전시작품감상 제3회 사진.영상 페스티벌

[워커에반스/김영태]

▣ 전시 기간 : 2003년 7월 18일 - 8월 31일 ▣ 전시 장소 : 가나아트센터 전관ㆍ포럼스페이스 ▣ 주 최 : 가나아트센터 (02-720-1020) ▣ 협 찬 : 스위스 대사관, JVC 코리아 ▣ 출 품 작 : 총 12개국 20명의 근작 70 여점

▣ 전시 작가

1. 금지된 허구 : FORBIDDEN FICTION

* 뤼디 베흐틀러 (스위스) * 데지레 돌롱 (네덜란드) * 피터 갓필드 (미국) * 마르코 폴로니 (이탈리아) * 샌디 스코글런드 (미국) * 미네트 바리 (남아프리카 공화국)

* 다니엘 뷰에티 (스위스) * 클라우디아 디 갈로 (스위스) * 필립 하그 (스위스) * 뷔렌트 샹가르 (터어키) * 아넬리스 스트르바 (스위스)

2. 보이지 않는 풍경 : INVISIBLE LANDSCAPE

* 프랑크 브로우어 (독일) * 스테판 꾸뛰리에 (프랑스) * 민병헌 (한국)

* 플로렌스 슈발리에 (프랑스) * 미레이유 그로 (스위스) * 히로시 스기모토 (일본)

3. 비디오 포럼 : VIDEO FORUM

* 카를로스 아모랄레스 (멕시코) * 리코 겟슨 (미국) * 아넬리스 스트르바 * 미네트 바리

* 다니엘 뷰에티 * 뷔렌트 샹가르 * 하비에르 텔레즈 (베네쥬엘라)

스위스 6 인ㆍ독일 1 인ㆍ프랑스 2 인ㆍ이탈리아 1 인
네덜란드 1 인ㆍ한국 1 인ㆍ일본 1 인ㆍ 터어키 1 인
미국 3 인ㆍ베네쥬엘라 1 인ㆍ멕시코 1 인ㆍ남아프리카 공화국 1 인

▣ 전시 구성

- 가나아트센터 1. 2 전시장 :

금지된 허구 FORBIDDEN FICTION

- 작 가 :

* 뤼디 베흐틀러 * 다니엘 뷰에티 * 데지레 돌롱 * 클라우디아 디 갈로 * 피터 갓필드 * 필립 하그 * 마르코 폴로니 * 뷔렌트 샹가르 * 샌디 스코글런드 * 아넬리스 스트라바 * 미네트 바리

- 내 용 :

21세기 포스트 모던 사진의 향방은...

80년대 지나치게 엘리트적인 포스트 모던사진들은 이론에 구속당하여 자체의 아름다운 표현이나 전통적인 미의 고갈이라는 기로에 서게 되었다. 이후 90년대는 실제 이미지와 어느정도 조작되는 이미지를 혼용하는 경향을 띠면서 포스터 모던 사진의 미학적 출구를 모색하게 된다.

복잡하고 간접적인 방법으로 절충을 모색하는 90년대 현대사진, 그 향방은 알 수 없지만 사진작업의 특이한 연출방식, 컴퓨터와 고속 프린터와의 공맹 등 다양한 표현 가능성을 보면서 사진예술에 관한 본질적인 물음을 던진다.

금지된 허구에서는 사진과 그림, 사진과 설치, 사진과 텍스트, 사진과 영상 등 장르간의 통합을 보여주며 매체의 구별없는 창작을 보여준다. 이 조형적 사진들은 현재 현대미술로서의 이론적 근거를 다지고 있다.

뤼에디 베흐틀러의 사진은 빨래줄에 걸려있고 네온조명이 라이트 박스 역할을 하며 비눗물을 뿜는 소형 펌프가 설치된다.

데지레 돌롱은 빛과 섬세한 디지털 조작을 통해 마치 물감과 붓을
이용한 듯한 회화적 고요함과 신비로움을 불러일으킨다. 그녀의 ‘쿠바 프로젝트‘는 2002년 파리포토에서 가장 뛰어나다는 평판을 들었다.

마르코 폴로니의 '보이지 않는 남자의 흔적'은 본래부터 보이지 않는 것이 아니라 사회에서 인정되지 않는 존재인 불법체류자의 스토리를 다큐멘터리 식으로 제작한 것이다. 은신처를 찾는 주인공의 시점으로 사진과 텍스트를 통합하여 만들었다.

뷔렌트 샹가르는 자기 집 창문과 거기에 매달린 자기 자신을 합성하여 파노라마식으로 포착하면서 집과 길가의 중립공간인 창틀에 매달린 자신을 경제적 이유로 어쩔 수 없이 고향을 떠나야하는 터어키인들에 빗대어 그들의 문화적 대립을 내포하고 있다.

아넬리스 스트르바는 손자,손녀, 자신의 두 딸을 포함하는 가족들을 디지털 카메라로 찍고 컴퓨터로 색을 더하는데 이 스냅 사진들은 놀라운 예술적 구성과 섬세한 감각으로 표출된다.

디지털 비디오 작가로서 주목받는 미네트 바리의 사진 작품들에선 이상하고 신화적으로 보이는 모습의 생물체들이 요한네스버그 시내를 내려다보고 있다. 이 생물체들은 백인과 흑인의 역사가 혼합되어 계속 이어지는 남아프리카 공화국인들의 정치적 불안감과 심리적 방황을 상징적으로 나타낸다.

- 가나아트센터 3 전시장 :

보이지 않는 풍경 INVISIBLE LANDSCAPE

- 작 가 :

* 프랑크 브로우어 * 플로렌스 슈발리에 * 스테판 꾸뛰리에 * 미레이유 그로 * 민 병 헌 * 히로시 스기모토

- 내 용 :

모더니즘의 전통을 잇고있는 90년대 사진

고전적 의미의 풍경사진은 자연을 모티브로 하여 실재 이미지를 재현하는데 충실하다. ‘보이지 않는 풍경’에서 자연과 도시 풍경은 단순한 뷰(View)의 기록이 아니라 작가의 내적 심성에 의해 재해석된 보이지 않는 진실을 담고 있다.

형식적으로 모더니즘 전통을 유지하면서 개념성을 띤 이 사진들은 현대 미술 코드와 맞닿아 포스터 모던 사진과 더불어 90년대 사진 경향의 큰 조류를 형성하며 미술시장과 수집가들의 요구를 충족시키고 있다.

스테판 꾸뛰리에는 회화적인 색채감이 강한 건축물 사진으로 유명하다. 수직과 수평의 기하학적인 구성과 엄격한 정면성이 강조되는 그의 거대한 사진은 사실적이라기보다는 초점이 부재하는 느낌을 주면서 매우 상징적으로 보인다.

프랑크 브로우어의 건물사진에서 비이상적으로 큰 간판들은 주위의 정적인 건물들과 충돌하며 그 뒤에 숨겨진 분위기를 가늠하기 어렵게 한다.
바다나 숲을 배경으로 한 플로렌스 슈발리에의 사진들은 다양한 각도에서 촐영된 여러 개의 사진으로 구성되어 영화의 스틸같은 느낌을 준다. 정지동작의 인물들과 배경의 고요함은 현실세계와 동떨어진 느낌을 준다.

- 포럼 스페이스 :

비디오 포럼 VIDEO FORUM

- 작 가 :

* 카를로스 아모랄레스 * 다니엘 뷰에티 * 리코 갯슨 * 뷔렌트 샹가르 * 아넬리스 스트라바 * 하비에르 텔레즈 * 미네트 바리

- 내 용 :

현대사진의 매체적 특성의 하나는 영상 작업과의 연관성이다. 사진의 뉴미디어와의 접목은 현대미술에서 무한한 가능성을 가지고 있다.

