페이드(Fade)

페이드 아웃은 정상적인 밝기로부터 점차 어두워져 영상이 서서히 사라지는 것을 말한다. 페이드 인은 그 반대.

편집(Editing)

한 쇼트(필름의 스트립)와 다른 쇼트를 서로 연결하는 것. 각각의 쇼트는 서로 다른 사간과 장소에서 대상을 묘사할 수 있다. 유럽에서는 편집을 몽타즈라 부른다.

편집촬영(Cutting in the camera, editing in the camera)

필름의 낭비 없이 필요한 개개의 쇼트만을 촬영하는 것. 편집자는 적절한 곳에서 쇼트를 연결시켜 주기만 하면 된다. 히치콕 Hitchcock이 즐겨 사용한 방법.

평행편집(Parallel editing)

교차편집 참조.

표현주의(Exprsstionism)

현실세계에서 일반적으로 인식되는 시간, 공간을 왜곡시킨 영화제작 형태. 사물과 인간의 핵심적 특성을 강조하는 반면 표피적 외관은 필요 이상으로 강조하지는 않는다. 전형적인 표현주의적 기법은 편린적 fragmentary 편집, 다양한 쇼트, 극단적인 앵글과 조명효과, 왜곡 렌즈 및 특수효과의 사용 등이다.

푸티지(Footage)

촬영되어 인화된 필름의 척수.

풀 백 달리(Pull-back dolly)

프레임 밖에 있는 피사체를 프레임 안으로 끌어들이기 위해 카메라를 뒤로 이동 시키는 것.

풀 쇼트(Full shot)

프레임의 위는 머리, 아래는 발을 포함해 인물을 프레임 안에 완전히 담는 롱 쇼트의 한 형태.

프레임(frame)

화면과 극장의 어둠 사이의 경계선. 프레임은 필름 스트립으로부터 한 장의 정사진에까지 적용된다.

플레시백(Flashback)

과거를 제시하는 일련의 쇼트를 삽입, 현재시점의 단절을 나타내는 편집기법.

플래시 팬(Flash pan)

스위시 팬 참조.

플래시 포워드(Flash-forward)

미래를 제시하는 쇼트를 삽입하여 현재가 중단됨을 나타내는 편집기법.

픽실레이션(Pixillation)

<정지화 stop motion photography>라고도 불리우며 한 프레임마다 생생한 연기자의 모습을 찍어 만드는 애니메이션 기법. 이것이 24프레임의 정상속도로 투사되면 연기자는 마치 만화영화에서처럼 덜컹거리며 움직이는 것같이 보인다.

필름규격(Gauge)

밀리미터로 표시되는 필름 스트립의 폭. 규격이 클수록 영상의 질은 좋아진다. 가장 일반적인 필름 규격은 8mm, 16mm, 35mm, 70mm이다. 극장용 표준 규격은 35mm며 16mm는 대부분 대학이나 박물관에서 사용된다. 8mm는 대부분이 가정용이다. 70mm는 많은 예산을 투입하여 대작영화에서 사용된다.

필터(Filters)

카메라에 들어오는 빛의 성질을 왜곡시킴으로써 이에 상응하는 영상효과를 창출함. 유리나 플라스틱으로 제작되며 렌즈 앞에 부착됨.

하위 텍스트(Subtext)

연극이나 영화언어의 심층에 깔린 극적 함축성을 나타내기 위해 사용되는 용어. 간혹 하위 텍스트는 텍스트의 언어와 완전 별개의 생각과 감정을 다루기도 한다.

하이 앵글 쇼트(High angle shot)

높은 곳에서 피사체를 찍은 쇼트.

하이 콘트라스트(High xontrast)

거친 광선과 명암의 극적 대비를 강조하는 조명 스타일. 드릴러물과 멜로물에서 종종 사용된다.

하이 키(High-key)

그림자가 거의 눈에 띄지 않도록 조명을 밝게 해주는 스타일. 코메디, 뮤지컬, 오락물 등에서 주로 사용함.

호미지(Homage)

어떤 영화를 분석함에 있어 다른 영화나 영화감독, 영화 스타일을 직접 간접적으로 비교 제시하는 일. 영화비평에서 존경 및 애정의 찬사.

화면구성(Mise-en-scene)

주어진 공간 안에서 시각적 무게와 동작을 배열하는 것. 연극에서의 공간은 항상 프로시니엄 아치로 제한된다. 하지만 영화에서는 영상을 둘러싸는 프레임에 의해 한정된다. 영화적 화면구성은 연기의 행위범위와 그것이 촬영되는 방법, 양자를 포함한다.

가편집 rough cut

쇼트와 시퀀스를 순서대로 배열한 초기 편집판. 정확한 커팅 지점은 아직 결정되지 않은 상태이다. 가편집 이후의 단계로 편집이 완성된 것을 가리켜 '최종 편집판'이라고 부른다.

가편집은 편집자, 감독, 제작자, 작곡가에게 최종판이 어떤 모습을 갖추어야 할 것인가를 감지하게 해준다는 점에서 편집 과정 중에 중요한 국면이다.

각본 screenplay

영화 스토리를 완전하고 철저하게 전개시켜 놓은 트리트먼트. 각본에는 인물의 대사가 담겨 있어야 하고 각 시퀀스에는 연기에 대한 묘사가 포함되며 이것은 추후에 만들게 될 촬영 대본의 기초가 된다. 마스터 씬 스크립트라고도 한다.

각색 시나리오 adaptation

희곡, 소설, 짧은 이야기, 또는 전기와 같은 다른 원본에서 각색해 새롭게 쓴 영화의 시나리오. 특히 베스트셀러 소설들은 이미 가지고 있는 지명도에 의한 상업적 매력 때문에 영화 각색의 주요한 재료 공급원이 되어 왔다. 소설과 희곡의 시나리오 각색은 이야기 중심 매체들 간의 유사성과 차이점을 둘러싼 수많은 이론적 논쟁을 불러일으켰다. 각색에 관한 논의 중 다수가 영화의 시각적 본성과, 소설이 가질 수 있는 묘사적 산문과 비유법(직유와 은유) 등을 통한 표현의 차이에 초점을 맞추었다. 지그프리드 크라카우어 Siegfried Kracauer 와 조지 블루스톤 George Bluestone 을 위시한 영화 학자에게 있어, 영화화를 위해 책을 각색하는 작업은 문학적 이미지를 시각적 이미지로 번역해야 할 필요성을 의미했다. 그들은 각색이 훌륭한 영화 스토리가 되기 위해서는 필연적으로 원작과 달라야 한다고 말했다.

