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发展潜力
탄탄한 저력
Solid Staying Energy
허달재 대본80818
탄탄한 저력
Solid Staying Energy
00005-문인화를 위해 가장 중요한 것은 문기라는 것인데, 문기어린 분위기가 좋습니다. 작업실 안에 오죽도 있고...문인화는 참 오래 하셨죠?
00223= 대 여섯살 때부터 서예한다고 붓을 들기 시작했습니다. 할아버지는 화가가 되지 않는다 하더라도 시(詩) 서(書)는 해야한다고 주장하셨죠. 그래서 한문 공부와 서예도 했구요. 서예가를 통해 선비적인 정신을 지닐 수 있고, 또 수양이 되잖아요. 그렇게 자연스럽게 그림으로 가게 되었죠.
-Literary painting counts literary spirit most precious. Seeing the bamboos in the studio, there seems to be full of the literary spirit. You practiced the literary painting so long, didn't you?
= I started caligraphy excercise early in my 5 or 6 years. My grandfather always stressed to practice poetry and caligraphy to everybody, and I was greatly influenced. Through caligraphy and poetry, I took the literary artist's course quite naturally to be an artist.
00222-그 할아버지인 의제 허백련 선생의 작업장이었던 춘설헌을 관리하시고, 의제미술관 관장으로 계십니다. 그리고 개인작업, 전시도 하셔야 하고.. 그 많은 일을 하시려면 힘드시겠습니다.
00534=작품제작이란 집중을 요하는 일입니다. 그림이 24시간 머리 속에 있쟎아요. 잠자면서도 생각한 것이 다음 날에 제작으로 연결되는 그런 일인데, 미술관 등 업무가 얽히니까 의식이 자꾸 끊기는 것이 힘들어요.
-You look really busy to run Chunseolheon, the studio of Hur Baek-ryeon-your grandfather also known as penname Eui-je, and also you work as the director of Eui-je museum. You must be hard to be an artist, working your personal works and exhibitions in addition to the side jobs.
=Making art works need concentration, however, the intruding of the non-artistic, social affairs cut the consistency of the consciousness is unbearable. That is the best obstacle in my work.
01118-지난번 전시를 처음 봤을 때, 정말 놀랬습니다. 그 많은 시간 동안 그렇게 집념으로 작업하시고, 숙성시킨 것이 폭발적으로 나타나신 것인데, 제가 그때 발견한 거예요.
-It was amazing to see your latest works. It seemed to be a magnificent event for me, however, I found it was none other than your accumulation of study and practice for almost all of your life.
문인화의 정체성
Identity of the literary painting
02328-사실 꺙痢 것꽵繭遮 관점에서 본다면 여러 관점이 가능합니다. 자생적으로 발생한 반도 안의 것만 우리 것이라면 문인화, 수묵화 그리고 채묵이 중국 것 아니냐 하는 관점도 있을 수 있습니다. 수묵이 중심이 된 작업을 평생 하셨는데, 우리 것이라고 생각할 수 있는 것이 어떤 것인지 말씀해주시겠습니까?
-In fact, many points are possible to discuss what is 'ours', that is, Korean identity. If we confine the ours in Korean peninsula, then literary paintings, Indian ink painting and ink on a light-colored picture might be classified as Chinese origin. What do you think the ours in Indian ink painting genre.
=반도국가라는 특성, 사계절이 분명한 환경에서 우리 것이 생겨납니다. 그렇게 한국적인 것과 중국적인 것이 차이가 있는 것입니다. 기후에 따라서 복식, 음식도 달라집니다. 그래서 우리가 중국 것, 일본 것이라고 하는 것은 나눠진 상태가 아니라 합쳐서 나에게 온 것이고, 그 중의 내가 이 전라도 지역에서 살고 할아버지 밑에서 자라고 등등의 여건에 따라서 개인적인 것이 나오는 것이 아닌가 하는 것이지요.
그렇게 보면, 중국, 일본 문화보다는 우리의 문화는 맑음이 많이 강조되지 않았나 하는 생각이 듭니다. 청자, 옛 작품 문화재를 봐도 그렇죠. 크다고 좋은 것이 아니고, 커서 위세를 부리는 것도 아니고, 다보탑을 지난 석가탑의 경지, 이런 비유가 어떨까 하는 것입니다.
=Geometrical surroundings with climate of distinct four season make Korean identity which distinguish Korean and Chinese culture and art. in addition to cloth and food. So, Chinese and Japanese came to us not separately, but altogether. Specifically, personal surroundings, like learning from my grandfather, made my identity. In that sense, Korean culture emphasis on the lucidness. Not a magnificent scale, but an elegant and refined Dabo-tab, what is more, Sukka-tab towers in Bulkuksa temple.
