현대미술 개념 예술이란 무엇입니까? 주요 특징은 무엇입니까? 가장 중요한 개념 예술가는 누구입니까? 소개: CAI 개념 예술 설명

[백산]

소개: 개념 예술 설명

출처  CAI  소스:EK 이페어케이 플러스

대부분의 경우 사람들은 개념 예술에 도착했을 때 미술사에서 길을 잃습니다. 미술사는 현대 미술이 Edouard Manet (1832-1883)과 Paul Cézanne (1839-1906)과 추상화에 대한 경향으로 시작되었으며, 이는 20 세기 전반기에 계속 발전하여 1940 년대와 1950 년대의 추상 표현주의로 절정에 달했습니다.

그러나 우리는 어떻게 추상적 인 그림에서 설치 형태의 개념 예술 작품으로 도달하여 발견 된 물건을 제시하거나 전혀 물건을 작품으로 제시하지 않았습니까? 또한, 개념 예술이란 무엇입니까? 주요 특징은 무엇입니까? 가장 중요한 개념 예술가는 누구입니까? 오늘날 개념 예술은 어떻습니까? 그리고 대부분의 사람들이 궁금해 할 수 있듯이 왜 중요한지, 아니면 왜 예술입니까?

세계에서 가장 중요한 25명의 개념 예술가를 소개하는 개념 예술에 대한 이 전체 개요 기사에서 자주 묻는 질문에 대해 하나씩 논의해 보겠습니다.

개념 예술이란 무엇입니까? — 정의 및 역사

개념 예술은 1960 년대와 1970 년대의 (역사적) 예술 운동으로, 아이디어가 예술 작품 자체로 기능하여 예술 작품의 가치와 품질을 물리적 대상에서 비 물질적 개념으로 이동시킵니다.

아이디어가 예술 작품이라는 개념은 예술을 보는 방식과 예술에 접근 할 수있는 방법 또는 접근해야하는 방법에 혁명을 일으 킵니다. 예술가뿐만 아니라 시청자를 위해. 이 용어는 1960 년대 미국에서 시작되었습니다. 플럭서스 아티스트 헨리 플린트 (Henry Flynt)는 1961 년 '컨셉 아트'에 대해 처음으로 글을 썼으며, 언어가 주요 특징 인 예술에 대해 논의했습니다.

이 용어는 곧 상징적 인 예술가 솔 르윗 (Sol Lewitt)의 '개념 예술'로 바뀌어 개념 미술에 관한 단락 (1967)과 현대 미술에 관한 문장 (1969)을 상징적 인 기사로 삼았습니다. 얼마 지나지 않아 영국 예술가 집단 Art & Language (참조 인프라)는 The Journal of Conceptual Art라는 부제로 정기 간행물 Art-Language의 첫 번째 호를 출판했습니다. 그렇게함으로써 1960 년대 중반에이 예술 운동의 출현에 이름이 주어졌으며, 이는 새로운 <> 년의 전환과 함께 미술 용어집에 입력되고 통합 될 것입니다.

1960 년대 초, 예술의 정의는 예술 설립과 마찬가지로 강하게 의문을 제기했습니다. 새로운 세대의 예술가들은 예술 기관과 부유층을위한 장식으로 예술의 지속적인 상업화를 비판했다. 루트비히 비트겐슈타인의 언어 이론, 논리적 실증주의, 롤랑 바르트의 포스트 모던 기호학 적 변화, 프랑스 구조주의의 영향을받은이 새로운 세대의 예술가들은 그림이나 텍스트로 제공되는 특별한 정보의 형태로 예술을 창조하기 시작했습니다. 작품의 물질적 실현은 예술의 정보보다 열등하고, 예술을 비물질화하고, 장식으로서의 예술과 거리를 두게 되었다.

그러나 시각적으로나 물질적으로 개념 예술로가는 길은 마르셀 뒤샹과 미니멀 아트를 통해 이어집니다. 1917년, 마르셀 뒤샹은 악명 높은 분수로 세계를 놀라게 합니다. 소변기는 조각품이됩니다. 이를 통해 뒤샹은 기성품을 개척하고 언어를 시각적 대상에 연결합니다. 예술 세계의 영역으로 들어가는 일상적인 물건. (참고 : 마르셀 뒤샹은 틀림없이 최초의 개념 예술가로 볼 수 있지만 뒤샹을 분류 할 수있는 주요 예술 운동은 Dadaïsm입니다) 뒤샹과 1960 년대 개념 예술과 함께, 예술이 될 수있는 관습에 의문이 제기되고 깨졌습니다. L'art pour l'art는 주각에서 밀려나고 있습니다. 작품을 만드는 것은 예술의 맥락, 아이디어 또는 관습입니다.

다다이즘의 예 (ca. 1915 – 1920) : 마르셀 뒤샹, 분수, 1917.

1950 년대와 1960 년대에 미니멀 아트가 등장하면서 급진적 인 시각 언어는 급진적 인 단순성과 추상화의 형태로 나타납니다. 그렇게함으로써 추상 표현주의 회화는 그림이되는 것을 멈추고 조각이되어 설치가되었습니다. 결과적으로 개념 예술은 최소한의 예술의 시각적, 물질적 혁명을 기반으로합니다. 따라서 두 예술 운동과 각각의 가장 중요한 예술가 사이의 강한 연관성.

