Ultimate Mozart CD 2
궁극의 모차르트 CD 2 (피아노 협주곡)
Wolfgang Amadeus Mozart [1756 ~ 1791]
Vladimir Ashkenazy - piano
Philharmonia Orchestra
Label Decca
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Piano Concerto No. 21 in C major, K467 'Elvira Madigan'
1. Allegro
2. Andante
3. Allegro vivace assai
Rondo in A minor, K511
Piano Concerto No. 20 in D minor, K466
1. Allegro
2. Romance
3. Rondo (Allegro assai)
피아노 협주곡 21번 C장조 K. 467 '엘비라 마디간'
1악장 Allegro Maestoso
알레그로 도 솔 도 미 파미레도시....로 시작하는 다 장조의 으뜸화음에 따라 경쾌한 멜로디가 흘러나온다. 이 주제는 관현악과 피아노의 대화에 있어서 참으로 중요한 역할을 담당하고 있다. 이렇게 시작하여 오케스트라만의 푸가로 이끌어지는 당당한 서주는 뛰어난 음악학자 알프레드 아인쉬타인이 "젊은이의 혈기가 음악을 통해서 훌륭하게 묘사되어있는 멋있는 역작" 이라고 극찬할 만큼 당당한 형식과 열기를 가진 훌륭한 2성 푸가를 이룬다.
또한 1악장서 특기할만한 점은 교향곡 40번의 제1주에... 파미 미 파미미 파미미도 도시 라 라솔 파 파미 레레....가 잠깐 경과구로 모습을 비친다는 점이다. 한 2마디 정도. 경과구로 처리되기 때문에 잠깐 딴 짓하고 있으면 지나가 버리지만, 이 주제가 여기 나오는 걸로 봐서 모차르트 음악이 가지고 있는 각 곡들간의 유기적 연관성,장조와 단조의 혼합성... 등을 엿볼 수 있다.
2악장 Andante
영화 '엘비라 마디간'의 배경음악으로 사용된 2악장 안단테 너무나 아름다운 안단테...
4분의4박자지만 셋잇단음표의 반주에 실려 마치 6/8 박자 처럼 들리는 곡이다. 이 곡을 잘 치려면 리듬감이 훌륭해야 할 것이라 생각되고, 이처럼 미묘한 두 박자의 조화가 이 악장을 더욱 부드럽고 아름답게 만들어 주고 있는 것인지도 모른다.
3악장 Allegro vivace assai
경쾌한 론도. 아주 중화제로 좋은 곡이다. 옛말에 있듯이 쇼팽을 듣고 나선 모차르트로 귀를 씻어라. 바하를 듣고 나선 모차르트로 중화해라. 차이콥스키의 센티멘탈리즘은 모차르트가 해소해 준다. 이 말들에 꼭 어울리는 악장이다.
모차르트 피아노 협주곡 21번...
가요 가사 속에 나올만큼 유명한 곡....그 중 2악장은 영화 속에 삽입되었던 곡으로....영화보다 유명한 이 음악...영화 제목 그대로 "엘비라마디간"이라고 더 잘 알려진 모차르트 피아노 협주곡 제 21번이다. 20번과 동시에 작곡된 곡으로 다소 어두운 20번과는 달리 밝고 경쾌하다.
영화내용
영화 엘비라 마디간은 1889년 스웨덴의 한 서커스단에서 줄타기를 하는 소녀 엘비라 마디간과 귀족 출신의 육군 중위인 식스틴 스파레 백작의 사랑을 그린 영화이다. 전쟁의 혐오감과 무상함에 빠진 식스틴은 아내와 두 아이를 버린 채 탈영하고, 엘비라도 부모와 서커스, 명성을 버리고 식스틴과 도주한다.
오염된 사회를 벗어나 아름다운 사랑을 나누지만, 그들의 신분 차이는 결혼이라는 합법적 절차를 허락하지 않는다. 더우기 그들 앞에는 경제적 어려움이 닥치기 시작한다. 결국 두 사람은 정열적이고 행복한 사랑을 간직한 채 사랑의 안식처를 찾아 두 발의 총성속에 사라진다.
영화 해설
실화를 바탕으로 귀족 출신의 처자있는 젊은 장교 식스틴 스파레와 서커스단의 줄타는 소녀 엘비라 마디간의 아름답고도 슬픈 사랑의 비극을 그린 작품. 모차르트의 피아노 협주곡 21번이 흐르는 가운데 엘비라와 식스틴이 들판에서 나비를 잡으러 뛰어다니는 모습으로 영화는 시작된다. 따스한 노란빛을 배경으로 열심히 나비를 쫓는 그들이 순진무구한 아이들 같기도 하고 행복해 보이기도 하지만, 나비는 그들의 이루어지지 않는 희망과도 같은 존재인지 아무리 쫓아다녀도 손에 잡히질 않는다.