정중동의 기운생동
Vividness of Vitality in a movement from tranquility
-우리나라의 많은 문인화가들이 그런 전통적인 배경이 없이 임모(臨模) 몇 점 하면 이것이 한국의 문인화려니 하는 경향이 있습니다. 선생님이 평생을 그림을 그리면서 문인화는 어떤 것이다 라고 말씀해주실 수 있습니까?
-Most of the literary artists of Korea pretend they mastered the literary painting after college graduation with no life-long practice. Could you tell what is the literary painting as a legitimate artist.
03000=결국 문인화는 선에 있는 거쟎아요? 그 작가가 어떻게 살았나 하는 것을 글로 붓으로 표현하는 것이 문인화입니다. 거기에는 정중동이 있어야하고, 기운생동이 있어야 합니다. 그 기운생동에 따라서 작가가 빨간 색이면 빨간 색이 표현되는 것이고, 노란 색이면 노란 색이 전달되는 거죠. 빨강이 옳으냐, 노랑이 그르냐는 아니예요. 이건 이것대로 좋고, 저건 저것대로 좋고 그런 것이죠. 그런데 그림을 좋아하는 사람들이 그런 교육을 받을 수 있는 기회가 자연스럽게 없어져 버리고, 구별해줄 수 있는 사람들이 없으니까 새로운 것이 나오는 것 같아요. 기운생동하지도 않고, 붓이 서지도 않았는데, 구도가 멋있다던지, 특이하다던지, 혹은 옛날에는 이런 것이 없었는데 하늘에서 떨어진 것처럼 보이면 이게 좋은 것이다 라고 하는 것 같아요. 뼈도 없고, 알맹이도 없는데 시각적인 것만 좋으면 좋아, 좋은 작가야, 또는 많이 팔리면 좋은 작가다 라고 하는 것 같아요. 그것이 시대의 변화인지, 잘못된 것인지, 착각이 되요.
=In short, literary painting values the lines most precious. Literary art can be judged by the essay and brushwork of the artist. There should be movement in the tranquility, and vividness of vitality. Two elements determine what color the artist express such as red or yellow color, however, it is hard to tell red is right, or yellow is wrong. In fact, red is good and yellow is also good in other sense. Unfortunately, people lost the chance of learning the essence, and experts lost their interest. So, the new styles pop out such as falling from the heaven with bizarre expression, even neither basic techniques nor vital forces. Sometimes, some artworks of no principles and cores praised because the artists are best sellers. It is confusing whether it is style of change or wrong direction.
03245-기운생동한다는 것은 큰 붓 가지고 운보 김기창 선생처럼 대걸래로 끌고 다니면서 그리는 그림을 기운이라 생각하는 경향이 있어요. 선생님의 경우에는 강렬한 선이라기보다는 작은 선의 미묘한 흔들림, 그리고 떨림이 기운을 형성하고 있거든요. 그건 어떤 각도에서 해석할 수 있을까요?
-People used say that the vividness of vital forces come from powerful strokes with great exaggerated action, such as dragging huge mop vigorously on the large paper on the floor. On the other hand, your vital forces come from delicate moving and quivering of the short and small brush strokes. How can it possible?
03350=기운생동을 받치는 것이 정중동입니다. 옛날에는 그림을 보는 안목이 높았기 때문에, 선비들이 시를 쓰건, 정치를 하건 거기에 시 서 화가 있었고, 그래서 그것을 이해하고 그림을 읽을 수 있었어요. 선비들이 이런 것이 좋은 것이다 하고 품격을 정하기도 했죠. 정이 없는 동은 거칠다 했고, 사람의 마음을 편하게 해주지 못할 뿐 아니라 사람을 혼동시킨다 해서 품격 밖으로 쳤어요. 그런 거친 그림이 유행한다는 것은 시대가 어지럽기 때문이랍니다. 옛 사람들의 표현을 빌리자면 작가가 자연환경에서 영향을 받듯이 시대가 어지러우면 작가들의 그림도 강해진대요.
=Vividness of vital forces is supported by movement in the tranquility. In old days, people were able to appreciate arts, scholars and even politicians understand and practiced poetry, caligraphy and painting. So, they evaluated the spirit of the artistic achievements. If a painting was full of movement with no tranquility, they excluded the work and even the artist, because the work could make people uneasy. Therefore, popularity of that sort of rough painting proves to be the chaotic disorder of the times. Elderly artists used to warn the mock artists of the troubled times that stir up the art works strong but no mental tranquility.
