[ 재즈댄스 역사 ]
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1. Introduction
1920년대 이래로 "재즈댄스"라는 용어는 대중적이며 예술적인 댄스 움직임을 끊임없이 발전시켰음을 설명하는데 주로 쓰여졌다.
재즈댄스는 우리 대중문화의 반향이며, 문화로서 재즈댄스의 틀을 변화시켰다. 재즈댄스는 '즉흥'과 '개성'을 핵심으로 한다. Charleston과 BlackBotton 같은 1920년대의 사회적 댄스는 재즈댄스로 잘 알려졌다. 그러나 무대댄스의 안무가 Bob Fosse 같은 사람도 있다. Fred Astaire 의 절충주의 스타일은 재즈를 춤추는 것으로 이끌어 냈다. 잘 알려진 바와 같이 현대안무가 Alvin Ailey에 의해 많이 춤췄다. 절충된 탭댄스의 소리들은 재즈댄싱으로 고려될 수 있다. 공통적인 테마는 매듭을 겉으로는 서로 다른 요소들로 매듭지어진 것, 리듬이다. 좀더 자세히 말하자면, 리듬은 아프리카인 영향들에 둘러싸여 있다. 개별적인 접근들과 응용들로부터 결과들 속의 변화는 사회적 문맥과 각 댄서들의 고유한 개성을 발휘하는 시간에 기초를 두고 있다. 비록 재즈댄스의 움직임 스타일이 표면적이고 곧 사라진다 할 지라도 "리듬"은 - 아프리카에서 생성되어 미국내에서 재정의된 - 미국 재즈댄스의 기초의 형태, 일반적인 요소이다. Marshall과 Jean Sterns, 그들의 저서 "재즈댄스"에서도 - 미국인 특유의 댄스 이야기- 미국인 환경이 아프리카인과 유럽인 전통이 뒤섞임이 재즈 댄스라고 명시한다. 그들은 유럽인의 움직임은 우아함을 기여했고, 아프리카인은 움직임을 율동적인 추진력을 주었다. 학자 Lynne Fauley 또한 아프리카 심장과 같은 드럼 소리의 은유가 사용된 아프리카 음악과 춤 속에서 리듬의 중요성을 명시한다.
미국내에서 재즈댄스의 역사를 추적한다는 것은 아프리카에서 시작함이 필연적이다.
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2. African Contributions
Emery 는 "아프리카인 미학의 기본적인 요소는 춤이다... 춤은 한편으로는 오락적인 것으로 존재하거나 세속적인 성질, 다른 한편으로는 아프리카인 삶의 전부를 전파시겼다고 할 수 있다" 주장한다. 아프리카인들은 출생의 축복, 성년식, 결혼, 그리고 죽음에 대해서도 춤을 췄다. 거기에는 또한 댄스들이 경쟁적인 기술로 증명되었다. 춤 동작은 자유의사로의 행위였고, 오래전부터 어린아이로부터 공동사회에 일원이 되기 위해서는 그들의 문화적 신뢰들을 공동사회적 표현속에서 춤으로 췄다. 춤은 우선적으로 여러 가지 종류의 드럼(북) 같은 강한 기구들과 Chimes, reedpipes, 그리고 percussion에 의한 비트가 동반되었다. 춤 동작에 나타난 이 신뢰는 아프리카인 문화에 대한 삶 전체에 걸쳐 해석된다. -Jean Sabatine 은 저서 Techniques and Styles of Jazz Dancing 에서, "재즈댄스 이야기는 아메리카인 노예제도를 통해 아프리카 문화의 분출로 인해 시작한다." 고 역설한다.
Sterns에 따르면, 아프리카 춤은 미국내에서 다음과 같은 독특한 것들로 분류되어진다.
- 평평하게 한 발로 활공하는 동작, 발을 질질 끄는 동작
- 무릎을 굽히고 몸을 움크린 채 움직이는 동작, 몸을 허리에 붙혀 구부리는 것
- 일반적인 동물들을 모방하는 움직임
- 즉흥적으로 표현하는 움직임, 표현의 자유를 찾는 것
- Swinging quality를 주기 위한 활동적인 동작
"Swinging quality" 측면에서 아프리카 리듬 특수성을 정의 함으로서 이해한다는 것과 알아낸다는 것은 중요하다. 유럽음악이 술집에서 나오는 음악 또는 전부 동일비트로, 1/3 비트로 강조하는 경향이 있다. 아프리카인 리듬은 3/4박자 비트들로 강조하는 경향이 있다. 이것은 튕기는 듯한 느낌을 주는 반면, 2/4 박자는 1/3박자으 어떤 호흥이다. 튕기는 공 처럼 튀어오르고 또는 다시 튀어오르고, 그리고 비트의 에너지를 끊임없이 갱신했다. 이것은 추진력을 생성시키는 것이라고 , Sterns 는 "Propulsive"로서 스윙비트를 분류한다.(좀더 상세한 정의는 스윙음악에서)
Dolores Kirton Cayou는 그의 책 "Modern Jazz Dance"에서, Sterns의 독특성들에 찬성했지만 또한 "Polyrhythm in body Movements"의 중요성을 추가했다. 신체의 개별적인 부분들의 움직이는 관례는 대칭적이고, 대등하고 복잡한 보기이다. 노예거래시대 동안 아메리카로 이동한 아프리카인들은 20세기 재즈댄스 분야에서 여전이 주목받고 있다.