현재, 사진의 위상은 놀랍게도 순수예술에 버금간다. 그 뒤에는 무엇보다도 사진매체와 밀접한 관계에 있는 영상미술이 있었기에 가능했다. 궁극적으로 영상은 사진을 근간으로 하는 창조로서 오히려 현대사진의 미래상이기도 하다.

하비에르 텔레즈와 카를로스 아모랄레스는 현재 베니스 베엔날레에서 각각 베네쥬엘라관, 네덜란드 관에서 소개되고 있다.
2001년에 연이어 베니스 비엔날레 초대작가인 하비에르 텔레즈는 제도적인 공간을 거부하고 소외에 관한 주제 작업을 한다.
카를로스 아모랄레스는 프로 레슬러나 슈퍼마리오 등의 유별난 캐릭터를 창조하고 그 모습의 마스크를 착용하여 관객과 함께하는 퍼포먼스를 하고 이를 녹화한다. 사회 부조리를 비판하는 의미가 기저에 깔려있다.
미네트 바리는 2001년 베니스비엔날레 이탈리아관과 아르스날 전에 소개된 바 있다. 역사,신화를 소재로 남아프리카 공화국의 정체성을 다루는 디지털 영상을 주로 제작한다.
아넬리스 스트르바와 필립 하그는 슬라이드 쇼를 보여준다.


▣ 부대 행사

* 특별행사 I

Special Event

포토북 페어

- 기 간 :

2003. 7. 18 (금) - 8. 31 (일)

- 장 소 :

가나아트센터 궁전시장

- 협 찬 :

사진전문 출판 눈빛

- 내 용 :

사진이라는 매체가 가지고 있는 복제성으로 인해 사진집 역시 예술작품으로서의 가치를 인정받고 있다. 그러므로 본 전시에서는 예술성을 인정받고 있는 사진집을 함께 전시하여 전시내용을 풍부하게 하고자 한다. 특히 페어 형식으로 진행하여 원하는 책을 행사의 일환으로 할인된 가격에 그 자리에서 구입할 수 있도록 한다. 더불어, 사진화보집 뿐 아니라 미술 관련 서적도 함께 전시, 판매하여 미술에 대해 더 많은 정보를 얻고자 하는 관람객의 편의를 돕는다.

* 특별행사 Ⅱ

Special Event

공 연

Ⅰ. 해금 연주자 김애라의 In Loving Memory 일 시 : 2003. 8. 16 (토) pm. 6:00 장 소 : 가나아트센터 야외공연장 Ⅱ. 스크린과 함께 보는 Dive into the Cinemusic 일 시 : 2003. 8. 22 (금) pm. 7:00 장 소 : 가나아트센터 야외공연장 Ⅲ. 이루마의 Piano Concert 일 시 : 2003. 8. 23 (토) pm. 7:00 장 소 : 가나아트센터 야외공연장

* 학술 행사 I

Academy 특강

현대사진의 다양성

- 강 사 :

이영준 (계원예술조형대학 교수 / 이미지 비평)

- 일 시 :

2003. 7. 26. 토 2:00 - 4:00

- 장 소 :

가나아트센터

- 내 용 :

이번 제 3회 사진ㆍ영상페스티벌에 참여하는 작가들의 작품을 중심으로 오늘날 세계 사진의 흐름을 그 주제와 기법면에서 살펴본다. 점점 다양해지는 작가들의 주제의식과 표현기법을 통해 오늘날 사진예술의 위치와 역할을 재고하고 사진 현재를 진단해보면서 앞으로 사진예술이 나아가야 할 방향을 예측해본다.

* 학술 행사 Ⅱ

Academy 특강

특강 | 풍경속의 사진

- 강 사 :

배병우 (작가)

- 일 시 :

2003. 8. 2. 토 2:00-4:00

- 장 소 :

가나아트센터

- 내 용 :

1839년 사진이 발명되었을 때, 들라로쉐는 “오늘부터 회화는 죽었다.” 라고 말했다. 그로부터 두 세기를 지나면서 회화를 대신하는 사진의 역할들이 확연해지고 있다. 수많이 찍었던 초상사진은 초상화를 대신했고, 풍경화나 산수화는 풍경사진으로 바뀌었다. 이 가운데 작가는 오랫동안 작업해 온 풍경사진(일반풍경, 바다, 하늘, 도시)을 이야기하고자 한다. Ansel Adams, Robert Adams, Moholy Nagy, Barbara Kasten, Sandy Skoglund, Auguste Sander, B Becher, Andreas Gursky, 겸재, 김홍도, 한국현대풍경사진가, 카츠오가 후쿠사이, 현대 일본 풍경사진가, 모두 그 시대를 반영하는 해석자였다. 특히 현대풍경사진은 경계를 넘어서고 있고, 새로운 개념과 해석을 기다리고 있다. 현의 붓으로...

▣ 출품작가 (abc순)

카를로스 아모랄레스 Carlos Amorales (멕시코, 1970-)

카를로스 아모랄레스, Mayway[1]. 32분(비디오영상), 2001

아모랄레스는 프로레슬링 장면을 비디오아트의 소재로 삼아 사회의 부조리한 현상을 날카롭게 비판하는 작업을 하고 있다. 멕시코의 레슬링에서 투사들은 복장, 마스크 그리고 행동을 통해 가상의 인물을 만들어낸다. 작가는 프로레슬러와 비슷한 인물을 꾸며내고 이름지으며, 그의 마스크에는 자기 자신의 얼굴을 묘사한다. 이는 일종의 캐릭터 게임인데, 슈퍼맨이나 슈퍼마리오와 같은 모습으로 사람들의 관심을 끌어 사회 문제를 제시하는데 효과적이다. 아모랄레스는 스포츠에서 차용한 대결의 이미지를 통하여 예술가와 관객 혹은 사회간의 긴장과 유희 관계를 드로잉, 설치, 퍼포먼스를 통하여 표현한다. 그에게 스포츠댄스는 두 파트너의 만남과 대결, 결합 혹은 동일한 것의 분리 등 다양한 의미를 지닌다. 독일의 미그로 미술관Migros Museum에서 열린 <선택하거나 춤을 춰라 Chose or Dance>라는 쇼에서 관객들은 그저 관찰하거나, 어떤 신발의 특정한 부분을 만들거나, 춤을 추는 것 중에서 한 가지를 선택해야 했다. 아모랄레스는 퍼포먼스를 하는 도중에 관객들도 같이 참여하게 하고 그의 작업을 직접 경험하도록 유도한다. 그의 작업은 허구의 마스크와 정체성의 변질을 다룬다.