비록 영화의 시나리오 담당 작가들이 원고에 있는 인상적인 대사를 자주 따온다 해도, 영화 속에서의 성격화와 플롯의 핵심적인 요소들의 대다수는 비언어적 커뮤니케이션 (의상, 분장, 배우의 신체, 동작) 을 거쳐 모습을 나타낸다는 것이다. 또한 시나리오 작가는 다른 매체로부터 스토리를 빌려 오는 작업에서 종종 표현의 경제성에 얽매이게 된다. 영화의 스토리는 전통적으로 약 두 시간 남짓 길이로 귀착된 시간제한에 묶여 있다. 소설 속에서는 매우 풍요로운 세부 묘사였다 하더라도, 그것이 영화 속에서는 주의를 산만하게 하는 요소가 될 수도 있다. 시나리오 작가들은 대개 캐릭터와 플롯의 신속하고 경제적인 발전을 도모한다. 소설 속의 부차적 캐릭터와 플롯은, 영화의 성공에 필수적인 극적인 절정을 향해 치닺는 전개를 흐트러뜨리거나 방해할 수 있기 때문에 종종 영화 속에서는 최소한도로 채용된다. 같은 이유에서 소설을 각색하는 시나리오 작가들은 자주 플롯의 역동적인 부분만 취하고 그것과 직접적 연관을 맺지 못하는 요소들은 무시한다. 책 속에서는 기억할 만한 조연이었던 인물이 영화 속에서는 단지 배경의 엑스트라에 불과할 수도 있고, 소설의 작가가 시적이며 비유적으로 키워나갔던 아이디어가 스크린 위에서는 스쳐 지나가는 한 줄의 대사나 한 조각의 이미지로 왜소해질 수도 있다. 학자들은 소설이나 영화 중 어느 하나가 다른 쪽보다 바람직한 매체라는 견해를 갖지는 않는다. 탁월한 각색이 원래의 원작 소설과 전혀 딴판이면서도 질적으로 원작과 어깨를 나란히 할 수도 있다. 묘사적 성격의 대중 소설이었던 <아프리카의 여왕 The African Queen>(1951)은 각색 과정에서 상실한 것을 험프리 보가트 Humphrey Bogart 와 캐더린 헵번 Katharine Hepburn 의 잊을 수 없는 연기로 되찾았다.<대부 The Godfather>(1972)를 각색하면서 작가 마리오 푸조 Mario Puzo 와 프란시스 포드 코폴라 Francis Ford Coppola 는, 인물보다 액션을 앞세우는 관행과 불가피한 생략에도 불구하고 여태까지 서사적 영화가 이룩해 왔던 최상의 결과에 버금가는 낭만적인 작품을 이끌어 낼 수 있었다. 비록 완전하지는 않을지라도 소설에서 빌려 온 아이디어는 스크린 위에서 살아 움직이는 이미지가 되어 푸조 원작의 정수를 구현했다.

간격 편집 intercut, inter cutting

교차 편집이나 평행 전개와 거의 같은 의미로 쓰이는 용어.

동시에, 또는 다른 시점에서 발생한 줄거리상의 사건들 사이를 자유롭게 옮겨 다닐 수 있는 영화의 능력에서 도출된 편집 개념이다. 기술적으로 말해서 평행전개와 교차편집은 동시 내지는 비슷한 시간대에 일어나는 둘이상의 서사적 요소들을 전개시키는 편집구조를 가리키는 것이 정확한 쓰임이다. Edwin S.Porter의 <대 열차 강도 The Great Train Robbery>(1903)에서 강도 행위와 강도들의 질주, 민병대의 조직과 추격 장면이 여기의 예에 해당된다.

평행 전개나 교차 편집은 스토리에서 동시에 진행되는 부분을 취급한다. 간격 편집은 상호 아무런 직접적 시간상의 관련을 갖지 않으면서 개별적으로 진행하는 둘 이상의 부분을 포괄하는 편집 구조를 가리킬 때 널리 쓰이는 용어이다. D. W. Griffith 의 <인톨러런스 Intolerance>(1916)에 등장하는 네 개의 독립된 이야기들이 전개되는 방식은 간격 편집이라고 부르는 것이 보다 정확한데, 비슷한 경우로 <대부 2>(1975) 중의 비토 콜레오네(로버트 드 니로) 이야기가 있다. 코폴라는 갱스터의 위치에 오르려는 현재의 마이클(알 파치노)의 모습과 암흑가의 인물로 성장해가는 그의 아버지 콜레오네의 젊은 날을 간격 편집하고 있다. 한편 <프랑스 중위의 여자 The French Lieutenant's Woman>(1981)에서는 현대의 발전과 역사적 로맨스가 교대로 보이는 자극적 형태의 간격 편집을 구사하고 있다.

간헐 운동 intermittent movement

카메라나 영사기가 정지. 진행을 반복하는 운동. 정지하는 동안 하나의 프레임이 노출, 영사된 후 다음 프레임으로 넘어가도록 한다. 한 순간에 단 한 프레임씩만 노출, 영사되어야 하는 영화 제작 과정에서 필수적인 요소이다. 활동사진을 이루는 일련의 영상들이 영사기를 통해 쉬지 않고 움직인다면 스크린 상에서는 연속적인 흐릿함으로 나타나게 된다. 촬영이 진행되는 동안 카메라 내에서 필름이 연속적으로 돌아간다면 현상 후 필름 자체에 알아차릴 수 없는 불명료한 자국을 남길 수 있다. 각 프레임의 개별적인 노출과 영사는 잔상 효과와 결합하여 움직임의 환상을 낳는다.

간헐 촬영 stop action cinematography, stop motion

속임수 효과를 위해, 카메라를 계속 돌리지 않고 정지-작동 과정을 통해 씬이나 상황을 촬영하는 것. 상황이 계속되는 중에 카메라를 잠시 멈추었다 다시 찍게 되면 씬에 생략적인 속성을 부여하게 된다. 구름이나 자동차처럼 움직이는 사물들은 괴상한 모습으로 나아가는 것처럼 보인다. 이러한 효과는 시간 경과 촬영이라고도 불린다.또한, 간헐 촬영에서는 카메라가 멈추어 있는 동안 배우나 사물을 장면 안에 더하거나 뺀 후, 촬영을 계속할 수도 있다. 이 같은 정지-작동 과정은 필름을 영사할 때 사물이나 배우가 갑작스럽게 나타난다거나 사라지는 효과가 나오도록 한다. 간헐 촬영에 의한 시각적인 속임수는, 20세기로의 전환기에 조르주 멜리에스 Georges MAlis가 행한 마술과 판타지 영화에서 종종 사용되었다.

스스로 운동하는 것처럼 보이는 사물이나 배우들의 애니메이션은 프레임 하나 하나를 간헐 촬영함으로써 가능해진다.