이 영화 역시 쉘브루의 우산이나 흑인 올페와 같이 끝없이 아름답지만 끝내 결실을 이루지 못한 60년대 유럽 영화속에 묻혀져 간 러브 스토리의 하나였다. 이러한 숱한 유형들은 아쉽고도 회의적인 막을 내리면서도 저나름대로 되새겨 볼 만한 것들이었지만 그 중에서도 엘비라 마디간을 잊을 수 없는 것은 모차르트의 음악 때문일 것이다. 특히 잊을수 없는 라스트씬에서 죽음으로 사랑을 완성시키겠다고 굳게 결심한 남자지만 차마 사랑하는 여인에게 방아쇠를 당길 수 없어 주저한다. 하지만 엘비라는 남자를 재촉한다.
모차르트의 사랑의 선율이 흐르는 가운데 엘비라는 일어서서 흰나비를 잡으려고 들판으로 나간다. 엘비라가 흰나비를 두 손으로 잡는 순간 화면은 정지된다. 곧 이어서 한 방의 총성이 울린다. 잠시 뒤에 들려오는 또 한 발의 총성.....
이 비극적인 사랑의 아픔과 감동을 오래도록 지속시켜주는 것이 바로 이때 흐르던 모차르트의 피아노 선율인 것이다. 우리나라에서 상영된 것은 5년 뒤인 72년, 서울의 중앙극장에서였는데, 이때 19만여 명의 관객이 다녀간 것으로 당시로서는 대단한 히트였다....
작품 해설
1785년 작곡된 이 작품은 모차르트 전성기(피아노 협주곡으로서의 전성기)때 피아노 협주곡 20번과 동시에 작곡된 곡이다. 그때는 모짜르트의 가장 행복했던 시기이자 창작열이 가장 왕성했던 시기인데, 피아노 협주곡 19,20,21,22,23,24,25,26 까지가 모두 그 3해 동안에 작곡된 것이고 또한 아이러니칼하게도 그때부터 모차르트의 가난과 빈곤의 시대가 열리기 시작한 것이다. 이 곡의 자필 악보에는 악보 대신 숫자가 빽빽하게 적힌 가계부가 더 많은 부분을 차지하고 있다.
피아노와 관현악의 대화, 관악기의 독백, 투쟁, 화합, 투정, 달램 등등 인간의 대화에 나타나는 모든 감정이 다 들어있는 협주곡이다. 특히 이 21번엔 간결한 형식미- 그의 피아노 협주곡 중에서 둘째 가라면 서러워할 형식미-가 담겨 있다. 그리고 2악장의 감상적 내용..그것이 잘 대비되어 있다.
이 곡은 모차르트만의 꿈꾸는 듯한 영롱한 선율과 듣는 이의 가슴을 촉촉히 적시는 따사로움 때문에 유난히 사랑받는 작품이다. 특히 영화 엘비라 마디간에 삽입된 제2악장 안단테는 가슴 떨리는 사랑의 향기와 비련, 추억 등을 그대로 펼쳐보이는 애틋한 선율로 해서 이 비극적인 사랑을 배가시킨다. 때문에 엘비라마디간=모짜르트 피아노협주곡21번 이라는 등식을 성립시킬 정도였다.
엘비라 마디간의 성공으로 1700년대의 클래식 음악이 200여년만에 미국의 빌보드 차트 탑10 에 들었는가 하면 아예 곡명이 엘비라 마디간으로 대중에게 전파될정도였다.
이 영화로 엘비라 마디간 역의 데게르마르크는 1967년 제20회 칸영화제에서 여우주연상을 수상했다. 데게르마르크는 당시 17살로 스웨덴 왕궁의 발레리나였는데 이 영화 한편으로 스타덤에 올랐지만, 이후 영화에 한번 더 출연한 것을 끝으로 다시 발레리나로 돌아갔다고 한다. 아마도 배우로서 이보다 더 아름다운 작품이 또 있으리라는 보장이 없었기 때문일거라 생각....