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3. Roots of American Vernacular Dance
미국 노예거래는 1619년에 아프리카인들을 버지니아로 운송했던 네덜란드 무역선들의 출항으로부터 시작되었다. 아프리카인들은 1518년경 서인도로 노예 신분으로 수출 되어졌다. 노예제도 아래에서의 아프리카인 고유문화는 스페인과 프랑스 통지자들이 카톨릭 교회에 의해 받아진 좀 더 너그러운 관점의 춤을 고수했던 것 처럼 미국에서 보다 서인도에서 더 강해졌다. 미국내에서 기독교회(Protestant)는 어떤 종류의 춤도 강하게 용납하지 않았다. 그래서 서인도에서 발생된 춤들은 미국내에서보다 아프리카 춤 구조를 유지할 수 있었다. 이들 춤들은 레크레이션이나 종교활동으로서 분류되어 질 수 있다. 레크레이션 댄스의 예로서 'Calenda' 가 있다 리듬있는 드럼 비트에 맞춰 남성열은 여성열과 마주한다. 그리고 각열의 한 댄서가 각 열 앞으로 나아간다. 남성이 여성 주위를 둘러싸고 원모양으로 격렬한 움직임과 같은 동작을 하는 동안 여성이 머리에 스카프를 걸치고 흔들며 발을 단단이 세운 채 몸통을 물결치거나 흔드는 동작을 행하는 중심에서 점프하고 허벅다리를 친다. Juba(주:미국 남부 흑인의 춤)는 머리위에 물잔을 놓고 균형을 유지하면서 춤을 춘다거나, 반대자들은 묘기 측면의 기술이 다른 댄스보다 능가하다고 주장하는 경쟁적인 댄스 였다.
Sacred Dance는 신성한 신들에 대한 예배를 배경으로 한다. 신이 댄서를 통하여 말하려 하는 것으로 묶고, 속박해가는 것이다. 노래의 응용, 드럼치기, 춤의 결합을 통하여 댄서는 신비적인 어떤 세계와 신들의 초인간적인 특성을 경험하게 되었다. 댄서 측면에서는 속박되지 않는 방면에서 할 수 있는 능력을 훨씬 넘어선 능력과 힘을 갈망하게 되었다. 두가지예가 Voodoo와 Shang 춤들이다. 다른 형태의 신성한 춤은 댄서들이 방안에 원형으로 둘러서 갈망된 상태의 소유가 영혼 들여지기까지 노래하고, 손뼉치고, 움직임을 이뤘다. 음악과 춤의 결합된 효과들의 응용을 통해 현실로부터 자유롭고 해방된 재즈댄스의 어떤 형태를 나타내는 것을 감지되어 질 수 있다.
미국내에서 아프리카 춤의 움직임은 주요하게 두가지 요소로 묶여졌다. 댄스에 대해 부도덕한 관점으로 보는 기독교회 , 제한적으로 드럼과 같은 장비를 초기 아프리카인들은 사용 했다. 교회는 춤은 죄악이라고 규정했다. 그리고 어떠한 감각에 대한 자극도 회피되어야 한다고 했다. 미국인 표현으로 기쁨을 향한 일종의 자유로운 춤 형식을 포함한 것은 아프리카인의 단적인 면이다. 1739년 Cato Conspiracy에 의해 드럼치는 것은 금지 되었다. 이것은 드럼소리가 신호의 용도로 노예들이 메시지를 전달할 목적으로 하는 것에 대한 반기였다. 백인 농장주들은 모든 드럼 사용에 금지할 것을 결의했다. 그리고 두 번째의 결과로는 노예들이 그들의 춤에 적합한 다른 타악기를 찾는 것이다. 대신할 기구들로 서로 다른 크기의 잡단의 파이프의 일종인 quills,Banjos, clapping hands),stamping feet, 그리고 fiddle(violin)이다.
