(시티 센터와 퍼블릭 시어터) 브로드웨이를 움직이는것..

[뉴욕사랑_종철]

	어떤 뮤지컬이 브로드웨이에 오르기까지 거치는 경로는 매우 다양하다. 「Rent」나 「Urinetown」의 경우처럼 오프-브로드웨이에서 출발하며 브로드웨이까지 올라오는 방법이 있고 프리-브로드웨이(Pre-Broadway)라고 하여 브로드웨이를 목표로 제작자들이 지방 공연을 돌며 관객들의 반응을 통해 작품을 개선해가며 마침내 브로드웨이에 입성하는 방법도 있다. 최근 들어서는 스타급 제작진이 자금을 투입하여 「Hairspray」처럼 바로 브로드웨이에서 개막해서 모험을 하거나 혹은 잘 알려진 만화나 영화를 무대 버전으로 만들어 관객들에게 상대적으로 수월하게 홍보하기도 한다. 이런 상황에서 브로드웨이와 매우 절묘하면서도 꼭 필요한 위치에 자리잡고 있는 두 단체가 있으니 바로 시티 센터와 퍼블릭 시어터다.

이번에 소개하는 시티 센터와 퍼블릭 시어터는 공연장 겸 프러덕션으로서 어떤 외부의 손길로부터 자유로우면서도 시대를 이끌어나가 일종의 방향을 제시하는 역할을 해왔다. 우선 시티센터를 보자면 이곳은 '기성세대'의 취향을 대변한다. 오랫동안 뉴욕에 살면서 수많은 뮤지컬의 흥망성쇠를 지켜본 관객층의 기호를 만족시키며 뮤지컬이라는 미국에서 시작된 쟝르를 지키고 발전시킨다는 명분과 어린이들을 극장으로 끌어들이는 역할에 충실한다. 반면 퍼블릭 시어터의 관객은 시작이나 지금이나 여전히 ‘젊고 급진적인’ 관객들이다. 퍼블릭 시어터는 과거를 돌아보지 않는다. 그리고 오직 앞을 바라보는 그들의 기획과 공연형태 덕분에 늘 그곳은 젊음이 넘친다. 그리고 더불어 젊은 작가들과 젊은 관객들로 하여금 한 발 한 발 더 앞서나갈 수 있게끔 도와주는 곳이다. 결론적으로 시티 센터와 퍼블릭 시어터는 주 관객층과 시도는 다르지만 결국 뉴욕 공연계의 커다란 자양분으로서 자리잡고 있음을 부인할 수 없다. 접근방식과 스타일은 확연히 달라도결국 이 두 극장은 꾸준히 ‘브로드웨이’ 작품들을 양산해낸다. 그리고 거기에는 흥행성이 아닌 작품성에 먼저 접근하는 진지한 시도가 관객들에게 받아들여지고 있다.

	맨하튼의 55가 미드타운 도심에는 네오 무어식(북아프리카 이슬람 양식) 예배당 건물이 있다. 1923년에 세워진 이 건물은 소유권 분쟁에 휘말려 방치되었다가 헐리기 직전인 1943년 당시 시장이었던 피오렐로 르과르디의 주도로 2,750석 규모의 시티 센터라는 복합 공연장으로 재탄생했다. 시티 센터는 링컨센터가 건립 전까지 57가의 카네기홀과 39가의 메트로폴리탄 오페라 하우스와 함께 뉴욕 시티 발레단, 뉴욕 필하모닉 오케스트라의 주공연장이었다. 하지만 시티 센터는 카네기홀과는 달리 출발부터 대중을 위한 종합 퍼포밍 아트 센터를 표방했다. 르과르디아 시장의 목표는 분명했다. 뉴욕의 고품질 엔터테인먼트를 저렴한 가격에 상류층만이 아닌 일반 시민들에게도 보급하자는 것이었다. 이러한 기본 정신은 현재까지 이어져 상업적인 극장가에서는 쉽게 시도하지 못하는 다양한 공연들을 기획해왔으며 그 중에는 시티센터의 간판 프로그램인 앙코르 시리즈 (City Center Encores! Series)가 있다. 