모차르트 역시 자신의 작품이 후세에 엘비라 마디간으로 제목이 바뀌어 기억될지라도 흡족해 하지 않았을까~~~
론도 a단조 K. 511
모차르트의 '론도 A 단조 작품 511'은 그의 피아노 작품 중에서 가장 심원한 내용을 지닌 작품의 하나로 평가되는 곡이며 모차르트 음악의 자유로움과 경쾌함을 느낄 수 있다.
맞서 싸운 베토벤, 받아들인 모차르트,
하노버에서 온 음악 편지 슬픔에 대처하는 방법
인간이 느끼는 감정은 우리가 사용하는 단어들로는 모두 표현할 수 없을 만큼 그 종류가 방대하다. 그러나 그 모든 감정 중 제일 힘센 감정을 하나 꼽으라면 그건 바로 ‘슬픔’이 아닐까. ‘슬프다’는 느낌은 너무 많은 세부적인 감정, 즉 고통·분노·고독·연민·공포 등과 쉽게 연관 지어져 또렷이 구분해 내기가 힘든 감정이기도 하지만 분명한 것은 누군가가 느끼는 지독한 슬픔이야말로 다른 어떤 감정보다도 오래 기억되고, 쉽게 남의 호응을 얻으며, 따라서 재빨리 주변으로 전이된다는 것이다. 인간의 마음을 움직이는 임무를 부여받은 음악가들에게는 최고의 소재인 셈이고, 그래서 오래도록 모든 음악가에게 편애받는 소재로 자리매김해 왔다. 슬픔을 받아들이고 다시 그려내는 개개인의 형태가 곧 그들의 음악관이라고 보아도 무리가 없을 정도로 말이다.
일례로 루트비히 판 베토벤은 슬픔에 매우 인색한 사람이었다. 음울한 성향에 누구보다 비극적인 생애를 살았지만 그는 사실 타고난 낙관주의자였다. 그의 음악에는 삶의 비극성과 관계없이, 혹은 현실의 잔혹성이 강하면 강할수록 반대로 살아남고자 하는 인간의 의지가 강하게 드러난다. 피아노 소나타 7번 D장조 작품번호 10의 3 중 2악장은 그런 긍정성이 배제된 매우 드문 베토벤의 작품 중 하나다. ‘mesto’, 슬픈이라는 뜻을 가진 이탈리아어를 곡 첫머리에 적어 넣은 이 악장은 열아홉의 어린 나이에 마치 앞으로 자신의 삶에 드리울 모든 고독을 예감한 것 같은, 그야말로 깊은 슬픔이 느껴지는 악장이다. 물론 길고 어두운 이 독백이 끝나고 이어지는 3악장은 다시 희망의 목소리로 가득 차 있으며, 4악장은 처음과 같이 다시 환희 넘치는 분위기로 되돌아온다. 결국 그에게 슬픔이란 마지막에는 꼭 이겨야만 하는 인생의 경쟁자였던 걸까?
여기에 가장 대조되는 음악관이 있다면 그건 볼프강 아마데우스 모차르트일 것이다. 나태해 보일 정도로 슬픔에 관조적인 그는 이 감정을 참으로 곧이곧대로 받아들이면서 또한 그대로 풀어놓는다. 독주 피아노를 위해 쓰인 A단조의 론도 작품번호 511이 좋은 예다. 그의 슬픔에는 특별한 근원도, 변명도 없다. 이를 극복하고자 하는 의지는 더더욱 없으며 이것을 물리치고자 하는 대상으로 규정짓지도 않는다. 오히려 나는 이만큼 슬프고, 이만큼 아프고, 이만큼 힘들다고 너무도 쉽게 인정해 버리는 그 태도가 초인간적으로 보일 정도다. 피아노 협주곡 제23번 A장조 작품번호 488의 2악장은 또 다른 예다. 기꺼이 깊숙한 절망의 나락으로 빠져버리는 이 악장은 그 어떤 실낱 같은 희망도 제시하지 않은 채 사그라지는 불꽃처럼 끝나버리는데, 주목할 것은 그 뒤에 등장하는 3악장이다. 이전 악장과는 아무런 연관도 없다는 듯이 다시없을 유쾌함을 자랑하는 이 악장은 마치 “슬펐던 건 어쩔 수 없고, 이젠 그만 다음 차례로”라며 아무렇지 않게 삶의 그 다음 장에 스스로를 맡겨버리는, 모차르트의 참 근간을 보여주는 대목이다.