그러나 오늘날 개념 예술은 어떻습니까? 우리가 개념 예술에 대한 정의에서 언급했듯이, 역사적인 예술 운동은 지난 세기의 60 년대와 70 년대에 일어났습니다. 그러나 개념 예술은 오늘날 현대 미술에서 계속 나타납니다. 분명히 말하면, 1960 년대와 1970 년대에 시작된 것은 1980 년대 나 1990 년대에 존재하지 않았습니다. 그것은 일반적으로 예술과 문화의 끊임없이 변화하는 장면에 계속 진화, 개발 및 적응했습니다. 가장 자주, 현대 개념 예술을 신 개념 예술이라고 부릅니다. 이 과정에서 개념 미술이라는 용어는 60 년대와 70 년대 개념 미술의 역사적 운동에 묶여있는 시간을 의미합니다.[1]

개념 예술의 주요 특징은 무엇입니까?

개념 예술의 네 가지 필수 특성을 구별 할 수 있습니다.

(i) 작품은 아이디어의 실행이 아니라 아이디어입니다. 그러나 아이디어의 실행, 즉 예술품은 아이디어를 시각적으로 전달하는 차량 매체입니다. 예술 작품의 개념에 중점을 두기 때문에 물질적 존재는 종종 최소한의 예술의 영향을 받아 최소한으로 축소되어 예술의 비 물질화를 초래합니다.

(ii) 개념 예술은 예술의 정의를 열어줍니다. 그것은 전통적인 관습, 아름다움과 기술의 구실의 예술가를 해방시키고 설립을 비판합니다. 입체파, 우월주의, 초현실주의 및 추상 미술의 도래와 함께 비슷한 질문이 이미 제기되었습니다. 추상 회화를 좋게하고 아름답거나 잘 칠한 이유는 무엇입니까? 개념 예술은 예술 작품이 아름답거나 잘 만들어 졌는지는 중요하지 않으며 예술을 심미주의의 폭정에서 해방시킵니다.

(iii) 시각적으로나 물질적으로, 개념 예술은 마르셀 뒤샹과 기성품의 전통뿐만 아니라 최소한의 예술의 급진적 인 단순성, 흔하지 않은 재료와 과정을 도입하거나 재료가 전혀 없음으로 정의됩니다.

(iv) 개념 예술의 간접적 인 특성은 자의식적인 성격으로 구성됩니다. 개념 예술은 포스트 모던 문학의 영향으로 예술에 관한 예술을 창조하고, 예술 설립을 비판하며, 자신의 현실, 진실, 실천 및 존재를 조사합니다.

최고의 개념 미술 책

더 많은 독서를 위해, 우리는 개념 예술에 관한 다음 출판물을 적극 권장합니다 :

• Tony Godfrey, Conceptual Art A & I (Art and Ideas). 파이돈: 1998.
• Peter Goldie와 Elisabeth Schellekens, 누가 두려워합니까 : 개념 예술? 라우틀리지: 2009.
• Peter Goldie와 Elisabeth Schellekens, Philosophy and Conceptual Art. 클라렌든 프레스: 2007.
• Nathalie Zonnenberg, 큐레이터 관점의 개념 예술 : 비 물질화와 문서화 사이. 발리즈/비스: 2019.
• 알렉산더 알베로와 블레이크 스팀슨, 개념 예술 : 비판적 선집. MIT 출판부: 2000.
• 알렉산더 알베로와 사베스 부흐만, 개념 예술 이후의 예술. MIT 출판부: 2006.

가장 중요한 개념 예술가 Top 25

첫째, 개념 예술가가 있었고 개념 예술이있었습니다. 미술사는 예술가의 역사입니다. 결과적으로 예술 운동을 배우고 이해하려면이 예술 운동을 형성 한 예술가를 알아야합니다. 따라서 우리는 개념 예술의 역사적 예술 운동의 가장 중요한 예술가에 대한 합리적이고 완전한 개요를 제시했습니다.

1. 비토 아콘치

1940년 뉴욕 브롱크스에서 태어난 비토 아콘시는 2017년 미국 맨해튼에서 77세의 나이로 세상을 떠났습니다. Acconci는 그의 세대에서 가장 영향력있는 비디오, 공연 및 설치 예술가 중 한 명입니다. 그의 경력 전반에 걸쳐 그는 자신을 물고 체모를 태우는 등의 작업을 수행했습니다.

미국 개념 예술가의 작품은 언어, 섹슈얼리티 및 신체 움직임을 포괄하는 일시적인 개념이 특징입니다. 그의 작품에는 항상시 나 비평의 감각이 포함되어있었습니다. 더욱이 대담함, 재치, 도발은 그가 선택한 무기였으며 개념 예술의 경계를 근본적으로 넓혔습니다. [2]

Acconci는 경계를 허무는 예술적 실천으로 국제적인 인정을 받았습니다. 그 결과 미국 예술가는 네덜란드 암스테르담의 Stedelijk 박물관에서 전시했습니다. 미국 시카고 현대 미술관은 뉴욕의 현대 미술관 (MoMA) 또는 휘트니 미술관과 같은 수많은 기관에서 수집합니다.

Vito Acconci에 대한 자세한 내용은 Phaidon Contemporary Art Series의 Vito Acconci를 적극 권장합니다.

비토 아콘치, 연결 매체, 1971. 14 젤라틴 실버 프린트 및 판지에 분필이 있는 필기 텍스트 – 76.3 × 101.5 × 2.5cm. 갤러리아 푸마갈리 제공.

2. 예술 및 언어

Art & Language는 English Conceptual Art를 개척 한 개념 예술가들의 협력입니다. 이 그룹은 공식적으로 1968 년에 설립되어 현대 미술 비평과 최근 역사서뿐만 아니라 현대 미술의 비판적 가정에 의문을 제기했습니다.

