[5월 24/25/31일] 잇다: Dot the Line의 첫 해, 색소폰과 피아노를 잇다

[현대문화기획]

잇다: Dot The Line의 첫 해,

색소폰과 피아노를 잇다

[2019년]

5월 24(금), 25(토) 이화여자대학교 음악관 리싸이틀 홀

5월 31(금) 전주 한국소리문화의전당 명인홀

6 pm: Pre-Concert Talk

6:30pm: Concert

DOT THE LINE은 미국과 한국에서 활동하는 젊은 작곡가와 연주자로 구성된 현대음악 페스티벌입니다. 작곡가 이승희와 피아니스트 고은미는 재능 있는 작곡가를 발굴하고 다양한 현대음악을 청중에게 알리려는 목적으로 페스티벌을 시작했습니다.

2019 년 Dot The Line 페스티벌은 색소폰과 피아노 곡을 선보입니다. 초청 작곡가는 잉그리드 스튤즐, 치천지선 리, 마이클 시드니 팀슨, 전현석, 이승희, 친팅 찬입니다. 연주자는 노바 색소폰 앙상블 (이승동, 이창훈, 김기현, 장하늘), 색소포니스트 브랜든 최, 빈재현, 최진욱, 피아니스트 니콜라스 필립스, 고은미, 신지은, 플루티스트 이효정입니다.

2019 년 페스티벌 작품 공모 우승 작곡가는 래리 반스(미국), 봉하륜(한국), 존 린 추아(싱가폴), 룩 다한(미국), 마크 구롤라(미국), 터커 존슨(미국), 정홍주(한국), 타일러 클라인(미국), 이한(한국), 오세린(한국/미국), 폴 산 그레고리(미국/대만), 메튜 슈라이베이스(미국/홍콩), 오스틴 입(홍콩)입니다.

New Music Festival Dot The Line bridges composers and performers between Korea and other countries, advocates contemporary composers and their scores; and presents the highest level of performance and innovative programming to a general audience.

Dot The Line was founded by pianist Eunmi Ko and composer Seunghee Lee to promote composers in their early-mid career and introduce a variety of new music to a wider range of audiences.

2019 Dot The Line Festival celebrates its inaugural year with works for saxophone and piano. Composers-in-Residence include Ingrid Stölzel, Patrick Chin Ting Chan, Chihchun Chi-sun Lee, Michael Sidney Timpson, Seunghee Lee, Hyunsuk Jun. Performers include Nova Saxophone Ensemble (Seungdong Lee, Hanul Jang, Changhoon Lee, Kihyun Kim), saxophonist Brandon Choi, Jaehyun Been, Jinwook Choi, pianist Nicholas Phillips, Eunmi Ko, Jieun Shin, and flutist Hyojung Lee.

2019 Dot The Line Call for Scores winners are composer Larry Barnes (USA), Haryun Bong (Korea), Jon Lin Chua (Singapore), Luke Dahn (USA), Mark FT Gurrola (USA), Tucker Johnson (USA), Hongjoo Jung (Korea), Tyler Kline (USA), Lee Han (Korea), Serin Oh (Korea/USA), Paul SanGregory (USA/Taiwan), Matthew Schreibeis (USA/Hong Kong), Austin Yip (Hong Kong)

Friday May 24, 2019 • 6:30 PM • Ewha Womans University Recital Hall

5월 24일 이화여자대학교 음악대학 리싸이틀 홀

• 모든 연주회는 Pre-Concert Talk으로 시작합니다.

    Talk 은 6시, 연주회는 6시 30분 입니다.

In the midst / Ingrid Stölzel

    Jieun Shin, Piano

A deaf Sea / Hongjoo Jung

    Changhoon Lee, Saxophone

speɪs / Lee Han

    Eunmi Ko, Piano

Inner Truth / Matthew Schreibeis

    Eunmi Ko, Piano

Pattern / Haryun Bong

    Seungdong Lee, Saxophone

    Hyojung Lee, Flute

    Eunmi Ko, Piano

Radiance / Serin Oh

    Nicholas Phillips, Piano

Antithetical Etudes / Michael Sidney Timpson

I. Entwined-Interwind

II. Supra Palette

III. Micro-Sublimation

IV. Proto Sulawesi

V. Intra-Phase

VI. Hyper Tona

    Eunmi Ko, Piano

    Nicholas Phillips, Piano

    Jieun Shin, Piano

Halt fail / Austin Yip

    Nova Saxophone Ensemble

[Program and Composers’ Biographies]

In the midst

추모곡 - 훌륭한 예술가와 음악사적으로 중요한 사건을 추억하고 기리는 곡 - 전통은 꽤 길다. In the midst 이후에도 위대한 피아니스트 Van Cliburn 을 추모하고 그에게 헌정하는 곡들은 많이 나올 것이다. 이 곡의 위촉을 받게 된 일은 나에게 영광스러운 일이었다. In the midst 를 구상하면서 머리속에 이미지를 하나 떠올렸는데 이 이미지는 곡을 작곡하는 내내 내 머리를 떠나지 않았다 - 나는 1958 년 모스크바의 차이콥스키 콩쿠르 객석에서 Van Cliburn 의 전설적인 연주 (차이콥스키 피아노 협주곡 1 번)를 들었다. 협주곡 소리가 홀을 떠돌았고 곡의 화음이 홀 안을 가득 채웠다. Van Cliburn 의 연주는 청중들의 감정을 고조시켰고 홀 안은 긴장감이 팽배했다. 위대한 연주자가 우리에게 남긴 연주는 그 장소와 청중과 역사에 아로새겨졌다. 나는 이 곡을 작곡하면서 (나만의 음악세계를 만들어가는 과정) 항상 나 자신을 에너지가 팽배한 그 현장의 한가운데 세워 놓았다. 차이콥스키의 언어를 내 (음악)언어로 재해석하고 차이콥스키의 협주곡 1 번을 청중들에게 족적을 남긴 훌륭한 연주에 바치는 추모곡으로 재탄생시켰다. In the midst 는 위대한 예술가를 추억하는 곡이다. 또한, 그들의 존재를 축복하는 곡이며 우리 내면에 영원히 각인된 예술가의 족적을 기리는 곡이다. 이곡은 Van Cliburn 을 추모하며 Van Cliburn 콩쿠르 금메달 수상자인 Stanislav Ioudenitch 를 위해 쓰였고, Van Cliburn 헌정연주회에서 초연되었다.

There is a long tradition of composers writing pieces for specific occasions and in remembrance of great artists. Undoubtedly, there will be many compositions written and dedicated to the memory of Van Cliburn and I am honored to be able to contribute “In the Midst.” When I first thought about what kind of piece this would be, a mental image appeared that stayed with me throughout my writing process. I imagined myself in the concert hall following Van Cliburn’s legendary performance of Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1 at the International Tchaikovsky Competition in Moscow in 1958 – the resonance of the concerto lingering, the chords ringing in the air, the emotional energy expanded by Van Cliburn still palpable and the legacy of the performance imprinted onto the hall, the audience and history. As I was creating my own sound world, I found myself in the midst of this energetic reverberance, filtering musical fragments of the concerto through my own compositional voice and reimagining the music as a tribute to all the great performances that leave behind an emotional imprint on the listener. In the Midst is a remembrance, a celebration and an appreciation of an extraordinary musical life forever in our midst. The piece was written for Van Cliburn Piano Competition Gold medalist, Stanislav Ioudenitch in memory of Van Cliburn and premiered at the Van Cliburn Tribute Concert.

작곡 / Ingrid Stölzel (b.1971)

“주목할 재능을 가진 작곡가” “대담하고 자신감 있는 작곡가”라는 평을 받는 잉그리드 슈튤쥴의 다수의 수상 작품들은 멀킨콘서트홀, 케네디 센터, 태국국제작곡음악제, 벨기에 Osmose 페스티벌, Vox Feminae 페스티벌, 이스라엘 페스티벌과 베이징 현대음악 페스티벌 등에서 연주되었다. 최근 수상 경력으로는 Ettelson 작곡가상, 레드노트 작곡 경연대회 입상, Robert Avalon 국제 작곡 경연대회 입상, 그리고 Kaleidoscope 쳄버 오케스트라 경연대회 입상 등 이 있다. 최근 앨범 “Gorgeous Nothing” 은 2018 년 나보나 레코드에서 발간되었다. 현재 캔사스 대학 조교수로 재직 중이다.

Ingrid Stölzel (b.1971) has been hailed “as a composer of considerable gifts” who is “musically confident and bold” by National Public Radio’s classical music critic. Her music has been described as “tender and beautiful” (American Record Guide) and as creating a “haunting feeling of lyrical reflection and suspension in time and memory” (Classical-Modern Review). At the heart of her compositions is a belief that music can create a profound emotional connection with the listener.

Stölzel’s compositions are performed in concert halls and festivals worldwide, including Merkin Concert Hall, Kennedy Center, the Thailand International Composition Festival, Festival Osmose (Belgium), Vox Feminae Festival (Israel), Festival of New Music at Florida State (USA), Beijing Modern Music Festival (China), Festival of New American Music (USA), and SoundOn Festival of Modern Music (USA). Her music has been awarded in numerous competitions, among them recently the Suzanne and Lee Ettelson Composer's Award, Red Note Composition Competition, the Robert Avalon International Competition for Composers, and the Kaleidoscope Chamber Orchestra Competition. Her solo album “The Gorgeous Nothings” was released by Navona Records in July 2018. Stölzel is on the composition faculty at the University of Kansas. ingridstolzel.com

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A deaf Sea for Solo Tenor Saxophone

A deaf Sea는 세상에 하나뿐인 고래, 52Hz 고래를 모티브로 한 곡이다.곡을 쓰기 앞서 ‘왜 이 고래는 다른 고래들과 달리 비정상적으로 높은 Hz를 낼까?’에 초점을 맞추었다. 비정상적인 신체구조 등 여러 가지 이유 중 나는 이 고래가 청각장애를 갖고 있다고 상상하였다. 그래서 소리가 들리지 않은 괴로움과 홀로 있다는 외로움에 몸부림치는 고래의 모습을 곡에서 표현하고자 했다.첫 부분은 Ab을 중심음으로 하여 깊은 바다의 모습을 색채적으로, 음형적으로 표현하였다. B 음을 기음으로 한 Multiphonics의 갑작스러운 출현은 52Hz 고래가 등장함을 알리는 소리로 이 부분부터 중심음이 Ab에서 B로 바뀌게 된다. 또한 이 부분부터 전자음향이 등장하는데 처음에는 Ab(52Hz)이 조각적으로 나오다 B로 바뀌게 된다. 고래가 몸부림치는 부분을 색소폰으로 묘사함과 동시에 전자음향에서 Spectral cluster가 나와 점점 절정으로 치달고 절정에서는 색소폰의 즉흥연주를 통해 몸부림치는 모습을 극적으로 표현하고자 하였다. 그 후 전자음향의 Ab(52Hz)이 지속되며 색소폰에서 곡의 첫 부분의 모습을 조각적으로 나타내어 잔향을 남기려 하였다.어쩌면 우리 모두가 52Hz 고래처럼 외로움과 괴로움의 삶 속에서 유영하고 있을지도 모른다.

A deaf Sea took a motive from the one and only 52Hz whale in the world. When I started writing this piece, I focused on a question: ‘why does this whale produce such an unusually high frequency?’ I imagine this whale having a hearing problem due to abnormality. Through my music, I wanted to express the feelings of the whale – the whale's agony and loneliness because he/she cannot hear anything. In the first section, Ab is the central tone, which I use to describe the deep ocean both in timbral color and sound aspect. The sudden appearance of multiphonics centered on B is the signal of the whale’s entrance; the central tone changes from Ab to B. Also, electronics join in this part with Ab (52Hz) at first, and then B. The struggling of the whale is shown in the saxophone while electronics push to the climactic moment by providing a spectral cluster. Improvisation by the saxophone adds a dramatic effect of describing a scene of whale writhing in agony. After this section, the electronics continue on A b (52Hz) while the saxophone brings back fragments from the first section as a reminiscence. Just like the 52Hz whale, we all seem to be swimming in life with loneliness and agony.

