Critique artistique du artistes critique d'art contemporain Louis Choi 2

[최관우]

Critique artistique du artistes critique d'art contemporain Louis Choi Chul-joo [2] Art contemporain Aujourd'hui ! nous avons analysé le cas de l'art contemporain par la critique d'art conceptuel et le critique d'art contemporain Louis Choi Chul-joo.

Revue d'art (Art review): Manet (1832-1883), Le d'ejeuner sur l'herbe

Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris

Le d'ejeuner sur l'herbe

Dans "L'dejeuner sur l'herbe 1863", une femme nue exprime la dualité des objets en tant que substance moderne. Baudelaire, qui a influencé les artistes modernes, a mis l'accent sur les artistes qui recherchent la beauté cachée dans la dualité de l'artiste.

Comme le pense Baudelaire, Manet (1832-1883) exprime doublement la situation à l'époque et une femme nue. Dans "L'dejeuner sur l'herbe", une prostituée de l'époque est apparue, révélant la situation réelle d'une femme nue et la dualité d'une femme nue en tant qu'éléments variables. Les racines de la double image de "Lunch on the Grass" ont été diffusées simultanément aux peintres sous une forme produite avec un thème religieux et mythique.

Il imite l'image symbolique de Raimondi dans "Le Jugement de Paris", un imitateur du "Le Jugement de Paris" de Raffaello. Là, l'image d'une prostituée s'est révélée une réalité variable par rapport à la situation contemporaine. Cela révèle la réalité des images connues du passé comme des images contemporaines.

Manet montre la représentation réelle du maniérisme social dans "L'enfant sur l'herbe". L'image en tant que réalité est présentée dans un espace de peinture aplati. Il a souligné qu'il s'agit d'une peinture reproduite et non d'une image visuelle de la réalité. Ici, l'image d'une femme nue est une image symbolique contenant la sociabilité contemporaine. En d'autres termes, il aborde le sens de la réalité et révèle l'image sociale contemporaine. Considérant cela comme une image symbolique de la réalité, Manet reproduit une peinture non réaliste comme un élément variable de l'art et l'intention de révéler l'image sociale.

Les styles de peinture des peintres de la Renaissance au milieu du XIXe siècle sont embourbés dans un maniérisme qui adhère au style à la mode. Excepté les peintres qui dessinaient des portraits de royauté et d'aristocrates, la plupart des peintres avaient besoin de vie. Les seuls tableaux qu'ils ont réalisés comme moyen de subsistance étaient ceux qui se reflétaient dans le miroir dont parlait Lacan.         

La limite de la toile est la limite d'une plage visuelle schématique, mais dans "L'dejeuner sur l'herbe" de Manet, l'expression‎ plane de la personne et le fond expose la limite de la toile au public.

Ainsi, en se concentrant sur la flatterie de la méthode de la parole de "L'enfant sur l'herbe", il a en fait exprimé le contraste d'un objet invisible comme une réalité qui est passée du maniérisme contemporain, symbole de réalité invisible, au monde réel. Il a exprimé subjectivement de son point de vue, loin de la méthode traditionnelle d'expression‎. Dans la peinture accueillante de la perspective, il a imprimé qu'il s'agissait d'une toile plate comme une autre réalité.

"Le déjeuner sur l'herbe" a été critiqué pour ne pas être adapté à la peinture à Paris, en France, centre d'art à l'époque, mais cela a poussé les premiers peintres impressionnistes à se détacher du maniérisme et à trouver des objets dans des situations quotidiennes. Le nu d'une femme qui a échoué au Salon en 1863 et qui a été exposée à l'exposition "L'exposition déchue" montre une personne réelle et contient l'image sociale de l'époque sur la toile. En examinant la méthode d'expression‎, Le nu des femmes a été omis dans le temps et n'a pas fourni de forme détaillée. 

La couleur est une couleur simplifiée, et le contraste est tracé. Il s'agissait d'une méthode différente de la méthode d'expression‎ contemporaine. Par conséquent, l'image sur la toile a été reconnue comme l'objet de l'élément de l'effet visuel réel qui a été séparé de la réalité maniériste. 