시티 센터의 앙코르 시리즈 앙코르 시리즈는 브로드웨이 무대를 거쳐간 수많은 고전 뮤지컬 중 매년 세 편을 선정해 콘서트 버전으로 재구성, 각각 5회씩 공연하는 시리즈다. 브로드웨이의 뮤지컬은 이미 황금기가 지난 1960년대 말부터 리바이벌에 불이 붙었다. 뮤지컬의 황금기에는 너무나 많은 신작들이 치열한 경쟁을 벌여 우수한 작품이면서도 성급히 막을 내린 경우가 많기 때문에 이러한 작품들을 다시 평가하는 작업은 매우 중요한 의미를 지닌다. 따라서 어느 작품을 리바이벌할지도 브로드웨이 제작자들의 큰 관심거리다. 시티센터의 앙코르 시리즈는 결과적으로, 브로드웨이 뮤지컬 유산을 적극적으로 보존하는 역할을 담당한다는 명분과 함께 브로드웨이의 제작자들로 하여금 리바이벌할 뮤지컬을 결정하는 데 도움을 주는 실리를 챙기는 두 마리 토끼를 잡는 데 성공했다. 앙코르 시리즈는 1994년에 시작했고 중요한 첫 결실은 2년 후에 나왔다. 1996년 앙코르 시리즈에 선정된 뮤지컬 「시카고」는 베베 뉴워스, 앤 라인킹이 주연을 맡아 전 좌석 매진을 기록했고 이 배우들이 그대로 브로드웨이 리바이벌 무대로 옮겨가 이듬해 토니상을 휩쓸었다. 「시카고」는 1975년에 초연된 수작이지만 80년대 - 90년대 초반 런던이 주도한 볼거리 위주의 뮤지컬 붐과 「라이언 킹」 같은 가족뮤지컬에 밀려 상대적으로 파격적인 드라마 진행과 음침한 주제를 가진 이 작품의 리바이벌 제작은 불투명했다. 하지만 이 앙코르 시리즈에서의 열광적인 반응은 제작자들의 예상을 뛰어넘는 것이었다. 결국 이 작품은 뒤늦은 밥 포시 열풍의 기폭제가 되었고 이듬해 포시가 안무한 「카바레」와 포시의 안무를 엮은 레뷔인 「Fosse」가 브로드웨이에서 동시에 개막했다. 앙코르 시리즈는 ‘준 브로드웨이’ 라고 할 수 있다. 롭 피셔가 지휘하는 앙코르 공연 전담 오케스트라에 의해 오케스트라 편성은 원작과 같은 규모이고 토니상 수상 경력의 유명배우가 출연한다는 점에서는 브로드웨이와 차이가 없지만 돈이 많이 드는 세트, 의상, 드라마적인 동선은 모두 생략한 콘서트 형식으로 예산을 확 줄였고 가격도 브로드웨이보다 싸다. 올 시즌 레퍼토리 중의 하나였던 「파자마 게임」에서는 「Contact」로 2000년 토니상 여우주연상을 수상한 바 있는 카렌 짐바(Karen Ziemba)가 주연을 맡았다.

	앙코르 시리즈의 ‘준 브로드웨이’ 쇼는 오프 브로드웨이와는 차이가 있다. 오프의 경우는 규모의 크고 작음을 떠나 ‘흥행성’을 담보하여 장기 공연을 하려는 점에서는 브로드웨이와 다를 바가 없다. 그러나 앙코르 시리즈는 특별공연으로 세 편을 각각 5회씩 공연하기 때문에 총 공연 일정은 15회에 지나지 않으며 각각 배우 리허설 8일, 드레스 리허설 하루 등 9일만을 집중적으로 투자할 뿐이다. 