개인전 | 모마, 샌프란시스코, 2003; 삽스, 멕시코, 2003; 원램버트, 파리, 2002; Galerie Micheline Szwajcer, 독일, 2000 단체전 | 베니스 비엔날레, 네덜란드관, 2003; 부산비엔날레, 부산, 2002; 에이펙스 아트, 뉴욕, 2001; 베를린비엔날레 2, 베를린, 2001; 오버익사이티드 바디, 팔랏조아렌가리오, 밀라노, 2001: ‘스펙터클 저편에서’ 퐁피두센터, 파리, 2000; 인테림퍼포먼스, 암스테르담, 1997


뤼디 베흐틀러 Ruedi Bechtler (스위스, 1955-)

뤼디베흐틀러, 무제, 90x180cm, 2000[1]

뤼디 베흐틀러의 창작의 동기는 어쩌면 우리의 일상의 사건들이 우주의 원리를 직접적으로 드러내거나 그것들에 근본적으로 일치하는 질서를 발견하는 것인 듯하다. 그는 새로운 구조를 발견하는 데 매료되는데, 그것은 종종 우발적인 동시성 위에서 성립하는 새로운 조합이다. 이는, 자연의 참된 근본은 입자 자체가 아니라 그 바탕에 존재하는 균제이며, 이들 서로간의 관계라고 했던 독일의 물리학자 베르너 하이젠베르크의 언명에 비할 수 있다. 이와 같은 논리는 <사물고리 Objektkette>와 같이 서로 무관한 발견된 사물들 사이에 끈을 연결하는 작업이나, 파피루스가 심어져 있는 화분을 돌리며 잠시 관객 스스로 식물이 되고 그럼으로써 자신이 우주에 속해 있음을 느껴보기를 유도한 <파피루스 Papyrus>와 같은 작업을 통해 잘 드러난다.
이번에 선보이는 작업들은 거의 물을 소재로 하는데 그에게 물은 모든 힘의 결합이라는 주제를 표현하는 데에 가장 적합한 요소로 간주된다. 물은 설탕과 소금과 같은 상반되는 물질들을 쉽게 수용한다. 또한 모든 색, 모든 맛, 모든 향에 동화되므로, 우리는 물 안에 있는 고체들이 용해되는 현상이 '순수한 화학'의 주요현상이라는 것을 이해하게 된다. 이 '순수한 화학'은 상식의 화학이며, 약간의 꿈을 지닌다면 시인의 화학이 될 수 있다.

개인전 | 세르쥬지글러 갤러리, 취리히, 1998; 취리히, E갤러리, 취리히, 1992; 미셸르 첼러 갤러리, 베른, 1990; E 갤러리, 취리히, 1989; 미셸르 첼러 갤러리, 베른, 1987 단체전 | 미술의 빛 속에(책 프로젝트), 취리히 미술관, 1995; 회화적 사진, 외를리콘 미술관, 취리히, 1994


프랑크 브로우어 Frank Breuer (독일, 1963-)

브로우어는 주로 텅 빈 도시나 고속도로에 있는 공업용 건물들을 사진으로 기록한다. 배경속의 하늘은 희고, 계절은 11월과 3월 사이이며, 건물들은 추상적이고 거대하게 보인다. 초시간적인 공간에 있는 듯한 큰 건물의 정면은 그 뒤에 있는 정체불명의 기능을 숨긴 채 삭막한 분위기를 자아낸다. 브로우어는 건축물의 로고를 바탕으로 한 시리즈 작업에 열중했다. 회사의 지나치게 커다란 로고 표시들은 마치 현대의 조각품인양 그 주위의 지극히 평범한 배경과 상충되는 분위기를 연출한다. 로고가 아무리 상세하고 세부적으로 묘사되었어도 그 뒤에 숨겨진 의미가 무엇인지는 알아내기 어렵다. 관찰자가 발견하는 것은 아주 단순한 추상적인 상징뿐이다. 그의 작품들은 점점 확장되고 있는 소비사회와 상업 시대를 선전하기도 한다. 브로우어는 네덜란드, 더 나아가 벨기에와 북프랑스까지 건너가서 이러한 건물들을 관찰하고 사진으로 기록하는 작업을 이어간다. 그의 최근 작품들 안에서의 건물들은 더욱 밀폐된 공간에 더욱 닫히고 단순화된 형태와 구조를 지녔다. 이 사진들은 선, 표면, 그리고 미세한 색상의 구조적 형식론으로 해석이 가능하다. 사진의 편안한 색상과 평면적인 관점은 추상적인 효과를 돋보이게 한다. 이러한 형식적인 절제는 관찰자가 건물의 문 아니면 창문 같은 세부묘사를 주시하게끔 유도한다.

개인전 | 피에들러 컨탬포러리, 남아공화국, 2002; 파리포토, 페이건컨템포러리, 뉴욕, 2001; 울리치피에들러 갤러리, 남아공, 2000 단체전 | 릴라에익손컬랙션에서모던사진들, 메트로폴리탄미술관, 2003; 트레이드 네덜란드 포토 인스티튜트, 로터담 카운팅컬러, 로켓갤러리, 런던, 2001


다니엘 뷰에티 Daniele Buetti (스위스, 1955-)

그의 작업에서 무엇보다 중요한 요소는 도상학적인 단어와 문장들이다. 이 요소들은 관객의 시선을 끄는 강한 요소이지만 무엇보다 그의 작품에서 관객을 사로잡는 것은 텍스트의 내용보다는 관능적인 아우라에 있다. 뷰에티의 작품들은 가까운 것과 먼 것, 사적인 것과 공적인 것, 그리고 아름답고 평범한 것의 병렬이라고 할 수 있다. 20세기 매스미디어 문화를 그로테스크한 요소들과 함께 표현한 작품들에서 소비문화에 대한 뷰에티의 비판이 엿보인다. 하지만 더 자세히 살펴보면, 그의 작품 속에는 심오한 뜻이 담겨져 있다. 뷰에티가 찍은 아름다운 얼굴들과 젊은 몸에 새긴 그의 괴상한 문신들은 상업화된 이상적인 이미지들의 비현실성과 무의미성, 그리고 유한성을 표현한다. 그의 작품 앞에서 관객들은 자신의 의지와 유혹 사이에서, 그리고 스스로가 만드는 세계와 다른 어떤 것에 의해 만들어지는 자신사이에서 끊임없이 동요하고 있다는 사실을 발견하게 된다. 뷰에티의 최근작들은 모두 이전 작품의 모티브와 관련되고 있으며, 화려함 대신 시각적인 풍부함 속으로 관객을 이끈다. 우리가 만들어나가는 세계의 근거가 되는 지각과 조정된 실재는 뷰에티 작품의 동기가 된다.

개인전 | 레이나소피아 왕립미술관, 마드리드, 1999; 엘리제 미술관, 로잔, 스위스, 1997; 아카데미 미술관, 베를린, 1996; 베다니엔 예술가 하우스, 베를린, 1992; 갤러리 하보드&빈소브스키, 베를린, 1990 단체전 | BAD BAD-That is a good excuse, 슈타틀리히미술관, 바덴바덴, 1999; 4.intern. 포토트리엔날레, 빌라 메르켈, 에스링엔, 1998; 이스탄불 국제 비엔날레, 1997; 디지털 영역, 국립사진연구소, 로테르담, 1996; 플뢰리, 뷰에티, 하니만, 쉐트할, 취리히, 1992


플로렌스 슈발리에 Florence Cheval‎lier (프랑스, 1955-)

플로렌스 슈발리에, 기쁨2, 120x120cm

슈발리에는 유색인종 예술가로서의 정체성을 탐구하는 작업을 펼쳤다. <기쁨L'enchantement> 연작은 주로 푸른 하늘이나 녹색 숲을 배경으로 정지동작의 인물들을 담고 있다. 한 작품은 다양한 각도에서 촬영된 여러 장의 사진으로 구성되어 마치 영화의 스틸과 같은 느낌을 주지만, 인물들이 지닌 철저한 부동성과 배경이 주는 특유의 고요함으로 인해 현실과는 동떨어진 세계로 느껴진다. 그리고 몇몇 작품들에서는 각 장면이 수평 수직의 검정 띠로 구획지워져 검은 단색면이 주는 평면성과 사진이 대조를 이루면서 사진이라는 매체가 지닌 반복성을 강조한다. 사진 속 인물들은 대부분이 물가에서 물을 응시하는 모습으로 등장하여 나르시즘적인 분위기를 주며, 인물과 수면에만 집중되는 강한 빛의 효과로 작품 속 세계는 유토피아로 다가온다. 최근 연작 시리즈 <카사블랑카 Casablanca>는 자신의 출생년도인 1955년경의 카사블랑카란 도시에 대한 향수를 주제로 한 작품이다. 45년 앞선 시기를 주제로 함에 있어 카사블랑카가 지닌 과거의 역사적인 사실을 돌이키려하기보다는 오직 현재의 사람들, 장소들과 접촉함으로써 살아있는 역사를 담고자 한다. 이와 같이 문자화될 수 없는 생생한 역사를 가로막는 기존의 표현양식에 의문을 던짐으로써 우리로 하여금 자신의 예술적 시각을 통해 되살려낸 기억에 동참하도록 함과 동시에 영화 카사블랑카가 만들어낸 것과 같은 환상적인 이미지라는 기존의 문맥으로부터 벗어나게 한다.