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4. Plantation Dance
농장에서 발생된 춤들은 여가활동이나 자연적이 이유들이라 할 수 있었다. 비록 그들이 아프리카인 교류 속에서 기초를 두었다 할지라도 농장주인 유럽인 영향은 아메리카인 표현들과는 별개의 움직임을 주었다. 이것을 Sterns는 “Vernacular” 혹은 Homegrown Dance라고 불렀다. 많은 춤들은 동물들을 모방했다. Pidgeon Wing과 Buzzard Lope 같은 것이다. Ring 춤들은 결혼식과 장례식에 추어졌다. 어떤 춤들은 주중에 끝인 토요일 밤 같은 날이나 크리스마스 축제일 같은 특수한 이유들로 축복했다. 중요한 것은 어떤 춤들의 중대한 분류는 경쟁적인 충돌이다. 밀집된 도시에서나, 농장에서와 같은 특별한 바탕이 만들어 졌고, 노예들은 발 동작 능력으로 백인 농장주들을 즐겁게 해 주어야 했다. 최고의 댄스는 상이 수여됐다. 가장 알려진 경쟁적인 춤은 Cabe Walk이다. 이 춤은 노예들에 의해 농장주의 귀족적인 매너들을 패러디 함으로서 개발 되었다. 그들은 농장주들이 quadrille, cotillion과 다른 형태의 춤들을 목격했고, 그리고 아프리카인들의 율동적인 다리 움직임들과는 대조적으로 경직된 상체를 흉내냈다. 마침내 농장주들은 코믹스러운 익살을 관람하는 것을 즐기길 시작했고, 최고의 댄서를 위하여 댄서들과 농장들 사이에서 시합이 열렸다. 승자에게는 전통적으로 케익이 상으로 주어졌다. 댄서의 개별적인 특성을 표현하는 방법으로서 즉흥의 사용은 아메리칸 특유의 댄스 발전에 있어서 중요한 것이었다.
농장에서의 댄스는 일반적으로 유럽 형식들에 영향이 포함되었는데, 이것은 미국에서였다.
그러나, 아프리칸 댄싱은 영향권 밖에서 비교적 자유롭게 번창했다. 이것은 New Orleans에 있는 Congo Squre였다. 대락 1805-1880년부터, 노예들에 의한 댄싱은 New Orleans의 북동쪽 지역에서 허락되었다. 이지역은 프랑스와 스페인 문화를 가진 사람들로 거주하는 지역이었고, 1803년에 Louisiana Purchase에서 미합중국에 의해 차지 되었다. 프랑스인과 스페인 카톨릭은 기독교보다 더 관대한 춤이 존재케 했고, 노예들이 감독자의 허락하에 정해진 시간과 장소에서 춤을 추는 것이 허락되어 노예들이 보다 행복해 질 수 있었고(다시말해, 더 생산적인) 어떤 폭력조짐도 보이질 않게 되었다. 또한, 이런 제도를 실시하면서부터 어떠한 비밀스런 부두 의식들도 하지 못하게 하는 수단이 되었다. Calenda 와 Chica는 민속적인 아프리칸 북 소리들의 반주에 춤춰졌다.
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5. The American Vernacular
백인에 의한“흑인”춤의 관찰은 춤추고 있는 흑인의 노예의 선입관을 가져오게 했다. 백은을 탄 코르크로 그들의 얼굴을 흑인 댄서를 모방하기 위해 검게 칠하기 시작했다. 1767년에, 혁명의 전쟁 전에, 뉴욕 신문은 공연되고 있는“Negro Dance in Character”를 보도했다. 1799년에, “흑인의 소년의 노래”는 보스턴에서 공연되었다. 미국의 첫번째 직업 댄서 중 한사람인, John Durang, 그가 1789년에“shuffles”를 포함하면서 춤추는 부분들로 설명하였다, 특유의 움직임. 처음으로 1828년에 Thomas Rice 가 흑인 춤을 모방해 주목을 받았다. 그의 댄스, “Jump Jim Crow”, 무능력한 노예의 움직임을 똑같이 흉내내서,세계적으로 센세이션을 일으켰다. 이 댄스는 춤추고 있는 흑인의 총체의 선입관에 의거하는 미국 오락의 시대 동안 기초를 설정했다.
내전에 앞서, 전문적인 춤이 백인들에 의해 우선적으로 적용 되었다. -William Henry 제외하고. Master Juba로서 알려진, Lane은 세계에서 최고의 춤추는 사람이다라고 판단되는 자유인으로 태어나는 노예이었다. 그는 맨해튼에서 가난한 5번 가의 지구에 거주했다, 그곳은 아일랜드 이민자와 흑인들이 서로 어울려 사는 곳이었다. 그의 춤은 아일랜드의 Jig 춤과 아프리카의 리듬의 조합이었다. Stearns는 그가 율동적인 패턴에서“swing”의 피하는 요소를 더하고 있고,이와같이 그 자신과 더 보통의 춤추는 사람을 구별하고 있었다라고 느낀다. Master Juba의 명성은 국제적이었다,그리고 그는 세계의 전체에 미국 흑인 특유의 댄스를 대중화시키는 것에 도움을 되었다.