Michael Baldwin, David Bainbridge, Terry Atkinson 및 Harold Hurrell은 1960 년대 후반에 Art & Language를 설립했습니다. 개념 예술의 모범적 인 작품을 제작하는 것 외에도, 집단은 또한 저널 Art Language를 출판 할 것입니다. [3]

파리의 퐁피두 센터, 말라가 현대 미술관, 핀란드 에스푸 현대 미술관(EMMA), FRAC 노르망디, 비엔나 모더니너 쿤스트 재단 박물관, 로스앤젤레스 현대 미술관, 뉴욕 현대 미술관, 런던 테이트 모던 등 유명 공공 기관에서 상징적인 협업의 수많은 작품이 전시되어 있습니다.

예술과 언어, 회화 I, No. 9, 1966. 나무 패널에 장착 된 종이에 잉크젯-108 × 150cm.

3. 존 발데 사리

1931년 캘리포니아 내셔널 시티에서 태어난 존 발데사리는 88년 미국 로스앤젤레스에서 2020세의 나이로 세상을 떠났습니다. Baldessari는 개념 예술의 진정한 선구자였습니다. 그는 대중 문화와 예술 역사적 도상학을 진정한 개념 예술 작품으로 변형 시켰습니다.

그의 작품은 개념 예술의 주요 특성을 포괄하는 아이디어 기반 연습, 이미지, 언어 및 전유에 대한 명상으로 표시됩니다. Baldessari는 영화, 공연, 사진, 설치, 판화, 서적, 조각 및 설치 분야에서 일했습니다. 위에서 우리는 그의 가장 상징적 인 작품 중 하나 인 직선을 얻기 위해 공중에 4 개의 공을 던지는 것을 묘사합니다 (<> 회 시도 중 최고). 제목은 그림의 활동과 맥락을 정확하게 설명하며, Baldessari는 특수성, 묘사 된 주제 또는 기타 시각적으로 산만 한 요소보다 더 중요하다고 생각했습니다. [<>]

Baldessari는 전 세계에서 전시되었으며 현대 및 현대 e ra의 가장 중요한 예술가중 한 명입니다. 그 결과 우리는 뉴욕의 현대 미술관 (MoMA), 런던의 테이트, J. 폴 게티 박물관 또는 구겐하임과 같은 주요 컬렉션에서 그의 작품을 접하게됩니다.

John Baldessari에 대한 자세한 내용은 그의 인상적인 6 권 카탈로그 Raisonné를 적극 권장합니다.

존 발데사리, 직선을 얻기 위해 공중에 세 개의 공을 던지기(1973회 시도 중 최고)(세부 사항), 9. 종이에 5개의 오프셋 석판화, 클램쉘 포트폴리오, 각 시트  © 존 발데사리의 재산.

4. 로버트 배리

1936 년 뉴욕 브롱크스에서 태어난 로버트 배리 (Robert Barry)는 비 물질화 된 작품으로 가장 잘 알려진 미국 예술가입니다. 1960 년대부터 Barry는 설치 및 공연 예술 작품에 보이지 않는 미디어를 사용합니다. 그는 비 물질적 인 예술 작품을 만들어 물질성의 한계를 초월하는 것을 목표로합니다.

예를 들어, 개념 예술가는 전파를 매체 또는 단어 목록으로 사용하여 실제 단어를 단어를 보여주는 표시된 프레임이 아닌 보이지 않는 것으로 언급하여 자신의 작품을 해석하는 활동에서 자유로운 연상 방식으로 시청자와의 명상 경험을 불러 일으키는 것을 목표로합니다. [5]

Barry의 작품은 파리 비엔날레, 카셀의 도큐멘타 또는 베니스 비엔날레와 같은 주요 예술 행사에 포함되었습니다. 그의 작품은 뉴욕의 현대 미술관 (MoMA), 워싱턴의 허쉬 혼 박물관 및 조각 정원과 같은 주요 기관의 영구 컬렉션에 포함되어 있습니다. 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 또는 파리의 조르주 퐁피두 센터.

로버트 배리, 전체입니다,..., 1970-1971. 종이에 타자기와 연필 – 34.6 × 97.6cm. 갤러리 그레타 미어트 제공.

멜 보흐너, 언어는 투명하지 않다, 1970. 페인트와 벽에 분필 – 182.9 × 122.6cm. 국립 미술관, 워싱턴 DC

5. 멜 보크 너

1940 년 펜실베이니아 주 피츠버그에서 태어난 Mel Bochner는 뉴욕시에 거주하며 작업하는 미국 예술가입니다. Bochner는 틀림없이 그의 다채로운 단어 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그는 1960 년대 뉴욕에서 Joseph Kosuth와 Bruce Nauman과 같은 개념 예술을 개척했습니다.

뉴욕의 시각 예술 학교에서 열린 그의 1966 년 전시회는 반드시 예술로 간주 될 필요는 없지만 종이에 작업 도면 및 기타 보이는 것들이라는 제목의 쇼는 종종 개념 예술의 첫 번째 전시회로 간주됩니다. 그는 언어, 공간 및 색상 간의 관계를 조사하여 특징적인 단어 그림과 갤러리 벽에 대한 접근 방식을 매체로 만듭니다. [6]

Bochner는 뉴욕, 로스 앤젤레스, 런던, 베를린 등과 같은 거의 모든 주요 예술 도시에서 전시 된 전 세계에서 전시되었습니다. 그의 작품은 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 파리의 퐁피두 센터, 런던의 테이트와 같은 유명한 기관에서 수집됩니다.

Mel Bochner에 대한 자세한 내용은 Mel Bochner: If the Color를 적극 권장합니다.

Alighiero Boetti, Oggi è il nono giorno dell'ottavo mese dell'anno millenovecentoottantotto, 1988. 패널에 장착된 캔버스에 자수 – 103 × 112.5cm. 의례 아티카 파인 아트.