문인의 회귀
03550-지금 뒤쪽에 매화, 대, 포도, 그리고 국화가 있는데, 그 중에서도 대나무는 공간적인 깊이가 느껴집니다. 그 이유가 무엇일까요?
-Behind you, I see paintings of Japanese apricot flower, bamboo, grape and chrysanthemum. Among them, I feel an enormous depth of space in the bamboo painting. What is the reason?
03758=문인화에서 수묵화는 두 가지로 나눠요. 선 위주, 묵색을 위주로 하는 것이죠. 난초, 대, 매화는 선이 위주이고, 국화, 포도는 먹색 위주죠. 매 난 죽은 한 선으로 그려지니까 제일 어려워요. 국화나 포도처럼 여러 선이 들어가는 가는 그림은 메꾸는 것도 쉽죠.
한 선으로 그려지는 그림은 작가의 정신상태 뿐 아니라, 먹의 농담, 그리고 화선지에 면까지 느껴져요. 좋은 종이, 좋은 먹물에 좋은 심신의 상태가 삼위일체가 되어야 좋은 그림이 나옵니다. 그렇게 한 선으로 그릴 것을 여러 선으로 만들게 되면 안 좋아져요. 그러니까 손이나 정신을 지극하게 수련하게 되면 자기도 모르게 그려지는 것입니다. 대 그림에서 공간, 여백이 많은 것은 선이 절약된 결과인데, 선이 많이 들어갈수록 아름답고 좋은 공간이 많이 줄어든다는 뜻이 되요.
=In the literary painting, indian painting is divided into two. One is line drawing with indian ink such as orchid, bamboo and Japanese apricot, another is indian ink stain painting such as chrysanthemum and grape. Ink staining is easy because of easily mending mistakes, but line drawing is difficult because of single round stroke.
Single stroke painting reflects not only shading and picture surface, but also the mental condition of an artist. A trinity of best paper, best ink and best mental condition makes best work. However, repeating the singles lines go from worse. It means that the masterpieces come unconsciously as a result of practiced hand and mind to an extreme.
The beautiful blank space in the bamboo painting comes out from saving the lines, so abundant lines ruin the blank space as well as the bamboo painting.
04010-그러니까 대상의 문제라기보다는 대상이 가지는 정신의 문제로군요. 그리고 자기자신과의 교감, 화지, 수묵과의 교감에 의해 결정되는 것이기도 하고요. 의도적이라기보다는 자연적기도 하고요.
04032= 중국 사람들은 왕대그림이 많아요. 한국사람들은 멋의 풍취를 잘 알아요. 가는 대나무가 휘어지고 바람에 날리는 그런 멋을 즐기죠. 반면 왕대는 선에서 그런 묘미를 찾아내기에는 단순해요.
-So, it is matter of spirit, not matter of object. And also the result of mutual response with the paper, indian ink stain and the artist in a natural way.
=In addition, Chinese prefer stiff or bulky whangee bamboo to slim bamboo painting. I think Korean well know the elegance and flavor to watch slim bamboo trees wave in the wind. On the other hand, whangee bamboo is not sufficient enough to feel the elegance and the flaver of the bamboo.
04300-잘 그려진 풍죽에서는 새새새새 하는 대바람이 들린다고 합니다. 선생님의 대나무 앞에 서면, 조금씩 움직이면서 미묘한 소리가 나는 것 같은 느낌이 들거든요.
04350= 고맙네요
-They say the well drawn bamboo painting reproduces a whispering of wind among the bamboo trees. I feel a delicate whisper of the bamboo leaves grazing in front of your bamboo painting.
=Really? Thanks.
04352- 정말 그렇게 느껴져요. 사실 그런 미묘한 감성, 작은 선, 발묵, 선염등에 의해 만들어지는 것이 여백인데, 여백은 특별히 기획하지는 않으시죠?
04445= 동양 문인화에서 선은 먹색과 필력과 작가의 사고가 합쳐져서 이루어집니다. 그래서 깊은 경지에 가면 갈수록 사고의 군더더기가 없어지는 거죠. 작품에서도 군더더기가 빠지게 됩니다. 대가들의 난초를 보면 젊을 때는 무성한 난초를 그리고, 경지가 높아질수록 단순화한 난초가 그려집니다. 단순화의 목표는 태어날 때의 어린아이 마음입니다. 세상을 살면서 많은 복잡한 것을 경험한 후에 깊이 느끼고, 그리고선 필요 없는 것을 떨치는 거죠. 그렇게 문인화의 높은 기상이 완성되고, 여백이 더 커지는 거죠.