적은 돈을 투자해 짧은 기간동안 공연하며 그럼에도 불구하고 놀라운 결과를 낳는 것은 배우의 기본기가 얼마나 탄탄한지를 역설적으로 반증한다. 1998년의 앙코르 시리즈에서 공연되어 호평을 받았던 로저스의 뮤지컬 「The Boys From Syracuse」는 올해 로저스 백주년을 맞아 한정공연으로 브로드웨이 무대에 올라갔다. 이밖에도 「Promises, Promises」와 「Wonderful Town」도 앙코르 시리즈가 낳은 히트작들로서 현재 제작자들이 브로드웨이 공연을 검토 중인 작품들이다. 작품 선정은 앙코르 시리즈의 예술감독인 잭 비어텔과 시티 센터에서 위촉한 앙코르 선정위원회가 협의해서 결정한다. 잭 비어텔은 “선정작품은 잊혀졌던 과거의 수많은 뮤지컬들 중 현재의 관객에게 어필할 만한 참신한 매력이 있는 작품이어야 한다. 거쉰의 것일 수도 있고 60년대 히피를 노래한 「헤어」일 수도 있다. 어느 쪽이건 이제는 모두 고전이라고 말할 수 있으며 향수를 찾는 나이든 관객은 물론 옛 뮤지컬에서 새로운 가능성을 찾고자 하는 젊은 뮤지컬 지망생들에게 모두 의미가 있는 행사가 되기 위해 작품을 선정하려고 노력한다.”고 선정기준을 밝혔다. 특히 앙코르 시리즈는 관광 비수기인 2월 중순 - 3월 초를 시즌으로 잡아 관광객보다는 뮤지컬을 오랫동안 즐겨온 뉴욕의 고정팬들을 위한 서비스임을 천명한다. 그 밖의 다양한 시도들 시티 센터의 뮤지컬 공연은 앙코르 시리즈 말고도 유명가수가 브로드웨이의 명곡들을 부르는 특별 공연도 있다. 지난 가을에는 리바이벌 「왕과 나(1996)」에서 주연인 애나 역, 「패션(1995)」에서 포스카 역을 맡았던 유명 여배우 도나 머피(Donna Murphy)와 그 동료, 후배들이 참가한 콘서트에서 1910년대에서 80년대에 이르는 명곡 26곡을 불러 관객들을 열광시키기도 했다. 또한 시티 센터는 앙코르 시리즈 중 한 작품을 선별하여 매년 오리지널 캐스트 음반을 제작한다. 앙코르 시리즈가 9회째인지라 현재 시중에는 총 9장의 오리지널 음반이 나와있다. 공연기간은 짧지만 음반을 제작함으로써 이 시리즈에 관심을 가진 많은 사람들이 대리만족을 느낌과 동시에 기록으로서의 의의도 충실히 지켜나가고 있다. 1996년, 시카고의 성공 이후 시티 센터의 앙코르 시리즈는 미국의 대표적인 미디어 그룹인 타임 워너사가 후원자로 나섰다. 시티 센터는 앙코르 시리즈로 2000년 토니상 공로상을 수상하기도 했다. 시티 센터는 앨빈 에일리 무용단, 폴 테일러 무용단, 아메리칸 발레 시어터 등의 주요 거점이기도 하며 오프 브로드웨이의 터줏대감인 Manhattan Theatre Club의 하우스 공연장이며 작가들의 페스티벌인 ‘Writers in Performance’ 시리즈를 주최하는 등 초기의 역할에 충실히 임하고 있다. 특히 어린이를 위한 프로그램을 보면 시티센터의 역할이 극명하게 드러난다. 어린 학생들에게 할인혜택과 함께 공연 예술에 대한 지식을 가르치는 행사와, 프로 댄서들이 직접 공립학교에 가서 아이들을 지도하여 그 아이들이 시티 센터의 무대에서 공연하게 하는 ‘Young People’s Dance Series’ 라는 피드백 프로그램은 어린 관객을 육성하려는 능동적인 시도이다.