6. 알리기 에로 보에 티

알리기에로 보에티는 1940년 이탈리아 토리노에서 태어나 1994년 로마에서 53세의 나이로 세상을 떠났습니다. Boetti는 개념 예술가 였지만 Arte Povera 운동의 일원이기도합니다. 그의 작품은 완성 된 대상보다 창작 과정이 더 중요했던 1960 년대에 새로운 예술적 언어의 도착으로 특징 지어집니다.

Boetti는 내러티브나 미적 특성에 초점을 맞추는 대신 작품의 개념적 의미를 강조합니다. 틀림없이 이탈리아 개념 예술가는 앞서 언급 한 Mel Bochner를 연상시키는 단어와 글자가있는 다채로운 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다.

알리기에로 보에티는 그르노블 국립현대미술관, 로스앤젤레스 현대미술관, 마드리드 국립중앙미술관 레이나 레이나 소피아 국립미술관, 런던의 테이트 모던, 뉴욕 현대미술관(MoMA) 등 업계 최고의 기관에서 개인전과 주요 회고전을 가졌다. [7]

Alighiero Boetti에 대한 자세한 내용은 2011 년 Yale University Press에서 출판 한 Alighiero E Boetti를 적극 권장합니다.

7. Marcel Broodthaers

Marcel Broodthaers, born in 1924 in Brussels, Belgium, passed away in 1976 in Cologne, Germany. The Belgian artist was in fact a poet before becoming an artist. He was an unsuccessful poet who turned to the arrival of Conceptual Art, aiming to create satirical but poetic artworks.

His works are marked by the use of ready-mades such as egg shells, shells of mussels, chairs, plants, and much more. Broodthaers used language to create a discrepancy between form and content. In doing so, he would create boundary-pushing artworks filled with humor and sharp criticism, encompassing sculpture, film, printmaking, books, and installation.

Broodthaers is one of the most important contemporary artists of his generation, due to his short but powerful career spanning just over a decade. As a result, he has had retrospectives at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the Centre for Fine Arts (BOZAR) in Brussels, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, and the Museum of Contemporary Art (M HKA) in Antwerp.[8]

For further reading on Marcel Broodthaers, feel free to read our article Marcel Broodthaers Explained: ‘Mussels White Sauce’, or our number one recommendation when it comes to Broodthaers monographs, with Marcel Broodthaers, published by the MoMA with his 2016 retrospective.

마르셀 브루더, 물레스 소스 블랑쉬(화이트 소스를 곁들인 홍합), 1967. 페인트 냄비, 홍합 껍질, 페인트 및 착색 수지, 14 3/4인치 직경 (37.5 센티미터); 19 1/8인치 높이 (48.5 cm) 컬렉션 현대 미술관 (MoMA), 뉴욕.

8. 스탠리 브라운

1935년 수리남 파라마리보에서 태어난 스탠리 브로운(Stanley Brouwn)은 2017년 네덜란드 암스테르담에서 세상을 떠난 개념 예술가입니다. Brouwn은 그의 작품과 마찬가지로 다소 애매한 예술가라고 말할 수 있습니다. 그는 그의 저명한 경력을 통해 인터뷰나 사진 촬영을 거부했습니다.

이것은 Brouwn이 예술뿐만 아니라 개인, 신비에 싸여 있음을 나타냅니다. 그는 공연 예술과 플럭서스와 밀접한 관련이 있습니다. 그는 추상화와 예술가의 부재에 흥미를 느꼈고, 부분적으로 그의 애매한 성격을 설명했습니다. 그는 독특한 예술 작품으로 비 물질화와 익명 성을 탐구했습니다.

남미 태생의 네덜란드 예술가는 카셀의 도큐멘타 또는 베니스 비엔날레와 같은 주요 예술 행사에 참여했습니다. 2005 년 네덜란드 아인트호벤의 반 아베 박물관에서 주요 회고전이 열렸습니다. [9]

스탠리 브라운, 1m, 1974. 1000개의 인덱스 카드가 있는 카드 파일러, 표시 포함 – 각 1mm – 39.7 × 19.8 × 15.2cm. 미셸린 슈바이서 제공.

9. 다니엘 뷰렌

1938년 프랑스 불로뉴 빌랑쿠르에서 태어난 다니엘 뷰렌은 파리에서 거주하며 작업하는 현대 예술가입니다. 프랑스 개념 예술가는 행동이나 개입을 만드는 방식을 통해 조각, 설치 및 회화의 교차로에 중점을 둡니다.

다니엘 뷰렌은 1960년대 중반 파리 미술계에 뛰어들어 모셋, 파르망티에, 토로니와 함께 B.M.P.T. 그룹으로 예술가 설립을 강력하게 비판했습니다. Buren은 수직 줄무늬의 상징적 인 모티브로 국제적으로 유명합니다. 8.75cm의 거리로 표시된 색상 줄무늬와 흰색 줄무늬가 번갈아 가며 대부분 현장 또는 공공 장소에서 사용됩니다. 그렇게함으로써 프랑스 예술가는 작품의 환경을 취하지만 작품의 성격을 결정하는 맥락이나 상황의 중요성을 강조합니다.

다니엘 뷰렌은 세계에서 가장 중요한 현대 예술가 중 한 명입니다. 그는 뉴욕의 구겐하임, 파리의 팔레 루아얄, 브뤼셀의 미술 센터, 프랑스 파빌리온에서 프랑스를 대표하는 베니스 비엔날레에서 전시했습니다. [10]

다니엘 뷰렌에 대한 자세한 내용은 다니엘 뷰렌: 언더그라운드를 적극 권장합니다.

다니엘 뷰렌, 사진 기념품 : 쿨뢰르 슈퍼포제, 액트 II 60′, 현장에서 진통, 라포레 미술관, 도쿄. 데테일., 1982. 의례 미술 센터 (BOZAR), 브뤼셀.