개인전 | 레송즈, 호텔스립, 파리, 2001; 렁셩트멍, 파리포토, 피이드깔베르갤러리, 파리, 1999; 기쁨, 사진의 달, 자드킨미술관, 파리, 1996 단체전 | 포토비엔날레2002, 국제사진의 달, 모스크바, 2001; 파이사즈꼼바베, 피이드깔베르갤러리, 파리, 브뤼셀, 2001; 파리포토, 피이드깔베르갤러리, 파리, 2001


스테판 꾸뛰리에 Stephane Couturier (프랑스, 1957-)

스테판 꾸뛰리에, 팔레 드 도쿄, c-print, 207x138[1].5cm, 1997

1957년 파리에서 출생하여 활동하고 있는 스테판 꾸뛰리에는 수년간 건축물 기록사진이라는 실용분야에서 활동하였고, 1994년부터 <도시 고고학 Archologie Urbaine>이라는 제목 아래 변화하는 도시 공간에 대한 개인 작업을 시작했다. 그의 거대한 컬러 사진작품들은 지각의 모호성에 관한 형식적 경험을 제시하고자 한다 <모뉴먼트 Monument>(2000)와 같은 작업에서는 도시 중심지역보다는 외각지역으로 관심을 변화시키며 그곳의 경관이 지닌 기념비성과 획일성을 다루고 있다. 전체적으로 촬영과정에서 엄격한 정면성이 강조되는 그의 작품들은 수직과 수평의 기하학적 구성을 지니는데, 이러한 다큐멘터리 사진과 같은 특성은 실제로 사실성과 중립성을 주기보다는 지각의 왜곡을 일으키도록 처리되어 있다. 또한 자연광에서 작업함으로써 이미지들이 지닌 각기 다른 특성과 구조, 색채에 동등한 중요성을 부여하며, 이와 같은 구성요소들간의 비위계적 특성은 초점이 부재하는 듯한 느낌을 주기도 한다. 이러한 방식과 더불어 매우 회화적인 색채감은 동시대 작가인 안드레아스 거스키 (Andreas Gursky)의 작업에서도 발견되는 전면적인 미학을 보여주고 있다.

개인전 | 사진 및 시각미술 비엔날레, 리에주, 1997; 갤러리 솔레티스, 툴루즈, 2001; 유나보사타 어트 갤러리, 샌디에고, 2002; 갤러리 폴라리스, 파리, 2002; 갤러리 로렌스 밀러, 뉴욕, 2003 단체전 | 카메라워크, 샌프란시스코, 1999; 한림미술관, 대전, 1999; 모스크바 비엔날레, 모스크바, 2000; 브룩클린 컬렉트 전, 브룩클린 미술관, 뉴욕, 2001; 아트 다운타운 전, 월스트리트 라이징, 뉴욕, 2002; 건축 사진-3개념 전, 갤러리 클레르퐁텐, 룩셈부르크, 2003


데지레 돌롱 Desiree Dolron (네덜란드, 1963-)

데지레 돌롱, 하바나 리브르, 80x102cm, 1997

여러 해 동안 세계여행을 한 작가는 어느 나라를 가든지 항상 독특한 여행 기록을 가져온다. 예를 들어 돌롱은 90년대에 인도와 태국과 같은 나라들을 여행하면서 사람들이 종교적 의식에 의해 자신을 박해하고 피가 날 정도로 자신의 몸에다 채찍질하는 모습을 담아 <엑설테이션 Exaltation> 이라는 작품을 엮었다. 그녀의 여행기록은 단순한 여행기라고 불릴 수 없다. 표현의 힘과 그곳의 분위기를 잘 갖춘 순간을 포착하여 예술적 가치를 삽입한다. 작가는 전통적 사진술과 컴퓨터 기술을 혼합하여 평범하고 지루한 이미지를 진기하게 만든다. 돌롱의 신비로움과 고요함이 돋보이는 작업들은 전통적인 사진술과 다른 21세기의 비전을 보여준다. 그녀가 참조하는 것은 명백하지만 결과는 환상적이며 새롭다. 돌롱의 쿠바 프로젝트는 인터내셔널 헤럴드에서 파리 포토 전시회 가운데 가장 뛰어난 것으로 평판을 받기도 하였다. 돌롱의 최근 초상 사진 시리즈 <Exterior>에서 돌롱의 이름없는 모델들은 마치 베르메르(Vermeer)의 고요하고 불가사의한 유화와 네덜란드 사람들을 떠올리게 한다. 화가들이 물감과 붓을 사용하여 뛰어난 작품을 만들어낸 것과 같이 돌롱은 빛과 섬세한 디지털 조작을 통하여 보통 사진과 다른 감성적인 분위기를 연출한다. 여기엔 돌롱의 회화에 대한 애정이 잘 드러나 있다. 돌롱의 창조적인 개성은 그녀의 작품들이 자극적 아름다움과 불면성을 갖게 한다. 마지막으로, 돌롱의 사진들에 포착된 일상적인 현상이나 물체의 승화는 우리가 평소에 관심 갖지 않았던 사물들을 새롭게 감상하게끔 한다.

개인전 | 샤인갤러리, 런던, 2003; 파리포토, 프랑스, 2002; 포토테카, 쿠바, 2002; 로에라커갤러리, 네덜란드, 2001; 프랫랜드갤러리, 네덜란드, 2000; 그로닌거갤러리, 네덜란드, 1999 단체전 | 컬렉션엔에셈, 내셔널포토센터, 파리, 2003; 샤인갤러리, 런던, 2003; 문도스크레아도스, 네덜란드, 2002; 네덜란드 현대예술, 로메니아미술관, 부카레스트,2002


클라우디아 디 갈로 Claudia di Gallo (스위스, 1959-)

클라우디아 디 갈로, 비행항로와 목적지(03), 40x100cm, 2000

갈로는 인간 몸의 신체적 형태와 심적 표현을 중심으로 다룬다. 디 갈로는 인간의 몸이 초자연적인 에너지의 보유자임을 상징하는 작품을 만든다. <항해자 Voyagers> 그리고 <비행경로& 목적지Flight Paths & Destinations>라는 그녀의 사진연작에서 인체는 중력의 힘에서 해방되어 공간 사이로 자유롭게 움직인다. 이 시리즈는 은하계의 세 공간 그리고 그것을 둘러싼 변천구간은 탐험하는 사람들을 묘사한다. 여기에서 흰 멜빵바지를 입은 복제된 항해자들은 공허한 공간에서 환각적 꿈속의 주인공들처럼 맴돈다. 이 항해자들의 역할은 그들이 빠르게 드나들 수 있는 세상 사이의 메신저이자 공급자이다. 날아가는 모습은 그 사람의 의식적인 상태를 상징한다. 그들의 흰 복장은 그들이 일꾼이라고 정의함과 동시에 그들이 공간 이동을 할 때 그들을 보호하는 덮개로써의 역할도 제시한다. 디 갈로의 최근 작품들은 그녀가 몇 년 동안 탐구해왔던 소재로 그녀가 작업하는 방법과 깊은 연관성이 있다. 그녀에게 있어 일 복장을 입는 행위란 커뮤니티로 에너지를 되돌려주는 역할과 몸을 일 환경으로부터 적절히 보호해주는 역할을 하는 것이다. 갈로의 비현실적이고 때때로 불합리적인 일 성향은 여자의 몸을 실험하여 얻은 결과로부터 비롯된 것이다.