작곡 / 정홍주

작곡가 정홍주는 1996년 부산에서 태어났다. 제 35회 ACL-Korea Young Composers Awards에서 대상을 수상하였으며 그녀의 작품은 35th ACL TW Conference & Festival- Young Composer Competition Concert 에서 Ensemble ISCM – Taiwan 에 의해 연주되었다. 또한 제 5회 한양 현대 음악제와 2018 Yeoro Young Composer’s Festival 그리고 Jared Redmond 피아노 리사이틀에서 작품을 발표하였으며 2019년 SONOR XXI Young Composers Series 인 Eine Höbare Ausstellung with Kay Lee에서 SONR XX에 의해 작품이 위촉, 세계 초연되었다. Peter Eötvös와 진은숙의 마스터 클래스에 참여하였으며 그녀는 지금 한양대학교 작곡과 4학년 (박명훈 사사)에 재학 중이다.

Composer Hongjoo Jung was born in 1996 in Busan (Korea). She is the winner of 35th ACL -Korea Young Composers Awards and her music was performed at the 35th ACL TW Conference & Festival – Young Composer Competition Concert by Ensemble ISCM -Taiwan. Other performances of her music included the 5th Hanyang Contemporary Music Festival, 2018 Yeoro Young Composer ’s Festival, and Jared Redmond’s piano recital. In 2019, her music was commissioned and premiered at SONO R XX I Young Composers Series – Eine Höbare Ausstellung with Kay Lee by SONO R XX. She has participated masterclasses by Peter Eötvös and Unsuk Chin. She is currently a senior at Hanyang University studying with Myunghun Park.

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speɪs for Solo Piano

I. 절대적 시간과 상대적 시간의 관계

II. 일본의 ‘젠’ 양식: 좁은 공간도 오래 돌아보듯이, 긴 공간을 걷는 것처럼…

I. Relationship between absolute and relative time

II. Japanese ‘Zen’ style: looking into a small space for a long time, as if walking a long distance

작곡 / 이한

1998년 서울에서 태어난 이한은 덕원예술고등학교를 졸업하였고, 현재 경희대학교 작곡과 2학년에 재학 중이다. 17살 때부터 음악을 시작하였으며 안요엘, 최지연, 김승림을 사사하였다. 고등학교 시절 친구들과 함께하는 연주회를 주도하여 피아노 독주곡 <Impression>과 <VARIATION -Resonance>를 발표하였으며, 최근에는 제 28회 대구국제현대음악제에 당선되어<Tone-line>을 발표했다. 소리의 추상화 및 음색과 음향의 투명도, 클리셰의 파괴에 대한 입체적 고찰을 바탕으로 창작활동을 이어가고 있으며, 최근에는 전자음악 분야에도 도전하고 있다.

Born in 1998, Lee Han was born in Seoul and graduated from Duk-won Arts High School. Lee is currently a sophomore at Kyung-hee University. Since Lee's musical studies at the age of 17, Lee has studied with Yoel Ahn, Ji-yeon Choi, and Seung-lim Kim. Lee's music has been performed at various concerts, including a self-organized student concert in the high school programming solo piano pieces ‘Impression’ and ‘VARIATION- Resonance’. ‘Tone-line’ was selected to be performed at the 28th Dae-gu International Contemporary Music Festival. Lee's compositional objective is creating an abstract sound, clarifying the color and acoustics of sound, and breaking the cliché. Lee recently started experimenting with electronic music.

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Inner Truth for Solo Piano

Inner Truth는 피아니스트 고은미의 2017 년 작곡가 윤이상 100 주년 탄생 기념 프로젝트 위촉으로 작곡되었다. 20 세기의 어느 작곡가보다 독특한 음악세계를 가졌던 위대한 작곡가 윤이상은 한국의 전통 음악과 전통 악기에 자신만의 고유한 사상을 입혔다. 윤이상은 1950년 이래로 독일에서 공부하고 활동하면서 현대음악 작곡 기법(modernist technique)을 자신의 음악세계에 받아들이게 된다. 윤이상의 사상 안에서, 20세기 (유럽을 중심으로 한) 작곡 기법과 한국의 전통 (전통악기와 전통음악)은 새로운 음악으로 재탄생했다. 윤이상의 음악에 대해 공부하면서, 우연히 Bruce Duffie의 1987 년 윤이상 인터뷰를 발견하게 되었다. 그 인터뷰에서 윤이상이 한 말은 나에게 깊은 인상을 남겼다: “음악은 내면의 진실을 있는 그대로 표현한다. 이 내면의 진실은 작금의 현실을 거울처럼 그대로 반영한다”. 나는 이 말에 굉장히 감명을 받았다. 얼마나 진솔하면서도 분명한 말인가! 이 곡을 작곡하면서, 나는 윤이상이 말한 그 “내면의 진실”에 대해 반추해보고 싶었다. 이 곡 전체를 관통하는 "내면의 진실"은 처음에는 잘 드러나지 않는다. 소리도 형체도 없는 듯하다. 어딘가에 조용히 숨어있는 듯하다. 하지만 시간이 지나면서 "내면의 진실"은 수면 위로 모습을 드러낸다. 그리고 모습을 드러냈을 때 내면의 진실은 강하고 결연한 결코 동요하지 않는 존재라는 것이 분명해진다. 나는 이 작품을 통해서 이 두 가지 상반된 면을 부각시키려고 했다. Inner truth 는 고은미에게 헌정되었다.

Inner Truth came about as part of a larger commissioning project honoring the 2017 centennial birth year of the great Korean composer Isang Yun by the fantastic pianist, Eunmi Ko. Yun is one of the more unique voices in 20th-century music, with work that seeks to join his very personal conception of the traditional music and traditional instruments of his home country with the modernist techniques he embraced when studying and working in Germany starting in the 1950s. In learning more about Yun’s music, I came across a wonderful interview he did with Bruce Duffie in 1987 that included a particular quote that stood out for me: “Music is the expression‎ of an inner truth, and this inner truth is naturally a mirror of today’s events.” I was so struck by these words—by how clear and honest they are—and so in writing my work, I wanted to reflect upon this idea of “inner truth”, something which might be rather quiet or hidden or elusive at the start, but which later emerges as a strong, bold, unwavering force—a force which was always with us from the very beginning. My piece seeks to capture these two sides of this primal energy. Inner Truth is dedicated to Eunmi Ko.

작곡 / Matthew Schreibeis

American Academy of Arts and Letters의 2018년 찰스 아이브즈 펠로우쉽과 2017-18년도 코플란드 하우스 레지던시를 수상한 작곡가 매튜 슈라이베이스는 홍콩을 중심으로 활동하고 있는 미국작곡가이다. 그의 작품은 고도로 중략된 대위법과 리듬적으로 충만한 서정적 멜로디로 이루어져 있으며 전자음악과 영화음악도 다루고 있다. 최근 프로젝트로는 비디오 아티스트와의 협작과 한국 전통 악기를 위한 여러 개의 작품 등이 있다. 그의 신보 CD에 소프라노 토니 아놀드가 참여하였으며 2019년에 Albany Records를 통해 발매될 예정이다. 그의 음악은 미국, 유럽, 그리고 아시아에 연주되었으며 쥴리아드 음악학교, 시카고 대학교, 베를린 예술 대학, the June in Buffalo 페스티벌, 스위스 힌데미트 파운데이션, 한국 국립국악원등에서 New York New Music Ensemble, Oberlin Contemporary Music Ensemble, Mivos Quartet, ensemble green, 그리고 eighth blackbird와 Alarm Will Sound의 연주자들에 의하여 연주되었다. 최근에는 Aspen Music Festival and School, Hanson Institute for American Music, Seoul Foundation for Arts and Culture, soundSCAPE Festival, the University of Nevada, Las Vegas에서 위촉을 받았으며 American Composers Forum과 the Center for East Asian Studies at the University of Pennsylvania에서 연구비를 지원받았다. MacDowell, Yaddo, Virginia Center for Creative Arts와 Kimmel Harding Nelson Center에서 레지던시를 지냈으며 National Association of Composers USA Young Composers Competition에서 1위를 차지하였다. 그는 2014-15년도 Camargo Foundation Fellowship을 수여받은 두 명의 작곡가 중 한 명이기도 하다. 그는 미국 피츠버그에서 음악 교육을 받았으며 Eastman School of Music과 the University of Pennsylvania에서 학위를 수여 받았다. included Samuel Adler, David Liptak, Eric Moe, James Primosch, Jay Reise, Christopher Rouse, Steven Stucky, Anna Weesner와 Ricardo Zohn-Muldoon를 사사하였고 Augusta Read Thomas와 관현악법을, Lynn Blakeslee와 바이올린을 공부하였다. 필라델피아에 있는 Saint Joseph’s University, 고려대학교, 이탈리아 soundSCAPE Festival에서 가르쳤으며 현재 Hong Kong Baptist University에서 조교수로 재직 중이다.

Matthew Schreibeis A recipient of the 2018 Charles Ives Fellowship from the American Academy of Arts and Letters and a 2017-18 Copland House Residency Award, Matthew Schreibeis is an American composer based in Hong Kong. His compositions combine highly syncopated counterpoint with rhythmically-charged lyricism and span acoustic, electronic, and film music. Recent projects include collaborations with video artists and a series of works for traditional Korean instruments. His forthcoming Albany Records portrait CD, Sandburg Songs, featuring soprano Tony Arnold, will be released in 2019. Schreibeis’ music has been performed throughout the U.S., Europe, and Asia at the Juilliard School, the University of Chicago, Berlin’s Universitat der Kunste, the June in Buffalo Festival, the Hindemith Foundation in Switzerland, and the National Gugak Center in Korea, by New York New Music Ensemble, Oberlin Contemporary Music Ensemble, Mivos Quartet, ensemble green, and members of eighth blackbird and Alarm Will Sound, among others. Recent honors include commissions by the Aspen Music Festival and School, Hanson Institute for American Music, Seoul Foundation for Arts and Culture, soundSCAPE Festival, and the University of Nevada, Las Vegas; grants from American Composers Forum and the Center for East Asian Studies at the University of Pennsylvania; residencies at MacDowell, Yaddo, Virginia Center for Creative Arts, and Kimmel Harding Nelson Center; and 1st Prize in the National Association of Composers USA Young Composers Competition. He was one of two composers worldwide to receive the 2014-15 Camargo Foundation Fellowship. Schreibeis began his musical studies in Pittsburgh and received degrees from the Eastman School of Music and the University of Pennsylvania. His composition teachers included Samuel Adler, David Liptak, Eric Moe, James Primosch, Jay Reise, Christopher Rouse, Steven Stucky, Anna Weesner, and Ricardo Zohn-Muldoon. He also studied orchestration with Augusta Read Thomas and violin with Lynn Blakeslee. He is currently Assistant Professor at Hong Kong Baptist University. Previously he served on the faculties of Saint Joseph’s University in Philadelphia, Korea University in Seoul, and the soundSCAPE Festival in Italy. mschreibeis.com

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Pattern for Trio

이 작품에는 주가되는 3가지 음악적 소재가 있다. 바람소리, 타음, 그리고 선율. 이 소재들을 이용하여 하나의 소리 패턴을 만들었고, 이 패턴들은 서로 병치되는 짜임을 가지고 있다.

There are three main musical elements in this piece: the sound of wind, a percussive sound, and a lyrical melody. Each sound pattern was made by using these elements, and the patterns are juxtaposed throughout the piece.

작곡 / 봉하륜

추계예술대학교 작곡과(이윤석 사사)를 졸업한 봉하륜은 소리의 질감, 방향, 음고에 따른 뉘앙스 등 음향과 음악적 텍스쳐에 집중하여 작품을 구성한다.

Haryun Bong is a composer whose compositional interest focuses on timbre, direction, nuance of pitch, and musical texture. He earned his bachelor’s degree in Music Composition from Chu-gye University for the Arts (student of Yun-suk Lee).