10. 빅터 버긴

1941년 영국 셰필드에서 태어난 빅터 버긴은 프랑스 파리에 거주하며 작업하는 현대 예술가입니다. 1960 년대 후반, 영국 예술가는 사진에 중점을 둔 개념 예술가로 인정 받았습니다.

그의 세대의 많은 개념 예술가들은 개념에만 관심이 있었고 그들의 작품을 비 물질화하는 것을 목표로했지만, Burgin은 작품의 아이디어와 물질적 특성 모두에 관심이있었습니다. 그는 혁신적인 방식으로 사진을 찍어 사진 텍스트 예술 작품, 다양한 인쇄물뿐만 아니라 디지털 비디오 및 3D 모델도 만들었습니다. [11]

Burgin은 Siegen의 Gegenwartskunt 박물관, 밀라노의 Museo di Fotografia Contemporanea, 런던의 Tate Britain, Aspen Art Museum 또는 Eindhoven의 Van Abbemuseum과 같은 여러 고급 기관에서 전시했습니다.

Victor Burgin에 대한 자세한 내용은 Victor Burgin: Afterlife를 적극 권장합니다.

빅터 버긴, 영국 76, 1976. 11개의 아카이브 잉크젯/피그먼트 프린트 세트 – 100 × 150cm. 리처드 살툰 제공.

11. 하네 다르 보벤

1941년 뮌헨에서 태어난 독일의 개념 예술가 한네 다르보벤은 2009년 함부르크에서 세상을 떠났습니다. 함부르크에서 회화 공부를 마친 직후 Darboven은 뉴욕으로 이주하여 개념 예술의 핵심 인물로 자리 매김했습니다.

그녀의 작품은 숫자를 포함하는 언어로 표시되어 중립적 인 언어로 시간을 조사 할 수 있습니다. 그녀는 종이에 달력 같은 작품으로 시간의 흐름을 보여주는 작품으로 가장 잘 알려져 있습니다.

Hanne Darboven은 비엔나의 MUMOK (Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig), 베를린의 Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart, 뉴욕의 Museum of Modern Art (MoMA) 또는 파리의 Centre Pompidou와 같은 유명한 기관에서 전시했습니다. [12]

Hanne Darboven, Ein Jahrhundert 1 B, 1973. 그래프 용지에 잉크 – 직경 120cm. 의례 갤러리 크로네.

12. 얀 디베츠

1941년 네덜란드 베어트에서 태어난 Jan Dibbets는 미니멀 아트, 랜드 아트, 사진 매체와 밀접한 관련이 있는 개념 예술가입니다. 틀림없이 그는 콜라주, 아날로그 제작 및 포스트 프로덕션 효과와 같은 다양한 기술을 사용하는 사진 작품으로 가장 잘 알려져 있습니다.

Jan Dibbets는 종종 건축 요소에서 영감을 얻습니다. 바닥, 천장 또는 창문을 특정 개념의 잠재적 인 시점으로 사용하십시오. 좋은 예는 1969 년 콘라드 피셔 갤러리 (Konrad Fischer Gallery)의 그림자 (The Shadows at Konrad Fischer Gallery)의 작품입니다 (위 이미지 참조). Dibbets는 일광이 실내로 들어오고 그림자의 경계가 진화함에 따라 갤러리에서 천천히 움직이는 그림자를 포착하고 조사합니다.

Dibbets는 업계 최고의 박물관에서 전시했으며 루이지애나 미술관, 암스테르담의 스테델릭 박물관, 런던의 테이트 모던, 뉴욕의 구겐하임 미술관 또는 뉴욕의 현대 미술관(MoMA)과 같은 유명한 기관에 전시되어 있습니다. [13]

Jan Dibbets에 대한 자세한 내용은 1989 년 Rizzoli가 출판 한 Jan Dibbets를 적극 권장합니다.

얀 디베츠, 콘라드 피셔 갤러리의 그림자, 1969. 흑백 사진, 연필 및 잉크 – 49.5 × 64.8cm. 컬렉션 드로잉 센터, 뉴욕.

13. 한스-페터 펠드만

1941 년 뒤셀도르프에서 태어난 Hans-Peter Feldmann은 뒤셀도르프에 거주하며 작업하는 독일 개념 예술가입니다. 펠드만을 강박적인 에페메라 수집가로 묘사할 수 있다. 그는 매일 발견 된 이미지를 검색, 수집 및 적절하게 사용하여 예술 작품에 구현합니다. Feldmann은 이러한 발견 된 이미지를 가져와 미학적, 개념적 기반을 갖춘 새로운 집합체로 바꿉니다.

독일 예술가는 자신을 예술가로 묘사하지 않습니다. 사실, 그는 예술계에 관해서는 결에 어긋납니다. 그는 서명되지 않았거나 날짜가 없거나 무한한 판을 만들어 예술계의 전통적인 관습과 상업적 성격에 저항합니다.

한스-페터 펠드만은 뉴욕의 MoMA PS1, 비엔나의 쿤스트할레 빈 뮤지엄쿼터 등에서 전시했으며, 포르투의 현대 미술관이나 프랑크푸르트 암 마인의 현대 미술관(MMK)을 아우르는 수많은 박물관에서 수집되었습니다. [14]

Hans-Peter Feldmann에 대한 자세한 내용은 Hans-Peter Feldmann: Album을 적극 권장합니다.

한스-페터 펠드만, 제목 없음 (선데이 픽처스, 1976. 21개의 포스터가 석판화를 상쇄합니다 – 가변 치수. 의례 리처드 살툰.