프란츠 슈베르트는 정확히 베토벤과 모차르트의 중간 지점 정도에 위치한 게 아닐까 싶다. 그의 작품 세계는 슬픔이라는 키워드를 제외하고는 설명이 거의 불가능할 정도로, 지극히 적은 수의 곡을 제외한 그 모두에 특유의 애수가 어려 있다. 특히 말년의 작품들에는 그의 음악을 아끼는 친구들이 모두 우려할 정도로 침울한 정서가 깊게 드리웠는데 피아노 삼중주 2번 E플랫장조 도이치번호 929, 바이올린과 피아노를 위한 환상곡 C장조 도이치번호 934, 네 손을 위한 환상곡 F단조 도이치번호 940, 현악5중주 C장조 도이치번호 956, 그리고 가곡집 ‘겨울 나그네’ ‘백조의 노래’ 등이 모두 그러하다. 여기에는 슬픔 자체보다도 모든 인간이 으레 가지는 슬픔에 대한 두려움과 방어적 태세가 아주 상세히 그려져 있어 애처롭기 그지없다. 슬픔을 있는 그대로 인정하지도 못하고 그렇다고 맞서 이겨낼 힘도 없어 그에 대한 부정이나 혹은 착란으로밖에 대처하지 못하는 연약한 한 개인의 모습은 현실에서의 우리와 제일 닮아 있다.
그럼에도 불구하고 슈베르트의 작품들에는 마치 이내 돌아올 봄을 기다리는 듯한 작은 희망이 늘 도사리고 있는데, 이것은 물론 베토벤 식의 희망과는 사뭇 다르다. 훌륭한 한 인간의 의지의 발로라거나 성취의 구현이라기보다는 그저 이 삶이 끝나지 않고 지속되기만을 바라는 한 개인의 최소한의 소망과도 같은 것이다. 그의 슬픔이 우리 모두에게 특별히 가깝고도 각별하게 다가오는 이유일 것이다.
음악가들이 슬픔에 대처하는 방법이 그들의 음악관이 되듯 슬픔에 대처하는 방법이 곧 그 인간의 인생관이 될 것이다. 무작정 닥쳐오는 슬픔에 맞서 싸워 이기든, 혹은 슬픔을 그대로 받아들여 나름대로 즐기든, 이도 저도 아니라 그저 상황에 시달리든, 그 선택은 우리에게 달린 것일 테다. 하지만 분명한 것은 슬픔은 나만의 것이 아니며 언젠가는 지나가고 말리란 사실이다. 언젠가는 지나갈 슬픔에 되레 애도를 표하며 외쳐보자. 오라, 달콤한 슬픔이여.
<손열음 피아니스트 SUNDAY 중앙>
피아노 협주곡 20번 D단조 K. 466
제1악장 : 알레그로 Allegro
으르렁거리는 듯한 저음의 현으로 시작하여 터질듯 말듯 계속 긴장감이 쌓여가다가 한꺼번에 터뜨린 뒤 불안한 고요속에서 피아노가 낭랑히 1주제를 노래하며 이어서 곧 2주제가 제시된다. 이어지는 전개부에서는 1, 2 주제가 변조되고 서로 얽히면서 전율을 느낄 정도로 긴박하게 곡이 진행된 후 격렬한 카덴짜를 끝으로 마치게 된다.
제2악장 : 로만쩨 Romanze
참으로 평온하면서 따뜻하고 우아한, 그러면서도 어딘가 우수어린 비애가 담겨있는 악장이다. 모든 슬픔을 체념하고 달관한 듯한 느낌마저 주는 이 아름다운 테마는 영화 '아마데우스'의 마지막 부분에 배경음악으로 나옴으로써 매우 인상적인 느낌을 주기도 했었다. 곡 중간부에서는 갑자기 지금까지의 평온이 깨어지고 폭풍우처럼 악상이 급변하다가 다시 처음과 같은 평온한 상태로 돌아온다.
제3악장 : 론도-알레그로 앗사이 Rondo:Allegro assai
어두운 정열이 곡 전체를 지배하다가 마지막에 갑자기 D 장조로 바뀌면서 화려한 분위기로 곡을 끝맺는다.
감춰진 슬픔의 멜랑콜리, 영원한 음악의 신동
Mozart는 당시 신성 로마 제국의 로마 카톨릭 교회 대주교의 관할 구역이었던 잘츠부르크에서 출생. 궁정 음악가인 아버지 레오폴트 모차르트와 어머니 안나 마리아 페르틀 사이에서 태어났다.
아버지 레오폴트는 그당시 유럽에서 유명한 음악 교육자중 한 사람으로 잘츠부르크 대주교의 궁정 오케스트라의 음악 감독이었다. 레오폴트는 볼프강의 누나를 어린 나이부터 가르쳤고, 3살때부터 볼프강은 누나를 보고 건반을 다루고 연주법을 터득했다.