개인전 | 마르티나데테레갤러리, 독일, 2001; 포토&그래픽갤러리, 독일, 2000; 세르쥬지글러갤러리, 취리히, 1999, 독일 메송데젼, 프랑스, 1994; 아프로포스갤러리, 스위스, 1990 단체전 | 페이보릿, 세르쥬지글러갤러리, 독일, 2002; 작은사이즈, 마르티나데테레갤러리, 독일, 2001; 다이브인, 쿤스트파나로마, 스위스, 2000; 픽셀아트, 페이지갤러리, 독일, 1999; 스위스 인스튜디트, 뉴욕, 1995


피터 갓필드 Peter Garfield (미국,1961-)

피터갓필드, 움직이는 집(안전), 100x70cm, 1997

갓필드의 작품은 일상에 있을 법하지 않은 순간을 포착하여 계속 변화되는 현실에 대한 우리의 관심사를 성찰한다. 그리고 우리가 매일 터득하는 지식의 모호성을 환기시킨다. 갓필드의 <움직이는 집 Mobile Home (1995-1999)> 시리즈는 세트를 제작해 촬영한 후 컴퓨터로 합성한 것이다. 이 작품은 미국 교외의 전형적인 집들을 정지된 애니메이션 상태로 묘사한다. 꿈속에서처럼 공중을 날아오르는 모습이나 어떤 재난에 의해 땅으로 추락하는 모습은 미국 신화의 모호성과 이면성을 비유하는 것이다. 갓필드는 이 시리즈에서 재난의 이미지를 은유적으로 재현함으로써 심리적으로 대립된 미국의 문화와 이상을 전한다. 이러한 갈등은 가필드가 정확하게 정의할 수 없는 불확실한 순간을 단편적으로 포착함과 동시에 과정의 시작과 끝을 생략한 일에서 볼 수 있다. 이 시리즈에서 갓필드는 집들이 유동적으로 보이게 하는 이미지를 노골적으로 보여주지는 않는다. 갓필드는 이러한 이미지들이 어떻게 성립되었는지를 완전히 숨기고 저지한다. 갓필드가 의도하는 것은 감상자들이 작품이 이루어지기까지의 과정과 이에 관련된 위험을 직관적으로 감지함으로써 그 작품들의 유동성을 느끼도록 하는 일이다.

개인전 | 퀸즈 미술관, 뉴욕, 1998; 페이건 조직, 시카고, 1996 단체전 | 내가 보는 방식, 부르클린미술관, 뉴욕, 1998; 버지니아 비치센터, 버지니아, 1997/8; 유콘아트센터, 캐나다, 1997/98; 컨버세이션쇼 #3, 뉴욕, 1997; 파리포토, 아트앤 퍼블릭갤러리, 제네바, 1997; 로드쇼, 브론윈갤러리, 뉴욕, 1997; 프라니에갤러리구스&마스, 독일, 1996, 변형된 집,바바라테스겔러리, 뉴욕, 1996; 인생처럼 크게, 마이클클라인갤러리, 뉴욕, 1995, 뉴로틱아트쇼, 아티스트 스페이스, 뉴욕, 1992


리코 겟슨 Rico Gatson (미국, 1966-)

리코 겟슨의 <불 Fire>은 3K단을 주제로 하여 정체감과 인종차별과 관련된 복잡한 문제들을 탐험한다. 겟슨은 고정관념을 재치있게 사용하여 3K단 내에서의 부등함과 격렬함을 시각적인 비유를 통하여 나타낸다. 겟슨은 정치적인 울타리 안에 포함된 상징들의 힘을 인지하기 위하여 무서운 것과 코믹한것을 다층의 상징들에다 압축한다. 전시에 포함된 두개의 비디오는 다른 사람을 악마화 시킴으로서 폭력적인 복수를 합리화하는 것과 관련이 있다. <펜스드 인 Fenced In >이라는 작품은 겟슨이 3K단 복장 모양을 본딴 꽃무늬 복장을 입고 말뚝 울타리 안에서 지치도록 뛰는 모습을 묘사했다.
<인비저블 디비저블 Invisible Divisible>은 핑크색 배경을 바탕으로 작가가 여러 상징들이 들어있는 물체들을 들고 이상한 얼굴 표정을 짓고 있는 모습을 묘사한다. <플래밍 후드 Flaming Hoods>는 후드를 쓴 사람들과 불꽃들을 유합한다. 이러한 이미지들은 속도감의 조작과 솔라리제이션 효과로 인하여 추상화되었고 끊임없는 고리로 반복하며 움직인다. 그의 조각품들은 가정적이고 종교적인 분위기를 자아낸다. 일상생활의 편리함 속에 너무 편재되어 있어 보이지 않는 사악함을 반영한다. 겟슨이 최근에 만든 영상 시리즈에서는 잘 알려진 미국 영화의 단편적인 장면이나 음악을 디지털로 조작하여 만화경적으로 엮었다. 여기에서 겟슨은 헐리우드에서 일반화하는 인종차별의 일반화를 비판한다.
개인전| 아틀란타컨템포러리아트센터, 아틀란타, 2001; 로날드펠드맨미술관, 뉴욕, 2000; 피에로지 2000, 뉴욕, 1999; 모멘타미술관, 뉴욕, 1996 단체전| Living Inside the Grid, 뉴컨템포러리미술관, 뉴욕, 2003; 리믹스드, 밀라노코뮨, 밀라노, 2002; 프리스타일, 할렘스튜디오미술관, 뉴욕, 2001


미레이유 그로 Mireille Gros (스위스, 1954)

1954년 스위스 아라우Aarau 에서 태어난 미레이유 그로는 바젤 에꼴 데 보자르L'Ecole des Beaux-Arts de Ble에서 수학한 후 뉴욕의 쿠퍼유니온스쿨Cooper Union에서 개념미술가이자 언어학자, 시인인 비토 아콘치Vito Acconci의 가르침을 받았다. 이후 그녀는 뉴욕에서 조각가, 그래픽 아티스트, 화가로서 활동하면서, 1996년에는 스위스의 스위스파운데이션 상Prix de la fondation 그래픽 아트 부문을 수상하였다. 초기에는 조셉 앨버스 Josef Albers의 1963년 저서 『색채의 상호관계』의 영향을 받아 색채의 탐구에 전념하였고, 이후부터는 자신이 우주진화론 'Les cosmogonies' 이라 명명한 주제를 통해 근원의 문제에 관심을 집중시킨다. 일본, 아프리카 건뜨 디 브와르, 아리조나의 나바호 인디언 마을로의 세 차례 여행을 통해 동양적 안료의 색감, 원주민의 삶과 제의 등을 경험한 것은 그녀의 작업에 중요한 영향을 미쳤으며, 특히 내셔널 지오그래픽 지에 자신의 사진과 데생을 결합한 작업을 선보인 이후로는 여행지에서의 경험을 작품의 원천과 영감으로서 사용하는 ‘모으기cueillette' 작업에 몰두한다. 최근의 연작 <공현절 Epiphanies>시리즈에서는 알자스 지방의 카마르그 Camargue섬의 자연을 담은 사진 작업을 통해 물과 수면의 반사라는 주제를 반복한다. 물과 땅이 맞닿는 곳에서 생명이 드러난다는 주제는 이질적인 것들의 교차점으로서 만물이 생성되는 의미를 지닌 만큼 그녀에게 있어 강한 의미를 지닌다.