갈등 conflict

영화의 이야기 구조 속에서 두 가지의 대립된 요소들이 벌이는 상호 작용으로부터 나오는 투쟁과 긴장을 가리키는 말. 다른 식으로 표현하면, 갈등은 영화의 스토리가 내포하고 있는 중심 문제로 궁극적으로 해결되어야만 한다. 관객의 관심을 사로잡는 갈등은 주인공(극중에서 동일시의 대상인 인물)과 대립하는 힘(반대 역) 사이에 일어나는 갈등이다.

감광 속도 film speed

특정한 필름의 감광 유제층이 빛에 감응하는 속도를 가리키는 용어. 미국 내에서 감광 속도는 미국 표준 협회 American Standards Association의 통제를 따르는 만큼 ASA 등급으로 측정한다. 감광 속도가 빠를수록(예, ASA 400), 다시 말해 감광 유제의 감도가 높을수록 빛의 양이 적은 곳에서의 촬영이 용이하다. 고감도 필름은 인화 상태에서 입자 형상이 나타나는 경향이 있기 때문에 감광 속도는 감광 유제를 선택해야 하는 감독에게는 중요한 고려 사항이다. 콘트라스트가 약하고 또렷하게 상이 잡히는 이미지를 얻으려면 최대한 느린 감광 속도의 필름을 택하는 것이 감독들의 첫 번째 일반 법칙이다. 그러나 현상 단계에서 입자가 거칠어 뉴스릴처럼 보이는 필름을 얻기를 바란다면 빠른 감광 속도를 선택할 수도 있다.

감광 유제 emulsion

빛에 닿으면 반응하는 금속성 은의 미세한 입자들을 입힌 필름의 표면층을 말한다. 이 입자들은 빛에 노출되는 순간 영상을 포착한다. 흑백 감광 유제를 입힌 필름은 현상 과정에서 여러 단계의 회색 음영으로 구성되는 이미지로 나타난다. 회색의 음영들은 감광 유제 입자에 포착된 색의 스펙트럼에서 반사된 빛의 질에 따라 농도가 다양해진다. 천연색 필름은 감광 유제가 빛에 반응하면 회색이 아닌 천연색 이미지가 나오도록 화학적으로 개발된 것이다. 필름 감광 유제 입자들은 부드러운 셀룰로이드 기층(필름 바탕면) 위에 발라진 투명 젤라틴에 의해 고착된다.

감독 director

영화 제작 과정에서 스토리를 솜씨 있게 구축된 매력적인 경험으로 발전시키는 데 주요한 역할을 하는 사람. 영화 스토리의 솜씨 있는 구성이란 영화 테크닉의 적절한 활용과 일관성 있는 영화스타일의 개발, 그리고 연기, 페이스, 블로킹과 같은 극적 요소들의 통제를 포함한다. 영화감독의 두 번째 기능은 작품의 의도 실현에 기여해야만 하는 여러 기술자들을 조화시키는 것이다. 감독은 대개 의상, 조명, 분장, 카메라 움직임, 로케이션, 특수 효과와 같은 중요한 고려 사항들을 논의한다. 첨삭을 비롯한 대본의 변화는 흔히 감독이 주관한다.

감독은 스토리의 영화화 작업에 있어서 어떤 장면을 넣을 것인지, 플롯과 인물의 전개가 명백한지 아닌지를 결정해야만 하는 사람이기 때문이다. 일반적으로 볼 때, 우리는 영화감독을 두 개의 광범위한 유형으로 분류할 수 있다.

① 장인 감독 the craftsman director : 영화의 대본을 가지고 스크린 위에 생명을 불어넣는 데 숙련된 기술을 갖고 있는 사람. 장인 감독은 영화 제작의 모든 측면을 속속들이 알고 있으며 극적으로나 기술적으로나 용이하게 능력을 발휘한다. 촬영 대본은 감독이 배우나 다른 스태프들과 일해 나감에 따라 밀접하게 진전된다. 장인 감독은 전문적 기술을 가지고 영화 제작을 이끌고 융화시키도록 고용된 사람이다.

② 개인 감독 the personal director : 영화 제작 과정에의 참여도가 지배적인 사람. 이러한 유형의 감독들은 대체로 영화의 아이디어를 고르고, 혼자 또는 다른 작가들과 함께 그 아이디어를 영화 시나리오로 발전시키며 결국 촬영 대본까지 만든다. 여기서 아이디어가 선택되는 경우는 감독이 그 이야기를 스크린에 옮기고자 하는 강렬한 예술적 충동을 품었을 때이다. 개인 감독은 흔히 영화의 아이디어를 내놓는 일과 발전시키는 일을 둘 다 해낸다.

갱스터 영화 gangster film

스토리, 플롯, 컨벤션이 범죄자, 특히 법의 테두리 밖에서 살아가는 은행 강도와 암흑 세계 인물들을 둘러싸고 발전하는 영화를 가리키는 분류. 서부 영화처럼 갱스터 영화는 공간적 배경과 인물을 성격화하는 면에서 자체적인 신화를 창출했다. 원형적으로 볼 때 갱스터영화는, 어두운 나이트클럽과 누추한 주택가, 그리고 질주하는 자동차로 이루어진 은밀한 범죄자들의 세계를 가지고 있는 대도시를 배경으로 한다. 금주법 시대는 미국 갱스터 영화가 즐겨 선택하는 시대적 배경인데 그 이유는 그 시대가 전설적인 암흑가의 인물들을 상기시킬 수 있는 시대라는 점에서다. 갱스터 영화에 등장하는 인물들의 전형적인 속성에는

① 출세와 성공에 대한 욕망, ② 거칠고 야비한 겉모습, ③ 거친 외면 속에 숨겨진 부드러움과 민감함에 대한 암시, 그리고 ④ 악당들은 상황의 희생물이라는 감추어진 메시지 등이 있다. <공공의 적 Public Enemy>(1931), <막다른 길 Dead End>(1937), 그리고 <더러운 얼굴의 천사들 Angels with Dirty Faces>(1938)과 같은 갱스터 영화들은 버려진 환경에서 성장하고, 나머지 생애를 그 버림받음에 대한 보상을 찾으며 보내는 인물들을 보여 준다.