14. 댄 그레이엄

1942 년 미국 일리노이에서 태어난 Dan Graham은 뉴욕에서 거주하고 작업하는 세계에서 가장 중요한 현대 예술가 중 한 명입니다. 그는 건축 환경과 거주자 사이의 공생을 조사합니다. 좋은 예는 1960 년대 중반에 시작된 그의 시리즈 Homes of America에서 찾을 수 있습니다 (위 이미지 참조).

그의 다양한 예술적 실천은 공연, 설치, 조각, 비디오, 사진 및 건축뿐만 아니라 큐레이팅 및 글쓰기에서도 형성됩니다. 그렇게함으로써 Graham은 개념 예술뿐만 아니라 전통적인 '화이트 큐브'아트 갤러리의 한계를 거부하면서 미니멀 아트와 비평 아트의 발전에 크게 기여했습니다.

댄 그레이엄은 베이징의 붉은 벽돌 박물관, 자그레브의 현대 미술관, 클리블랜드 미술관, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 로스 앤젤레스의 현대 미술관 또는 베른의 쿤스트할레에서 개인전을 개최하여 전 세계에 전시되었습니다. [15]

Dan Graham에 대한 자세한 내용은 Dan Graham: Catalogue Raisonne을 강력히 추천합니다.

댄 그레이엄, 미국을 위한 주택, 1971. 크림색 흰색 아치 종이에 인쇄된 석판화 – 61.6 × 79.4cm. 에디션 50. 이 작품은 한정판 세트의 일부입니다. 의례 월드 하우스 에디션/

15. 한스 하케

1936년 독일 쾰른에서 태어난 Hans Haacke는 뉴욕에 거주하며 작업하는 개념 예술가입니다. Haacke는 개념 예술뿐만 아니라 운동 예술, 환경 예술, 기관 비평 또는 비평 예술을위한 진정한 선구자입니다. 그의 작품은 종종 사이트에 따라 다르며 시청자가 작품, 시청자 및 사회 전반에 영향을 미치는 보이지 않는 구조에 참여하거나 참여하거나 질문하도록 도전합니다.

독일 예술가는 뉴욕의 뉴 뮤지엄, 마드리드의 국립 센트로 데 아르테 레이나 소피아, 로테르담의 보이만스 반 뵈닝겐 박물관, 파리의 퐁피두 센터 또는 런던의 테이트 모던에서 전시했습니다. [16]

Hans Haacke에 대한 자세한 내용은 Hans Haacke: All Connected를 적극 권장합니다.

한스 하케, 그래스 큐브, 1967. 아크릴 플라스틱, 흙, 잔디 씨앗, 물 – 76.2 × 76.2 × 76.2 cm. 의례 폴라 쿠퍼 갤러리.

16. 제니 홀저

1950 년 오하이오에서 태어난 Jenny Holzer는 다 분야 신 개념 작품으로 가장 잘 알려진 미국 예술가입니다. Holzer는 대리석 조각, LED, 광고판, 판화 등을 포함한 다양한 미디어를 설치물에 통합합니다.

제니 홀저의 작품은 페미니즘으로 특징지어집니다. 그녀는 도전적인 설치와 공공 개입으로 공개 토론을 불러 일으 킵니다. 그렇게함으로써 그녀는 정치적 불평등에 대한 인식을 높이고 권력 대 무력감 또는 폭력 대 취약성을 조사합니다. 결과적으로 그녀는 의심 할 여지없이 그녀의 세대에서 가장 중요한 예술가 중 한 명입니다.

홀저는 바젤의 바이엘러 재단, 휘트니 미술관, 시카고 현대 미술관, 미니애폴리스의 워커 아트 센터, 뉴욕의 구겐하임 미술관, 뉴욕의 디아 아트 파운데이션과 같은 기관을 포함하여 전 세계에 전시되었습니다. Jenny Holzer는 현대 시대의 가장 위대한 여성 예술가 목록에 포함되어 있습니다. [17]

Jenny Holzer에 대한 자세한 내용은 Phaidon Contemporary Art Series의 Jenny Holzer를 강력히 추천합니다.

제니 홀저, 어린이 방, 1990. 대리석 및 LED 설치-가변 치수. 의례 Hauser & Wirth.

17. 더글라스 휴블러

1924 년 미시간 주 앤아버에서 태어난 더글라스 휴 블러 (Douglas Huebler)는 1997 년 매사추세츠 주 트루로에서 세상을 떠난 미국 개념 예술가였습니다.

1960 년대 후반까지 Huebler는 그림과 조각을 포기했습니다. 그는 언어를 사용하여 사진,지도 또는 그림과 함께 서면 진술을 작성했습니다. 이 글을 통해 그는 시각 정보의 의미를 해체했습니다. 그렇게함으로써 언어는 시각 예술과 관련하여 시스템 또는 강력한 도구가됩니다.

Huebler는 브뤼셀의 미술 센터, 제네바의 현대 미술관, 런던의 캠든 아트 센터에서 전시했으며 카셀의 도큐멘타에 참가했습니다. [18]

Douglas Huebler에 대한 자세한 내용은 Douglas Huebler: Variable, Etc.를 적극 권장합니다.

더글라스 휴블러, 위치 조각 #13(워싱턴 행진), 1969. 컬러 사진 94장, 젤라틴 실버 프린트 130장, 타자기로 된 종이, 신문 – 2 × <>.<>cm. 의례 폴라 쿠퍼 갤러리.

18. 카와라에서

1933년 일본 가리야에서 태어난 온 카와라는 2014년에 세상을 떠난 개념 예술가입니다.