음유 시인은 1845-1900로부터의 미국의 오락의 가장 인기가 있는 형태이었다,그리고 그것은 미국 삶 위에 아프리카계 미국인 댄스의 영향을 대단히 늘렸다. 음유 시인 쇼는 느린, 다리를 질질 끌고 걷고 있는 바보 또는 급격하게 몸치장을 하는 멋장이로서 흑인을 그렸던 쇼에 도시에서 도시까지 여행했던 일군의 최고 50명의 실행자이었다. 음유 시인 쇼는 3개의 부분을 가지고 있었다. 처음 안에서, 실행자(모든 남성)는 청중 앞에 있는 반원에 앉고,위엄이 있는“회화자”와 2명의“엔드맨”에 의해 이끌리는 희극의 농담에 종사했다. 두 번째 섹션 또는“olio”는 노래, 행위와 댄스 행위의 계승이었다. 최종적인 섹션(“afterpiece”)은 시대의 진지한 드라마의 오락 소설이었던 전 캐스트에 의한 광상곡이었다. 첫번째이고 제3의 섹션은“walkaround”로 통상 끝났다, 거기서 실행자는 개별적으로 단독의 댄스 트릭에 무대 전방을 향하여 여행할 것이고,그 다음 뒤에는 주위를 또 다른 전시를 시작하기 위해 돌 것이다. 음유 시인 쇼는 현저하게 손쉬운 것과 같은 특유의 댄스를 펼친다 것에 관계가 있었다.
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6. Roots of Theatrical Jazz Dance
다음 중요한 것은 우수꽝 스러운 음악의 출현을 가지고 음류시인 이후에 고유한 댄스 속에서 변화가 이뤄진 것이다 그리고 1910년 이후에서야 사교 댄스 룸이 생겼다. Sterns 는 1910년 이전을 언급한다. 노래에는 오직 2가지 형태만이 있을 뿐이다. 그것은 슬픈 것이나 즐거운 것이다. 10여년 동안 흑인 작곡자 들에 의해 쓰여진 댄스들은 어떻게 설명할 것인지에 대해 서정적으로 묘사하는 음악이 있다. 이것은 몇 개를 열거하면 Tukey Trot, Monkey Glide, Chicken Scratch, 그리고 Bunny Hug 이다. Irene 과 Vernon Castle는 브로드웨이 쇼 THE SUNSHINE GIRL에서 Tukey Trot로 유명했고 상류사회에서도 인기를 얻었다.
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7. Swing Dance
1920년대 후반에, 인기 대중음악에 중대한 변화가 일어났다. 영감이 깃든 재즈 노래들이 백인들로 점유되어 표준화된 것들을 대신하게 되었다. 아메리카는 재즈음악을 그 자신의 것으로 받아 들였다. James Mundy, Billy Strayhorn, Benny Carter와 Don Redman 같은 흑인 음악가들은 백인들의 큰밴드에 구성원이 되거나 재배열을 시작했다. Margaret Batiuchuk,은 “The Lindy” 논문에서 New Orleans 스타일의 그룹 즉흥을 취했을 때 “Swing music” 창조에 영향을 주었고 기존 그룹을 뛰어넘는 즉흥 솔로 였다고 말하고 있다.
재즈음악과 재즈댄스는 아메리칸 사회와 천천히 변화함에 따라 WWII시점의 후기동안 인기가 쇠퇴했다. 인기 있는 오락성으로 재즈댄스에 대한 마지막 쇼크는 계속적인 재즈음악 과 기술의 진화에 따른 것이다. 1930년대를 대표하는 전형적으로 일관적인Swing 음악은 청취자들에 의해 움직임을 붇돋았다. 1940 년대에 Be-Bop 재즈의 출현은 이 기본적인 주의를 바꿨다.
Charlie Paker와 Dizzy Gillespie는 좀 더 즉흥적이고 심지어 멜로디라 할 수 있는 것을 음악가로서 더욱 비트를 복잡하게 만들었다. Sterns에 따르면 드러머들은, 비트 이상의 것을 만드는, 솔로 악기 같은 역할을 가정하고 즉흥적으로 연주하기 시작했다. 결과적으로 전체 사회 환경 속에서 어떤 것은 춤을 추는 것보다 더 중요하게 들린다. 무도장의 쇠퇴로 인해 오케스트라 Swing 음악이 댄스 홀에 새롭게 부여된 종합세금에 반대로서 더 작아진 Be-Bop악단을 계산하게 되었다. 1950년대에 텔레비전의 등장으로 댄스 홀 대신에 집에서 거주를 고집하는 중요한 요인이 되었다.
