오르세미술관展
De Millet à Bonnard : La création picturale dans les collections du musée d’Orsay (1848-1914)

◈ 전시의의 및 기대효과

한국 전시 역사를 새로 쓰는 오르세미술관展

오르세미술관은 2000년 <오르세미술관展 - 인상파와 근대미술>이라는 이름으로 덕수궁 현대미술관에서 소개되었고, 40만 명의 관람객을 유치하며 한국 전시 역사의 새로운 길을 열었습니다. 2000년의 전시는 예술가들의 개성 있는 회화작품이 풍요롭게 꽃피울 수 있었던 모더니즘을 새로운 시각으로 조명하며 오르세미술관을 한국에 처음 소개하는 장이었습니다.
이번 전시는 지난 2000년 <오르세미술관展>의 성공을 발판으로 더 나은 작품들을 소개하기 위한 6년 여의 준비기간을 거쳐 진행되었습니다. 2000년의 전시가 오르세미술관을 한국에 최초로 소개하는 전시로서 의미를 갖는다면, 2007년 두번째 오르세미술관展은 더욱 총체적이고 다양한 작품들을 통해, 인상주의뿐만 아니라 그 반발로 일어난 다양한 회화의 움직임을 종합적으로 조명합니다.
2006년 일본열도를 열광시키며 고공행진을 하고 있는 <오르세미술관展 - 화가들의 천국>보다 좀 더 폭 넓은 시각으로 가치 있는 서양미술을 대표하는 걸작들로만 엄선했습니다.

세계인들이 가장 사랑하는 서양미술 아이콘들

마네의 최대 역작 <피리부는 소년>, 밀레의 <만종>, 고흐의 <아를르의 고흐의 방> 등 오르세미술관이 자랑하는 모더니즘의 꽃들이 한국에 모두 모였습니다. 교과서는 물론 많은 미술 서적에 인용된 작품들을 직접 감상 할 수 있는 한국 전시 역사 최고의 전시가 될 것입니다. 작품 속에 숨어있는 인상주의 화가들의 우정과 사랑, 고뇌와 질투 등 생생한 감성을 느껴보십시오.
인상주의 길을 열었던 바르비종파의 자연주의적 풍경화와 인상파의 정신적 지주였던 마네의 대표작들, 드가, 르누아르, 모네 등 인상주의의 절정기를 이끌었던 화가들의 작품, 고갱, 고흐 등 후기 인상주의 화가들의 작품들까지 19세기 말부터 20세기 초까지 미술사의 흐름을 한눈에 살펴볼 수 있도록 기획된 교육적인 전시입니다.

대한민국 전시사상 최다 관람객 예상

2006년 성황리에 개최되고 있는 <루브르박물관展>은 16세기부터 19세기 초까지의 걸작들을 전시하고 있습니다. <루브르박물관展>을 시작으로 <오르세미술관展>까지 서양미술의 흐름을 한눈에 살펴볼 수 있는 좋은 기회입니다. 교과서와 각종 예술서적에서 자주 볼 수 있는 걸작들인 만큼, 매년 급성장하고 있는 전시 시장과 양국 정부의 적극적 지원을 바탕으로 한국 전시 사상 최다 관람객을 예상하고 있습니다.

◈ 오르세미술관 소개

센느 강변을 따라 철도역사를 리노베이션하여 재탄생한 오르세미술관은 한해 300만 명의 관람객을 빛과 색채의 향연 속에 사로 잡는 세계적인 명소입니다. 오르세미술관은 1848년부터 1905년까지 아주 짧지만 이탈리아의 르네상스에 비견될 만큼 풍요로웠던 기간의 총체적인 예술작품을 소개하며, 사실주의부터 피카소의 초기작품까지 루브르박물관과 퐁피두센터 내의 현대미술관을 연결하는 곳입니다. 오르세미술관에는 인상주의의 걸작 뿐 아니라, 그 당시의 회화, 조각, 건축, 공예, 가구뿐 아니라, 1839년 발명된 사진술의 탄생과 성장도 지켜볼 수 있습니다.

