풍금작가_만들어진 그림(Constructed Painting)-홍익대학교 현대미술관

[BeauxArts]

풍금_<숨 쉬는 표면 Breathing Surface>_2026. 홍익대학교 미술대학원 석사학위청구전_홍익대학교 현대미술관

 

“자전거 길 따라 미술관 가기”로 이번엔 쉐마미술관 포럼회원 풍금작가의 홍익대학교 미술대학원 석사학위청구전시가  열리고 있는 홍익대학교 현대미술관에 다녀왔습니다.

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풍금_만들어진 그림(Constructed Painting)

■ 작품평론 (Curatorial Text, Korean)_철학적·개념적 시각으로

풍금의 작품은 회화를 더 이상 ‘그려진 것’으로만 보지 않는다. 여기서 회화는 표면 위에 얹힌 색과 형상이 아니라, 뚫리고, 통과하고, 다시 엮이며 형성되는 만들어진 구조적 사건이다.

작가는 캔버스라는 전통적 지지체를 해체하고 재구성한다. 천을 관통하여 만들어진 틈과, 그 틈을 따라 다시 채워진 실의 흐름은 표면과 이면, 내부와 외부의 경계를 흔들며, 회화를 하나의 ‘공간적 장’으로 전환시킨다.

이때 반복적으로 등장하는 기호적 형상들은 특정한 의미를 지시하기보다, 감각 이전의 상태로 환원된 존재의 흔적처럼 떠오른다.

절제된 모노톤의 색채는 물감이 ‘덧입혀진 것’이 아니라, 천의 물성 속으로 스며들며 깊이를 형성한다. 색은 표면을 덮지 않고 내부로 침투하며, 밀도와 농도의 차이를 통해 보이지 않는 층위를 드러낸다.

이러한 과정 속에서 화면은 닫힌 평면이 아니라, 공기와 빛이 드나드는 ‘열린 구조’로 호흡하게 된다.

이 작업은 반복과 시간의 축적을 통해 완성된다. 뚫고, 엮고, 채우는 행위의 지속은 물질과 신체의 긴밀한 관계를 드러내며, 그 축적된 흔적은 곧 작품의 미학적 근거가 된다.

회화는 더 이상 재현의 결과가 아니라, 과정과 시간, 그리고 물질의 상호작용이 만들어낸 경험적 장으로 확장된다.

이 작품은 무엇이 회화를 회화이게 하는가에 대한 하나의 응답으로서, 이 작업은 그려진 이미지가 아닌 ‘만들어진 공간’, 그리고 보는 대상이 아닌 ‘경험하는 구조’로서의 회화를 드러내고 있다.

기호화된 공간: 의미 이전의 언어

작품에 등장하는 반복적이고 유기적인 형태들은 특정 대상이라기보다 ‘기호(sign)’로 환원된 존재들이다. 이는 미니멀리즘의 환원성과 추상표현주의의 직관성이 동시에 작동하는 지점이다.

그러나 중요한 차이는 추상표현주의 → 감정의 폭발, 미니멀리즘 → 감정의 제거, 이 작품은 그 사이에서 감정을 ‘습기처럼 스며들게’ 만드는 제3의 방식을 취하고 있다.

물성과 시간: 축적의 미학

작품에서 가장 중요한 미학적 요소는 ‘시간의 축적’ 이다. 천을 뚫고, 실을 통과시키고, 다시 채우는 반복, 색이 스며들며 농도를 형성하는 과정, 이것은 단순한 제작 과정이 아니라 시간이 물질로 변환되는 과정이다.

이는 모노크롬 회화, 단색화 같은 미술사적 맥락과 연결된다. 특히 한국 단색화의 반복 ,수행성, 물질과 정신의 일치와 깊이 맞닿아 있으나 이 작업은 단색화에서 더 나아가 ‘표면의 반복’이 아니라 ‘구조의 반복’이라는 점에서 확장된 형태를 갖추고 있다.

결론적으로, 이 작품은 동시대 추상미술에서 드물게 물질·시간·공간·감각을 하나의 구조로 통합한 작업이다.

특히 “뚫고, 통과시키고, 다시 채우는” 방식은 단순한 조형 실험을 넘어 존재와 부재, 밀도와 공기, 닫힘과 열림 사이의 철학적 사유를 매우 절제된 형식으로 구현하고 있다.

또한 공간주의 (캔버스 절개), 단색화 (수행성과 물질성), 미니멀리즘 (형태의 절제) , 섬유예술 (직물적 사고) 교차지점에 위치하고 있으나 그 어떤 흐름에도 완전히 속하지 않고 구조적 서정 추상(Structural Lyrical Abstraction)’이라 부를 수 있는 독자적 언어를 형성한다.

-글: 이명환( Visual Artist : 전 삼탄아트마인 아트디렉터, 전 청주공예비엔날레 기획위원 )

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풍금_<숨 쉬는 표면 Breathing Surface>_2026. 홍익대학교 미술대학원 석사학위청구전_홍익대학교 현대미술관

풍금< 홍익대학교 미술대학원 석사학위청구전>_홍익대학교 현대미술관 2026. 3.23(월)~3.27(금)

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■ Curatorial Text _From a Philosophical and Conceptual Perspective

This exhibition challenges the notion of painting as a “rendered image.” Here, painting is not defined by forms and colors applied onto a surface, but by a structural event—pierced, traversed, and rewoven into being.

The artist dismantles and reconstructs the traditional canvas. Openings created through perforation and the threads that refill them destabilize the boundary between surface and depth, interior and exterior, transforming painting into a spatial field. The recurring symbolic forms do not point to specific meanings; rather, they emerge as traces of existence reduced to a pre-linguistic, perceptual state.

The restrained monochromatic palette does not simply cover the surface but seeps into the materiality of the fabric, generating depth from within. Color here is not additive but penetrative—revealing invisible layers through variations in density and saturation. As a result, the canvas becomes not a closed plane, but a breathing structure through which air and light circulate.

The work is realized through repetition and the accumulation of time. The continuous acts of piercing, threading, and filling articulate an intimate relationship between material and gesture, where the traces of process themselves become the foundation of its aesthetic. Painting, in this context, is no longer a product of representation, but an experiential field shaped by time, process, and material interaction.

Ultimately, this exhibition poses a fundamental question: What constitutes painting?

As a response, these works propose painting not as an image to be seen, but as a constructed space—not as an object of vision, but as a structure to be experienced.