1785년 모차르트는 피아노 협주곡으로서의 전성기 때였는데, 피아노 협주곡 제19,20, 21,22,23,24,25,26까지 모차르트가 창작열이 왕성한시기였던 반면 아이러니컬하게도 모차르트의 빈곤의 시대가 열리기 시작한 때이기도 하다.
피아노와 관현악의 대화, 관악기의 독백,투쟁 화합, 투정, 달램등등 인간의 대화의 모든 감정들이 다 나타나 있는 협주곡들이다.
모차르트는 음악적 능력이 이미 5세 때부터 작곡을 시작할 정도로 뛰어났다. 모차르트는 다작을 한 작곡가로, 오페라 약 26곡, 교향곡 약 67곡, 행진곡 약 31곡, 관현악용 무곡 약 45 곡, 피아노 협주곡 약 42곡, 바이올린 협주곡 약 12곡, 희유곡 약 40곡, 그외 독주곡, 교회용 성악곡, 실내악 곡 칸타타, 미사곡을 포함한 다양한 장르를 아우르며 600여곡을 작곡, 많은 작품이 그 당시 있던 형식에서 벗어나지 않지만, 피아노협주곡 만큼은 모차르트 혼자서 발전시켜서 대중화했으며 고전음악을 완성한 작곡가이다.
모차르트는 당시의 각종 음악 양식을 부드러운 태도로 흡수, 여기에 그의 심오한 개성과 특성을 반영해 독일 고전주의 음악의 정수를 표현 함으로써 후세에 결정적인 영향을 주었다.
그의 교향곡은 그 개성적인 창작이 베토벤에 이어졌고, 가극은 베버에 의해 계승되었다. 차이코프스키는 모차르트를 위해 <모차르티아나>를 썼고, 구스타프 말러는 모차르트 이름을 부르며 죽었고, 막스레거의 널리 알려진 작품인 <모차르트의 주제에의한 변주곡과 푸가>는 모차르트의 피아노소나타 제 11번에 의한 것이다.
수많은 모차르트의 피아노 협주곡들 중에서 가장 뛰어난 한곡을 추천하라면 대부분의 사람들은 주저없이 20번을 추천할 것이다. 이곡의 내면적 열정과 비장미, 모차르트 특유의 눈물 머금은 미소를 들려주는 아름다운 선율이 그만큼 현대인들에게도 강렬한 인상을 주기 때문일 것이다. 이 곡은 그 이전까지의 피아노 협주곡들과는 판이하게 다른 몇가지 특징들을 가지고 있으며 후대에도 큰 영향을 미친 작품이다.
가장 큰 특징은 단조로 쓰여졌다는 점을 들 수 있는데, 그 당시 대부분의 피아노 협주곡이 귀족들의 여흥을 즐기는 정도의 목적으로 쓰여졌었던 점을 감안한다면 단조의 채용과 과격한 열정적 표현은 그 당시로서는 상당한 충격을 주었을 것으로 생각된다. 또한 이 곡에서는 그 이전까지의 협주곡들과는 달리 관현악 파트의 중요성이 뚜렷하게 부각되어 있어서 과거에는 반주부로서의 기능만을 담당하던 관현악 파트가 피아노와 거의 대등할 정도의 입장을 차지하여 마치 피아노와 관현악의 대화를 연상케 할 정도가 되었으며, 그 중에서도 목관파트의 선율 담당기능이 강화된 점은 이후의 협주곡들에서도 계속 나타나는 양상이다.
이에 대해 알프레드 아인슈타인(모차르트 연구가) 은 "피아노 협주곡에서 모차르트는 협주곡적인 것과 교향곡적인 것의 융합에 결정적인 역할을 했다"고 평한다. 이와 같은 면들을 통해서 결국 피아노 협주곡이라는 분야를 완성시키는데 결정적인 역할을 한 사람은 모차르트라고 평가되며, 베토벤은 모차르트에 의해 완성된 피아노 협주곡을 한 차원 더 발전시켰다고 여겨진다. 여담이지만, 베토벤은 이 곡을 매우 좋아했다고 알려지며 그 자신이 1악장의 카덴짜 (독주자가 자신의 기량을 최대한 발휘할 수 있도록 관현악은 반주를 자제하고 현란한 기교로 솔로를 연주하는 부분)를 작곡하기도 하였다.
첫댓글 Thanks ~