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Radiance for Solo Piano

피아노 독주를 위한 “광채(2019)” 는 빛의 다양한 움직임에 대한 곡이다. 특히 “광채” 에서는 유리잔, 거울, 조명 등에서 볼 수 있는 한 순간의 빛이 작곡가의 음악어법으로 표현되었다.

Radiance for piano solo (2019) is about the various movements of light. In this compositional work, it describes the momentary light that can be seen in glass cups, mirrors and lighting.

작곡 / 오세린

각 악기의 차별화된 색채에 집중하며 음악을 만들고자 하는 작곡가 오세린은 이화여자대학교 작곡과에서 학사와 석사를 졸업하고, 도미하여 이스트만 음악학교 작곡과 석사(M.M.)를 졸업하였다. 그는 Eastman Composers’ Sinfonietta, Midwest Composers Symposium, Composition in Asia Symposium and Festival, Internationl Computer Music Conference, 그리고 The Keyboard in the 21st Century (2019년 4월 예정) 등 다수의 음악회에서 작품 발표를 해오고 있다. 현재 신시내티 대학교 작곡과에서 Graduate Incentive Award를 수여받으며 박사과정 (D.M.A.)에서 수학 중이다.

Serin Oh would describe her music as focusing on the characteristics of each instrument by concentrating on the potential and distinguished sound colors. Oh’s music has been performed at many concerts, including Eastman Composers’ Sinfonietta, Midwest Composers Symposium, Composition in Asia Symposium and Festival, International Computer Music Conference, and The Keyboard in the 21st Century (anticipated in April 2019). Serin Oh holds the BM and MM in Music Composition at Ewha Womans University (Seoul, Korea), and the MM in Music Composition at the Eastman School of Music (Rochester, NY). Currently, Oh is pursuing her Doctor of Musical Arts in Music Composition degree at the College-Conservatory of Music in University of Cincinnati.

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Antithetical Etudes for Piano

I. Entwined-Interwind

II. Supra Palette

III. Micro-Sublimation

IV. Proto Sulawesi

V. Intra-Phase

VI. Hyper Tona

Antithetical Etudes (2016)는 “잘 확장된” 피아노를 위한 대조적인 작품의 시리즈이다. 이 악장들은 방식을 대조 할 뿐 아니라 크기, 범위도 대조한다. 전통적인 연습곡(Etude)와 다르게, 이 작품은 피아노 연주 테크닉에 집중하지 않는 대신 피아노의 청각적 특징 연구를 바탕으로 두었다. 이러한 특징들이 증폭되어지도록 악기의 내부에서 연주하거나 특정한 음역에서부터 음색, 뉘앙스, 섬세함, 힘과 에너지 그리고 조화로움 등이 강조되도록 디자인하였다.

Antithetical Etudes (2016) is a series of contrasting pieces for “well-amplified” piano. The movements not only contrast in style, but also in size and scope. Unlike traditional etudes, these works are not a focus on piano techniques, but instead are studies on the acoustical qualities of the piano. Therefore, the piano is designed to be amplified to bring out these qualities, either from playing “inside” the instrument, or from the sonic colors, nuances, subtleties, power and

energy from the specific registers and harmonies being accentuated.

작곡 / Michael Sidney Timpson

마이클 시드니 팀슨의 음악 여정의 시작은 바리톤 색소폰과 독특한 베이스 클라리넷을 미국 자유 재즈와 퓨전에 비롯된 즉흥연주의 형태로 연주하는 것에서 시작되었다. 이러한 점은 나중에 미국의 인기있는 펑크, 힙합, 얼터네티브 테크노등의 장르와 결합시키는 형식으로 발전하였다. 북캘리포니아에서 다양한 문화의 영향을 받는 세대에 태어난 그는 동아시아와 동남아시아의 전통음악에 매료되었다. 이러한 점은 그의 음악에 길이 남는 영향을 주었다. “독특한 맥시멀리스트”라고 스스로 자신을 일컬은 그는 최근에는 Spectro-Minimal과 Fusionist로서의 면모를 그의 작품에서 보여주고 있다. 서양 기법의 작곡가이지만 그는 중국과 한국의 전통악기를 위한 곡도 다수 작곡하였다. 다수의 수상 경력과 유수의 레코딩과 출판물들을 보유하고 있는 그의 작품들은 계속하여 북미와 남미, 유럽, 그리고 아시아에서 연주되고 있다. 수상경력은 ASCAP, BMI, DownBeat Magazine, NACUSA, NFMC, SNM, the Lee Ettelson Prize, Music from China를 비롯하여 최근 Harvard Fromm commission에서 대만 DAGUN GuZheng 앙상블을 위한 곡을 위촉 받았다. 그의 오케스트라 작품들은 서울 시립 교향악단, Kiev Philharmonic, the Czech Philharmonic, the Florida Orchestra, the Jacksonville Symphony, the China National Film Orchestra (서양관현악단과 중국 전통관현악단 ), the Qingdao Symphony, the Singapore Chinese Orchestra,대구 시립 교향악단과 국립 국악 관현악단에 의해 연주되었다. 그의 작품들은 계속적으로 미국, 아시아와 유럽의 라디오에서 방송되고 있으며 인터넷에서도 쉽게 찾아볼 수 있다. 2009년에는 풀브라이트 연구원자격으로 대만에서 중국 악기의 작곡 기법과 철학에 대해 연구하고 2개의 논문을 발표하였다. 현재 이화여자대학교에서 부교수로 재임하고 있으며 이전에는 남플로리다 주립대, Rhodes College와 캔자스 주립대에서도 가르쳤다. Samuel Adler, William Albright, William Bolcom, Donald Crockett, Morten Lauridsen, Frederick Lesemann, Milcho Leviev, Andrew Mead, and Joseph Schwantner를 사사하였으며 University of Southern California에서 음악 학사, Eastman School of Music에서 음악 석사, University of Michigan에서 음악 박사를 취득하였다.

Michael Sidney Timpson’s musical beginnings were borne out of playing baritone saxophone and “electric” bass clarinet with a strong interest in American improvisational forms, especially Free Jazz and Fusion; this would later evolve into incorporations American popular genres, such as Funk, Hip-Hop, and Alternative Techno. A child of the multicultural era in Northern California, he was intrigued with East and Southeast Asian traditional music; these seeds that would eventually bear a lasting impact on his musical style. Originally labeling himself “an Eclectic Maximalist”, his more recent works have drawn from a more Spectro-Minimal and Fusionist vein. A composer in virtually every western medium, he has also composed many works for Chinese and Korean instruments. A winner of multiple composition awards, recorded on major labels, and with significant publications, his works continue to be featured throughout North and South America, Europe, and Asia. Timpson’s compositions have won awards from ASCAP, BMI, DownBeat Magazine, NACUSA, NFMC, SNM, the Lee Ettelson Prize, Music from China and most recently, the Harvard Fromm commission to write a work for the DAGUN GuZheng Ensemble in Taipei. His orchestral works have received performances and recording by the Korea Symphony Orchestra, Kiev Philharmonic, the Czech Philharmonic, the Florida Orchestra, the Jacksonville Symphony, the China National Film Orchestra (both western and Chinese), the Qingdao Symphony, the Singapore Chinese Orchestra, the Daegu Symphony Orchestra and the National Orchestra of Korea. Timpson’s works continually appear on radio shows throughout the U.S., Asia, and Europe and have a strong visibility on the web. In 2009, he was was a Senior Fulbright Research Scholar in Taiwan for research on compositional philosophy for Chinese instruments (for which he has already published two articles.) He is currently an Associate Professor of Music Composition at Ewha Womans University in Seoul, Korea and has also been on the music composition faculty at the University of South Florida, Rhodes College and the University of Kansas. A student of Samuel Adler, William Albright, William Bolcom, Donald Crockett, Morten Lauridsen, Frederick Lesemann, Milcho Leviev, Andrew Mead, and Joseph Schwantner, he earned his undergraduate composition degree at the University of Southern California, his master’s at the Eastman School of Music, and his doctorate from the University of Michigan. michaelsidneytimpson.com

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Halt fail for Saxophone Quartet

Halt Fail 은 멈추지 않는 동력을 표현한 곡이다.

Halt Fail depicts a momentum that fails to stop. It was commissioned by Opus a la Carte in 2018 with sponsorship from CASH Music Fund.

작곡 / Austin Yip

다수의 수상 경력을 소유한 작곡가 오스틴 입의 작품들은 세계적으로 연주되고 있다. 최근에는 프랑스의 Centre de Vidéo Danse de Bourgogne에서 1시간 길이의 비디오 댄스 “Eurydice”를 작품 콜라보를 하였으며 2017년에는 CASH Golden Sail Award를 수상하였고, 홍콩필하모닉 오케스트라 작품 위촉을 통하여 마림바 협주곡 “Road Business”이 전 샌프란시스코 타악기 주자였던 Jack Van Geem에 의해 연주되었다. 그의 작품들은 네델란드의 Donemus에서 출판되고 있다. 그는 현재 Hong Kong Baptist University에서 강의하고 있다.

Award winning composer Austin Yip’s works have been performed worldwide. Recently collaborations and awards include “Eurydice”, an hour-long video-dance collaboration with Centre de Vidéo Danse de Bourgogne, France; “Metamorphosis”, winner of the CASH Golden Sail Award in 2017, commissioned and performed by the Hong Kong Philharmonic Orchestra; and “Road Business”, and a marimba concerto for Jack Van Geem, former Principal Percussionist of the San Francisco Symphony. His works are published by Donemus (Netherlands). He is currently a lecturer at the Hong Kong Baptist University. austinyip.com

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Saturday May 25, 2019 • 6:30 PM • Ewha Womans University Recital Hall

5월 25일 이화여자대학교 음악대학 리싸이틀 홀

• 모든 연주회는 Pre-Concert Talk으로 시작합니다.

    Talk 은 6시, 연주회는 6시 30분 입니다.

Flurry / Patrick Chin Ting Chan

    Eunmi Ko, Piano

Hankook Rhapsody / Seunghee Lee

    Brandon Choi, Saxophone

Unus Mundus / Ingrid Stölzel

    Nicholas Phillips, Piano

Yuan Xiang / Chihchun Chi-sun Lee

    Jinwook Choi, Alto Saxophone

    Eunmi Ko, Piano

ZAS! / Chihchun Chi-sun Lee

    Jaehyun Bean, Saxophone

    Eunmi Ko, Piano

Three Studies / Paul SanGregory

    Jieun Shin, Piano

from the faraway nearby / Larry Barnes

    Brandon Choi, Alto Saxophone

    Jinwook Choi, Ten. Saxophone

    Jaehyun Been, Bar. Saxophone

Maxi-Clectic / Michael Sidney Timpson

I. Set C Blue Vectors

II. Mister Mr Robot Chichen Dance

III. Partial Sensibilities Brandon Choi, Alto Saxophone

     Jinwook Choi, Ten. Saxophone

    Jaehyun Been, Bar. Saxophone

    Eunmi Ko, Piano

[Program and Composers’ Biographies]

Flurry for Solo Piano

이 작품은 피아니스트Kari Johnson 이 위촉했으며 Charlotte Street Foundation 에서 작곡되었다. 이 곡의 영감은 창문에 쌓인 눈송이였다. 눈이 녹으면서 결정을 만들었다. 결정이 빛을 반사하고 혹은 흡수하면 새로운 눈송이들이 그 위에 다시 쌓였다. 이 되풀이 되는 과정은 새로운 모양과 패턴을 만들었다. 한참이 지나서 보니 그 과정 안에도 논리가 있는 듯했다. 자연만이 가질 수 있는 논리이다.

Commissioned by and written for pianist Kari Johnson while in residence with the Charlotte Street Foundation, this piece is inspired by the visions of looking through a window covered by layers of snow flurries. Parts of the layers are melted by sunshine and starting to form ice crystals. While they block and reflect lights in different ways, the other parts welcome new flurries to repopulate the surface. These masks of white change constantly and create interesting shapes and patterns. After a while, they seem to make logical sense, and I realize only nature

can create such levels of complexity in randomness.