	1954년 연출자 겸 제작자인 조셉 파프(Joseph Papp)에 의해 ‘셰익스피어 워크숍’으로 출발한 퍼블릭 시어터는 이제 미국에서 가장 유명한 문화단체가 되었다. 퍼블릭 시어터는 오프 브로드웨이 연극, 음악 공연, 뮤지컬을 꾸준히 제작하는 한편 전통의 뉴욕 셰익스피어 페스티벌(NYSF)을 주관한다. 조셉 파프가 세상을 떠난 1991년 이후에는 조지 울프가 프로듀서를 맡아 파프의 유지를 이어받아 운영 중이며 여전히 유망한 아티스트를 발굴하고 사회적인 메시지가 강한 현대물과 실험작품을 무대에 올리고 있다. 퍼블릭 시어터는 오프-오프 브로드웨이의 중심지인 이스트 빌리지의 라피옛 스트리트에 위치한다. 극장이라기보다는 공공기관 같은 이 붉은 빛이 감도는 갈색 건물은 원래 이 지역에 살았던 명문가인 아스터 가문이 시에 기부한 최초의, 뉴욕 최초의 공립 도서관이었다가 1967년 조셉 파프에 의해 퍼블릭 시어터로 개조되었다. 이스트 빌리지를 오프-오프의 중심지로 만든 실질적인 시초는 카페 치노와 라마마 극장이라고 할 수 있지만 퍼블릭 시어터는 그 발전에 가속페달을 밟아주었다고 할만큼 오프-오프에 질적인 면으로 미친 영향력이 크다. 조셉 파프 - 영원한 오프 브로드웨이 프로듀서 1921년 뉴욕 브루클린에서 태어난 그는 미국 연극사에서 20세기 이후 반세기 동안 가장 많은 영향력을 미친 인물로 평가된다. 20대 중반에는 할리우드에서 연기와 연출을 공부했으며 연극 「세일즈 맨의 죽음」의 미국 순회 공연 무대 감독을 맡았고 이어서 CBS 방송국에서 무대감독을 하는 등 뉴욕에서 본격적으로 연극 무대에 집중하기 전에 여러 곳에서 다양한 경험을 쌓으며 인맥을 구성했다. 33살의 조셉 파프가 셰익스피어 페스티벌을 조직한 것은 1954년이었다. 그는 맨하튼의 저소득층 주거 지역인 로어 이스트 사이드 지역의 한 교회 지하에 페스티벌 본부를 차린 후 후원자들을 불려나가며 뉴욕 전역에서 무료 공연을 벌였다.‘가난한 연극’이라는 화두가 전세계를 휩쓸던 시기였고 그들은 돈으로 처바른 브로드웨이 공연이나 비싼 클래식 공연에 환멸을 느꼈다. 수많은 기행을 벌인 극단들도 있었으나 조셉 파프의 시도는 사회적인 반감보다 커다란 호응을 자아냈다. 그러나 ‘무료공연’은 당연히 재정난을 불러왔다. 조셉 파프가 후원자를 모으기 위해 기울인 노력은 엄청났고 결국 페스티벌을 개최한지 7년만인 1962년, 뉴욕시가 센트럴파크의 야외 공연장인 델라코르테 극장을 무상으로 제공하기로 결정하여 셰익스피어 페스티벌은 안정된 극장을 얻었다. 조셉 파프는 이후로도 정부와 시 당국으로부터 지원금을 타내기 위해 10년 이상을 때로는 싸우고 때로는 타협하면서 살았다. 1967년 퍼블릭 시어터가 둥지를 튼 아스터 도서관 건물 역시 재정난으로 허물어질뻔한 것을 뉴욕시와 합의해 역사건물로 지정받아 지켜낸 것이었다. 거기가 바로 현재의 퍼블릭 시어터의 깃발이 날리는 곳이며 이후 수많은 후원자들을 확보하며 명칭에 걸맞는 행보를 보여주게 된다. 특히 공연되는 작품의 수준은 굉장히 높아서 많은 히트작들이 브로드웨이 무대에까지 옮겨지곤 했는데 그 가운데 압권이라 할만한 작품이 바로 두 말이 필요없는 1975년에 개막된「코러스라인」이다.「캐츠」에 의해 기록이 깨지기 전까지 「코러스 라인」은 브로드웨이 최장기 공연기록을 세웠고 아직도 많은 사람들이 이 작품을 그리워하고 있다.