또한 <작은 시이저 Little Caesar>(1930)를 비롯한 몇몇 영화에서 악당은 천성적으로 악의적이고 냉담하며 탐욕스럽다. 1940년대 후반부터 갱스터 영화는 관객들의 관심을 잃고 쇠락의 길을 걷게 된다.1967년 Arthur Penn 의 <우리에게 내일은 없다 Bonnie and Clyde>는 1930년대와 40년대에 갱스터 영화들을 특징졌던 컨벤션과 아이디어를 가지고 다시 커다란 대중적 성공을 거두었다. 프란시스 포드 코폴라의 <대부>(1972)와 1975년의 그 속편은 갱스터 장르의 울타리를 벗어나지 않았으나 구조면에서는 서사극이었다. 이 센세이셔널한 영화들이 1960년대와 70년대에 거둔 성공은 별로 관심을 끌지 못하는 많은 모방작들을 낳았다. 당시의 영화중에서 질적인 면에서 특별히 가치 있는 작품으로는 Robert Altman 의 <우리 같은 도둑 Thieves Like Us>(1974)과 John Cassavetes 의 <글로리아 Gloria>(1980) 등이 있다.

거리 영화 street film

일반적으로 1920년대와 30년대에 독일에서 제작된 영화의 한 부류를 지칭하는 용어로, 극중 액션의 대부분이 도시의 거리에서 벌어지기 때문에 붙여진 이름이다. 이러한 종류의 영화에서 독일 감독들은 극중 인물이 처해 있는 사회적 현실을 드러내기 위한 배경으로 거리를 이용했다. 전후 비엔나에서 벌어지는 불평등에 대한 연구인 G. W. Pabst 의 <활기 없는 거리 The Joyless Street>(1925)는 독일 거리 영화의 전형이다. 비엔나의 한 거리와 거기에 살고 있는 사람들의 모습은 그 시대와 함께 한 폐허와 몰락의 음울한 풍경을 보여 준다.

Bruno Rahn 의 <거리의 비극>(1929)도 독일 거리 영화의 또 하나의 예를 제공한다.

검열 censorship (미국의 경우)

영화의 검열은 세 가지의 규제를 포함한다.

① 제작 계획 중인 영화의 소재를 제한하는 것, ② 영화가 제작을 완료한 후 그 소재에 대한 대중의 접근을 차단하려는 의도로 영화 소재에 가하는 검열,

③ 검열관이 행하는 영화의 부분적 삭제나, 또는 '이의를 제기할 만한' 내용을 이유로 한 작품 자체의 금지가 그것이다.

미국에서의 법적인 검열 제도는 영화라는 새로운 매체가 탄생한 지 채 10년이 지나지 않아 시작되었다. 1922년에 이르러서는 30개 이상의 주가 계류 중인 검열 제도를 입법하게 되었다. 1930년 할리우드 영화 산업은 Will Hays의 주도 하에 자체적인 규약집을 발간하여 영화 제작에 지침이 되도록 했다. 이 규약과 '헤이스 사무소 Hays Office'라는 이름으로 부르던 실무 부서는 외부의 법적 검열과 싸우는 내부적 수단으로 마련된 것이었다. 규약은 제작상의 특수하고 보편적인 금기의 목록을 담고 있었다. 불륜, 과도한 외설, 불법적인 약물 투여, 노골적인 신성 모독, 그리고 범죄의 방법 등이 규약집에서 금지한 소재의 일부였다.

언론의 자유에 대한 첫 번째 헌법 수정안의 혜택을 받은 최초의 영화는 1952년에 판결을 받은 <기적 The Miracle Case>이었다. 1968년 미국 영화 협회 Motion Picture Association of America가 고안해 낸 등급 제도는 할리우드의 자체 규제 규약을 대체했다.

등급 제도는 관객의 연령층에 상응하는 적합성에 따라 영화를 분류하여 네 가지 범주로 구분한 것이다. G등급은 모든 관객 General audience 에게 적합하고, 후에 PG등급으로 바뀌는 M등급은 성인 관객 Mature audience 용으로, 부모의 지도가 권고되었다. R등급 Restricted 은 17세 이하의 관객에게 성인 동반을 요구한다. X등급은 18세 미만의 누구도 입장할 수 없다. 개별적인 소송을 해석할 때에는 주나 국가의 기준보다는 지역 공동체의 기준이 적용되어야 한다는 1973년의 밀러 대 캘리포니아 주 소송에 관한 대법원 판결 이후, 외설 문제에 관한 미국 내의 검열 행위가 강화되게 되었다.

곡향성 contrivance

설득력이 없어 보여 영화의 사실성을 떨어뜨리는 플롯의 장치나 서사의 요소. <마지막 웃음 The Last Laugh>(1924)의 결말에서 에밀 야닝스 Emil Jannings가 분한 늙은 도어맨은 기대하지 않았던 유산을 통해 화장실 시중꾼으로 전락한 불행으로부터 구원받는데, 이러한 것을 가리켜 곡향성이라고 부른다. <마지막 웃음>의 감독인 무르나우 F. W. Murnau 는 이와 같은 곡향성을 현실의 삶과 언제나 해피엔딩인 영화 속의 삶 사이의 차이에 대한 역설적인 주석의 의미로 삽입했다. 그러나 대부분의 곡향성은 역설적인 발언이라기보다는 플롯의 허점으로 취급되고 있다. 예컨대 외부의 공격에 처한 요새 주민들을 구하기 위해 마지막 순간에 기병대가 도착하는 것과 같은 설정의 경우이다.

공간 창조 creative geography

다른 장소에서 촬영된 쇼트의 편집이 영화 속에서 공간적 통일성을 가지도록 하는 견인 몽타쥬의 한 형태. <동쪽으로 가는 길>(1920)의 클라이맥스에서, D. W. 그리피스는 서로 분리되어 있으나 연관되어 있는 세 개의 공간에서 벌어지는 사건들을 교차 편집으로 다루어 여주인공의 극적 구출을 묘사했다. 그리피스는 강을 떠내려가는 얼음 덩어리에 매달린 릴리안 기쉬 Lillian Gish 의 쇼트를, 그녀를 찾고 있는 남자 친구의 쇼트와 그녀의 얼음덩이가 떠내려가서 곧 다다르게 될 폭포의 쇼트와 함께 사용했다. 세 번째의 폭포 장면에서 그리피스는 기존의 나이아가라 폭포 자료 필름을 이용했다. 실제로는 여배우가 폭포 근처에도 가지 않았음에도 불구하고 관객들은 공간을 연결시킨 편집 덕분에 그녀가 거기 있었다고 믿었다. 러시아의 레프 쿨레쇼프는 1920년대 초 영화 학교의 강의를 맡고 있는 동안 D. W. 그리피스의 영화를 연구하고 나서 공간 편집에 대한 일련의 실험을 행했다. 그 중 한 실험은 관객에게 다섯 개의 쇼트를 보게 한다.

① 한 남자가 우측에서 좌측으로 걸어간다, ② 한 여자가 좌측에서 우측으로 걸어간다,

③ 그들은 마주치고 악수를 한다. 그리고 남자가 손으로 가리킨다,

④ 하얀 건물이 있다, ⑤ 두 사람이 한 층의 계단을 걸어 올라간다.