작곡 / Chin Ting CHAN

패트릭 찬은 미국에서 활동하고 있는 홍콩작곡가이다. 그는 IRCAM의 ManiFeste, ISCM World Music Days 음악제, 통영 국제 음악제와 유네스코 국제 작곡 연단 등에 초대되어 참석하였고 20여개국에서 다수의 현대음악 앙상블 ( Ensemble intercontemporain, ensemble mise-en, Ensemble Signal, eighth blackbird, City Chamber Orchestra of Hong Kong, Hong Kong New Music Ensemble and Mivos Quartet) 과 작업하였다. 현재 Ball State University에서 조교수로 역임하고 있으며 University of Missouri–Kansas City, Bowling Green State University, 그리고 San José State University 에서 수학하였다.

Based in the U.S., Hong Kong composer Chin Ting CHAN has been a fellow and guest composer at festivals such as IRCAM’s ManiFeste, the ISCM World Music Days Festival, Tongyeong International Music Festival and UNESCO International Rostrum of Composers. He has worked with ensembles such as Ensemble intercontemporain, ensemble mise-en, Ensemble Signal, eighth blackbird, City Chamber Orchestra of Hong Kong, Hong Kong New Music Ensemble and Mivos Quartet, with performances in more than twenty countries. He is currently an Assistant Professor of Music Composition at Ball State University. He holds a D.M.A. degree from the University of Missouri–Kansas City, as well as degrees from Bowling Green State University and San José State University. chintingchan.com

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Hankook Rhapsody for Solo Saxophone

광시곡 (랩소디)는 서사적, 영웅적, 민족적 성격을 갖는 자유로운 기악곡을 뜻하는 음악용어로써 하나의 악장으로 구성된 환상풍의 자유로운 악곡이다. 솔로 알토 색소폰을 위한 한국 광시곡(2019)은 매우 자유로운 형식과 음악적 아이디어로 작곡되어 때로는 즉흥연주를 떠올리게 하고 또 한편으로는 한국 고유의 음계와 선율로부터 영감을 받은 듯한 악구들이 곡 전반에 나타나고 있다. 굵고 긴 톤으로 시작되는 첫 부분은 고요한 아침의 나라의 일출을 바라보는 듯한 모습을 묘사하였으며 좀더 빠른 템포의 중간 부분과 자유로운 움직임 속에서도 거의 들리지않게 사라져가며 끝나는 마지막 부분은 활기차며 잠들지 않는 한국과 한국인의 모습들과 연관 지어도 무방하다.

Rhapsody is a one-movement work that is episodic, heroic, nationalistic, and free-flowing. Hankook Rhapsody for Solo Alto Saxophone (2019) features a range of free musical ideas, often resembles improvisation, and several Korean folk-tune inspired passages and scales. The very first long note in the beginning is to describe a morning-calm land of Korea. Rhythmically driven middle section and fading-away last section are also related to Korea, a country that is robust and never sleeps.

작곡 / 이승희

이승희는 서울예술고등학교를 거쳐 이화여자대학교 작곡과 (이귀자 사사)를 졸업하고 미국 일리노이 주립대학교에서 석사학위를, 브렌다이즈 대학교 (데이비드 라코우스키, 유휘 창 사사)에서 석사 및 박사학위를 취득하였다. 핀란드 시벨리우스 아카데미에서 1년 반 가량 벨리 마티 푸말라와 작곡을 공부하였으며 이후 매사츄세츠 공과 대학, 보스턴 콘서바토리와 브랜다이즈 대학에서 강의 후 2015년부터 아베마리아 대학교에 조교수로 재직하고 있다. 다양한 색채의 화성과 불협화음안에서 동양적인 섬세한 멜로디가 그녀의 음악의 주를 이루고 있으며 미국와 유럽, 그리고 아시아 현대음악의 영향속에서 자신만의 독특한 소리를 찾으려는 연구가 계속되고 있다. International Alliance for Women in Music 콩쿨 입선, Wellesley Composers Conference에 ASCAP Fellow로, University of South Florida New-Music Festival 과 Ball State University Festival of New Music등 다수의 음악제에 초청되었으며 미국과 유럽에서 열린 다양한 마스터클래스와 워크샵, 콘서트 시리즈등에서 작품을 발표하였다.

Born and raised in Seoul, South Korea, composer/pianist/educator Seunghee Lee is currently serving as Assistant Professor of Music at Ave Maria University. Lee holds a Ph.D. and M.F.A. from Brandeis University, M.M. from University of Illinois at Urbana-Champaign, and B.M. from Ewha Womans University in South Korea. In addition, Lee studied music composition and piano at Sibelius Academy in Finland. Performances of her compositions have taken place at notable venues in Germany, Finland, Italy, Columbia, Hong Kong, South Korea and across the United States. Lee was awarded artist residencies from Atlantic Center for the Arts and Virginia Center for the Creative Arts. Lee was selected as a winner of International Alliance for Women in Music (IAWM) Annual Concert Composition in 2017 and as an ASCAP Foundation Fellow for the 70th Wellesley Composers Conference. Lee received commissions from Ensemble Uusinta, Dinosaur Annex Music Ensemble, McCormick Percussion Group among others. Lee is a co-founder and a co-artistic director of the Dot the Line New Music Festival. seungheeleemusic.com

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Unus Mundus for Solo Piano

Unus Mundus 는 윤이상 탄생을 기념하기 위해서 피아니스트 고은미가 위촉했다. 나는 꽤 오랫동안 윤이상의 main tone 작곡 기법에 감탄을 금치 못했었다. 윤이상의 피아노 독주곡 Interludium A 에서 “라” 음정은 main tone 으로 사용된다. 이 곡을 들을 때마다 항상 내 주위를 환기 시키는 부분이 있다. 곡이 시작하고 5분 정도 지난 시점이다. 윤이상이 처음으로 박자표를 명시하는 부분이기도 하다. 이 부분은 나장조 화음으로 시작하는데 이 화음이 뒤에 다시 나오면서 4th 와 5th 화음의 한 부분을 이루게 된다. 나는 이 부분을 내 작품이 출발하는 시점으로 잡았다. 윤이상의 작품 세계에 큰 영향을 미친 도교는 내 작곡 과정에도 영향을 미쳤다. 부분이 전체이고 전체가 곧 부분. 어둠과 빛이 결국은 하나라는 생각. 음악은 상반되는 것들을 하나로 만드는 힘이 있다. 칼 융이 말했듯이 “분리되고 상반되는 모든 것들은 하나의 세계에 속한다.” 그러므로 “Unus Mundus” (하나의 세계, 라틴어) 는 윤이상을 기리는 곡에 적합한 제목이라고 생각한다.

Unus Mundus was commissioned by pianist Eunmi Ko for the centennial celebration of Isang Yun’s birth. I have long been fascinated by Yun’s compositional technique of “Hauptton” (main tone) which one can hear in his piano solo piece Interludium A, with pitch-class “A” being a centering main tone. Every time I listened to Interludium A, I was struck by a section about five minutes into the composition where he indicates a meter for the first time. This section starts with a disarming B-Major triad, which gets reiterated the line below and suffused with quartal harmonies. I decided that this moment would become the sound world that I would inhabit for my composition. I also felt that taking a moment in time as my inspiration aligns with Taoist philosophy, a strong influence on Yun’s music, in which the part is the whole and the whole is the part, and in which the dark and the light are intertwined with each other. I believe that music in its deepest expression‎ has the power to fuse opposites to create oneness that cannot be fragmented, because as Carl Jung says: “everything divided and different belongs to one and the same world.” This concept, which Jung called “Unus Mundus” from Latin “One World,” seemed like a fitting title for a composition honoring Isang Yun.

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Yuán Xiāng for Saxophone and Piano

알토 색소폰과 목관 악기 앙상블을 위한Yuán Xiāng (고향)은 아시안 색소폰 협회 국제 콩쿠르의 결선곡으로 쓰기 위해 작곡되었다. 이 작품은 대만 음악 (대만 원주민 음악hok-lo, hakka), LC (Lien Cheng)색소폰의 역사와 서양의 색소폰 문화 (재즈와 클래식 등) 에서 영감을 받았다. 제목은 LC 색소폰의 탄생을 알리는 문구에서 따왔다: “Houli—The home of Taiwanese saxophone”.

Yuán Xiāng (Hometown/homeland) for alto saxophone and wind ensemble (with piano reduction), is specifically tailored for the final round of the 1st Asian Saxophone Congress International Competition. The composition was inspired by Taiwanese music (from hok-lo, hakka and aboriginal), the history of LC Sax, and the development of saxophone music in the west (jazz and classical, etc.) The title quotes the statement indicating the birth of LC Sax: “Houli—The home of Taiwanese saxophone”.

작곡 / Chihchun Chi-sun Lee

대만과 미국의 대표적인 작곡가 치천지선 리는 대만 카오슝에서 태어나 미국에서 교육받았다. 제1회 독일 브란덴부르크 국제 작곡 콩쿠르 대상 및 구겐하임 상, 미국 오하이오대학 ‘자랑스러운 동문상 (Alumni Achievement Award)’ 음악부문 수상, IAWM Theodore Front Prize, 국제여성작곡가상 등을 수상한 바 있다. 또한 미국 하버드 대학 음악포럼 펠로우쉽을 받았고, Barlow Endowment, 대만 국립 문화예술재단, 대만 국립심포니오케스트라 (NSO), 국립대만관현악단 (NTSO), 대만국립중국어오케스트라 (NCO), 국립국악관현악단에서 작품 위촉을 받았으며, 카네기홀, 2010년 밴쿠버 동계올림픽 등을 포함하여 대만과 미국, 한국 무대에서 활발한 작품활동을 하고 있다. 현재 치천 리의 음악은 호주와 오스트리아, 브라질, 불가리아, 캐나다, 크로아티아, 체코, 핀란드, 프랑스, 독일, 그리스, 인도네시아, 이스라엘, 이탈리아, 일본, 한국, 네덜란드, 필리핀, 폴란드, 러시아, 싱가포르, 스페인, 대만, 태국, 코스타리카, 우크라이나, 베트남, 중국, 홍콩 및 미국 대륙 (하와이 포함) 전역에서 연주 및 방송되고 있다. 치천 지선 리는 현재 국내외 예술단체에서 수많은 러브콜을 받으며 활동하고 있으며 특히 그녀는 전통을 현대적으로 표현할 수 있는 탁월한 작곡가이다.

Taiwanese-American composer Chihchun Chi-sun Lee, winner of the 1st Biennial Brandenburg Symphony International Composition Competition in Germany and 2015 Guggenheim Fellow, is originally from Kaohsiung, Taiwan. She has received numerous honors, include commissions from Harvard Fromm Foundation (2018 & 2001), Boston Symphony Orchestra, Barlow Endowment, Taiwan National Culture and Arts Foundation, Taiwan National Symphony Orchestra (NSO), National Taiwan Symphony Orchestra (NTSO), National Orchestra of Korea (NOK) and Taiwan National Chinese Orchestra; awards from Theodore Front Prize from International Alliance for Women in Music, ISCM/ League of Composers Competition, International Festival of Women Composers Composition Prize, ARKO Contemporary Orchestra Music Festival Composition Awards, Florida Individual Artist Fellowship, and the Golden Melody Awards nomination. Some of her significant performances have included Carnegie Hall, 2010 Winter Olympics in Vancouver, UNESCO International Rostrum of Composers, Muzički Biennale Zagreb, Tage Für Aktuelle Musik, ISCM-Musicarama and Shanghai New Music Week. In addition, her music has had numerous performances and broadcasts worldwide in Australia, Austria, Brazil, Bulgaria, Canada, Croatia, the Czech Republic, Finland, France, Germany, Greece, Indonesia, Israel, Italy, Japan, Korea, the Netherlands, the Philippines, Poland, Russia, Singapore, Spain, Taiwan, Thailand, Costa Rica, Ukraine, Vietnam, China, Hong Kong, and around the continental United States (including Hawaii). chihchunlee.com

ZAS! For Saxophone and Piano

이 작품은 미국에서 알게 된 훌륭한 음악가이자 지인인Dr. Richard Scruggs 와 Ms. Haiqiong Deng 덕분에 세상에 나오게 되었다. 이 두 분은 색소폰과 피아노 음반을 내기 위해서 2003년 이래로 나에게 작품을 의뢰했다. 많은 사람들이 색소폰하면 미국문화를 연상시킨다. 하지만, 색소폰은 당시 파리 콘서바토리에 재직 중이던 벨기에인Adolphe Sax가 1846년에 발명했고 저작권을 얻었다. 이 작품은 중국 전통악기인 쟁과 색소폰을 위해 쓰여졌다. 색소폰의 역사를 불러오기 위해 쓰여졌고 중국 악기인 쟁과 프랑스 사이에 다리를 놓으려고 시도했다.