Il n'a pas utilisé l'image idéale d'une femme nue avec formalité comme matériau pour reconstruire un symbolisme fondé sur un mythe. C'est un dessin post-moderne qui rejette la description de la perspective et montre une femme monotone qui traite comme des empreintes. En conséquence, la description relationnelle de la représentation fondée sur la réalité et le mythe existant dans l'espace de perspective a disparu. 

La transformation de ces représentations symboliques en un système de signalisation réduit la bidimensionnalité plate à l'essence de la peinture. C'était une femme nue en dehors de Paris, le faisant fixer la dualité et la situation réelle entre une prostituée et un homme habillé. Par le biais d'une femme nue, une double image qui montre une femme dans la vie quotidienne et une femme dans une prostituée en même temps est présentée.

Dans "Le jeune sur l'herbe", l'image s'écarte du système visuel de perspective, c'est-à-dire du style Quatrocento. Les marges et les objets sont aussi remplis de personnages et d'arrière-plans selon son calcul imaginaire, pas réel. De cette façon, Manet a aplati l'image illusoire du tableau et s'est approché de la perception qu'il ne s'agissait que d'un tableau. Ceci est cohérent avec le processus de confirmation que l'image, le désir de l'enfant, qui est l'objet de Lacan, n'existe pas dans l'imagination.    

Dans "Le jeune sur l'herbe", les hommes déguisés et les femmes nues sont disposés horizontalement, de sorte qu'il n'y a pas de profondeur entre les personnages. Ignorant l'étape de la conversion en utilisant la couleur du personnage comme monotone, dans "Le jeune sur l'herbe", il n'y a pas d'image illusoire du sujet par la lumière, c'est-à-dire l'image d'une peinture quartrocento. La figure au premier plan n'a pas de lumière, tandis que la femme qui s'appuie sur le fond est dessinée dans un style Quattrocento. 

C'est le processus de transition du monde imaginaire au monde symbolique, et l'inexistence en tant que réalité et image, c'est-à-dire l'image reflétée dans le miroir du monde imaginaire, coexistent.

Elle reproduit la réalité contemporaine, mais elle est différente de ce que l'on voit dans les peintures contemporaines. Les images des personnages révèlent ce qu'ils disent. Ici, l'image s'identifie aux caractères, mais ne correspond pas. 

C'est métaphorique comme la structure linguistique, donc ce n'est pas la même chose que la forme d'une personne. C'est pourquoi nous voulons révéler ce qu'est la réalité en tant que réalité qui diffère par sa forme et son image. Ici, la réalité est un objet comme une autre réalité de l'objet qui n'existe pas dans l'art Quattrocento de Sandro Botticelli (1445-1510), représentant <Annonciation, 1489-1490>. C'est un objet de réalité en tant qu'être qui n'est pas une image en tant que sujet mais en tant que désir des autres. En tant que système symbolique, le nu d'une femme montre le concept de métamorphose dans lequel la réalité existe.

Ainsi, la vision du nu féminin comme concept fixe est exprimée comme une métaphore qui apparaît comme l'objet d'une autre image comme une déesse mythique. Contrairement à ce point de vue, Manet a créé un espace de réalité comme un non-affichage du dos et de l'objet de la société en révélant la réalité d'une femme nue. Il montre le symbole «une femme nue», c'est-à-dire son idée, en tant que sujet dans le sens de reproduction de l'image sociale maniériste dans la double représentation de la forme et de la réalité révélée dans la société.

En arrière-plan, la femme habillée s'exprime dans le style Quattrocento, tandis que la femme nue assise est omise dans sa forme monotone. En d'autres termes, en termes d'accident, l'apparence montre une femme nue assise par rapport à une femme habillée en arrière-plan.

En conséquence, Manet insiste sur la présence de la toile et souligne que les images privées peuvent être visualisées esthétiquement sans restriction. Il montre l'image de la réalité en tant que sujet d'artiste sous la forme d'une femme monotone assise nue exposée à la lumière. 

Tout en montrant une femme vêtue d'un tableau traditionnel en arrière-plan, les vêtements dénués de sens de peinture sont retirés du monde symbolique et transformés en image symbolique de la réalité par une femme assise nue. / Auteur Choi Chul-joo, critique d'art (artiste abstrait et doctorat en design culturel)

Critique d'art contemporain Choi Chul-joo