개인전 | CAPC미술관, 보르도, 2002; 베른 쿤스트미술관, 베른, 2002; 쿤스트뮤제움, 바젤, 1997; 비레반호프미술관, 프레이부르그, 1996; 수잔마우스리갤러리, 취리히, 1991; 파비안 발터갤러리, 바젤, 1988 단체전 | 하늘 위에서, 쿤스타우스 그랜첸, 스위스, 2001; 에피파니, 에브리아트센터, 프랑스, 2000; 바젤 쿤스트미술관, 스위스, 1997/98; 들라나투르듀페이사즈, CRAC, 알트키리치, 1993; 셀렉션22, 드로잉센터, 뉴욕, 1983


필립 하그 Filip Haag (스위스, 1961-)

필립 하그는 그의 작업을 다음과 같이 설명한다. “나는 빛과 화학 물질에 민감한 감광 종이에 액치와 화학 결정체를 뿌린다. 이때 그 무엇도 표현하려는 의도를 가지고 있지 않다. 빛의 영향으로 인해 종이는 내가 통제할 수 없고 통제하고 싶지 않는 색으로 스스로 변해간다. 이것은 3차원이 아닌 마치 세상이 창조되고 형성되는 것과 같은 2차원의 과정일 것이다. 구성과 분해인 동시 우연과 취소의 과정이다. 몇 분 또는 몇 시간이 흐른 뒤, 이 과정이 끝나게 된다. 나는 또 다시 화학품을 이용하여 결과물을 수정한다. 몇 번에 걸쳐 수정을 하고 때로는 몇 달에 걸쳐 일어날 수도 있다. 나는 종이의 부분들을 잘라내어 특정 상황 또는 현미경 밑이나 우주에서 실제로 존재하는 자연의 모습으로 느껴질 때까지 이 과정을 반복한다. 그 순간 나는 사진을 확대 (때로는 우표 크기로 축소) 한다. 이러한 시각적 순간들은 신체의 일부 또는 풍경으로 보인다. 스위스의 소가 방목하는 알프스의 모습이라기보다는 태고의 풍경에 가까울 것이다. 이것은 미국의 풍경이 될 수 있고, 스위스, 이라크, 또는 한국이 될 수도 있다. 또한 분화하는 화산의 사진이 될 수도 있고 고요한 초원일 수 있다. 이 모두 환상과 상상에 달려있다. 작품은 관람객의 환상과 상상을 자극한다. 나의 작품들은 사람과 하나가 되기를 바란다. 그것은 단지 외형적으로 묘사된 풍경이 아닌, 내부의 풍경, 즉 정신 구조를 의미한다”

개인전 | 쿤스트할레, 베른, 스위스, 2002; 쿤스트하우스, 글라루스, 1998; 프랑크푸르트 도서페어, 프랑크푸르트, 1998; 베른시립미술관, 1998; 토마스레베인갤러리, 콜느, 1996; 컨탬포레리아트센터, 마르티느이, 1993 단체전 | 외교적인 짐가방, 시드니, 뉴욕, 베이징, 제누아, 바르셀로나, 스톡홀름, 2003; 독필름페스티발, 레입지그, 2002; 후베르트윈터갤러리, 위엔, 1999


민병헌 (한국, 1955-)

민병헌, Weed Series WV056, 60x50, 젤라틴 실버프린트, 1996

민병헌의 작품이 풍기는 분위기와 표현방식은 동양적이다. 그는 정적이며 가라앉은 듯한 회색톤 위주로 작업한다. 자욱한 안개, 눈쌓인 들판, 여느 숲에서도 볼 수 있는 조그만 돌과 잡초, 나무 등이 회색의 세계 안에 녹아 들어가고 있다. 또한, 짙은 안개 속으로 사라져 가는 나즈막한 산과 나무는 중국의 강남산수를 연상시킨다. 민병헌은 사진 작업을 하는 데 일체의 ‘조작’을 가하지 않는, 있는 그대로 대상을 재현 하는 스트레이트 사진을 추구한다. 그는 자신의 마음만을 따르며 “전율을 느낄 만큼” 좋은 장면을 보면 즐거운 마음으로 카메라 앵글에 담는다. 자신의 작업실을 비롯한, 개포동·양수리 등 무심코 지나치기 십상인 주변 풍경을 작품의 대상으로 삼는데, 특히 동트기 전 안개가 지독히 낀 장면이 주 대상이다. 그것은 그가 작품 제작에 있어 장소가 중요한 게 아니라 대상을 어떻게 보고 느끼는가가 중요하다고 믿기 때문이다. 민병헌은 자신의 어린 시절이 항상 열등감과 소외감의 연속이었다고 회상한다. 그러나 그는 그런 어두운 부분을 의식하지는 않는다. 즐거운 마음으로 작업하며, 관객도 편안하고 즐거운 마음으로 감상해주길 바란다. '아직도 철이 없으며 나이들어서도 철들기를 바라지 않는다'고 말하는 그는 도시 속의 도인(道人)이자 나이를 먹지 않는 '어린 왕자'이다.

개인전 | 카이스 갤러리, 2003; 금호미술관, 서울, 1999; 카이스 갤러리, 서울, 1998; 얀 캐스너 갤러리, L.A., 997; 타임스페이스, 서울, 1998; 가인화랑, 서울, 1995 단체전 | 미와 질서Ⅱ - 20세기의 주역전, 노화랑, 서울, 2000; 움직이는 미술관, 국립현대미술관, 과천, 1999; Beyond the lands, the reincamation of photography, Mezia Fine Art, 마이애미, 1998


마르코 폴로니 Marco Poloni (스위스ㆍ이탈리아, 1962-)

마르코 폴로니, 보이지 않는 남자의 흔적, 16번 54x(20[1].5x27)cm

<보이지 않는 남자의 흔적 Shadowing the Invisible Man>이란 작품은 눈에 보이지 않는 남자가 이탈리아 도처를 여행하는 것을 묘사한다. 이 남자는 오트란토 해협을 건너, 이태리 해안을 거쳐 그의 목적지인 스위스로 간다. 그는 불법체류자이다. 그의 존재는 본래부터 보이지 않는 것이 아니라 부랑자로써 우리에게 눈에 띄지 않고 사회속에서 정식으로 인정되지 않는 것이다. 이 작품의 줄거리와 촬영 장소는 떠도는 불법체류자들의 실제 이야기를 근거로 하여 만들어졌다.
폴로니의 작품은 다큐멘터리식 스토리 유형으로 제작되었다. 이 작품은 은신처를 찾고 있는 화면 밖의 주인공의 시점으로 사진과 텍스트를 통합하여 만들었다. 이것은 관찰자의 상상 속에서만 현실화될 수 있다. 마르코 폴로니는 현실을 탐험하고 그것을 여러 관점으로 관찰하는 것을 목표로 한다. 그의 복잡한 장치는 전시 현장에서 카메라를 사용하는 것도 포함한다. 이러한 카메라로 찍힌 이미지들은 전시장의 다른 부분에 영사되고 가끔은 미리 연속 촬영으로 녹음된 것과 섞여 나온다. 관찰자들은 이미지들의 패턴과 의미를 파악하려고 하지만 이것은 대개 의문으로 남는다. 여기에서 폴로니의 목적은 관찰자가 자기 자신의 직접적 환경을 좀더 의식하며 자기가 살고 있는 곳을 더 자세히 관찰하게 만드는 것이다.