이를 본 관객은 이 쇼트들을 단일한 이야기를 지닌 시퀀스로 조립해 냈다.

실제로, 남자와 여자가 걷고 있는 두 개의 분리된 쇼트는 도시의 전혀 다른 지역에서 촬영된 것이었고 하얀 건물은 미국 영화에서 따온 백악관의 모습이었다. 또 두 사람이 올랐던 계단은 도시의 또 다른 장소에 있는 교회의 계단이었다. 이 실험은 영화에서 지리적인 통일성이 실제 공간에서의 지리적 통일성과는 무관하다는 점을 밝혀 주었다. 주어진 공간적 상호 관계는 해체되고 이미지들은 결합을 통해 공간적 연속성의 환상을 자아내면서 병치된다.

공간 창조는 현대 영화 제작에서 필수불가결한 부분으로 자리 잡았다. <포세이돈 어드벤처 The Poseidon Adventure>(1972), <지진 Earthquake>(1975), <죠스 Jaws>(1975), <킹콩 King Kong>(1976)과 같은 특수 효과 영화들이 거둔 성공은 공간 창조의 효과적 이용에 크게 힘입은 것이었다. 흔한 예는 아니지만 심리학적 효과를 거둔 공간 창조의 용례는 오거스트 스트린드버그 August Strindberg 의 짤막한 연극 <강자 The Stronger>를 영화화한 작품에서 찾을 수 있다. 두 인물이 나오는 이 영화에서 여배우 비베카 린드포스 Viveca Lindfors 는 길가의 카페에서 대면하는 아내와 남편의 정부, 두 사람의 역을 연기했다. 공간 창조가 <강자>(1969)의 일인이역 연출을 가능하게 함으로써 영화의 심리적인 구조는 두 퍼스낼리티의 중첩을 암시할 수 있었다.

공상 과학 영화 science-fiction film(SF film)

과학적 판타지와 관련된 플롯을 특징으로 하는 영화의 한 장르. 줄거리는 보통 미래 시대에서 벌어지는 이야기이며, 이러한 미래 시대는 상상력으로 디자인한 세트와 기계 장치들을 현란하게 늘어놓음으로써 시각적으로 표현되며 부분적으로는 눈요깃거리가 되는 특수 효과의 도움도 받는다. 조르주 멜리에스의 <달나라 여행 A Trip to the Moon>(1902)은 원시적이나마 미래의 우주 탐사를 그린 주목할 만한 초기 공상과학 영화였다. 프리츠 랑 Fritz Lang 의 <메트로폴리스 Metropolis>(1927)는 자동으로 운영되는 미래의 도시에 관한 공상과학 영화로 이 장르를 사회적 발언의 영역으로까지 확장시킨 작품이다. <스타워즈 Star Wars>(1977)나 <제국의 역습 The Empire Strikes Back>(1980) 같은 작품은 선과 악의 대립에 관한 신화의 역할까지 하는 미래의 모험담이다.

공중 쇼트 aerial shot

비행기나 헬리콥터를 이용해 촬영한 쇼트로, 공중에서 벌어지는 액션의 시점이나 지상에서 벌어지는 광경을 새의 눈으로 보는 듯 광활한 시점을 보여 주기 위해 쓰인다. 공중 쇼트는 제임스 본드 영화처럼 진행이 빠른 액션 중심의 줄거리를 다룰 경우에 즐겨 사용된다.

공포 영화 horror film

주인공이나 주요 인물들을 위협하는 기괴하고 놀라운 사건들에 플롯의 중심을 둔 영화.

무서운 위협은 종종 초자연적 힘에서 나오며 - <엑소시스트 The Exorcist>(1974)의 악마 - 어떤 경우에는 손 쓸 수 없이 빗나간 과학 실험의 결과 - <악마의 씨 The Demon Seed>(1977)에 등장하는 탈선한 인공두뇌 '프로테우스 4'처럼 - 에 의해 빚어지기도 한다.

공포 영화의 갈등 구조는 초자연적 존재이거나 인공물인 괴물들을 순진하고 나약한 사람들과 겨루게 한다. 괴물의 내부에 있으면서 약한 이들을 위협하는 악을 물리치기 위해서는 초인적인 노력이나 초자연적 힘 - <엑소시스트>에서의 신부와 같은 -이 필요하다.

과거 장면 flashback

줄거리 상으로 영화의 주된 시간적 범위에 앞서 발생했던 사건을 다루는 씬이나 쇼트. 과거 장면들은 현재 진행 중인 플롯과 관련된 상황을 회상하려는 목적에서나, 미스터리 영화의 결말 부분에서 볼 수 있듯이 정보의 요점을 명백히 해 두려는 의도에서 스토리 진행 중에 삽입된다. 많은 영화에서 과거 장면은 과거와 현재의 장면들 사이의 교차 편집에 의해 인물을 노출시키는 주요한 플롯의 장치가 된다. <시민 케인 Citizen Kane>(1941), <레이첼, 레이첼 Rachel, Rachel>(1968), <대부 2>(1975), 그리고 <발렌티노 Valentino>(1977)와 같은 영화들은 과거 장면을 플롯과 인물을 전개시키는 수단으로 적극 활용한 대표적인 예이다.

광각 렌즈 wide-angle lens

넓은 화각을 제공하는 렌즈로, 롱 쇼트나 초점이 맞는 영역(초점 심도)이 넓어야 하는 상황일 때 널리 쓰인다. 또한 광각 렌즈는 좁은 장소를 넓게 보이게 하고 원근감을 과장되게 왜곡하며, 움직이는 피사체가 렌즈에 가까이 다가올 때 그 속도를 실제보다 빨라 보이게 하는 기능이 있다. 어안 렌즈로 불리기도 하는 초광각 렌즈는 왜곡의 정도가 더욱 심하다.

광학 사운드 트랙 optical sound track

필름의 가장자리(퍼포레이션과 프레임의 사이)에 위치한 사운드 트랙으로 음향 신호를 광학적인 사진적인 이미지로 변환해서 수록하고 있다. 영화 영사기의 익사이터 램프가 이 모듈레이션(변환 신호)을 포착해서 전기적인 전환 과정을 거치면 원음이 재생된다.

광학 인화기 optical printer

하나의 오리지널 이미지를 추가 인화하거나 둘 이상의 이미지를 합성 인화하는 데 쓰이는 기계로, 구조적으로는 카메라와 영사기로 구성된다. 광학 인화기의 영사기 부분은 이미 촬영한 영상에 빛을 투과해 그것이 카메라 부분에 설치된 생필름에 상을 맺도록 한다. 광학 인화기는 매트 쇼트, 디졸브, 페이드 등의 효과와 이미지의 크기를 늘리고 줄이는 목적을 위해 쓰이기도 한다.