ZAS! 는International Society for Contemporary Music Taiwan Section이 위촉했고National Culture and Arts Foundation of Taiwan 의 지원 덕분에 작곡되었다. This combination is from very good friends of mine Dr. Richard Scruggs and Ms. Haiqiong Deng from the USA, both are very phenomenal musicians. They have been asking for a new composition since 2003 and have waited to produce a CD of pieces for this type of duet. Many people associate saxophone with American culture; however, the saxophone was invented and patented in 1846 at Paris by a Belgian musician Adolphe Sax, who taught at the Paris Conservatoire. Originally written for Chinese zheng and saxophone, the composition was to bring back the history where the saxophone started, as well as bridging the French touch with Chinese zheng.

ZAS! is commissioned by the International Society for Contemporary Music Taiwan Section, funded by the National Culture and Arts Foundation of Taiwan.

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Three Studies for Solo Piano

이 세 곡들은 작곡 기법과 피아노 기법을 모두 다루고 있다. 세 곡들 모두 같은 음과 음정 관계를 다루고 있지만 개별의 곡들은 다음과 같은 다른 피아노 기법과 아이디어를 선보인다:

아르페지오 : 개별의 아르페지오는 다른 화음으로 변화한다. 피아니스트는 언제 어떤 음정이 변화하는지에 주의를 기울여야하며 상상하지 못한 화음의 전환에 익숙해져야 한다. 아르페지오가 멜로디/리듬 모티브와 교차될 때 운지법 또한 바뀔 수 있다.

음색: 연습곡이라고 하기에는 느린 곡이다. 하지만 손가락 운동을 시키는 곡이 아니라 예민한 귀와 미묘한 터치를 발달시키게 하는 곡이다. 전통적이지 않은 음의 조합에서 나오는 다양한 음색을 만들기 위해서 페달과 함께 피아노의 음역 대부분이 사용되었다. 연주자는 모든 음을 세심하게 들어야 하며 어떻게 음들 사이의 균형을 맞출지 고려해야 한다. 각각의 음색이 어떻게 조합을 이루는지에 주목해야 한다.

리듬: 이 연습곡은 두 가지 측면이 두드러진다: 1) 사용된 리듬은 예측 불가능하다. 2) 이 곡에 사용된 리듬은 C 와Db 의 반복에 나타나있다. 이 두 음정은 앞의 두 연습곡에서도 주요 음으로 사용되었는데, 이 곡에서는 특히 집중적으로 쓰인다. 반복은 전형적인 연습곡의 특성을 부각시킨다. 다른 음정과 화음이 여기에 더해지면서 화성적으로 다양한 음색을 만들어낸다.

These pieces function both as compositional studies and piano études. While each one develops the same pitch and interval relationships, each one also focuses on a different pianistic idea or technique as follows:

Arpeggios: In this piece, flowing arpeggios mutate into different chords before they are finished. Part of the pianistic challenge is being aware of when notes of the arpeggios change and adjusting to unexpected harmonic mutations. As the arpeggios sometime cross over the simple melodic/rhythmic motive that accompanies them, fingering might also present occasional challenges.

Colors: This is a slow study, which may seem odd for a pianistic étude. It’s not a workout for the fingers, but a workout for the ear and for touch. The full keyboard range is used (with much pedal) to create wide reverberating colors made of non-traditional pitch combinations. Players need to listen carefully to all the notes and decide how to balance and shade each color combination on this very large pallet.

Rhythm: Two aspects of this study are immediately identifiable: 1) the rhythm is unpredictable and 2) it relies on well-articulated repetition of the notes C and Db. While these two pitches (and a few others) play important roles in the previous two studies too, here they become an obsessive part of a pianistic “workout”. Other notes and chords appear both above and below them, opening up the music to a wider range of harmonic colors.

작곡 / Paul SanGregory

폴 샌그레고리의 음악은 대만, 중국, 일본, 한국, 그리고 다른 아시아 국가와 미국, 유럽, 러시아, 캐나다, 호주, 뉴질랜드, 그리고 남아프리카에서 연주되었다. 또한 미국, 유럽, 홍콩, 대만, 뉴질랜드의 라디오에서도 그의 음악이 방송되었다. Capstone Records/Parma Recordings, 대만 작곡가 연합, Leyerle 출판사, ShineCreativity co. (NSYSU Baroque Camerata), Lumiere Records, Novana Records, 그리고 대만 Early Music Society에서 CD레코딩이 발간되었다. 그는 미국 오하이오에서 태어났으며 인디아나 대학 Jacobs School of Music에서 박사학위를 취득하였다. 그 후 오하이오의 University of Toledo에서 가르치다가 대만Kaohsiung으로 이주하였다. 대만의 National Kaohsiung Normal University, National Sun Yat-Sen University, 그리고 National Pingtung University에서 후학을 양성하였다. 지난 수 년간 NKNU Contemporary Chamber Music Ensemble를 위해 지휘와 작곡을하고 연주회를 기획 관리하였으며 현재 National Kaohsiung Normal University에 부교수로 재임하고 있다. 대만 Asian Composers League와 The Taiwan Composers Association에서 임원으로 활동하고 있으며 Succession Percussion group의 상임작곡가이기도 하다.

Paul SanGregory’s music has been performed extensively in Taiwan, China, Japan, Korea, other Asian countries, the US, Europe, Russia, Canada, Australia, New Zealand and South Africa. It has also been broadcast and discussed on radio in the US, Europe, Hong Kong, Taiwan and New Zealand. CDs containing his music have been published by Capstone Records/Parma Recordings, Taiwan Composers Association, Leyerle Publications, ShineCreativity co. (NSYSU Baroque Camerata), Lumiere Records, Novana Records and Early Music Society Taiwan. He was born and raised in Ohio, USA. After earning a DM in composition from Indiana University’s Jacobs School of Music, he taught composition and theory at the University of Indianapolis and the University of Toledo (Ohio) before moving to Taiwan. Since that time he has lived in Kaohsiung, teaching at National Kaohsiung Normal University, National Sun Yat-Sen University, and National Pingtung University. In years past he also coached, conducted and composed for NKNU’s Contemporary Chamber Music Ensemble. He is currently Associate Professor of Music at National Kaohsiung Normal University in Kaohsiung, Taiwan, serves on the board of directors for both the Asian Composers League Taiwan Section and The Taiwan Composers Association and is resident composer for the Succession Percussion group. paulsg.net

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from the faraway nearby for saxophone trio and wind-chime

from the faraway nearby 는 클래식 색소폰 앙상블 The Trio 를 위해 작곡되었다. 플로리다 주립대에 재직하는Patrick Meighan, 뉴욕에서 프리랜서로 활동 중인 John Moore, 루이즈빌 대학에 재직하는Lee Patrick이 앙상블 연주자들이다. 이 곡의 초연은 루이즈빌에서 있었으며 그 후에 롱 아일랜드, 플로리다 주립대 현대 음악 페스티벌등 미국 전역의 페스티벌과 강의에서 연주되었다. 이 곡의 도입부에서 바리톤 색소폰 연주자는 wind chime 을 연주하게 되어있다. 제목은 화가 조지아 오키프의 작품에서 따 왔다.

from the faraway nearby was composed for The Trio, a group of classical saxophonists: Patrick Meighan from Florida State University, John Moore from the New York City area, and Lee Patrick from the University of Louisville. The premiere occurred in Louisville, and subsequent performances have taken the work to several locations on Long Island, the Florida State New Music Festival, and numerous other festivals and clinics throughout the United States. In addition to his primary instrument, the baritone saxophonist is required to play a small set of Japanese wind chimes at the outset of the composition. The title comes from a painting of Georgie O’Keeffe.

작곡 / 래리 반즈

뉴욕타임즈는 래리 반즈의 음악을 “뛰어난 섬세함을 보여줌”, The Village Voice가 “사랑스럽게 또한 주목받을 만큼 잘 통제된 연주”라고 평가되었다. 그는 Cleveland Orchestra Premiere Award, NEA Composer Fellowship, Kentucky Arts Council awards를 두 번, Al Smith Fellowship, 그리고 33회 ASCAP Awards를 수상하였다. 또한 세계적으로 유명한 연주자들로부터 30여회 이상 작품을 위촉받았다. The Society of Composers, Inc.는 그의 작품 Toccata-Act of War를 Capstone Records에서 녹음하고 콘서트 투어를 하였으며 Bertram Turetzky와 The Slovak Radio Symphony가 곡을 녹음하였다. 휴스턴 필름 페스티벌에서 골드 어워드를 받은 Euphoria를 위한 곡을 작곡하였으며 Southern Music, Alry Publishers, 그리고 See-Saw Music을 통해 작품은 출판하고 있다. 그의 Rain Songs for flute and harp와 Tai Chi를 위한 음악은 www.larrybarnescomposer.bandcamp.com에서 찾아볼 수 있으며 다른 곡들은 https://soundcloud.com/larry-barnes-60823442에서 들을 수 있다. 미국 트랜실바니아 대학에서 교수로 재임 중이고 Bingham Fellow for Excellence in Teaching이다. 이메일 주소: lbarnes@transy.edu.

The New York Times describes Larry Barnes’ music as “showing a fine sensitivity” and by The Village Voice calls it “lovely and remarkably controlled in its performance.” Barnes is the recipient of the Cleveland Orchestra Premiere Award, NEA Composer Fellowship, two Kentucky Arts Council awards, Al Smith Fellowship, and 33 ASCAP Awards. He has fulfilled over thirty commissions from internationally recognized artists. The Society of Composers, Inc. chose his Toccata-Act of War, for a concert tour and recording on Capstone Records. Bertram Turetzky and The Slovak Radio Symphony also recorded his works. He composed the original score for Euphoria, which took the Gold Award for Documentary at the Houston Film Festival. Southern Music, Alry Publishers, and See-Saw Music publish his compositions. Find a recording of Barnes’s Rain Songs for flute and harp and his music for Tai Chi at www.larrybarnescomposer.bandcamp.com. Hear additional recent music at https://soundcloud.com/larry-barnes-608234425. Barnes is professor of music and Bingham Fellow for Excellence in Teaching at Transylvania University. Reach the composer by email at lbarnes@transy.edu. larrybarnesmusic.com

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Maxi-Clectic for Saxophone Trio with Piano

I. Set C Blue Vectors

II. Mister Mr Robot Chicken Dance

III. Partial Sensibilities

MAXI-CLECTIC (2018)은 Brandon Jinwoo Choi(최진우)의 위촉을 받은 작품으로, 색소폰 연주자로서 지냈던 나의 유년시절의 추억에 잠기며 작곡한 작품이다. 각각의 악장은 각 악기들의 역사의 모든 영역에 도달하며 앙상블을 위한 다양한 가능성을 표현한다. 이 작품은 단악장 구조이지만 세 영역으로 구분할 수 있다.

MAXI-CLECTIC (2018), commissioned by Brandon Jinwoo Choi, is a work reminiscing back to my childhood days as a saxophonist. Each movement expresses varying possibilities for the ensemble, reaching all boundaries of the instrument's history. Although this composition is continuous in single- movement form, it contains three sections.