	조셉 파프가 진정 돋보이는 것은 수많은 히트작을 제작해 많은 돈을 벌어들였지만 정작 그가 번 돈을 자신의 안락함을 위해 쓰지 않고 퍼블릭 시어터를 위해 고스란히 환원했다는 점이다. 그는 뉴욕에서 처음 공연계에 뛰어들었을 때의 마음가짐을 잊지 않았다. 그가 세상을 떠난 지금도 셰익스피어 페스티벌은 관람료를 받지 않는다는 방침을 지키고 있다. 조셉 파프는 참신한 공연소재 개발은 물론 신인작가와 배우들을 발굴하는 혜안을 가지고 있었다. 역으로 말하면 퍼블릭 시어터가 그만큼 큰 영향력을 발휘했음을 보여준다. 조셉 파프는 무명에 가까웠던 데이빗 라베, 샘 쉐퍼드, 토미스 베이브, 데이빗 헤어 등의 작가들에게 공연 기회를 제공했고 조지 스코트, 메릴 스트립 같은 배우들도 셰익스피어 페스티벌을 통해 이름을 얻었다. 그가 세상을 뜬 1991년 퍼블릭 시어터는 그를 영원히 기리기 위해 ‘조셉 파프 퍼블릭 시어터’로 개명했다. 퍼블릭 시어터의 족적 퍼블릭 시어터의 수상 경력은 화려하기 그지 없다. 거머쥔 토니상이 무려 32개, 오프, 오프-오프 최고 권위를 지닌 오비상 125개, 드라마 데스크 32개, 그리고 극작가에게 있어서 가장 큰 영예인 풀리처 연극부문 상도 세 번이나 수상했다. 퍼블릭 시어터에서 제작한 작품 가운데 연극/뮤지컬을 통틀어 무려 24개의 작품이 브로드웨이에 올라갔다. 그 가운데 뮤지컬 작품 중 대표적인 것으로는 「헤어」, 「지저스 크라이스트 수퍼스타」, 「챔피언 시즌」, 「코러스 라인」,「Bring in ‘Da Noise, Bring in ‘Da Funk」, 「온 더 타운」 등을 꼽을 수 있다. 2001-2002 시즌에도 랩가수 모스 데프와 영화 ‘바스키아’의 주연 제프리 라이트가 주연한 연극 「Topdog/Underdog」과 올해 토니상 공로상을 받은 노장 여류 코미디언 일레인 스티치의 「Liberty」가 올라갔다. 퍼블릭 극장은 19세기에 건축된 고풍스런 도서관을 개조하기도 했지만 애당초 상업적인 대극장을 지향하지 않았다. 이 붉은 건물은 오프 브로드웨이 규모인 5개의 소극장으로 구성되어 있다. 가장 작은 것은 99석 짜리 수잔 스타인 쉬바 극장이며 가장 큰 것은 299석 짜리 에스텔 뉴만 극장이다. 극장들과는 별도로 시네마떼끄 형식의 조그만 영화관과 조스 펍이라는 150석 규모의 카바레 공간이 있다. 특히 조스 펍은 보다 자유로운 형식의 공연들 - 낭송(spoken-word) 아티스트, 스탠딩 코미디, 1인극 등 주로 솔로 아티스트들의 공연이 벌어지는 장소로 음식과 술을 마시며 공연을 즐기는 초기 오프-오프 시절을 연상케 하는 열린 사교 공간으로서의 기능을 하고 있다. 조스 펍은 음료수 두 잔 값으로 재기발랄한 공연을 즐길 수 있으며 여타 공연도 학생은 반액할인을 받을 수 있어 젊은이들의 아지트로 사랑받고 있다. 사진-조용신

	퍼블릭 시어터 홍보 책임자 다라 마틴(Darragh Martin)과의 전화 인터뷰 인터뷰-조용신 퍼블릭 시어터의 활동을 어떻게 정의할 수 있는가? 퍼블릭 시어터/뉴욕 셰익스피어 페스티벌은 미국의 신진 연극과 뮤지컬 가운데 특히 뉴욕시라는 지역사회에 기여할 수 있는 작품을 발굴하고 지원하는 역할을 하는 문화 단체다. 두 가지로 크게 구분하자면 하나는 셰익스피어 작품을 비롯한 고전물들을 센트럴파크에서 정기적으로 공연하는 것이고 또 하나는 진취적인 프로덕션의 작품들을 이곳 퍼블릭 시어터에 유치하는 것이다. 그리고 이런 작업과는 별도로 미국의 재능 있는 아티스트들 즉 극작가, 연출가, 배우 등을 발굴해 각 지역사회에 기여하여 그들로 하여금 새로운 관객층을 형성할 수 있게 하는 교육 프로그램도 진행중이다. 