일본 우키요에 판화의 특징과 유럽 회화에 미친 영향

[청솔.]

Eishosai Choki - Beauty and Red Sunrise 

일본 예술가의 애니메이션 고전 우키요에 판화

일본 우키요에 판화의 특징과 유럽 회화에 미친 영향

우키요에의 창시자는 일본의 화가이자 그래픽 아티스트인 히시카와 모로노부입니다.

처음에 판화는 흑백이었습니다. 잉크 만 사용되었으며 18 세기 초부터

일부 작품은 브러시를 사용하여 손으로 칠했습니다.

18세기에 스즈키 하루노부는 니시키에("금단 그림")를 만들기 위해 다색 인쇄 기술을 도입했습니다.

우키요에 판화는 대량 생산 능력 덕분에 가격이 저렴했습니다.

그들은 주로 그림에 돈을 쓸 여유가 없는 도시 거주자들을 대상으로 했습니다.

우키요에는 이 시대의 도시 문학과 조화를 이루는 일상 생활의 그림이 특징입니다.

조각에는 아름다운 게이샤가 묘사되어 있습니다. (비진가),

대규모 스모 선수들과 인기 가부키 연극 배우들( 야쿠샤에).

나중에 풍경 조각이 인기를 얻었습니다.

이야기

우키요에 스타일은 16세기 후반 도시화로 인해 이야기나 소설을 쓰고

그림으로 장식하기 시작한 상인과 소규모 장인 계층이 등장하면서 시작되었습니다.

이러한 컬렉션을 호출했습니다. 에코콘(jap. 絵本 - 그림책?).

그러한 예술의 한 예는 Honami Koetsu의 1608년판 Ise-monogatari(이세 이야기)입니다.

그러한 책에서는 우키요에를 삽화로 광범위하게 사용했습니다.

나중에 판화는 독립된 작품으로 인쇄되기 시작했습니다.

카케모노(jap. 掛け물 - 그림이나 말이 있는 두루마리?) 및 가부키 극장 포스터.

창작과정

우키요에를 만들려면 예술가, 조각가, 인쇄공이 필요했습니다.

아직도 많은 사람이 우키요에 작품은 작가 한 명이 모두 제작하는 것으로 잘못 알고 있습니다.

일종의 다색판화인 우키요에는 그림과 달리 서로 다른 역할의 여러 장인이 공동으로 만듭니다.

우키요에를 그리는 화가를 우키요에시(浮世絵師) 또는 에시(絵師, 화공)라고 부급니다.

우키요에시가 그린 디자인을 목판에 파는 일은 '호리시'(彫師)가 맡았으며,

색을 채색하여 종이에 찍는 일을 맡은 사람은 스리시(摺り師)라고 부릅니다.

우키요에는 이들의 공동작업으로 만들어지는 작품이 되나,

대표로 에시의 이름만이 남는 것이 관례였습니다.

여기에, 제작자 즉 주문한 사람까지 포함해서 최소한 네명이 필요하게 됩니다.

제작의 중심이 되는 사람은 프로젝트 매니저인 ‘한모토(版元·출판업자)’입니다.

한모토는 여러 장인들을 모아 팀을 구성하며

작품의 성격과 제작 수량, 유통까지 방대한 영역을 책임졌습니다.

완성된 목판에는 한모토의 도장이 새겨졌습니다.

그런데 여기서 궁금증이 하나 생깁니다.

그럼 우키요에 작가로 널리 알려진 가쓰시카 호쿠사이(葛飾北齋·1760∼1849)나

우타가와 히로시게(歌川重廣·1797∼1858)는 도대체 어떤 일을 했던 사람일까요?

이들은 모두 작품의 밑그림을 그린 에시였습니다.

에시의 역할은 호리시나 스리시의 그것보다 상대적으로 더 중요하게 여겨졌습니다.