-It is true to feel the whisper. However, the elegant sensibilities, single strokes and the indian ink stains create blank space. You don't design the blank space, do you?
=In the Oriental painting, lines are the result of ink stain reflecting the force of a brush and contemplation of the artist. So the more advanced to a higher level, the less the superfluity by confused mind in painting. For instance, orchid painting by the masters minimizing the strokes, while beginners paint orchids thick with leaves and roots.
The purpose of the minimizing is to regain the mental purity of such as a suckling baby, but returning after contaminating by the mundane world and throw away the unnecessary stuffs is point. Therefore, the most fantastic mental state comes as a result of a simplification, then the blank space grow bigger.
04556- 나이가 들면 어린애가 된다고 합니다마는, 말씀을 듣고 보니까 어린애가 되기 위해 오륙십 년을 사셨다.. 라는 느낌이 드네요. 그러니까 단순하게 어린애가 된다는 것이 아니라, 모든 세상, 세속사를 경험하고 나서 다시 어린애가 된다는 뜻이네요.
04907= 깨우치고 신선이 되는거죠
-They say growing older means returning to a stage of infant, however, you seem to live more than 50years to be an infant. Not to be returned to an infant, but to be an infant after experiencing the cares of life.
=Enlightenment makes a person a Taoist hermit.
04910- 신선 이야기를 참 잘 하셨는데요. 한국인들이 말하는 신선이란 다른 동양의 문화권과는 달리 선(仙)은 인(人)+산(山), 즉 산 속에 들어가서 산사람이 된다는 거예요. 그렇게 산사람이 되는 심경이 되는 것, 그것이 한국문화의 큰 흐름이 되지 않았을까... 이런 생각이 드네요.
-Good to hear the hermit story. Koreans used to refer to the hermit to live in the mountain. Just living like a mountain dweller, the sympathetic zones of the hermit could be a background to built up Korean culture.
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시야의 확산
10757- 우리가 대관산수라는 말은 합니다마는 이렇게 거대한 매화그림 같은 것은 드물죠. 크기가 얼마쯤 될 것 같습니까?
10814= 높이가 2미터 길이가 8미터 50정도 됩니다.
-When we refer to the magnificent view of the river and the mountain picture, we never expect this size of magnificent view of Japanese apricot painting. What is the size?
=About 2x8 meters of size.
10824- 사실 이런 크기의 그림을 그릴 수 있는 사람은 있을 거예요. 그러나 전체적으로 조화를 이루고, 그 정신, 기개를 살릴 수 있는 것은 어려운 일이라 생각합니다. 평생 연마한 연륜의 보답 같은 것이겠지요
10848= 어느 정도 능숙하게 되면 한 자리에서 전체가 보여요. 길이가 8미터지만 1미터 2미터로 보이고, 한 눈에 들어오는 거죠. 공간이 좁아 실제 그릴 때는 4미터 4미터 나눠서 그렸지만, 머리 속에는 8미터 전체가 보여요. 그걸 절반 옮기고, 그린 후에 또 옮기면서도 그 전체 구도는 머리 속에 들어와 있죠.
-In fact, some artists can draw this size of painting, however, rare artist can create unified and coherent harmony, and revive the spirit and mettle in the painting. Surely it is the reward of a life long practice in the artistic achievement.
=If experienced and become an expert, a wide glance is acquired. eight meters can be seen as if two meters. Even though it is divided into two or four because of the available space, I could see the whole Eight meters. First half done and adding the rest of the half will make a whole composition in my mind.
10957-말하자면 시야가 넓어진다는 말이 될 수도 있고요.
11025=시각적이고 현실적인 것이 아니고, 마음으로 구도를 잡고, 마음으로 그리기 때문일 것입니다. 어떻게 그려서 어떤 구도로 어떻게 그려야한다라는 계획에 따라 본을 뜨는 단계도 있지만 그 단계를 지나면 자기도 모르게 그려지는 것 같아요. 이 매화 그림도 필요에 의해 그려지겠지만 평소에 제가 살고, 할아버지가 사시던 춘설헌 앞에 넓은 매화밭이 있었거든요. 그것이 나도 모르게 화면으로 옮겨진 것입니다.
-Let say you see more wider views...