일본 예술가는 오늘날 그의 상징적 인 작품 인 "오늘"의 날짜를 묘사 한 일련의 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그는 항상 그들이 만들어진 국가의 언어 및 데이트 관습에서 날짜를 묘사했습니다. 이 시리즈는 1966 년에 시작되어 2014 년 사망 할 때까지 거의 <> 년 동안 시간과 시간의 문서화를 탐구하는 시리즈를 계속했습니다.

On Kawara는 전 세계에 전시되었으며 파리의 퐁피두 센터, 바젤의 쿤스트 박물관, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 스웨덴의 모데르나 박물관, 뉴욕의 현대 미술관 (MoMA), 런던의 테이트 모던 또는 휘트니 미술관과 같은 박물관 컬렉션에 전시되어 있습니다. [19]

On Kawara에 대한 자세한 내용은 2013 년 Glenstone Museum에서 출판 한 On Kawara를 적극 권장합니다.

카와라에서, 26년 1966월 1966일 "모스크바에서 열린 소련 공산당 전국 대회", 20. 캔버스에 Liquitex, 신문 스크랩이있는 수제 판지 상자-3.25 × 4.<>cm. Dhondt-Dhaenens Deurle 박물관.

19. 조셉 코수트

1945 년 오하이오 주 톨레도에서 태어난 Joseph Kosuth는 뉴욕과 런던을 오가며 작업하는 미국 예술가입니다. Kosuth는 틀림없이 개념 예술에서 가장 중요한 인물 중 하나입니다. 1960 년대부터 그는 언어 기반 작업과 세출 전략을 시작하는 개념 및 설치 예술을 개척했습니다.

그의 작품에서 핵심 요소는 예술 내에서 의미를위한 구조적 요소로서의 언어의 역할입니다. 그의 가장 상징적 인 작품 중 하나는 1965 년의 유명한 One and Three Chairs (위 이미지 참조)입니다. 문제의 작품은 개념 예술의 교과서 예입니다. 그는 의자의 개념을 취하여 의자, 실제 의자, 의자라는 단어와 텍스트 방식으로 그 정의를 묘사합니다. 그렇게함으로써 Kosuth는 플라톤의 아이디어 이론과 포스트 모던 인식론의 지배적 인 구조주의와의 연관성을 암시합니다.

세계에서 가장 중요한 개념 예술가 중 한 명인 Kosuth가 거의 모든 주요 예술 기관에서 전시 및 수집 된 것은 놀라운 일이 아닙니다. 뉴욕의 현대 미술관 (MoMA), 런던의 테이트 모던, 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 아인트호벤의 반 아베 박물관, 암스테르담의 스테 델릭 박물관 또는 파리의 퐁피두 센터를 생각해보십시오. [20]

Joseph Kosuth에 대한 자세한 내용은 Joseph Kosuth : Interviews를 적극 권장합니다.

조셉 코수트, 하나 및 세 개의 의자, 1965. 나무 접이식 의자 의자의 사진을 장착하고 "의자"의 사전 정의의 사진 확대, 의자 82 x 37.8 x 53 cm, 사진 패널 91.5 x 61.1 cm, 텍스트 패널 61 x 76.2 c m. 뉴욕 현대 미술관 소장.

20. 피에로 만조니

1933년 이탈리아 손치노에서 태어난 피에로 만조니(Piero Manzoni)는 개념 예술가로 29년 밀라노에서 1963세의 나이로 세상을 떠났습니다. Manzoni는 개념 예술의 진정한 선구자였습니다. 그는 멀티미디어 작품으로 예술계의 관습을 해체했습니다. 그는 예술계의 상업적 성격과 자본주의 전반을 날카롭고 재치 있고 유머러스한 작품으로 풍자했습니다.

의심 할 여지없이 Manzoni는 1961 년의 도발적인 작품 Artist's Shit으로 가장 잘 알려져 있습니다 (위 이미지 참조). Manzoni는 자신의 배설물을 주석으로 처리하고 한정판 예술 작품으로 선언하여 일일 금 가격으로 판매하고 예술가를 문자 그대로 '금 똥'이라고 언급하고 조롱했습니다.

그의 작품은 파리의 현대 미술관, 프랑크푸르트 암 마인의 슈타델 박물관, 상파울루의 모데르나 미술관, 로스앤젤레스 현대 미술관 등 전 세계 기관에서 전시되었습니다. [21]

Piero Manzoni에 대한 자세한 내용은 Piero Manzoni: 몸이 예술이 되었을 때를 적극 권장합니다.

피에로 만조니, 예술가의 똥, no. 31, 1961. 금속, 종이 – 5 × 6.5 cm. 의례 아트 리소스, 뉴욕.

21. 솔 르윗

1928 년 하트 포드 코네티컷에서 태어난 Sol LeWitt는 2007 년에 세상을 떠난 미국 예술가입니다. Sol LeWitt는 1950 년대 후반과 1960 년대 초반에 미니멀 아트와 개념 예술의 출현에서 핵심 인물이자 선구자였습니다. LeWitt는 작품 자체가 아닌 작품의 개념이나 아이디어에 관심이있었습니다. 그렇게함으로써 그의 작품은 다른 사람들에 의해 실행되며 예술가의 역할은 발명가 또는 개념자에게 국한됩니다. 그는 명확하고 간결한 지침을 제공했으며, 이는 오늘날까지 설치 작품의 표준이 될 것입니다.

또한 Sol LeWitt는 그의 저술로 개념 예술과 미니멀리즘의 발전에 크게 기여했으며 예술이 무엇인지에 대한 새로운 사고에 지속적으로 도전했습니다. 그의 작품과 관련하여 그는 큐브 (위 이미지 참조)와 같은 미완성 구조의 끝없는 순열을 만드는 '구조'로 가장 잘 알려져 있으며 독특한 벽 그림으로 국제적으로 찬사를 받고 있습니다.