셰익스피어 작품은 극단이라면 어디나 한번씩은 시도하는 고전인데 조셉 파프가 그 당시에 페스티벌을 만들고 주도할 수 있었던 어떤 특별한 이유가 있는가? 물론 모두가 셰익스피어를 공연한다(웃음). 하지만 그 당시(1954년) 조셉 파프가 이스트 6가의 엠마뉴엘 장로교회 지하에서 시작했던 셰익스피어 페스티벌은 무료라는 사실이 중요하다. 그것은 지역사회에 예술을 돌려주고자 하는 공동체 의식에서 비롯되었고 셰익스피어 시대의 정신을 계승한 것이라서 명분 면에서 호응을 받았다. 센트럴파크에 델라코르테 극장이 만들어지기 전부터도 이미 센트럴파크의 무료 공연을 해왔다. 그 동안 셰익스피어의 전 작품을 공연한 것으로 알고 있다. 기간은 얼마나 걸렸나? 공식적으로 전 작품을 공연하는 ‘셰익스피어 마라톤’이라는 프로젝트를 준비해서 1987년 「한여름밤의 꿈」을 오프닝작으로 시작했다. 작품이 총 36개인데 1997년에 마쳤으니까 11년이 걸렸다. 마지막 작품은 「헨리 8세」였다. 굉장한 프로젝트였다. 기존에 1년에 평균 3개 이상 하던 작품수가 지금은 많이 줄었는데.. 앞으로 유료화 할 생각이 있는가? 전혀 없다. 무료 공연이라는 초기의 원칙은 계속 지켜나갈 것이다. 셰익스피어 마라톤 행사는 프로젝트가 크고 명분이 꽤 컸기 때문에 후원금이 많았는데 그게 끝나고 나자 후원자들이 줄기 시작했다. 올해 한 작품밖에 못 올리는 것은 시의 지원이 줄어든 탓도 있지만 후원이 준 것이 더 결정적이다. 알다시피 자금 문제로 올해에는 「십이야」 하나밖에 올리지 못했다. 어차피 문화단체라는 것은 생각 있는 사람들의 후원금이 없이는 운영되지 못한다. 앞으로 후원자들이 더 많은 관심을 기울여주기를 바랄 뿐이다. 한국에서도 뮤지컬 「헤어」나 「코러스라인」 같은 작품이 잘 알려져 있다. 그 동안 시대를 앞서가는 뮤지컬을 제작해 왔는데 미국 뮤지컬의 미래에 대한 사명감 같은 걸 가지고 있는가? 「헤어」는 퍼블릭 시어터의 개관작이었다. 어떤 사명감보다는 뉴욕이라는 지역사회의 이슈에 부합하는 작품을 만드는 데 주력했다. 당신도 알다시피 어느 곳보다도 에너지가 넘치고 다양한 문화가 있는 곳이 뉴욕이다. 그것과 합치되는 것이 60년대에는 「헤어」였고 70년대에는 「코러스라인」이었다. 90년대에는「Bring in’Da Noise, Bring in’Da Funk」 같은 작품이었다. 젊은 관객들이 공감할 수 있는 방식으로 이 사회를 이해할 수 있는 그런 작품을 만들고 있다. 퍼블릭 시어터 건물은 특이하게도 복합 소극장이다. 여기서 어떤 스타일의 뮤지컬들이 공연되고 있으며 특별히 브로드웨이에 진출하기 위해 노력을 하는가? 결과적으로 그 동안 이곳에서 제작하여 시작한 뮤지컬 가운데 7개가 브로드웨이로 진출했지만 그 중 어떤 것도 전형적인 브로드웨이 스타일의 뮤지컬이 아니다. 그래서 대부분 브로드웨이에 비해 소규모다. 사실 우리의 주안점은 재능 있는 작가와 연출자를 개발해 힘을 실어주는 것이다. 그리고 전체적으로 뮤지컬보다는 연극과 퍼포먼스가 훨씬 많다. 개인적으로 조스 펍을 좋아하는 사람들이 주위에 많다. 조스 펍은 퍼블릭 시어터에서 어떤 위치인가? 재주 많은 음악가들과 낭송 아티스트들의 공연을 보면서 식사도 하고 행아웃 할 수 있다는 점에서 인기가 좋다. 월드뮤직에서부터 전통 카바레 가수들의 음악도 들을 수 있어서 미국 사회의 어떤 전통, 분위기 같은 것에 젊은 층을 거부감 없이 끌어들일 수 있는 곳이다. 한국에서는 요즘 브로드웨이 스타일의 뮤지컬이 붐이다. 어떻게 생각하는가? 솔직히 본 적이 없어서 잘 모르겠다. 지역적인 특성을 살린 독자적인 발전이 있으면 좋지 않겠나. 퍼블릭 시어터가 앞으로도 여태까지의 원칙을 지켜가며 굳건하게 남아있기를 바란다. 인터뷰에 응해주어 감사하다. 그럴 것이다. 관심 가져주어 고맙다.