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Friday May 31, 2019 • 6:30 PM • Myeongin Hall, Sori Arts Center of Jeollabuk-do, Jeon Ju

5월 31일 전주 한국소리문화의전당 명인홀

• 모든 연주회는 Pre-Concert Talk으로 시작합니다.

    Talk 은 6시, 연주회는 6시 30분 입니다.

Operatic Resonances / Jon Lin Chua

     Seungdong Lee, Saxophone

Oeufs / Mark FT Gurrola

     Eunmi Ko, Piano

Co / Tucker Johnson

     Changhoon Lee, Saxophone

     Jieun Shin, Piano

Toccata / Hyun-suk Jun

     Eunmi Ko, Piano

     electronics

Buffalo Dance / Luke Dahn

     Changhoon Lee, Saxophone

     Nicholas Phillips, Piano

Orchard / Tyler Kline

Buddha’s hand -  Jieun Shin, Piano

Sea Grape

Okra - Nicholas Phillips, Piano

Poblano

Calligraphy / Michael Sidney Timpson

I. Refracting Timbre

II. Extract

III. Timbral Refraction

IV. Copycat

     Eunmi Ko, Piano

With Eyes Open / Ingrid Stölzel

     Seungdong Lee, Saxophone

     Eunmi Ko, Piano

[Program and Composers’ Biographies]

Operatic Resonances for Solo Saxophone

이 작품은 중국 북경 오페라에서 영감을 받았다. 리듬, 멜로디 (단 6도로 이루어진), 비브라토, 빠르기 변화, 급격한 대조 등의 특징을 북경 오페라에서 차용했고 색소폰에 적용했다. 또한 이 곡은 박자에 대한 자유로운 해석을 요구하는데, 이 역시 전통 북경 오페라에서 빌린 것이다.

Operatic Resonances is a piece inspired by Chinese Peking opera. Various features such as certain rhythmic gestures, melodic minor sixths, wide vibrati, tempi changes, and a general sense of dramatic contrast have been borrowed and adapted into the saxophone writing. The piece also explores the free and strict aspects of meter that is often heard in traditional Peking opera.

작곡 / Jon Lin Chua

싱가포르에서 태어난 작곡가 존 린 추아는 그녀의 독특한 음악적 교육 배경이 여러 음악 장르와 문화적 영향을 아우르는 그녀의 작품의 근간이 되고 있다고 말한다. 그녀의 작품들은 미국, 싱가포르, 캐나다, 한국, 그리고 대만에서 연주되었다. Toronto Chinese Orchestra의 상임 작곡가로, Ju Percussion Group (대만), the Philharmonic Winds (싱가포르), Ding Yi Music Company (싱가포르), SETTs (싱가포르)외 다수의 앙상블과 작업하였다. 2018년에는 제3회 싱가포르 국제 작곡 콩쿨에서 1등상 (대규모 앙상블 부문), Ding Yi 음악 회사에서 주최한 중국 실내악 음악 작품 경연 대회 “Composium 2018″에서 젊은 싱가포르 작곡가상을 받았다. 현재 그녀는 Yong Siew Toh Conservatory of Music에 강사로 재임하고 있으며 사립 음악학교들의 음악 프로그램을 관리하고 있다. 그녀는 Eastman School of Music에서 작곡과 음악이론으로 가장 높은 명예로 학위를 수여 받았다.

Singapore-born composer Jon Lin Chua credits her versatility in traversing musical cultures and genres to her eclectic musical background. She has had works premiered and performed in the United States, Singapore, Canada, Korea, and Taiwan. Groups she has worked with include the Toronto Chinese Orchestra (as the current composer-in-residence), the Ju Percussion Group (Taiwan), the Philharmonic Winds (Singapore), Ding Yi Music Company (Singapore), SETTs (Singapore), and many more. In 2018, she received the First Prize (large ensemble category) as well as the Young Singaporean Composer award on the 3rd Singapore International Composition Competition for Chinese Chamber Music, “Composium 2018,” organized by the Ding Yi Music Company. She has also had works performed in numerous festivals held in the United States, Singapore, Korea, and Taiwan. Apart from her work as a composer, Jon Lin is currently an adjunct lecturer at the Yong Siew Toh Conservatory of Music, and also oversees music programs in conjunction with various private music schools and art groups. Jon Lin received her music education in the Eastman School of Music, where she graduated with highest distinction as a double major in composition and music theory.

jonlinchua.com

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Oeufs for Solo Piano

I. Oeufs Pochés (poached eggs)

II. Oeufs Miroir (mirror eggs or fired eggs)

III. Oeufs en Cocotte (baked eggs)

IV. Oeufs Brouillés (scrambled eggs)

V. l’Omelette Brouillée (scrambled omelette)

Oeufs는 5 개의 짧은 악장들로 이루어진 피아노 곡이다. Julia Child의 요리책 Mastering the Art of FrenchCooking에 나온 달걀을 주재료로 한 5 개의 요리법에서 영감을 받았다. 각각의 요리는 한 악장이 연주되는 동안 완성되고, 이 요리법들은 각 악장의 작곡 기법으로 쓰였다 (한 악장당 한 요리법) - 각 요리의 식재료를 음정으로 사용했고 요리 기법과 식기구를 연주 기법에 적용했다.

Oeufs are five short movements for piano, inspired by Julia Child's Mastering the Art of French Cooking and the recipes from the Eggs chapter in the cookbook. These recipes, one per movement, are used as a compositional device - deriving pitches from the ingredient list, and correlating performance techniques - and utensils - with cooking techniques, while

following the sequence of events in the recipe.

작곡 / Mark Frederick Thorvald Gurrola (b. 1993)

마크 구롤라는 1993년에 태어난 작곡가이자 여러 종류의 악기를 연주하는 연주자이다. 그의 작품들은 미국, 그리스, 그리고 한국에서 연주되었다. 마크는 남플로리다 주립대학에서 Dr. Baljinder Sekhon 과 Mr. Paul Reller를 사사하고 최근 작곡으로 석사학위를 취득하였고, Texas Tech University에서 Dr. Mei-Fang Lin과 Dr. Peter Fischer를 사사하고 학사학위를 취득하였다. 그는 문학, 시, 사진, 시각 예술, 퍼즐, 음식, 그리고 고양이등 다른 형태의 예술에서 음악적 영감을 얻는다.

Mark Frederick Thorvald Gurrola (b. 1993) is an active composer and multi-instrumentalist whose compositions have been performed across the United States, Greece, and Korea. Mark recently received a master’s degree in Music Composition from the University of South Florida under the instruction of Dr. Baljinder Sekhon and Mr. Paul Reller, and holds a bachelor’s in music composition from Texas Tech University under the direction of Dr. Mei-Fang Lin and Dr. Peter Fischer. Mark draws inspiration for his music from other art forms, such as literature, poetry, photography, visual art, puzzles, food, and cats. thorvaldgurrola.weebly.com

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Co for Saxophone and Piano

Co는 짧은 악장들로 구성된 곡으로 알토 색소폰과 피아노를 위해 작곡되었다. 이 곡은 숫자를 일렬로 써놓은 직선을 나누는 작업에서 시작되었다. 각각의 악장은 다른 음악적 스타일로 구성되어 있지만 각 악장들은 소수 24를 기반으로 한 시간 분할을 중심으로 연결되어 있다.

Co is a collection of short movements for alto saxophone and piano. This work grew out of a sketch of divided number lines. Each movement is stylistically different, but all are linked by a set of time partitions based on the co-primes of twenty-four.

작곡 / Tucker Johnson (b. 1999)

터커 존슨은 미국 플로리다 탐파에 살고 있는 작곡가이다. 그의 음악은 솔로, 쳄버 앙상블, 대규모의 관현악곡, 그리고 Fixed Media등 다양한 형태를 아우르고 있다. 터커의 작곡가와 연주가로서 동북미에서 다양한 콘서트에 참여하였는데 2018년에는 그의 작품 …for the discernment of vocations with…이 Shawn Mativetsky와 the New Jersey Percussion Ensemble의 워크샵에서 연주되었다. 이번 7월에는 알라스카에서 열리는 Composing in the Wilderness Kayaking Adventure와 이탈리아 체제나에 있는 Bruno Maderna Conservatory에서 열리는 soundSCAPE 참석 예정이다. 터커는 남플로리다주립대 New Music Consortium의 일원으로 참여했으며 현재 동 대학에서 작곡과 전자음악을 Baljinder Sekhon와 Paul Reller교수로 부터 배우고 있다. 작곡가 Matt Barber, Osnat Netzer, Steven Rice, and David Liptak에게 마스터클래스와 레슨을 받기도 하였다.

Tucker Johnson (b. 1999) is a composer living in Tampa, Florida. His music covers a range of forms, with works for soloists, chamber ensembles, large ensembles, and fixed media. Tucker’s compositions and performances have been featured in several concerts throughout the eastern United States. In August 2018, his work …for the discernment of vocations with… was work shopped and performed by Shawn Mativetsky and the New Jersey Percussion Ensemble at the Shastra program in Wayne, New Jersey. In July of Tucker will be attending the Composing in the Wilderness Kayaking Adventure in Alaska, and soundSCAPE at the Bruno Maderna Conservatory in Cesena, Italy. A supporter of new music, Tucker Johnson has taken part in many concerts, events, and festivals. As librarian for the University of South Florida New Music Consortium, he is responsible for overseeing scores and assets. Currently, he is pursuing a bachelor’s degree in acoustic and electronic composition at the University of South Florida in Tampa. His current composition teachers are Baljinder Sekhon, and Paul Reller and has had additional master classes and lessons with, Matt Barber, Osnat Netzer, Steven Rice, and David Liptak.

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Toccata for Solo Piano and Electronics

‘폭 넓은 화음, 빠른 음표로 된 악구의 교체, 모방 양식으로 된 푸가적 부분, 분명한 주제적 성격을 가지지 않는 음형 반복, 형식적으로는 가장 자유로운 것의 하나로서, 즉흥적 요소가 강함’- 토카타의 성격을 일컫는 대표적 요소이다. 이러한 특징을 컴퓨터를 이용한 실시간 음향 제어를 통해 피아노와 전자 음향은 함께 음악을 만들어간다.

‘a wide range of harmony, fast moving notes, section of fugue or canon, repetitive patterns, free style, improvisatory’- these are characteristics of toccata. I realize these characteristics in this piece with piano and live electronic by manipulation of sound through computer program.

작곡 / 전현석

전현석은 추계예술대학교, 한국예술종합학교, 오스트리아 국립그라츠음대를 졸업하였다. 미국, 독일, 이탈리아, 벨기에, 오스트리아, 폴란드, 스위스, 중국, 일본 등에서 작품을 발표하였으며, ISCM, SICMF, Impuls-Festival, TACTUS YOUNG COMPOSER’S FORUM, L’Espace du Son Festival에서 입선, 발표하였다. 오스트리아 슈타이어마르크주(州)의회 600주년기념 작품 위촉 및 그라츠 음악진흥상, 오스트리아문광부 장학금을 수여 받았으며, 이탈리아 통일 150주년 국제콩쿨에서 1위 및 청중상 수상, 프랑코에반겔리스티 국제콩쿨에서 우승하였고 2015년 폴란드 시마노프스키 국제콩쿨에 오케스트라 <VISTARA>가 2위입상하였다. 오케스트라<VISTARA>는 2013년 브뤼셀영컴포져스포럼, ARKO한국창작음악제, ACL베트남대회에 작품이 선정되었으며 2017년 폴란드 크라카우와 2018세계음악대회(ISCM WMD 2018 Beijing)에서 연주되었다. 현재 이화여대, 전남대, 전북대 출강 중이며, 한국예술종합학교 겸임교수로 재직 중이다. 2019년 Dot The Line 페스티벌 자문을 맡고 있다.