개인전 | 컨템포러리이미지센터, 제네바, 2003; 그랑벵두슈갤러리, 마르세이유, 2002; 두르방갤러리,런던, 2001; 카릴로질미술관, 멕시코시티, 1999; 팔레아테네, 제네바, 1998 단체전 | 에스파스컨탬포렁, 제네바, 2003; Zeitgenossische Fotokunst aus der Scheiz, Neur Berliner Kunstverein, 베를린, 2002; 웁/팜파, 앙네베갤러리, 파리, 2001; 버전_2000, 컨템포러리이미지센터, 제네바, 2000


뷔렌트 샹가르 Bulent Sangar (터키, 1965-)

뷰렌트 샹가르, 무제(강변), 60x90cm, 2001

샹가르의 작품들은 외부와 내부, 지방과 도시, 그리고 전통적인 것과 세속적인 것이 모두 혼합되어 있다. 그는 그와 가까운 사람들을 사진에 담아 이야기를 만들어 내면서 정치적이고 문화적인 문제들을 비판한다. 1997년도에 샹가르가 시작한 <무제 Untitled>에서는 계속 진행 되는 일을 파노라마식으로 포착하였다. 이것을 자기 집 창문 사진과 합성하여 창조적인 기행전을 꾸민다. 창틀은 개인적 공간인 집과 공중 공간인 길가를 분리키는 경계선이며 중립공간이기도 한다. 창틀에 있는 남자는 작가 자신으로써 상반되는 두 공간 사이에 갇혀 있다. 여기에서 샹가르는 공중공간에서 다른 사람이고 싶은 소망과 여행을 시도하는데 있는 공포를 잘 드러낸다. 이 작품에서 작가는 대도시의 삶이라는 이질적 문화에 이접된 한 가족이 전통의식이자 그들의 축제이기도 한, 예전에는 신성했을 희생의 의식을 전혀 어울리지 않는 지저분한 장소에서 치르는 모습과 함께, 그에 수반되는 일종의 남루한 광기를 담아내는데 성공하고 있다. 샹가르는 그 자신과 이웃 등 주변의 사람들을 주제와 대상으로 활용하여, 자신의 작업장이나 집, 혹은 공공장소에 연출된 장면들을 사진으로 담아낸다. 그의 작품에 담긴 폭력적인 장면들은 개인적인 차원의 일상적인 단면을 드러내는 것이지만 크게는 사회적, 이데올로기적 혹은 역사적으로 권력에 의해 연출된 필연적 장면이기도 하며, 센세이셔널리즘을 향한 미디어의 갈증을 암시하는 것이기도 하다.

개인전 | 엠케이갤러리,로테르담, 2002; 더프로젝트, 뉴욕, 2001; 우르아트갤러리, 이스탄불, 1995 단체전 | 퍼스, 광주비엔날레, 한국, 2002; 카셀도큐멘타, 카셀, 2002; 단편소설들, 라파브리카델바포레, 밀라노, 2001; 섬을 떠나며, 부산시립미술관, 부산, 2000; 마니페스타 3, 유러피언비엔날레, 슬로베니아, 2000; 인간 그리고 공간, 광주비엔날레 3, 광주, 2000


샌디 스코글런드 Sandy Skoglund (미국, 1946-)

샌디스코글런드, 숟가락들, 67[1].3x84cm, 1979

스코글런드의 미학적 카테고리는 일차적으로 주관주의다. 그녀의 주관주의는 미학적 접근방식의 한가지 수단일 뿐 아니라 그녀 개인적인 아이디어와 표현의 독자성이기도 하다. 이 주관주의의 특징은 어떤 이즘이나 이론이 아닌 열려진 예술 표현 방식이라는 데 있다. 또 다른 하나의 미학적 카테고리는 '혼성화' 전략이다. 시간쪽에서 볼 때는 설치 프로젝트의 최종 결과가 사진이지만 사진적 프로세스로는 해결할 수 없는 주제와 소재를 다루었다는 점에서 그러하고 반대로 회화쪽에서 볼 때는 회화적 주제와 소재를 이용하여 사진화 했다는 점에서 그러하다. 스코글런의 작품, <파라다이스 모임 Gathering Paradise>에서는 실내공간에 30여 마리의 흑빛 다람쥐들을 환각적인 바로크식으로 연출했다. 개념적인 이 설치작품에서 우리는 우리가 경험했던 것과, 나아가 우리가 경험하고 있는 것 그리고 경험해야 할 사건들이 현재진행형처럼 펼쳐져 있는 느낌을 받는다. 스코글런드가 연출하는 이 상징적 드라마에 동원된 주역들은 대부분 실물 인간과 실물에 가까운 모형들이다. 그녀 작품 안에서의 허구의 세계에는 대상을 통해 바라본 파괴된 자연의 질서와 생명력을 강조하는 상징적 드라마 뿐 아니라 미래의 불확실성에 관한 인간의 지나친 불안심리 및 무분별한 소비문화를 역설적으로 꼬집는 풍자극도 들어있다. 그녀의 주관주의는 미학적 접근방식의 한가지 수단일 뿐 아니라 그녀 개인적인 아이디어와 표현의 독자성이다.

개인전 | 페이골드갤러리, 아틀란타, 1999/2000; 스미트칼리지미술관, 매사추세츠, 1997; 포토투데이, 서울, 1995; 헌팅턴미술관, 매사추세츠, 1995; 에클러즈카우딜갤러리, 시카고, 1995; 자네트보르덴, 뉴욕, 1994 단체전 | 아트시카고 2001, 페이골드갤러리, 아틀란타, 2001; 1990대의 사진술, 라이트대학, 오하이오, 1996; 미국 사진 한 세기, 국제사진센터, 뉴욕, 1995


아넬리스 스트르바 Annelies Strba (스위스, 1947-)

아넬리스 스트르바, NIYMA 131, 캔버스에 잉크젯, 185x125cm, 2003

아넬리스 스트르바는 20년을 넘게 같은 가족이라는 소재를 대상으로 사진을 찍어왔다. 스트르바의 작품에서 과거와 현재의 명백한 연결선이 세월을 따라 계속 이어지는 가족의 변천사를 은유적으로 표현한다. 스트르바의 세계는 풍부하고 그녀의 집이 위치한 멜리드를 중심으로 펼쳐진다. 사진의 주인공들은 스트르바의 남편, 아들, 손녀딸, 고양이, 그리고 그녀의 두 딸들이다. 스트르바의 편재하는 카메라 앞에서 가족은 무의식적으로 자라나고 변한다. 이렇듯 스트르바는 자신이 사랑하는 사람들에게 의미가 있는 장소에서 사진 찍는 것을 선호한다. 스트르바는 또한 자신의 역사, 재난, 그리고 고난을 벗어날 수 없는 장소들에서 매력을 느낀다. 그녀의 사진들은 놀랍게도 아주 단순하다. 하지만 절대로 모험적이진 않다. 스트르바의 스냅사진들은 놀라운 예술적 구상과 섬세한 감각으로 표출된다. 시적이고 단축된 가족의 이미지를 만드는 것으로 잘 알려져 있는 스트르바는 현실을 밀집되고 신비로운 대체세계로 만든다. 그녀의 새로운 작품에서는 원래 다가가는 작업 방식보다 한 단계 앞섰다. 그녀는 디지털 카메라를 이용하여 사진을 찍고, 컴퓨터를 사용하여 색을 더한다. 아넬리스 스트르바의 작품들은 시간과 역사의 개념을 은유적이고 아주 개인적인 방식으로 탐구한다. 스트르바의 특색은 단순한 상황에서 불변하는 비전을 반영한다는 것이다.