=It is possible not by visual and practical composition, but by inner vision and practicing. At first stage, you may schedule to draw under your design, however, spontaneity replace the schematic composition. Of course, I started this Japanese apricot painting by necessity, but I didn't recognize that the latent image of the flowers comes from the garden in front of the Chunseoulhun where my grandfather worked.
생동감을 따르는 필력
11206-그러한 것들이 늘 가슴속에 충만하다가 어느 순간에 튀어나온다... 그런 이야기가 되겠지요. 그런데 우리가 일반적으로 매화라고 하면 아주 채색이거나 수묵이거나 구분하는 입장입니다마는 선생님의 경우에는 가지, 나무는 수묵의 선염에 가깝고, 매화의 경우는 안료로 채색을 하신거죠?
-The latent images pop up from inner mind when needed, that's what you saying. However, your painting composed two visual techniques. One is a trunk and branches done by ink stain techniques, the other is the flowers seemingly pigment applied.
11250= 옛날에는 백매(白梅)를 그릴 때 먹선을 그린 후 화선지의 하얀 면에 꽃술을 그렸거든요. 그런데 실제로 매화밭을 보면 매화의 꽃술이 보이는 일은 없어요. 그렇게 느낀 대로 선으로 그리고, 흰 호분을 찍어서 전체 분위기가 매화로구나 하는 느낌을 불어넣었어요. 실제보다는 많은 것이 생략된거죠.
= In the ancient days, when we draw white apricot flowers, contour lines drawn first and stamen and pistil later. However, it is not easy to catch the stamen and pistil in the Japanese apricot patches. So I drew lines first and pointing Paris whiting later to create more closer effect to the real apricot.
11350- 그러니까 이번에는 수묵화를 그려야겠다, 채묵화를 그려야겠다, 혹은 현대적인 그림을 그려야겠다가 아니라, 대상을 봤을 때, 그 대상이 풍기는 분위기 같은 거, 그걸 감지하게 되면 안료거나, 방법이거나 기법이 나온다는 말이 되는 것이로군요.
11409= 채색을 쓰건 먹을 쓰건 같은 느낌이죠. 이 매화 그림을 보고서 채색화가 아니냐 하는 말을 할 수도 있겠지만, 채색화가 아니고 먹을 쓰는 농담처럼 호분을 쓰는거죠. 그것이 필력에 의해 나오게 됩니다. 그러니까 바르고 칠하고 하는 것이 아니고 수묵화하듯이, 글씨 쓰듯이 그리는 거죠. 그렇게 매화의 생동감을, 느낌을 그대로 전달하는 겁니다.
-That is to say, not to make a mind to draw with indian ink or modern style painting, but to catch the atmosphere of the object, and as a result there comes out pigments or techniques spontaneously...
=No discrimination between color pigments and indian ink. When you see the Japanese apricot painting, you might say it is a color painting, however, it is not a color but a Paris whiting, and not done by a intention but by a power of brush stroke. Above all, it is not by an applying pigment, but by a writing character with a brush. Therefore, a spontaneous vital forces come out as a result.
11448- 그러니까 지금까지 선생님이 여러 경향을 하신 걸로 되어 있거든요. 처음에는 정통적인 산수를 하셨죠. 이어서 현대적인 또는 유화 등에서 쓸 수 있는 형식, 물감을 솜이나 화장지 등으로 덜어내는 기법도 쓰셨죠. 그리고 아주 세필로 그려지는 대관산수같은 작업도 있었고요. 그리고 물론 사군자도 있었습니다. 최근에는 마치 일본화를 연상케하는 섬세한 금빛 배경에 작업도 하셨지요. 그러니까 그 작업들이 어떤 경향을 만들겠다거나 작업을 현대화하겠다는 것이 아니었다는 이야기죠. 말하자면 어떻게 대상을 잘 표현할 수 있느냐 하는 것을 검증하는 단계가 아니었을까요?
-You have practiced several styles in your artistic career. First style was traditional landscape painting. Second was quite modern style and technique resemble like oil painting. Third was a magnificent scale landscape painting with slender-writing brushes and the Four Gracious Plants. Fourth was a delicate style reminds of Japanese golden background and a cockscomb theme. The styles was not a result of an intention to create a style or modernizing a technique, but an examining process of how to express objects more effectively.
11550= 할아버지에게서 배울 때부터 여러 가지 전통적인 기법을 배웠는데, 그것을 잘 표현하려는 것이 중요한 것이 아니라고 생각했어요. 그래서 다른 작가들이 어떻게 표현하는가, 오늘의 시점에서 보아 전통의 의미가 무엇인가 등을 연구하다 보니까 오늘의 기법이 나왔다고 봅니다. 그 결과 그 동안 익힌 필력과 먹쓰는 방법을 그대로 쓰면서 그 작업들이 가능하다는 것을 발견한 것이라 할 수 있지요.