Hyunsuk Jun has studied at Chugye University for the Arts, Korea National University of Arts, University of Music and Performing Arts Graz. His music has been performed in the U.S.A., Germany, Italy, Belgium, austria, Poland, Switzerland, China, Japan, to name a few. His compositions have won prizes at ISCM, SICMF, Impuls-Festival, TACTUS Young Composer’s Forum, L’Espace du Son Festival. His orchestra work <VISTARA> has been programmed at Brussels Young Composer’s Forum in 2013, ARKO Korean New Music Festival, ACL Vietnam Music Festival, Krakaw in Poland, and ISCM WMD 2018 Beijing. He is currently a lecture at Ewha Womans University, Chonnam National University, Chonbuk National University, and Korea National University of Arts. He serves as an advisor for 2019 Dot The Line Festival.

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Buffalo Dance for Saxophone and Piano

Buffalo Dance 는 인도의 성가 (찬트) “Buffalo Dance”에 기초한 알토 색소폰과 피아노를 위한 곡이다. 이 찬트는 1954년에John Donald Robb 이 뉴멕시코에서 녹음했으며 남서부 연구 웹싸이트 (Robb Field Recordings ) 에 저장되어 있다. 찬트에서 모티브를 따 왔으며 판타지곡 처럼 특별한 형식 없이 자유롭게 쓰여졌다. 첫 도입부에 피아노는 색소폰의 멜로디 (찬트의 멜로디를 사용한) 에 반주 드럼과 같은 역할을 한다. 이 에너지가 넘치는 도입부는 찬트의 멜로디가 쓰인 명상적인 곡의 중반과 대조가 된다. 도입부에서 이용한 음악은 후반부에 피아노 (드럼 역할) 와 색소폰과 함께 다시 등장한다. 이 작품은Kenneth Tse 를 위해 쓰여졌고 그에게 헌정되었다. Kenneth Tse 에 의해 2010년 아틀란타에서 열린 북미 색소폰 학회에서 초연되었다. 2014년에Donald Robb International Composition 콩쿠르에서 1위를 하였다.

Buffalo Dance for alto saxophone and piano is based on an Indian chant of the same name (recorded in New Mexico in 1954 by John Donald Robb and archived at the Robb Field Recordings on the Center for Southwest Research website). The piece is essentially a fantasy freely using fragments and motifs from the chant. At the work’s opening, the piano serves as an accompanimental drum to the saxophone’s winding melodies, which are peppered with melodic fragments from the chant. This rambunctious opening gives way to other musical reflections of the chant, including a more meditative middle section. The final section is marked by a return to the opening material with the piano reverting to its drumming duties and the saxophone exhibiting even wilder reflections on the chant. Buffalo Dance was written for and dedicated to saxophonist Kenneth Tse who gave the premiere on March 6, 2010 at the North American Saxophone Alliance Biennial Conference in Athens, GA. Buffalo Dance was awarded first prize of the 2014 J. Donald Robb International Composition

Competition.

작곡 / Luke Dahn

루크 단의 작품은 미전역과 해외에서 연주되었으며 Moscow Conservatory Studio for New Music, the League of Composers/ISCM, Composers, Inc., the SOLI Chamber Ensemble, the University of Iowa Center for New Music and by saxophonist Kenneth Tse. Venues have included Carnegie Hall, Rachmaninoff Hall (Moscow), the Estonia Academy of Music (Tallinn), the Taipei University of the Arts, the Frankfurter KuenstlerKlub, and the Miami ISCM Festival Series등에 의하여 연주되었다. 그의 작품은 2014 J.D. Robb International Composition Prize (for Buffalo Dance) and the 2010 League of Composers/ISCM Competition Award (for Penumbrae)등 다수의 콩쿨에서 입선하였다. 작품활동 이외에 그는 현대음악의 대변자로도 활동하고 있는데 그는 2013년 카네기 홀 데뷔를 한 Ensemble: Périphérie 공동 창립자와 공동 예술감독으로, 뉴욕의 League of Composers/ISCM에서 임원으로 활동하고 있다. 그는 미국 솔트레이크 시티에 있는 University of Utah의 교수로 재임중이며 University of Iowa와 Western Michigan University에서 수학하였다. 작곡가 David Gompper, C. Curtis–Smith와 Ann K. Gebuhr를 사사하였다.

The compositions of Luke Dahn are heard throughout the United States and abroad, with performances by groups such as the Moscow Conservatory Studio for New Music, the League of Composers/ISCM, Composers, Inc., the SOLI Chamber Ensemble, the University of Iowa Center for New Music and by saxophonist Kenneth Tse. Venues have included Carnegie Hall, Rachmaninoff Hall (Moscow), the Estonia Academy of Music (Tallinn), the Taipei University of the Arts, the Frankfurter KuenstlerKlub, and the Miami ISCM Festival Series. Dahn’s compositions have garnered numerous awards including the 2014 J.D. Robb International Composition Prize (for Buffalo Dance) and the 2010 League of Composers/ISCM Competition Award (for Penumbrae). In addition to compositional efforts, Dahn serves as an advocate of new music in several capacities. He is co–founder and co–artistic director of Ensemble: Périphérie, which made its Carnegie Hall debut in October 2013, and serves on the Board of Directors for the League of Composers/ISCM in New York. As a theorist, his work has centered on the Bach four-part chorales. Dahn serves on faculty at the University of Utah in Salt Lake City. He holds graduate degrees in composition from the University of Iowa and Western Michigan University, and his primary teachers have included David Gompper, C. Curtis–Smith and Ann K. Gebuhr. lukedahn.net

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Budda’s hand, Sea Grape, Okra, and Poblano from Orchard for Solo Piano

과수원은 과일나무를 심고 재배하는 곳이다. Orchard 는 50개의 피아노 곡들을 포함한 콜렉션이다. 개별의 곡은 45초에서 3분 정도의 길이이며 모두 과일에서 영감을 받았다. 곡을 작곡할 때 과일의 특성을 염두에 두었고 그 특성들은 곡을 쓰는데 중요한 역할을 했다. 결론적으로 이 음악은 과일의 특성 (모양, 맛, 감촉, 색깔 등등) 에 대한 나의 해석이다. 이 특성 중 하나에만 집중하기도 했고 여러 특성을 함께 사용하기도 했다.

나는 이 곡들을 음악적 씨앗이라고 생각한다. 개별의 곡은 음악적 아이디어 하나를 전달하기에 적절한 정도의 시간만 소요한다. 아이디어가 전달 된 후에는 음악적 확대, 발전, 변주 없이 종료된다. 청중들이 개별의 곡을 들을 때 개별의 과일을 먹는 경험을 했으면 좋겠다. 먹는 것은 시간이 오래 걸리지 않지만 미각적으로 만족스러운 경험이다. Orchard 전체 콜렉션을 연주하는 시간은 일반적인 연주회 소요 시간과 같다 (한 시간 반에서 두시간 이내). 피아니스트들이 개별의 곡을 선곡하고 나름의 순서대로 연주할 것을 장려한다. 작곡가로서 연주자들이 어떤 맥락에서 어떤 곡들을 선곡하고 어떤 순서로 연주할 것인지가 항상 기대되는데 이는 연주자들의 선택에 따라 곡의 분위기와 느낌이 달라지기 때문이다.

An orchard is a plot of land used to plant and harvest fruit trees. This collection includes fifty pieces, ranging from 45 seconds to just over three minutes, all titled after, and, in one way or another, inspired by botanical fruit. When composing each piece, I considered the various features of a particular fruit in order to arrive at compositional decisions. So, in essence, the music takes on my interpretation of a fruit’s texture, shape, color, or flavor - either in combination or focusing on just one of those elements.

To this end, given the brevity of each piece, I almost see these as “seeds” of what could be more long-form musical ideas. Each piece lasts long enough to express a specific idea - to “make a point” - and then it’s over. There’s no further development or variation, and no kind of extension into a formal pattern. My goal, then, is that when audiences listen to this music they will experience something similar to actually eating a fruit: the experience is brief, but satisfying. Due to the number of individual pieces in “Orchard,” and the fact that in order to perform every piece would require devoting an entire recital or concert to just this music, pianists are encouraged to pick and choose the pieces that meet their programming needs and order them however they’d like. The prospect of this is truly exciting to me as a composer, because it means that there will inevitably be combinations put together by performers that I would never have imagined. Plus, I believe ordering the pieces in various ways will put the music in different contexts, creating a unique experience each time a pianist performs the music.

작곡 / Tyler Kline

탐파(플로리다)에 거주하는 작곡가 타일러 클라인은 편곡자이며 오디오 엔지니어이기도 하다. 그의 작품은 넓은 스펙트럼을 자랑한다: 다양한 스타일과 연주 기법을 지닌 소규모와 대규모 앙상블, 독주와 합주곡, 전자음악뿐만 아니라 다양한 예술 분야와 협업 작품들도 있다. 최근, 현대 연주 기법을 통해 다양한 음색을 표현한 기악곡과 성악곡, 전자 음악을 작업한다. 그의 작품은 일본 미학인 와비사비에 영향을 받았다. 와비사비는 불완전성과 비정형성을 높이 평가하는 미학이다. 그는 음악 외적인 요소에서 영감을 받는데 특히 문학의 영향이 크다. 타일러는 지역의 음식, 맥주, 현대음악을 큐레이터하는 독특한 콘서트 시리즈 Terroir New Music 의 감독이며 플로리다의 공영방송인 WSMR 의 클래식 라디오 디제이로도 활동하고 있다.

Tyler Kline is a composer, arranger and audio engineer currently residing in Tampa, FL. His body of work encompasses a wide variety of styles and mediums, including acoustic chamber and large ensemble works; solo and duo works; fixed and interactive electronic/electroacoustic music; and collaborative projects with dance, visual and literary arts. Recent compositions focus on the use of extended sounds/techniques in order to create timbral similarities or differences, as well as textures, between instruments, voices and/or electronics. Tyler's work is deeply influenced by the idea of Wabi-Sabi, a Japanese aesthetic and world view that values transience, imperfection, and impermanence. More broadly, his compositions draw influence from a variety of extra-musical sources, primarily from literature. Tyler is co-artistic director of Terroir New Music, an event series that combines the music of living composers with the work of local chefs and brewers. In addition to his work in composition, Tyler is a classical music radio announcer at WSMR, which is part of WUSF Public Media. tylerklinemusic.com

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Calligraphy for Solo Piano

I. Refracting Timbre

II. Extract

III. Timbral Refraction

IV. Copycat

Calligraphy (2016)는 중국 전통 발현악기(zither)를 위한 작곡자의 이전 작품에서부터 영감을 받은 피아노 모음곡이다. 여러 사회에서 사용되는 문자처럼 이 작품은 음정과 문화로 한 문화를 표현하였다.

Calligraphy (2016) is a set of piano pieces that derive inspiration from my various works for Chinese traditional zithers. Like Chinese calligraphy, a writing system that have been used to express meaning through different languages and societies, these works express one culture’s musical ideas through another timbre and culture.

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With Eyes Open for Saxophone and Piano

With Eyes Open의 음악적 영감 (재료) 은 2008 년에 쓴 with both eyes (플루트, 기타, 타악기, 피아노)로 거슬러 올라간다 – 이 작품은 색소폰과 피아노를 염두에 두고 with both eyes의 재료들을 재조합해 낸 것이다. 과거에 나는 같은 음악적 재료를 여러 각도에서 해석하는 데 중점을 두었고, 해석을 바탕으로 아이디어를 만드는데 집중했다. 최근 작품을 쓰는 일 또한 아주 다르지 않았다. 삶에서도 그렇지만,음악에서도 다양한 각도에서 심도 있게 주제 (재료)에 대해 알기 위해서는 모든 가능성을 열어놓아야 한다. 4개의 다른 악기를 위한 곡을 피아노와 색소폰 듀엣으로 재해석한 것은 과거 작품의 가능성을 새로 발견하는 일이었다. 화가 David Hockney 가 말하길, “세잔은 눈앞의 컵을 양쪽 눈으로 본후, 양쪽 눈을 번갈아 떠본다, 그리곤 의구심을 그린다.” 세잔은 다각도의 해석과 시각을 통해 그리고 있던 눈앞의 컵의 진실에 다가갔다. 이것이 보지 못한 것을 볼 수 있는 유일한 방법이 아닐까. 진실을 보는 눈은 사물 (음악이든 삶이든) 이 가진 모든 가능성을 열어두고 포용할 때 얻을 수 있다. 이 작품은 Keith Bohm 과 38th Annual Festival of New American Music에 의해 위촉되었다.