교차 편집 cross cutting

영화에서 전개되고 있는 둘 이상의 사건이 교차해서 보이는 편집. 교차 편집은 동시에 발생하는 사건을 제시하거나 특정한 주제를 구성하려는 목적으로 사용될 수 있다. 알랭 레네 Alain Resnais 의 반전 영화 <밤과 안개 Night and Fog>(1955)가 던진 충격의 일부는, 집단 수용소의 뉴스릴 필름과 종전 후 10년이 지난 황폐한 수용소를 기행 영화처럼 찍은 필름을 교차 편집한 것에서 기인했다. 극영화에 쓰이거나 다른 유형의 영화에 쓰이거나 교차 편집은 편집자가 각 단위의 필름들을 앞뒤로 바꿔 가며 작업했음을 의미한다. 밀로스 포먼 Milos Forman 의 <래그타임 Ragtime>(1981)에서 몇몇 주요 인물들의 생활이 펼쳐지면서 1920년대 미국에서의 삶을 규명할 때 대규모의 교차 편집이 나타난다.

구경(口俓) aperture

렌즈의 조리개식 열림 장치. 영화의 렌즈는 감광되는 필름 표면에 닿을 빛의 양을 조절하기 위해 조리개를 열고 닫는다. 대구경은 역광 조명 상태에 필요하며, 더 많은 빛이 필름에 이르게 한다. 소구경은 적절한 노출에 걸맞은 양보다 많은 빛이 있을 때 필요하며, 필름의 감광 유제에 더 적은 빛이 가도록 한다. 구경을 여는 크기는 한 장면의 촬영에 있어서 특정한 미적 함의를 갖는다. 대구경은 한 쇼트 내에서 시야 심도를 떨어뜨리고 화면의 일부분이 흐릿해지는 현상을 낳을 수도 있다. 그러므로 구경의 개폐를 조절하는 것으로 한 쇼트 내에서 어떤 이미지는 또렷하게 초점이 맞게 하고 다른 이미지는 흐릿하게 보이도록(연초점) 만들 수 있으며, 하나의 씬 속에서 구성의 맥락에 의해 강조하고 싶은 요소를 강조할 수도 있다.

역으로, 소구경은 시야 심도를 높이고 프레임 안의 모든 요소를 뚜렷하게 부각시키는 데 쓰인다.

구도 composition

사진적인, 극적 표현을 위해 영화의 프레임 내에서 색채를 포함한 빛, 카메라 각도, 움직임, 사물과 인물의 블로킹 등을 이용하는 것. 영화의 쇼트 내에서 이상의 요소가 발휘하는 효과는 시지각의 심리적, 경험적 요인에 의존한다. 밝은 사물은 어두운 사물보다 눈길을 쉽게 끈다. 그러므로 조명은 구도상의 강조를 표현하는 수단이 된다. 무게, 부피, 움직임도 구도 내의 강조라는 차원에서 중요하다. 군중으로부터 따로 떨어져 있는 한 사람은 보통 중요한 인물로 돋보이게 된다. 비슷한 예로, 움직이는 배우는 정지해 있는 인물들로부터 관객의 주의를 끌어낸다. 영화의 기계적 본성 때문에 구도는 정체되어 있는 경우가 드물고, 구도를 통한 강조와 심리적 효과는 끊임없이 변화하는 상태에 있다. 스크린 프레임 속의 전체 공간을 고른 중량감으로 채우기 위해 배우와 사물들을 조화롭게 배치한 정면에서 본 화면을 가리켜 형식 균형이 잡혔다고 말한다. 예를 들어 임종 장면이라면 형식적인 구도는 침대 발치에서 바라본 정면 촬영으로 달성된다. 간호사와 의사를 침대 양쪽에 배치한다면, 두 사람을 한 쪽에 배치했을 때(무게가 쏠린 경우)나 카메라를 예각으로 놓았을 때보다 정연한 형식성을 갖게 될 것이다. 인물과 사물의 '균형 잡힌' 배치와 정면 촬영은 임종 장면이 '안식'의 이미지를 갖도록 한다. 형식적 구조가 조화와 안식의 감정을 장면에 부여하는 반면 기울어진 더치 앵글 쇼트는 불안감을 조성한다.

구조 영화 structural film

촬영한 대상을 지속적으로 또는 반복적으로 보여 주는 것에 중점을 두는 실험 영화의 한 유형. 하나의 광각 쇼트로 찍은 원자탄의 폭발 장면을 45분 동안 아무런 변화 없이 반복해서 보여 주는 영화 <원자탄 폭발 Atomic Explosion>(1975)은 구조 영화의 한 보기라고 할 수 있다. 폴 윙클러 Paul Winkler 의 <벽돌담 Brickwall>(1976)의 카메라는 거의 반시간 동안 벽돌담을 앞뒤로 가로지르며 움직인다. 구조 영화에서 편집은 최소한으로 통제된다. 감독은 보통 촬영 대상에 대한 구조적인 접근 방식 중의 한 가지 -줌, 팬, 클로즈업 등-를 선택하게 되고, 이 선택된 방식은 촬영 대상을 천착하는 지속적이고 고정된 수단이 되는 것이다.

어떤 경우에는, 솔라리제이션 테크닉, 틴팅, 합성 화면과 같은 현상 효과로 반복되는 이미지를 만들 때도 있다. 마이클 스노우 Michael Snow 의 <전기 파장 Wavelength>(1967)은 오로지 창문 쪽을 향한 하나의 줌 쇼트(구조적 장치)로 이루어져 있다 이 줌은 45분간 계속된다. 그동안 스노우는 색 온도, 필터, 노출 등을 조절하여 이미지를 변화시킨다.

구조주의 structuralism

영화 분석에 대한 체계적 접근 방식이라는 점에서 기호학적 비평과 긴밀한 연관을 지닌 영화 분석 이론. 그러나 구조주의는 영화 연구에 있어서 언어학적(기호학적) 접근보다는 민족지적 관심에 더 비중을 둔다. 구조주의의 원칙들은 부분적으로는 인류학자인 클로드 레비-스트로스 Claude Levi-Strauss 의 연구 성과에서 영향을 받았다. 레비-스트로스는 남아메리카 인디언의 구전 제의와 신화를 연구하여 이 같은 형태의 커뮤니케이션으로부터 이전에는 보이지 않던 패턴들을 추출해 냈다. 레비-스트로스에 따르면, 이렇게 분류된 패턴들은 인디언 부족이 갖고 있는 특정한 개념들이 어떻게 생성되었는지를 밝혀 준다는 것이다.