◈ 전시구성 및 주요작품

20세기 새로운 미술의 장을 연 모더니즘의 대표작품

이번 전시는 사실주의, 자연주의에서 인상주의, 인상주의를 거쳐 상징주의로 이어지는 과정을 아우르며, 당시의 삶의 모습과 화가들의 감성이 어떻게 작품 속에 반영되었는가를 살필 수 있는 기회가 될 것 입니다.

	가족 La Famille 가족의 모습은 오랜 기간 동안 화가들이 즐겨 그리던 주제였습니다. 편안한 가족을 모델로 한 초상화를 통해 많은 19세기의 화가들은 과거 관습에서 벗어나 실험적인 도전을 감행하기도 하고, 꺼내 보이기 힘든 내면의 이야기들을 들려주기도 했습니다.
	풍경 Le Paysage 신화와 종교라는 전통의 주제에서 벗어난 예술가들은 인간의 일상적인 삶을 진실하게 묘사하기 시작했습니다. 노동의 신성함, 고단한 삶을 주제로 농민의 모습을 숭고하게 담아낸 밀레의 <만종>은 주변의 모습을 화폭으로 이끌어낸 선구적인 작품이라 할 수 있습니다.
	화가의 삶 La Vie d’Artiste 항상 새로운 것을 추구하는 화가들 역시 당시 사회 속에서 함께 살아가는 사람들이었습니다. 같은 생각과 영감을 나누는 동료 화가들은 함께 작업하며 창조적 재능을 발휘할 수 있도록 서로를 격려했습니다. 화폭 위에 그려진 화가의 아틀리에는 새로운 생각을 이끌어 내는 곳으로 많은 상징성을 담고 있습니다.
	파리에서의 삶 La Vie Parisienne 19세기 중반 파리는 근대적인 삶의 공간으로 변모합니다. 사회의 핵심 계층으로 등장한 부르주아들의 편안한 삶의 방식은 무도회, 오페라 등 새로운 문화를 만들어 냈습니다. 드가의 <오페라좌의 관현악단>에서처럼 화려한 불빛과 공연장의 열기는 파리를 대표하는 얼굴이 되었습니다.
	내면적인 삶 La Vie Intérieure 과학의 발달이 가져온 산업화에 반대했던 화가들은 자신의 내면을 다시 한번 들여다보며 주관적인 것에 보다 중심을 두었습니다. 모로가 <오르페우스>에서 표현한 것처럼 화가들은 꿈과 욕망, 생각을 마치 시처럼 화폭 위에 드러내 보이기 시작했습니다.

장 프랑수아 밀레, <만종>, 1857-1859
캔버스에 유채, 55.5 x 66 cm, 파리 오르세미술관
Jean-François Millet, L’Angélus, H/T, 55.5 x 66 cm

하루의 일과를 끝낸 농부 부부는 황혼이 지기 시작한 전원을 배경으로 신의 은총에 대해 기도를 드리고 있다. 저 멀리 교회당에서는 종소리가 울려 퍼지는 듯하다. 자연의 질서에 따라 일하며 가난하고 피곤한 삶을 감사하는 이들 부부는 경건함을 상징한다.
어린 시절을 농촌에서 살았던 밀레는 순박한 농민의 이미지를 빌어 전원의 순수함에 대한 향수를 표현했다. 산업화의 물결이 도도하게 유럽을 휩쓸고 있던 그때, 밀레는 사라져 가는 것에 대한 따뜻한 애정으로 농촌 생활을 증언하였다.