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8. Musical Comedy Dance
극장식 재즈 댄스는 1920년대에 스펙터클함과 조명예술 속에서 1940년대와 1950년대 의 드라마, 노래, 댄스가 주의 깊게 결합해 맞춰진 브로드웨이 뮤지컬의 변천과의 결합 속에서 발전되었다. 1920년대와 1930년대의 쇼들에서는, 재즈와 탭 댄싱이 한 라인으로부터 댄서들이 순식간에 추는 형태였다. 브로드웨이와 영화제작들을 위한 1930년대의 댄스 스타일에서 양팔을 느슨하게 감싸고 가벼운 발놀림과 탭 댄스의 특징들을 드러내게 되었다. 이런 현상은, 댄서들이 분방한 접근 방식과 기술적인 연습 부족과 즉흥적인 댄스에 따른 것이다. “The June Taylor Dancers”에서 순회공연을 한 여류 무용수 June Taylor는 텔레비전 쇼 Jackie Gleason 쇼에서 1930년대 스타일 같은 것을 인지하고 공연할 때 보다 폭 넓은 시각을 갖았다, 고 누군가가 말했다… James Cagney 그는 댄서로 태어났다. 그는 뮤지컬 코메디라고 칭할 수 있는 유일한 사람이다. 정형화된 춤들을 사랑했다.
(1889년에 The Creole 쇼에서 Black Production이 최초로 선보인) 여자 댄서들의 코러스는Zigfeld Follies 같은 쇼의 하일라이트 였다.(이런 형식은 오늘날에도 Radio City Music Hall Rockettes와 심지어 Dallas Cowboy Cheerleader들에게도 영향이 남아있다.) 아름답고 균형 잡힌 것은 (댄스 테크닉이 아닌)여자댄서 들을 위한 특징이다. “안무에 있어서의 현대무용의 영향”에서 Lisa Jo Sagolla는 “댄스 인원은 어떤 댄스 능력의 등급을 위한 것 보다 그들을 어필할 수 있는 것처럼 보이는 선택된 코러스 걸들에 의해 결정되어졌다.”고 말하고 있다. 이것은 댄서들을 캐스팅하는 방법에서도 적용되었다. 아주 고난도의 기술을 요하는 안무가 없었기 때문이다. 쇼들을 위해 움직임에는 무관심하는 이른바 “Dance Directors”라고 불리웠다. 그리고 그들은 제한된 댄스 훈련을 받은 다양한 형태의 사람들이었다. 몇몇 댄스 감독자들은 댄스 훈련이 전혀 없음에도 불구하고 전망을 보고 고용되었다. 그들은 그들만의 특성들 보다 정형화된 코러스걸 들을 더 선호했고 때때로 그들만의 댄서들을 양성하기 위해 6개월 과정의 훈련코스도 세웠다. 아주 사소한 속성이 제작자들에 의해 선택되었다는 것을 알려주는 것은, 댄스가 두 가지로 분리된 쇼들을 등장 시켜야만 했던 것이다. ?다른 의상과 음악에 기능은 움직임, 다시 말해서 Kislan 은 주장한다 :
댄스 기초들을 이해하는 어떠한 댄스 지도자도 오래 전에 공연된 댄스 형식을 만들 수 있다. 지도자들의 레퍼터리로8부터 10스텝들로 난이도를 오름차순으로 정렬시키고, 그리고 대부분 일시적으로 구했고, 갑작스럽게, 또는 박수를 유발시킬 수 있는 유별난 아이템을 집어냈다. 댄스는 감정을 표현하거나 이야기 틀을 전개 시키는 의미가 아닌 이런 속성은 브로드웨이 뮤지컬을 발전시키는 과정에서 변화되었다, 오락의 한 형태로서 보여졌다.
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9. George Balanchine and Theatrical Jazz Dance
인기 있는 극장에서의 댄스공연에서 첫째로 중요한 변화는 뉴욕 시립발레단의 창립자이자 명예 안무자인, George Balanchine의 명성이다. 러시아 이민자으로, Balanchine는 역사적으로 전통이 있는 Kiror Ballet 에서 수학했지만, 또한 Michel Fokine와 Idsadora Duncon 에 의해 40개로 정리된 의미를 표현하는 방법으로서 댄스 철학을 터득해 나가기 시작했다.