=When I learned traditional style from my grandfather, I made up my mind not to try to find out shortcuts to expression. In the meantime, I watched other artist's expression thinking of the meaning of the tradition. As a result, the present style is produced as an output of my investigation and practice. In short, I discovered my way by not altering the traditional elements, techniques and the power of brush strokes.
1620- 터치가 어떤 것이건, 어떤 안료, 어떤 기법이건간에 그것이 대상과의 관계에서 얼마만큼 친화, 친하게 화합할 수 있는 그런 형태로 표현되는가가 선생님의 세계를 이해하는 관건이 될 것이라는 생각이 듭니다.
11650= 그렇습니다.
-It seems to be the nearest way to understand your artistic world by finding your ways of harmonizing with the object, no matter what the touches, pigments and techniques.
=You got right.
대륙의 신바람
11655- 아주 좋은 포인트고요. 이 작품이 어떤 새로운 기원을 마련할 수 있는 계기가 되지 않을까 하는 생각인데, 이 작품은 어디에 출품하실 거죠?
11715=북경에 있는 북경미술관에서 9월 27일부터 전시를 합니다.
-It is a wonderful point. I am sure these works will make a new epoch. Where are you going to display them?
=Beijing Museum in Beizing from September 27th, 2008.
11730-북경이라면 중국인의 문인화, 산수화, 수묵화 등에 대한 전통, 자부심이 있을 것입니다. 북경에서 이 작품을 보였을 때 중국인들의 반응이 어떨 것이라 생각합니까?
-What do you expect the response of Chinese people and art circles, fill with proud of their literaty painting and Indian ink paiting, at your ambitious work?
11800= 글쎄, 그 반응은 모르겠고, 중국사람들도 수묵을 어떻게 현대화하느냐에 고민을 하는 것 같아요. 제 생각에는 어떻게 하느냐의 문제는 아닌 것 같아요. 법이 옛 것이건 새 것이건 작가가 현대에 맞게 살고, 현대에 충실히 사는 그런 사고방식이 있다면 그림은 자연히 현대 그림이 된다고 봅니다. 작가가 현대에 사는 것을 감추고, 현대화를 표방한 작품들을 흉내낸다면 그것은 작품의 진실성, 작품성에 문제가 있지 않느냐 그렇게 생각합니다.
=I can't figure out the response in advance, however, I understand they face agony and confusion between the tradition and contemporary trends. In my opinion, it is not a question of the how. If anyone lives and thinks in a contemporary conscious, the works quite naturally become contemporary ones. It might be troublesome to make works in terms of trust and truth, by concealing the artist's contemporary identity and imitating what is called the contemporary.
11910-현대화라는 말은 세계미술, 혹은 서구미술의 흐름에 합류한다는 의미가 있었습니다. 서구적인 동양화가 현대적이다라는 관점도 있을 수 있습니다. 현대에 살고 있는 내가 그릴 수 있다는 주장이라면 그런 스타일과는 무관하신거죠?
11930= 설령 이 그림이 매화가 아니더라도, 그림이 아닌 조각으로 표현하더라도, 또는 어떤 다른 작업을 하더라도 마음을 비운 표현이라면 그 느낌은 같을 것이라고 생각합니다.
-Modernization sometimes refer to the joining to the flux of world or western world. In a sense, the oriental paintings with modernized tradition might be thought as one and single exit to the oriental artists. Are you sure you are free from those kinds of imperative idea?
=The feeling and response will be same if I express with a mind of disinterestedness, no matter what the painting take motives like the Japanese apricot or bamboo trees, no matter what techniques like painting or sculpture.
12024- 이 정도 의욕적인 작품을 들고 가면 올림픽에 선수가 금메달을 따듯 좋은 반응이 있지 않을까 하는 생각이 듭니다.
- I am sure your ambitious works deserve praise in Beijing exhibition, as well as an athlete won a golden medal.
=고맙습니다.
=Thank you.
许达哉
剧本80818
发展潜力
00005
文人画中最为重要的是文气,有文气的气氛真好。
工作室中还有乌竹… 您从事文人画很长时间了吧?