With Eyes Open takes as its source material an earlier piece of mine entitled “with both eyes” written in 2008 for Flute, Guitar, Vibraphone and Piano. In “With Eyes Open” the original material is reimagined for Alto Saxophone and Piano, a process that felt very organic especially because the premise of the initial composition was to write a piece that would create a unified whole from multiple perspectives on the same musical materials. As in life, so in music, the only way to gain multiple perspectives on an idea, and to truly begin to know the depth of these ideas, is to open oneself completely to the idea of possibility. Taking a composition originally written for four divers instruments and creating a new piece was opening myself up to these new possibilities. The painter David Hockney wrote, “Cézanne starts to look at the cup before him with both eyes, opening one and then the other, and painting his doubts.” Only through a synthesis of these multiple perspectives did Cézanne see the truth, his truth, in the cup he was painting. With both eyes open then is the only way to really see things one has not seen before, and in the process gaining a perspective that is only possible by embracing and indeed celebrating the very possibilities inherent in the material itself. With Eyes Open was commissioned by Keith Bohm and the 38th Annual Festival of New American Music.

[Performers’ Biographies]

Piano / Nicholas Phillips

뉴욕 타임스, (“재능 있고 창의적인 피아니스트”, “현대음악의 탁월한 해석자이자 주창자”) 팡파르, 아메리칸 레코드 가이드 ("정교함과 감성을 동시에 담은 연주") 로부터 찬사를 받는 피아니스트 니콜라스 필립스는 북미, 남미, 유럽, 아시아, 아프리카에서 활발한 연주 활동을 하고 있다. 또한 필립스는 매년 신보를 내는 리코딩 아티스트이기도 하다. 그의 앨범으로는 Ethan Wickman 과 Boris Papandopulo의 피아노 음악을 녹음한 Portals and Passages (Albany Records); 10곡을 위촉, 초연한 New Music for Solo Piano (New Focus Recordings); Impressions (Blue Griffin Records); 8명의 여성 작곡가를 수록한 초연 앨범 Shift (Panoramic Recordings) 등이 있다. 필립스는 미주리 캔사스 대학, 인디애나 대학, 그리고 네브래스카-링컨 대학에서 학위를 수여했다. 현재 위스콘신 (Eau Claire) 대학교수로 재직 중이며 야마하 아티스트이다.

Described by the New York Times as a “talented and entrepreneurial pianist” and an “able and persuasive advocate” of new music, Nicholas Phillips’ playing has been praised for its “bejeweled accuracy” (Fanfare) and as “razor-sharp yet wonderfully spirited” (American Records Guide). He maintains an active schedule as a soloist and collaborative artist having performed all across the United States. He has also given solo recitals and performances in Europe, South America, Asia, and Africa. Phillips is an active recording artist and champion of living composers. In 2011 he released two CDs on Albany Records: Portals and Passages, which features the piano music of American composer Ethan Wickman (b.1973), and Boris Papandopulo: Piano Music. Recent releases include American Vernacular: New Music for Solo Piano (New Focus Recordings, 2014), which features commissioned works written for him on that theme by 10 American composers, and Impressions (Blue Griffin Records, 2016), a collection of 21st century American piano music. His newest release, Shift (Panoramic Recordings, 2019), features world premiere recordings of works by eight living women composers. Phillips is a Yamaha Artist. nicholasphillips.net

Piano / Jieun Shin

피아니스트 신지은은 국민대학교에서 학사, 석사, 박사학위를 받았으며, École Normale de Musique de Paris(프랑스 파리 에꼴 노르말 음악원)에서 Diplôme Supérieur d’Exécution를 수여했다. 국내외 콩쿠르에서 다수의 입상 경력을 자랑하며 인천시립교향악단, 페스티벌 필하모닉 오케스트라, 함신익과 심포니 송, 히로시마 엘리자베스 음악대학 오케스트라 등과 협연했다. 파리 Saint Philippe du Roule Chapelle Baltard , Cathedrale Sanite-Croix, 피아니스트 윤영화와 듀오 연주회 등 활발한 독주와 합주 활동을 하고 있다. 현재 국민대학교 겸임교수로 재직 중이다. 피아노 문헌 연구회 총무, KPS(Kookmin Piano Society), 피아노 앙상블 Avec, Ensemble tones 멤버이다.

Pianist Jieun Shin received her degrees (BM, MM, DMA) from Kookmin University (Seoul, Korea) as well as École Normale de Musique de Paris (Diplôme Supérieur d’Exécution). Award winning pianist Shin appeared as a soloist with Inchoen Philharmonic Orchestra, Festival Philharmonic Orchestra, Hiroshima Elizabeth University Orchestra, among others. She performs dozens of solo and chamber music recitals throughout South Korea and France. Shin teaches at the Kookmin University. She is a member of Avec, KPS (Kookmin Piano Society), and Ensemble tones.

Piano / Eunmi Ko

독창적인 해석과 유려한 음색으로 찬사 받는 피아니스트 고은미는 유럽, 북미, 아시아에서 활발하게 활동 중인 피아니스트이다. 앙상블 Strings & Hammers의 디렉터이며 피아니스트이다. 이스트만 음대에서 석사와 박사학위를 받았으며, 현재 남플로리다 주립대학 조교수로 재직 중이다. 동 대학에서 New Music Consortium 자문 교수로 USF New Music Festival 을 돕고 있다.

Praised for excellent playing (Gramophone) and unusual program (American Record Guide) pianist Eunmi Ko concertizes throughout US, Europe, and Asia. Ko is co-founder and co-director of new music ensemble Strings & Hammers. She holds a doctorate degree from the Eastman School of Music. She is the Assistant Professor of Piano at the University of South Florida and serves as co-advisor of USF New Music Consortium. eunmiko.com

Flute / Hyojung Lee

고양예술고등학교를 졸업한 플루티스트 이효정은 현재 추계예술대학교 4학년에 재학 중이다.

Flutist Hyojung Lee graduated from Goyang Arts High School and she is a senior at the Chugye University for the Arts.

Nova Saxophone Ensemble

(Seungdong Lee, Hanul Jang, Changhoon Lee, and Kihyun Kim)

‘샛별’을 뜻하는 ‘NOVA’는 서울대, 연세대 등을 졸업하고 음악성을 중시하는 젊은 색소포니스트들이 만든 앙상블 팀이다. Classic 주법을 기반으로 하여 대중화된 색소폰의 음색이 아닌 전혀 다른 색깔의 연주를 들을 수 있다. 2013년에 창단되어 ‘헤리티지’ 초청 연주, Arte TV ‘수목콘서트’ 등 각지에서 활발한 연주활동을 하고 있으며, 다양한 레퍼토리와 함께 격조 높은 음악을 위해 새로운 편곡으로 관객들에게 다가가고 있다.

Nova is also known as “the shining star”. Nova is a group of alumni from Seoul National University and Yonsei University who are passionate for music. With its classical performing style, you can experience unique sound world of the ensemble. Nova was established in 2013. “Nova” has performed on weekly-concert at Arte TV. “Nova” continues to actively perform various repertoire including popular music that can be loved by all people.

Saxophone / Seungdong Lee

국내외에서 활발하게 활동중인 색소포니스트 이승동은 연세대 음대에서 학사학위를 받았으며, 프랑스 EVRY 음악원 전문 연주자 과정 (Superieur) 졸업, 프랑스 말메종 음악원 전문 연주자 과정 (Superieur) 졸업, 프랑스 Nidermeyer 음악원 최고 연주자 과정 (Perfectionnement) 을 졸업했다. 국내외 각종 콩쿨에서 우승하였으며 셀머 아티스트, 다다리오 우드윈드 아티스트로 활동 중이다. 현재 연세대 등에 출강하며 후학을 지도하고 있다.

Award winning Saxophonist Seungdong Lee is an active soloist and ensemble player. He concertizes throughout Asia and Europe. Lee earned his degrees from Yonsei University, EVRY, Nidermeyer. He won numerous prizes from international competitions. Currently, he is the Selmer and D’addario Woodwinds Artist. He teaches at the Yonsei University.

Saxophone / Changhoon Lee

색소포니스트 이창훈은 연세대학교에서 우등졸업으로 학위를 수여하고, 해외파견콩쿨에서 입상했으며 한국문화예술진흥원, 서울문화재단, 경기문화재단 등에서 주최 및 주관하는 기획 연주 활동과 예술교육프로그램 강사로 활동 중이다.

Saxophonist Changhoon Lee graduated with honor from Yonsei University. He won numerous competitions. In addition to his busy performing schedule, Lee is an organizer of many musical events and a lecture at the Korea Culture and Arts Education Service, Seoul Foundation for Arts and Culture, Gyeonggi Cultural Foundation, among others.

Saxophone / Brandon Choi

색소포니스트 브랜든 최는 신시내티 음대에서 석사와 박사학위를 받았으며 Consevatorie de Lyon 의 연주자 과정을 마쳤다. 국내외에서 활발한 연주활동을 하고 있으며 현재 중앙대, 수원대, 삼육대에 출강하고 있다.

Saxophonist Brandon Choi concertizes throughout the US and Asia. He earned his graduate degrees (MM and DMA) from the Cincinnati Conservatory of Music and completed Artist Diploma program form the Conservatorie de Lyon. He teaches at the Chungang University, Suwon University, among others. brandonjinwoochoi.com

Saxophone / JinWook Choi

색소포니스트 최진욱은 중앙대에서 학위를 수여했다. Asia Pacific 색소폰 콩쿠르, Universal 콩쿠르, 한양대 콩쿠르, 경원대 콩쿠르, 서울 시향 콩쿠르 등에서 우승했으며 앨범으로는 <Ordinary> 와 Project 21 Avant- Garde 가 있다.

Award winning Saxophonist JinWook Choi received his BM degree from Chung-ang University. He won numerous competitions such as Asia Pacific Saxophone Competition, Universal Competition, Hanyang University Wind Competition, Kyungwon University Wind Competition, Seoul National Symphony Orchestra Competition. He can be heard from the recent recording release “Ordinary” and “Project 21 Avant-Garde.”

Saxophone / Jaehyun Been

색소포니스트 빈재현은 한국예술종합학교를 졸업했다. 밀레니엄 심포니 오케스트라 콩쿠르, 국제 학생 콩쿠르, 서울 심포니 오케스트라 콩쿠르 등에서 우승했으며 금호 영아티스트로 선정되었다.

Saxophonist Jaehyun Been won numerous competitions such as Millennium Symphony Orchestra Competition, International Student Competition, Seoul Symphony Orchestra Competition, among others. He was selected as the emerging artist (Kumho Young Artist).

Director: 고은미 Eunmi Ko, 이승희 Seunghee Lee

Assistant Director: 임소현 Sohyun Lim, 안효은 Hyoeun Ahn, 유진솔 Jinsol Yu

도움주신 분들 Supported by:

이화여자대학교 Ewha Womans University

전북대학교 Chonbuk National University

음악저널 Eumakjournal

안미정 Mijung An

양현경 HyunKyung Yang

Aaron Alter

Alessandro Annunziata

Anna Grove

Ann DuHamel

Brandon Baltodano

Eduardo Costa Roldan

Fabio Massimo Capogrosso

Helen Park

Inesa Gegprifti

John Liberatore

Joon Park

Liana Berube

Mabel MacMillan

Matthew David Sharp

Michelle Kwon

Rebecca Penneys

Robert McCormick

Sini Virtanen

Tyler Kline

Vera Ivanova

Victoria Nakamura

Yeil Park

Anonymous

그 외에도 도움을 주신 많은 분들께 감사드립니다.