1936년 브로드웨이에서 On Your Toe 를 공연했고, 댄스를 몰래 전방으로 섬기듯 이동하면서, 아무런 재제도 받지 않은 체, 각본대로 움직여 스토리를 타면서 통합되어진 춤을 췄다. 그는 Herbie Harper, 아프리칸과 아메리칸 혼혈인 으로 탭 댄서, 와 공동 연구 작업을 했고 “Slaughter On Tenth Avenue” 에서 쇼를 진행하는데 마지막 발레로 매듭짓는 곳에서 진짜 재즈댄스 동작을 추가 했다. Balanchine는 양다리에 발레 스텝으로 하는 것을 재즈 포지션으로 결합 시켰다. Balance는 브로드웨이에서 “댄스감독” 대신에 “안무가” 타이틀을 최초로 사용한 사람이었다. 근거를 둔 댄스를 바탕으로 안무자로서 브로드웨이를 습격한 것이며 재즈와 포크음악으로부터, 발레, 모던, 그리고 동작들을 가진 집단 댄스로부터 안무자의 모델링이 들어 갔다. 댄스는 이제 노래와 동등하게 대화하는 진보적 입장과 정확한 의미들을 표현 하는데 이용되어 지게 되었다.
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10. Jack Cole
Jack Cole는 극장식 재즈댄스 스타일의 발전에 있어 초기적인 형태를 갖추게 했다. 이것은 1942년 동부 인디언 춤과 할롐 무도자와 그들을 맞추는데 있어 처음으로 명백히 극장식 재즈댄스 스타일로 보았고 대중성을 부여한 스윙비트의 재즈까지 결합시키고 있는 동작들은 그의 혁신 덕택이다. Balanchine 가 vaudeville와 탭 댄싱을 결합시킨 독특한 토속적 동작들을 사용한 것에 반대되었다.
Cole는 새로운 스타일을 창조하는 재즈댄스의 스윙 리듬들을 가지고 모던 댄스오 인디언 춤, 토속적인 춤을 이해했다. June Tayler는 스타일에서 Charles Weidman 의 철학과 움직이는 스타일에서 많이 인용되어 졌음을 느꼈다. Agnes De Mille는 cole의 동작을 증명했고 Cole의 테크닉이 기여한 것과 다음세대 안무가 들에게 영향을 미친 것을 “국가적인 영구 우표로 인쇄” 되기를 희망했다. Cole는 브로드웨이가 Magdalem, Carnivalin, Flanders, Kismet, A Funny Thing Happened on the way to the forum, 과 Man of La Mancha와 Moon over Miami, Cover Girl, The Merry Windows, Gentlemen Prefer Blondes, 그리고 There is no business like show business, kismet, 그리고 Les Girls과 같은 영화들이 보여주는 댄스들을 창조했다. 그는 Mitzi Gaynor, Rita Hay Worth, Gwen Verdon과 같은 은막의 댄스 스타들과 무대 댄서로 잘 알려진 Marilyn Monroe,과 Jane Russell 세대를 창조하는 역할을 했다. 그는 또한 Gene Kelly, Marc Platt, 그리고 Matt mattox라는 안무가를 양성했다. Cole는 모던 댄스의 개념을 브로드웨이와 영화댄스에 유도 시켰고 적용시키는데 있어 선두였고, 영화댄스에 창조적인 도구로서 카메라를 사용하는데 있어서도 선구적이었다. Taylor에 따르면 그는 또한 극장 코미디 스타일로 가볍게 훈련된 1930년대부터 집중적으로 훈련 받고 기술적인 연마가 된 1940년대 댄서들 까지 지배적 극장식 스타일을 변화 시키는데 있어 선구자 역할을 했다.
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11. Pioneers Of Jazz Dance Technique
Mahoney는 극장식 재즈댄스가 뉴욕을 열광시킨 1950년대 초기를 언급한다. 초기의 지도자들은 Peter Gennaro jon Gregory, 그리고 Katherine Dunhan이다. Gennaro의 스타일은, 플리에와 다양한 발레를 기초로 한 발동작 연습들을, 바에서 경쾌하게, 빠르게, 느슨하게 그리고 탄력적으로 한다. Gregory는 제한적인 댄스경험을 가졌고, 그의 클래스는 팔 동작들과 마루바닥을 가로지르는 동작들과, “폭발하듯 비정통적인 회전동작으로 스펙터클한 뛰어오름과 떨어짐들” 의 조합들을 빠르게 전개 시켰다. Katherine Dunham은 1944년 에서 1954년 까지 뉴욕에서 (금융상의 어려움 때문에 문을 닫게 되는)학교를 운영했다. 그녀의 클래스들은 콩가 북소리가 동반되었고, 어깨와 엉덩이들을 독립적인 동작들로 마루바닥을 가로지르는 스탭 패턴들을 포함시켰다. 비록 그녀의 테크닉이 잘 계획된 양식과 유기적으로 신체를 훈련시키는 것이라 할 지라도, 그녀는 모던 댄서로 고찰되었고 그녀의 스타일은 Fosse, Robins, 그리고 Michael Kidd(guys 와 dolls 의 안무가들)에 의해 브로드웨이 극장식 재즈 댄스 활동에서 어필하기엔 너무 민속적인 것으로 나타났다.1955년에는 , 두 명의 지도자들이 뉴욕에서 일정한 형식을 갖춘 극장식 재즈 댄스 연습을 적용한 사람들로 배출되었다. Matt Mattox와 Luigi이다. Matt 는 1950 년대 초에 Eugene Loring 아메리칸 댄스 학교를 위해 가르쳐 왔었고,, 그리고, 뉴욕 Showcase 스튜디오 들에서 “내가 Jack Cole로 부터 알게 된 모든 것들을” 가르치기 시작했다. 그의 클래스들은 엄격했고, 요구했고, 용기를 주었다. Nat Horne, 16번을 브로드웨이에서 공연한 베테랑, 그의 ,Mattox Class에 대해 첫 목격을 다음과 같이 회상한다.