00223
我五六岁时开始学习了书法。
爷爷常说即使不成为画家,也要学诗和书法。所以学习了汉字和书法,通过书法可以修养文人书生气,自然而然发展到绘画。
00222
您现在要管理爷爷毅斋
00534
作品创作最重要的是要集中精神。
脑海中24小时想着画,有时睡觉时想到的东西第二天用在创作中,可是美术馆的业务交结在一起,也会影响到我。
01118
上次第一次看展示作品时,我真的很吃惊。我当时才发现,那么长时间执着的工作,积累的东西瞬间爆发了。
文人画的真面目
02328
其实从“属于我们的”这个观点来说,可以多方面理解,如果说半岛里自生的东西只属于我们的,那么文人画、水墨画、彩墨是不是可以理解为属于中国的呢,您一生从事于以水墨画为主的创作,您认为哪些是属于我们的?
所谓半岛国家的特征,在四季分明的环境中衍生出属于我们的东西。进而韩国的和中国的具有区别。根据气候,穿着、饮食也会不同。所以我们所说的中国的、日本的东西不是以划分界限的状态,而是融为一体被我看待,其中根据我在全罗道生活,在爷爷的管教中长大等等因素而产生了我个性化的东西
这么看来比起中国、日本文化,我想我们的文化是透澈明亮度比较突出。看看青瓷、古代文学作品也如此,不能说因为大而好,也不是因为大而示威,经过多宝塔到释迦塔的境地,这个比喻如何呢。
静中动的气韵生动
我国许多文人画家没有传统背景,做个临摹就当是韩国文人画的倾向。您一生从事画画,能说说什么是文人画吗?
03000
文人画终究不是在一个线上吗?
通过毛笔、文字表达其作者是如何生活的,这就是文人画。这里要体现“静中动”、气韵生动的效果。
根据其气韵生动体现作者所要表达的红色或者黄色,而不是讨论红与黄的是非。这有这的好处,那有那的长处。但是喜欢画画的人自然少了受这种教育的机会,也没人教他们如何去区别,所以我想会产生新的东西。
有些气韵即不生动,毛笔都没有拿起来,却被称为构图优美、独特或者说人们对以前没有见过的,可能就认为它是好的。没有精髓的画只要它的视觉好,大家好像就认为是好的作品或者作品卖得好就认为它的作者优秀。分不清这是时代的变化还是一个错误的认识。
03245
所谓气韵生动大家一般都想到云甫
03350
衬托气韵生动的是“静中动”。
以前看画的见识很高,书生写诗或行政都伴随着诗、书、画,所以当时的人大多懂得这些,也能够读懂一幅画。书生们还制定了所谓优秀作品的风格。‘动中无静’的作品当时称作为粗品,不但给人不舒服的感觉而且容易让人混淆,所以被列入风格之外的作品。听说粗画流行是因为当时的时代混乱的原因,借古人的话说,就像作者受自然环境影响一样,混乱时代时的作家的画也会随之表现为强。
文人的回归
03550
现在后边有梅花、竹子、葡萄还有菊花,其中竹子空间感很强,其理由是什么呢?
03758
文人画中水墨画分为两种。
线为主和墨色为主的画。
兰花、竹子、梅花以线为主, 菊花、葡萄以墨色为主。梅、兰、竹为一线画,堪称最难,菊花、葡萄为多线形成,所以填补起来也比较容易。
一线完成的画,不但体现作者的精神状态、而且墨的浓淡以及画宣纸面也一目了然。
好纸、好墨、好的状态,这三个都到位才能画出好的作品。如果用一个线完成的画,采用多线的话,就会变得不好。所以如果不断地修炼手法和精神状态,自然而然就能画出来了。竹画中空间、空白比较多的原因是简约线的结果,线越多越是减少了美丽而美好的空间。
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所以,与其说是所要画的对象的问题,不如说是对象具有的精神问题了。
也可以说是根据自己、画纸、水墨间的交感而决定。
不是有意图性的,而是自发的那种。
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中国有很多篁竹画。韩国人喜欢细竹被风吹得那种微妙的感觉。
反面从篁竹中感受到的那种妙趣相对比较单纯。
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一幅优秀的风竹画中,仿佛让人听到呼呼的风声。
站在老师的竹画面前,犹如竹子在微微的移动发出微妙的声音。
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谢谢。
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真的有那种感觉,其实根据那种微妙的感触、细线、泼墨、渲染等形成空白处,那空白处需要专门规划吗?