개인전 | 헬름하우스, 취리히, 2003; 알민래그갤러리, 파리, 2001; 국립포토센터, 파리, 2001; 프릿스트리트갤러리, 런던, 2000; 스켈로퍼브리셔즈, 뉴욕, 2000; 바젤아트페어 1999, 스텐드파비엔월터갤러리, 스위스, 1999 단체전 | 다이어리, 코너하우스, 맨케스터, 2000; 엔젤스, 런던, 2000; 아트포럼, 뉴욕, 2000; 컨탬포러리아트미술관, 뉴욕, 1999


히로시 스기모토 Hiroshi Sugimoto (일본,1948-)

히로시 스기모토, 사가미 항구, 50[1].8x60.9cm, 1997

미니멀리즘과 개념미술에서 영향을 받은 스기모토는 사진연작을 통해 종교적인 주제를 탐구한다. 1976년 시작된 <입체 모형과 밀랍미술관>, <바다 풍경> (1980년 시작) 그리고 <건축물>(1997년 시작) 등이 주요 작품이다. 스기모토의 최근 주제인 인물들은 집단 무의식속에 살아있는 인물들로서 유명인사를 기념하는 의식과 관련이 되기도 한다. 그는 밀랍으로 된 베르메르Vermeer의 그림을 다시 찍음으로써 사진이 처음 발명되었을 때 제기되었던 회화와 기계의 복제와의 관계에 관한 문제를 다시 제기하고 있다.
한편 스기모토의 바다에 대한 관심도 그의 작업에서 중요한 영역을 차지한다. 바다에 대한 작업은 1980년부터 시작된 <바다 풍경>에서 본격적으로 이루어진다. 그는 전세계의 바다란 바다를 모두 사진에 담았다. 카리브해이건 발트해나 사해이건 수평선은 두 가지 기본 원소인 물과 공기를 양분하여 두 개의 광학적으로 동일하면서도 이상적인 절반으로 나뉘어졌다.
바다 풍경에서 스기모토는 위대한 영성의 가치를 담은 영상을 창조한다. 그의 바다 사진은 우리의 시간 감각을 초월한 시간을 보여 준다. 수평선은 몇백만 년 동안 변하지 않았고, 오늘 우리가 사진에서 보는 것은 수백만 년 전 선조들이 본 것과 똑같으며 후세들도 똑같은 풍경을 볼 것이라는 진리를 스기모토는 그의 바다사진을 통해 보여주고 있는 것이다.

전시회 | 추상화, 독일 네덜란드미술관, 베를린, 2000; 바다의 변화, 사진국제센터, 1999; 우리의 머리위로 들어오다, 산호세미술관, 샌프란시스코, 1998, 아크론미술관, 오하이오, 1998; 버클리미술관, 버클리, 1997; 보는 것, 프라엔켈갤러리, 샌프란시스코, 1995; 메트로폴리탄미술관, 뉴욕, 1995; 1945이후의 일본미술: 하늘을 향한 외침, 요코하마미술관, 요코하마, 1994


하비에르 텔레즈 Javier Tellez (베네주엘라, 1969-) 영상

하비에르 텔레즈, El Leon de Caracas, (영상), dvd 7min, 2002

하비에르 텔레즈의 작품에서 주된 주제는 광기이다. <바보들의 배 Narrenschiff> 라는 작품은 1997년에 카라카스에서 가진 그의 전시회 제목에서 짐작할 수 있는 바와 같이 그는, 미셸 푸코 (Michel Foucault)를 통해 20세기에 재조명된 정상인과 광인의 문제, 즉 사회적 타자와 동일자의 문제에 관심을 가지고 있으며, 이와 같은 그의 관심은 환자를 수용하는 병원과 미술관이라는 두 기관 사이의 유비를 탐구하는 것으로 연결되기도 한다. 일찍이 그는 제도적인 공간을 거부하고 소외라는 주제에 관심을 가졌다. 여러 편의 비디오 작업에서 그는 발렌시아의 니르구아 정신 병원의 환자들에 관한 실제의, 혹은 연출된 상황을 보고하고 있다. 이와 같은 작업에서 작가가 정신질환자들을 작품에 이용하고 있다는 비난이 일기도 했으나 사실상 이 사람들은-사회의 변두리에 위치하는 다른 소수자들과 마찬가지로- 자신을 표현하고 드러내 보일 기회를 가지게 되는 셈이며, 이는 대부분의 경우 그들에게 허용되지 않는 일인 것이다. 사회적으로 강요된 '정상인'과 '광인'의 경계, 그로 인해 생겨난 광인에 대한 불안을 철폐하는 것은 그가 작품을 통해 집요하게 추구하고 있는 문제이다. 그의 매우 직설적이고, 때로는 거의 폭력적인 느낌까지도 주는 작품들은 정신질환자들의 모습을 냉정하게 전달하고자 할 뿐만 아니라 보는 이들로 하여금 스스로를 타자의 자리에 세워보고 자신만의 경계를 넘어서도록 만들고자 한다.

개인전 | 살라멘도자, 카라카스, 2002; 인터내셔널 아트페스티벌, 베네주엘라, 2001; 가스워크갤러리, 런던, 1999; 살라멘도자, 카라카스, 1997; 벨라아트미술관 발렌시아, 1996 단체전 | 베니스비엔날레 베네주엘라관, 베니스, 2003; 리마비엔날레, 일리노이대학, 시카고, 2002; 빅쇼, 엔아이시시, 독일, 2001; 아르스날, 베니스비엔날레, 베니스, 2001


미네트 바리 Minnette Vari (남아프리카 공화국, 1968-)

미네트 바리, AuroraAustralis_still, 비디오, 9분, 2001

1968년 남아공 출생인 미네트 바리는 프레토리 대학Pretoria에서 미술을 전공하면서 관심사가 디지털 미디어 프로덕션으로 바뀌었다. 화가로써 첫발을 내딛은 바리는 그녀의 미술 작품보다 디지털 비디오 작업들로 잘 알려져 있다. 바리는 1995년부터 정체성, 신빙성, 역사, 신화, 그리고 진실의 왜곡을 의문에 둔 작품들을 남아공의 역사와 사회에 근거하여 만들었다. 또한 바리는 더욱 창조적인 디지털 비디오기술을 사용하기 시작했다. 바리의 대표작들은 자신의 이미지를 뉴스 미디어 자료에다 영사하여 만든 것들이다. 바리가 뉴스미디어 장면을 자료로 많이 사용하는 이유는 익숙한 이미지들을 다르게 구상하여 거기에 새로운 의미를 부여하기 위해서이다. 바리의 새로운 사진 시리즈, <센티넬 Sentinel>에서는 여러 세대의 재난과 유적들을 지닌 이상한 생물체들의 모습을 볼 수 있다. 이 생물체들은 계속 이어지고 있는 역사가 더 안겨줄 짐에 대한 긴장감을 지니고 있다. 여기에서 바리는 백인이면서 동시에 아프리카인이라는 자기의 조건을 대면하고 있다. 그리고 역사 때문에 어쩔 수 없이 자리잡게 된 나라를 참고향이라고 부르지 못하는 이유를 성찰한다. 이 작품은 남아공의 정치적 불안감과 사람들의 심리적인 방황을 드러낸다. 바리는 과거에 묻어둔 끔찍한 기억을 되살리듯 과거의 결함을 현실적으로 재형성한다.

개인전 | Neus Kunstmuseum, 루체른, 2003; 스텐더드뱅크 갤러리, 남아공, 2001; 알리엉스프랑세스갤러리, 남아공, 1998 단체전 | Aubes, 빅토르위고하우스, 파리, 2002(하랄드제만 기획); 유러피언 사진미술관, 파리, 2002; 베니스비엔날레, 이태리관+아르스날, 베니스, 2001; 회색 구간, 착함힐통신, 남아공, 1999; 젠더비션, 아프리카국제통신, 뉴욕, 1992