스튜디오가 열리는 시간이었을 때, 단지 나는 홀로 아래로 내려 갔고 나는 문 안쪽을 보았는데 거기엔 한 남자가 드럼을 치고 있었고 그의 학생들은 Isolation들을 하고 있었으며, 이것은 나를 매료 시켰다. 나는 탄성이 터졌다. ‘신이여, 이것은 단순한 댄스가 아니기에 굉장한 것입니다. 또한 신체의 모든 구조와 신체 자체게 대해 배울 수 있는 방법 입니다…’ 그들은 조절할 수 있는 모든 동작들을 취하고 있었고, 그가 가르치는 것은 매우 명백하게 그리고 숙력되게 하리 라는 것을 증명했다. Mattox의 연습은 -구조적인 발레 클래스 처럼 체계적인 전개로 신체를 훈련하는 동안 신체 각 부분들의 동작들을 독립적으로 하는 능력을 익히는데 집중했다. Eugene Facciuto, Luigi로 일반적으로 알려졌다. 그를 오른쪽 부분들을 마비시킨 거의 치명적인 차사고를 당했지만 동경하는 댄서 였다. 그는 갱생으로서 댄스들 시리즈들을 개발했고, 이것은 그의 테크닉을 위한 기초가 되었다. Luigi 스타일은 분명하게 유연성, 서정적인 발레의 품격을 표현하는 것이고, 그리고 “양팔로 신체라인을 이동시키고, 가슴은 높게, 머리는 던질 듯이 뒤로”를 강조한다. Jean Sabatine은 ‘Luigi 테크닉 뒤에 숨겨진 핵심은 몸이 항상 아름답게 보여야만 한다는 것’을 느낀다. 다른 두 지도자들은 모던 댄스에서 경력을 쌓은 뒤에 극장식 재즈 댄스 테크닉들을 개발시키는데 공헌한 Ruth Walton과 Gus Giordano, Walton은 “ Martha Graham에 영향을 받아 탭과 구식적인 것에 많은 관심”을 두었다. 그녀는 보다 그녀만의 스타일이라 불리길 원했다. 그리고 A Ruth Walton Course in Modern Dance 의 저자이다.
Giordano는 Hanya Holm과 Alwin Nikolais의 제자 중 한명이었지만, 그는 Jerome Robbines의 완전이 발레틱한 스타일에 영향을 받았다. 그의 클래스들은 “몸통과 머리를 제왕처럼 보이게 구현하는 것” 그리고 그의 테크닉은 “요가의 기본인 나른함을 결합시키는 것”이다.
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12. Jazz Dance in the 1960s and 1970s
비록 1950년대 부터의 많은 영향들이 인기와 극작용 재즈댄스의 소멸을 촉발 시킬지라도 1960년대에 이르러 괄목할 만한 결과가 돌출된다. 극장식 재즈댄스 수업은 번성하고 있었고, Las Vegas revue, Summer Stock, Broadway Show들에서 많은 공연 수단들이 존재하고 있었다. 그러나 일반인에 대한 인기의 느낌은 ? 아메리카 사회에서 ? 사교춤 들로부터 멀어져 가고 있었다. 사람들 ?원천적으로 재즈댄스의 활기를 처음부터 안고 왔던 ? 단호히 공원이나 도시지구와 사회적으로 다른 것들로 바꿨다.
10대들의 춤과 음악 쇼들은 텔레비전 전파에 의해 지배를 받고 있었다. ?Hullabaloo, Shindig, Where the Action is 같은 프로그램들- 이들이 보여주는 것은 재즈 영감의 동작들이 새로이 섞여 사회 댄스들과 혼합 되는 것이다. 젊은이들에 의해 전부 옮겨지고, 힘있는 댄서들이다.
댄서들은 음악가들이 그들의 히트송을 부를 동안에 뒤에서, 춤을 줬다. 어떤 면에서는 춤추는 장면이다.
Ziegfeld Follies 같은 사람들은 1920년대와 1930년대를 검토해서 귀여운 얼굴, 춤추는 날씬한 몸매를 다시 한번 되새겨 보았고, 없어지고, 그리고 결국 음악 산업의 부산물로 팔렸다.