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东洋文人画中线是由墨的颜色和笔力以及作者的思维结合一起而形成。
所以进入越深的境界,思考的累赘也就消失了。
作品中的累赘也随之消失。
注意大画家的兰花图,就会发现他们年轻时画的兰花非常茂盛,但是越是达到高的境界所画的兰花越单纯、简单。单纯化的目的就像是小孩的内心一样。
人在生活中经历了很多复杂的东西之后就会深有体会,甩掉那些不必要的东西。就这样达到文人画的高境界,空白处也会变得越大。
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俗话说人老像小孩,听起来感觉像是为了变成小孩而活了五六十年… 就是说不是单纯成为小孩,而是经历了人间所有世俗之后成为孩子的意思吧。
04907= 领会之后成为仙人。
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韩国人所说的仙人和其他东洋文化中的神仙有区别,仙为人字+山字,就是居在山中成为山中人的意思。我想达到成为山中人的心境,可以说是韩国文化发展中的一个大的趋向吧。
扩大视野
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我们会提到‘大观山水’这个词,但是这么巨大的梅花图非常罕见吧,这个尺寸大概有多少?
10814
高
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其实也会有画出这个尺寸的人。
但是能够形成整体的造化,生动其精神及气概就不是那么容易了。它是用毕生去苦练的结果。
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修炼达到一定程度,一个位子上就能看到整体。
虽然是
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可以说是视野变宽了。
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我是用心去构图,用心去画,而不是单纯借助于视觉上的效果。以前也会根据事先计划的某种构图方式、某种画法开始画,但是过了这个阶段,感觉好像自然而然就能画出来了。这个梅花图也会根据需要而形成,但平时我和爷爷生活的春雪轩前院就有个梅花园,这个画面自然地呈现在我的脑海中。
体现生动感的笔力
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那种东西总是充满于心中,在某一瞬间跳出来吧。
提起梅花,我们通常就去把它区分为纯彩色或是淡墨色,老师的画中树木和树枝接近水墨渲染,梅花是用颜料画成彩色的吧?
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以前画白梅时,首先画出墨线,然后宣纸上画出花蕊。可是实际看梅园时是看不到花蕊的。按照自己的感触画线,点上白胡粉,贯穿整体气氛像梅花的感觉,这样比实际简略了很多步骤。
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就是说这个不是取决于你这回要画水墨画,或者画彩墨画或者说要画现代画。
而是当你看到所要画的对象时,只要能够体会到它所散发出的气息,那颜料、方法或者技法就自然地呈现在你的脑海中,是吧
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用彩色或者采用墨都是同样的感觉。看了这个梅花图,有人会问这是不是彩色画,
这不是彩色画,是利用胡粉来完成墨的浓淡效果的,这个出自于笔力。
=这不是抹上去或者涂上去的,是以水墨画似的书写方式画的。
这样才能真实地体现梅花的生动感。
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到目前,老师画过很多种画。
刚开始您画的是传统的山水画吧,接着您用的是现代或者油画中使用的把染料用棉花或者化妆纸匀开的技法,还有用细笔画的‘大观山水’作品,当然还有‘四君子’。
最近您还在让人联想到日本画的那种十分细腻的金色背景上绘画。
总之,这些不是因为您是为了体现某种倾向或者要把作品现代化而做的吧。
就是说,把它可以理解为如何更得体的表现画中物的见证阶段,是吗?
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从爷爷那里学了多种传统技法,但我觉得表达这些技法不重要。所以观察其他作家是如何表达的,从现在的角度去研究传统的含义,就产生了今天的技法。其结果可以说是多年修炼的
笔力和用墨技巧成就的。
1620
我觉得要理
11650= 是的
大陆的山风
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这是很好的要点。我想这个作品会不会成为创造某种新起源的契机,您打算在哪儿展出呢?
11715
11730
在北京中国人的文人画、山水画、水墨画等传统气息非常浓烈,如果他们看到这幅画,您觉得会是什么反应呢?
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=这个我也不太清楚,中国人好像也思考如何能把水墨变为现代画。我个人认为这个不是如何做的问题。不管是古代的还是新的,只要作者符合现代生活,拥有充实于现在的思考方式,那么所画出来的画就是现代画。如果作者回避自己生活在现代,模仿标榜现代画的作品,那么我觉得这在作品的真实性,艺术性出现了问题。
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-所谓现代画,有着融入到世界美术或者西欧美术发展趋势的意思。也有把西欧东洋画认为有现代风格的观点。生活在现代的我主张能够画出来,那么可以说和那种风格无关吧?
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=即使这幅画的不是梅花,或者说作为一个雕刻呈现,在这里我要强调的是不管做什么,只要是以空杯心态完成的,那么它给人的感受是一样的。
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-您带着这么有分量的作品,我想会得到非常好的反应的,就像运动员在奥运会上拿到金牌时那种。
谢谢