이와 비슷한 방식으로 구조주의 원리는 한 감독의 작품 전체에 적용되어, 검토 대상에 오른 한 예술가가 지닌 사회적,문화적 의미를 찾고 그에 대한 더 나은 이해를 도모해 왔다.

이러한 의미에서, 구조주의는 또한 작가주의 비평과도 연관되어 있다. 한편 구조주의는 위와 유사한 방법으로 특정한 장르나 개별 작품에도 적용되어 왔다.

군중 장면 mob scene

대규모의 인원이 동원된 장면.

굴상 렌즈 anamorphic lens

상당히 넓은 너비의 장면이 표준 사이즈의 프레임 영역에 들어갈 수 있도록 압축해 주는 광학 렌즈. 유사한 렌즈를 역으로 영사기에 사용하면 폭이 압축되어진 영상이 2.35 : 1의 화면 비율이나, 세로 폭 두 배 이상의 너비를 지닌 장면으로 확대된다. 8mm, 16mm, 35mm 필름의 표준 화면 비율은 1.33 : 1이다. 상이 왜곡되는 와이드 스크린 프로세스는 20세기 폭스사에 의해 1953년 영화 <성의 The Robe>에서 상업적으로 도입되었다굴상 렌즈 자체는 1927년에 앙리 크레티앙 Henri Chretien 이 발명한 것이다.

그룹 쇼트 group shot

프레임의 구도 내에 4,5명 이상의 인물을 포함하는 쇼트를 가리키는 촬영 대본 용어. '군소 쇼트'라고도 한다. 대규모의 인원일 때는 군중 장면이 된다.

극소 영화 minimal cinema

극단적 사실주의에 입각하여 영화적 표현에 접근하는 방식. 극소 영화에서 이미지와 구조는 1890년대에 뤼미에르 Lumi re 형제가 만들었던 실사 영화를 떠올리는 소박함과 직접성을 지니고 있다. 편집뿐 아니라 다양한 카메라 세트 업을 통한 인위적 간섭은 최대한 배제되어, 영화적 표현은 하나의 사건을 과학 기술로 기록하는 수준으로 절제된다. 롱테이크 촬영은, 앤디 워홀 Andy Warhol 의 <잠 Sleep>(1963-1964), <이트 Eat>(1963), <제국 Empire>(1964)에서 보듯이 극소 영화의 주요한 기법이다.

극적 구조 dramatic structure

무대극이나 영화의 전개와 해결에 있어서 줄거리를 구성해 나가는 핵심적인 관습으로 기능하는 요소들의 복합체를 뜻한다. 그 요소들이란 다음과 같다.

① 발단 exposition : 스크린 위에 서사 구조를 전개하는 과정에서 인물을 소개하고 플롯을 작동하기 시작하는 초기적 정보.

② 전개 inciting action : 대개 줄거리 초반에 발생하는 상황으로, 플롯의 운행에서 중심이 되는 갈등을 노출시킨다. 자극 요소 exciting force라고 불리기도 한다.

③ 상승 rising action : 액션이 시작된 다음에 영화의 플롯에서 발생하는 에피소드와 사건들은 줄거리의 갈등이 클라이맥스로 다가감에 따라 극적 흥미를 고조시킨다. 액션의 상승 부분에 해당하는 사건들을 가리켜 '복잡화 complication'라고 부르기도 한다.

④ 클라이맥스 climax : 영화의 줄거리 가운데 가장 흥미 있고 긴장감이 도는 대목으로 극적 연출에 전환점을 마련한다. 클라이맥스는 보통 주요 등장인물에게 커다란 위기가 닥치고 극적 갈등의 결과에 영향을 끼칠 중대한 결정이 내려질 때 발생한다.

⑤ 하강 falling action : 클라이맥스 이후에 일어나는 사건과 에피소드.

⑥ 대단원 denouement : 영화의 서사 구조에서 얽힌 플롯이 완전히 매듭을 풀기까지 모든 느슨한 결말과 미스터리, 불확실성이 해결되는 마지막 부분. 플롯 내의 어떤 분규 요소도 설명되지 않은 채 남아 있어서는 안 된다.

극적 구출 last-minute rescue

영화의 멜로드라마에 보편적으로 등장하며, 영웅의 구출이 있기까지 극적인 긴장을 조성하는 데 활발하게 이용되는 플롯 구성 및 편집 방식. 교차 편집은 희생자의 절박한 운명과 그와 동시에 진행되는 구출자의 노력을 보여 준다. 그리고 구출은 가능한 마지막 순간에 행해진다. D. W. 그리피스는 그가 만든 무성 영화의 기본 요소로서 극적 구출을 작품에 집어넣었고, 나아가 <동쪽으로 가는 길 Way Down East>(1920)과 같은 영화에서는 교차 편집 가운데 가속 편집 기법을 더해서 긴장을 강화했다. <2분간의 경고 Two-Minute Warning>(1976), <롤러코스터 Rollercoaster>(1977) 그리고 <검은 일요일 Black Sunday>(1977) 등의 1970년대 서스펜스 멜로드라마에도 극적 구출의 한 형태가 긴요한 요소로 등장한다. 이 영화들에서 적대적인 개인은 인구 밀집 지역에서 대량의 인명 피해를 노린다. 반대 세력이 이 계획을 발견하고 폭력 행위를 저지하는 데 나서고 마지막 순간에 이르러서 승리한다.

기록계 script person

삼중 촬영이나 마스터 쇼트 촬영 과정에서 액션이 반복될 때 의상, 소도구, 배우의 외모 등의 세부 사항이 어긋나지 않도록 촬영 대본을 가지고 돌보는 사람에게 붙여진 명칭. 처음에 롱 쇼트로 주로 촬영한 액션의 클로즈업과 미디엄 쇼트가 몇 시간, 혹은 며칠 후에 촬영될 수도 있기 때문에, 쇼트들 간에 일치되어야 할 세부 사항들을 주의 깊게 인지하는 것이 중요하고, 이를 책임지는 사람이 기록계이다. 콘티뉴어티를 볼 것.

기성화면 stock footage(shot)

특정한 제작을 위해 특별히 촬영된 새로운 필름과 달리, 기존의 영화 자료에서 발췌한 쇼트나 씬. 기성 화면은 보통, 외국의 풍경, 전쟁 장면, 비행 중인 항공기처럼 찍기 힘든 쇼트들의 비용 문제를 해결하기 위해 사용된다. 메이저 영화사나 자료 보관소에는 방대한 필름 라이브러리가 설치되어 중요한 역사적 사건들에 대한 다큐멘터리와 뉴스릴 필름은 물론이고,

상상할 수 있는 모든 형태의 자료 화면을 소장하고 있다. 기성 화면을 새로 찍은 필름과 함께 사용할 때는 관객이 눈치 챌 수 없도록 세심한 기술적 주의가 필요하다. 기성 화면은 종종 후면 영사나 이동 매트 쇼트에서 배경 요소로 쓰인다.