에두아르 마네, <피리부는 소년>, 1866
캔버스에 유채, 161 x 97 cm, 파리 오르세
Edouard MANET, Le Fifre, H/T, 161x97cm

이 작품은 1866년 살롱에서 낙선한 마네의 대표작이다. 이 그림의 모델은 황제 친위대 곡예단의 페피니에르라는 피리 부는 소년병이다. 19세기 제국주의 전쟁으로 생겨난 고아들은 군대에 들어가 군악대, 전령 등으로 일하는 경우가 많았다.
슬픈 현실을 나타내기 위해 마네는 불필요한 장식들을 과감히 삭제했다. 특히 이 작품의 묘미는 불그스름한 회색 배경 이라고 할 수 있는데. 피리를 불고 있는 소년의 손과 발을 제외하고는 그림자가 전혀 없는 평면적인 묘사는 오히려 인물의 실재감을 강조한다.

빈센트 반 고흐, <고흐의 방>, 1889
캔버스에 유채, 57.5 x 74cm, 파리 오르세
Vincent Van GOGH, La Chambre de Van Gogh, H/T, 57.5 x 74cm

파리 생활에 싫증을 느낀 고흐는 1888년 2월 남프랑스로 이주한 후 자신을 뒷바라지 해준 동생 테오에게 보여주기 위해 자신이 기거한 방을 그렸다. 가구가 거의 없는 소박한 침실은 고흐의 성격과 가난한 아를 Arles 시대의 생활을 그대로 반영한다. 벽에 걸린 두 점의 초상화 중 왼쪽은 자신의 초상화이며, 오른쪽은 동생 테오의 초상화다. 보랏빛 벽과 노란 침대와 의자, 진홍색 이불과 파란 세숫대야 등 현실과 거리가 있는 날카로운 색채들이 움직일 듯 생동감 있는 화가 자신만의 원근법 속에 자리잡고 있다.

폴 고갱, <황색 그리스도가 있는 화가의 자화상>, 1890-1891
캔버스에 유채, 38 x 46 cm, 파리 오르세
Paul GAUGUIN, Portrait de l’artiste au Christ jaune, H/T, 38 x 46 cm

고갱은 자신의 작품 <황색 그리스도>를 배경으로 자화상을 그렸다. <황색 그리스도>의 좌우가 바뀐 것으로 미루어 보아 거울에 비친 모습을 그린 것으로 보인다.
오른쪽 항아리는 고갱이 직접 만든 것으로, 자신의 모습을 형상화 한 것이라고 한다. 고갱은 이 담배 넣는 항아리를 동료화가인 베르나르의 누이, 마들렌에게 주려다가 거절 당했다. 고갱이 평소 사랑했던 그녀는 편지에서 ‘그 항아리는 야만인 고갱의 머리와 왠지 닮았다’라고 표현했다. 항아리의 괴기스런 형상과 그리스도의 얼굴이 모두 다른 모습이지만, 그 속에서 고갱의 자화상을 연상할 수 있을 만큼 세 이미지는 미묘하게 얽혀있다.

에드가 드가, <오페라좌의 관현악단>, 1868-1869
캔버스에 유채, 32 x 46 cm, 파리 오르세미술관
Edgar Degas, L’orchestre de l’Opéra, H/T, 32 x 46 cm

이 작품은 드가의 친구였던 바순 연주자 데지레 디오 Desire Dihau를 주인공으로 한다. 데지레 디오는 드가와 같이 몽마르트르에 살고 있었고, 이 둘은 오페라가 끝난 뒤 같이 귀가하는 절친한 친구였다. 드가는 디오의 모습을 강조하기 위해, 전통적으로 바이올린과 콘트라베이스 뒤에 위치하는 바순 연주자를 앞으로 끌어내기도 했다. 또한 드가는 주변에 다양한 표정의 인물들을 배치하여, 초상화의 단편적인 모습들을 보여주었다. ‘초상화란 가장 편안한 평소의 모습으로 그려져야 한다’고 말했던 드가의 생각을 단적으로 보여주는 예라 할 수 있다.