LeWitt는 샌프란시스코 미술관 (SFMOMA), 시카고 현대 미술관, 뉴욕 휘트니 미술관에서 주요 회고전을 가졌습니다. [22]

Sol LeWitt에 대한 자세한 내용은 Sol LeWitt: A Life of Ideas를 적극 권장합니다. 또한 Sol LeWitt는 The Ultimate Top 100 Most Contemporary and Contemporary Artists의 기사에 등장합니다.

솔 르윗, 큐브, 1965. 도장 된 강철 및 알루미늄 – 25.4 × 25.4cm. 의례 로나 호프만 갤러리.

22. 고든 마타 클라크

1943 년 뉴욕에서 태어난 Gordan Matta-Clark은 1978 년에 세상을 떠난 미국 예술가였습니다. 그는 1970 년대 뉴욕 시내 예술계의 핵심 인물이었습니다.

Matta-Clark은 도시 환경에서 지역 사회와 직접 소통하는 급진적 인 접근 방식으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그는 공연 예술, 개념 예술, 프로세스 아트 및 토지 예술을 초월한 대규모 건축 개입을 제작했습니다.

Gordon Matta-Clark은 세계에서 가장 중요한 현대 예술가 중 한 명으로 시카고 현대 미술관, 암스테르담의 스테델릭 박물관, 바젤의 쿤스트할레, 몬트리올의 현대 미술관, 뉴욕의 휘트니 미술관 등 주요 박물관에서 전시했습니다. [23]

더 읽어보려면 Gordon Matta-Clark: You Are the Measure를 강력히 추천합니다.

고든 마타-클라크, 분할: 네 모퉁이, 1974. 건물 조각-가변 치수. 컬렉션 샌프란시스코 현대 미술관 (SFMOMA).

23. 브루스 나우만

1941 년 인디애나 주 포트 웨인에서 태어난 브루스 나우만 (Bruce Nauman)은 미국 예술가이자 현대 시대의 가장 중요한 예술가 중 한 명입니다. 그는 조각, 드로잉, 판화, 사진, 비디오, 네온, 심지어 사운드 설치와 같은 다양한 매체를 사용하는 실험적인 작품과 학제 간 접근 방식으로 가장 잘 알려져 있습니다.

브루스 나우만 (Bruce Nauman)은 인간의 경험에 의문을 제기합니다. 그는 관습에 도전하고 예술과 의미를 창조하기위한 새로운 방법론을 연구했습니다. 그의 예술적 실천은 실존 적 이분법으로 가득 차 있습니다. 삶 대 죽음, 사랑 대 증오, 쾌락 대 고통 등을 생각해보십시오. 그는 몸을 재료로 사용합니다. 그의 작품 전반에 걸친 핵심 요소는 이미지, 언어, 예술 및 시청자 간의 관계입니다.

미국 예술가는 애리조나의 스코 츠 데일 현대 미술관, 쿠어의 뷘드너 쿤스트 박물관, 플로리다의 현대 미술관, 샌디에고의 현대 미술관, 몬트리올의 현대 미술관 등에서 전시했습니다. [24]

더 많은 독서를 위해, 우리는 모노 그래픽 출판물 Nauman을 적극 권장합니다.

브루스 나우만, 육체 흰색에서 검은 색으로, 1968. 비디오. 아르톤 재단, 바르샤바.

24. 아드리안 파이퍼

1948년 뉴욕에서 태어난 Adrian Piper는 독일 베를린에 거주하며 작업하는 미국 개념 예술가입니다. 그녀는 종종 정치적 문제로 표시되는 개인적인 경험을 융합하여 청중이 성별, 계급 및 인종에 관한 관습을 재고하도록 촉구합니다. 1960년대 후반 그녀의 공연은 그녀의 대담함과 상호 작용으로 찬사를 받은 경력을 시작했습니다.

Adrian Piper는 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 로스앤젤레스 현대 미술관, 파리 퐁피두 센터에서 전시했습니다. [25]

Adrian Piper에 대한 자세한 내용은 Adrian Piper : A Synthesis of Intuitions 1965-2016을 적극 권장합니다.

아드리안 파이퍼, 신화적인 존재: 솔의 그림 #1–5, 1974. 워커 아트 센터, 미니애폴리스.

25. 로렌스 와이너

1942년 뉴욕 브롱크스에서 태어난 로렌스 와이너(Lawrence Weiner)는 2021년 세상을 떠나기 전까지 뉴욕시와 암스테르담을 오가며 거주하며 작업한 미국 개념 예술가입니다. Lawrence Weiner는 1960 년대 후반 개념 미술계의 핵심 인물 중 한 명이었고 그의 세대에서 가장 중요한 예술가 중 한 명이기 때문에이 목록을 마무리하기에 이상적인 예술가입니다.

와이너는 예술가의 지위를 재정의했다. 그는 제작자, 예술가, 그리고 그 보는 사람, 시청자와 관련하여 객관성의 관습에 의문을 제기했습니다. 그는 언어를 매체로 사용하여 구조와 그래픽 선 및 모양에 대문자를 사용합니다.

로렌스 와이너는 밀워키 미술관, 쿤스트하우스 브레겐츠, 빌라 판자, 바르셀로나 현대 미술관, 뉴욕 휘트니 미술관, 로스앤젤레스 현대 미술관 등 전 세계 주요 기관에서 전시했습니다. [26]

Lawrence Weiner에 대한 자세한 내용은 Lawrence Weiner : 눈이 볼 수있는 한.

Lawrence Weiner, THE BOULDERS ON TOP RENT & SPLIT, 1987. 언어 + 참조 된 재료 – 가변 치수. 의례 마리안 굿맨 갤러리.