기존 조명 available light

한낮의 태양 광선이나 방안의 불빛과 같은 평상시의 광원에서 나오는 조명. 이 용어는 영화 촬영의 전체 조명과 부분 조명을 모두 가리킬 수 있다. 기존 조명이라는 말은 스튜디오 조명이나 로케이션 촬영에서의 전문적 용도를 위해 특별히 고안된 이동식 조명 기기에 의해 이루어지는 조명과의 차별성을 뜻한다. 한 장면이 기존 조명만으로 촬영되고 특수 효과로 변경되지 않을 경우, 여기서 나오는 이미지들은 사실주의적 색채를 띠게 된다.

기행 영화 travelogue

주로 오락적 목적을 위해 흥미로운 장소나 사건-흔히 해외의 이국적이고 역사적인 장소나, 세계의 다른 곳에서 벌어지는 축제를 둘러싼 현란한 행사들-을 보여 주는 다큐멘터리의 일종. 1950년대 중반까지 기행 영화는 극장용 영화 상영 프로그램의 단편 영화로 자주 볼 수 있었다.

기호학적 비평 semiological criticism

아이콘, 지표, 상징을 비롯한 해석할 수 있는 기호들로 이루어진 언어 또는 언어적 체계로 영화를 파악하는 관점. 아이콘은 대상의 사진적인 재현이고, 지표는 아이콘이 영화 속에 나타날 때, 그것의 기능적 역할을 설명하는 기호이다. 상징은 대상 자체의 고유한 의미와는 거리가 있는 의미나 개념을 설명해 주는 기호이다. 예컨대 십자가가 기독교를, 다윗의 별이 유대교를 상징하는 것이 여기 해당한다. 기호 연구를 통한 영화 분석에서, 기호학자들은 영화 속의 의사소통의 방식뿐만 아니라 특정한 의미까지도 밝혀내고자 애쓴다. 피터 월렌 Peter Wollen, 찰스 샌더스 피어스 Charles Sanders Pierce, 크리스티앙 메츠 Christian Metz 는 기호학 분석 이론의 탁월한 주창자 중 몇 사람이다. 기호학 비평은 이들이 공언한 대로 문맥의 분석에 대한 관심 때문에 극영화의 연구를 강조하는 경향이 있다.

콜라주 필름 collage film

미술의 콜라주처럼 여러 가지 구색을 갖춘 재료를 덧붙여서 이미지를 창조한 영화로, 시각적 효과와 운율의 효과를 다 같이 성취하려는 의도로 촬영된다. 실험 영화감독인 스탄 반데어비크 Stan VanDerBeek 는 자주 콜라주 필름을 만들었으며, 대표적인 작품으로 유명인의 그림, 사물의 조각, 신문 표제를 비롯한 물질적 사상 事象 을 이용해 전쟁에 대한 살아 움직이는 항의를 표현한 <브레드데스 Breathdeath>(1964)가 있다.

내레이션 narration

대사를 통해서가 아니라 직접적으로 영화 속의 정보를 해설하는 사람의 말. 내레이터는 영화 속의 인물일 수도 있고 줄거리의 액션이나 다큐멘터리를 해설하는 익명의 보이지 않는 목소리일 수도 있다. 내레이터는 <늑대의 시간 Hour of the Wolf>에서의 리브 울만 Liv Ullmann처럼 카메라를 향해 직접 이야기하거나 보이스 오버처럼 내레이션으로 말한다.

내적 리듬 internal rhythm

프레임 내에서 일어나는 배우나 사물의 움직임에 의한 리듬으로 편집이나 쇼트의 길이가 결정하는 외적 리듬과 구분된다.

네오리얼리즘 neorealism

제2차 세계대전 종전 무렵에 이탈리아에서 일어난 영화 운동. 네오리얼리즘 영화로 분류되는 영화를 만든 이탈리아 감독들은 로베르토 롯셀리니 Roberto Rosselini, 비토리오 데 시카 Vittorio de Sica, 그리고 루치노 비스콘티 Luchino Visconti 등이었다. 들의 기법과 주제는 매끈하게 만들어진 스튜디오 영화와 해피엔딩의 줄거리를 거부했다. 네오리얼리즘은 사회의식, 평범한 노동자들의 소박한 이야기, 현지 촬영을 그 특징으로 한다. 네오리얼리즘 감독들은 비전문 배우를 자주 기용했고 시각적 진실성과 주제의 신뢰도를 위해 거리와 현실적 공간 속으로 카메라를 들이댔다. 1945년부터 1952년까지의 네오리얼리즘의 전성기에 만들어진 탁월한 작품들로는 <무방비 도시 Open City>(1945), <전화의 저편 Paisan>(1946),

< 흔들리는 대지 La Terra Trema>(1948), <자전거 도둑 The Bicycle Thief>(1948) 등이 있다. 영화 스타일 으로서의 이탈리아 네오리얼리즘은 경제적 궁핍과 제2차 세계대전 말 이탈리아의 사회적 불안으로부터 생성되었다. 비토리오 데 시카는 네오리얼리즘의 탄생을 묘사하면서 전쟁 말기 조직화된 영화 산업의 부재와 "재정적 곤란이 감독들로 하여금 허구와 고안된 주제에 의존하지 않고 일상의 현실을 묘사하는 영화를 창작하도록 했다."라고 썼다.

인물을 자연스러운 배경 속에 배치하고 '일상생활' 속의 스토리를 구축하려는 네오리얼리즘 감독들의 노력 때문에 그들의 영화적 구조는 스스로를 '발견된 이야기' 또는 인생 유전 영화라고 불리우도록 했다 서사적 사건과 액션의 흐름이 우발적이고 자연스러운 나머지 감독은 단지 한 인물의 뒤를 따를 뿐이며 스토리를 만들어 냈다기보다 발견했다는 인상을 남긴다. 이탈리아 네오리얼리즘의 속성인 발견된 이야기, 인생의 흐름을 따르는 구조적 스타일은 <확대 Blow-up>(1967), <해리와 톤토 Harry and Tonto>(1975) 같은 후대의 영화에서도 찾아볼 수 있다. 보통 사람들의 개인적 투쟁이라는 이탈리아 네오리얼리즘의 주제적인 관심은 <사운더 Sounder>(1973)와 <블루 칼라 Blue Collar>(1978) 등의 작품에서 명백히 드러난다.

노출 exposure