백인 댄서와 안무가들이 기본적으로 브로드웨이 댄스 장면을 연출하는 동안 많은 아프리칸-아메리칸 안무자들은 그들의 생각들을 표현하기 위해 댄스 신으로 이루어지는 콘서트로 방향을 틀었다.
1970년대는 재즈댄스에 극도로 올라가고 내려오는 10여년 이었다. 극도로 올라간 것은 최상의 브로드웨이 감독과 안무가 ?Michael Bennett와 Bob Fosse 두 사람의 형태 였다.극도로 내려간 것은 팝 음악과 사교춤의 연속적인 쇄락에 기인한다. ?디스코 음악의 출현으로 Swing 비트는 완전이 흔적조차 없어졌고 960년대의 일관적인 춤들이 완전이 개별적인 동작으로 깨어진 것이고, 댄스 플로어 에서, 사람들은 자신이 느낀 것을 춤으로 표현했다.
재즈댄스의 영향을 받아 디스코 음악은 큰 성장을 이뤘다. 최면에 걸린듯한 시작비트는 뉴욕의 게이바에서 출발했다. 디스코가 라이프 스타일이 되었고 음악은 무거운 4/4박자, 노래 테마는 무의미 했다. 재즈댄스의 관점에서 1970년대의 10년간 Bob Fosse를 위한 시간들이었다. 그이 브로드웨이 에서의 성공은, 또한 영화, 텔레비전에서도 마찬가지였다.
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13. Jazz Dance in the 1960s and 1970s
1970년대가 끝나 가면서, 자유로운 형식, 10년간의 분위기는 미국인의 삶을 더욱 빠르게 옮겨 놓았다. Punk Rock, 디스코와 심리적인 음악에 대한 반항으로, 인기가 생기기 시작했고 점점 더 빨리 퍼져 나아갔으면, 비트가 점점 Hard 해 졌다. 팝의 다른 면에서는 컴퓨터 프로그램화 된 드럼과 신디사이저들이 TOP 40위 안에 랭크 되었다. 비트는 더욱 빨라지고 1980년대의 에어로빅이 폭발적인 반응을 일으켰다. 음악은 다시 변화 되었고 재즈댄스는 거기에 맞춰 함께 변화 되었다.
브로드웨이 댄스는 1980년대 동안 질적인 면에서 재즈댄스와 크게 엇갈리는 경험을 하게 된다. Michel Nennett, 코러스 라인 제작자,가 AIDS로 사망하고, Fosse가 1987년에 심장마비로 사망했다. 1989년에 이르러 Jerome Robbine의 BROADWAY가 크게 히트를 쳤다. 그러나 그것은 근래의 뮤지컬 댄스의 결핍에 따른 배경을 두고 낳은 결과 였다.
1990년대에 Hip Hop이 다가왔고, 젊은이의 문화였다. Rap 음악만이 있고, 옷 (아주 헐렁한 팬츠와 농구모자를 돌려 쓰는 것), 어휘들. Hip Hop 댄스를 쫓아 보면 재즈댄스와 같은 기초를 두는 것에서 파생되어 나왔음을 알 수 있다. ?아프리칸 동작 스타일. 그러나 Hip Hop은 Swing 비트를 사용하지 않는다. Hip Hop은 엄밀이 말해서 재즈댄스에 있어서 다소 재즈댄스의 사촌과 가깝다. Torso 움직임 같은 성격, 질질 끌고 가는 것, 즉흥적으로 하는 춤과 음악은 Hip Hop 의 댄스 전통도 아니고 단지 약간의 동질성을 가진다. 어떻든 간에, Hip Hop은 재즈댄스보다 더욱더 단순해졌고 음악적으로 복잡하게 되었다. 재즈댄스보다 댄스 동작의 형태는 더 기초적인 수준인 것이다.
10여년의 마지막에 이르러 MTV가 기본적으로 재즈댄스의 영상과 의지에 연결되어 함께 비춰진 반면 브로드웨이 뮤지컬들은 옛날 영화 뮤지컬로 젊은이들이 목 말라 하고 있다. 지금은 Hip Hop고 더불어 MTV 비디오 들은 재즈의 움직임과 거리댄스를 사용하는데 오랜 시간이 필요치 않았다.
MTV는 즉각적이고 종합적으로 거리댄스와 몇 가지 재즈댄스 형태에 주목을 받았다. 그러나, 그것은 재즈댄스의 예술성의 사용하기 위함이 아니라 비디오 초기 역할에 따라 음악을 파는 것에 있다. 안무가는 댄스의 동작을 창조하지만, MTV는 재즈댄스를 사용하면서 어떠한 예술적 영감을 주지 않고 있다