그래서 완성된 작품에는 에시의 도장이 찍혔으며 에시의 명성은 시장에서 작품의 인기를 좌우했습니다.

하지만 색의 선택이나 배열은 모두 스리시의 권한이어서 스리시의 실질적 기여도도 무시할 수 없었습니다.

여러 가지 색을 찍을 때에 색칠 영역이 맞지 않는 일을 피하기 위해,

종이의 위치를 표시하는 겐토(見当)라는 표식이 매겨졌습니다.

겐토의 유래는 1744년 출판물 중개업자인 우에무라 기치에몬(上村吉右衛門)이 고안했다는 설과,

1765년 긴로쿠(金六)라고 하는 한 스리시가 처음 사용했다는 설이 있습니다.

이 '겐토'란 말은 현대 일본어에서도 짐작이나 판단, 방향이

엉뚱하게 빗나간다는 의미의 '見当違い','見当外れ' 등의 표현에 남아있습니다.

우키요에는 다음과 같은 방법으로 제작되었습니다.

작가는 잉크를 사용하여 얇은 종이에 판화의 원형을 만들었고,

조각가는 이 그림을 벚나무, 배 또는 회양목 판에 뒤집어 붙여

종이가 흰색인 부분을 잘라내어 최초의 인쇄 형태를 얻었습니다. ,

그러나 그림 자체를 파괴합니다.

그런 다음 여러 장의 흑백 인쇄물이 만들어졌으며 예술가는 의도한 색상을 표시했습니다.

절단기는 필요한 수(때로는 30개 이상)의 인쇄판을 만들었으며,

각 인쇄판은 하나의 색상이나 톤에 해당합니다.

프린터는 예술가와 색 구성표를 논의한 후

결과 형태 세트에 식물성 또는 광물성 페인트를 적용하고

젖은 라이스 페이퍼에 손으로 조각을 인쇄했습니다.

일본의 목판화가 에도(도쿄)에 널리 퍼졌습니다.

17~19세기 동안 에도는 쇼군의 주요 거주지였으며

과학자, 작가 및 예술가들이 이곳에 모여들어 도시에 강력한 경제적, 문화적 고조를 가져왔습니다.

1868년 막부가 무너지고 황권이 회복된 후, 일본의 수도는 교토에서 에도로 옮겨졌습니다.

여기에서 "우키요에"(일본어로 번역- "변화하는 세계의 그림")라는 용어로 표시되는 미술의 방향이 탄생했습니다.

이 개념은 영원과 비교하여 인간 존재의 나약함을 깨닫는 것이 중요한 선불교 철학에서 차용되었습니다.

따라서 선종에서는 "지금 여기"의 삶에 대한 이해가 전면에 나타났습니다.

현재의 덧없는 순간을 감상하는 것은 일본 미학의 필수적인 부분이 되었으며

선불교 정신에 따라 자연과 자연스럽게 가까워지고 명상하는 방법 중 하나가 되었습니다.

"... 너에게 주어진 순간만을 살기 위해 달과 벚꽃, 가을 단풍을 감상하고 노래하고 술을 마시고

즐겁게 지내고 가난에 전혀 관심을 두지 않고 반항적으로 우리의 얼굴을 바라보고 무심코 항복한다.

호박처럼 강물의 흐름에 열정적으로 끌려가는 것, 이것이 우리가 우키요에라고 부르는 것입니다..."

(17세기 작가 아사이 료이)

우키요에 예술은 단가와 하이쿠(하이쿠)의 시와 연관되어 있으며,

현재의 순간을 매우 단순한 형태로 전달하는 동시에 모든 공간과 세계를 담고자 했습니다.

꽃컵에 꿀벌이 낮잠을 자고 있습니다.

그 사람을 만지지 마세요 참새 친구!

우키요에의 컬러 판화는 비용 측면에서 두루마리 그림보다 저렴했으며

도시 인구의 다양한 계층이 집을 장식하기 위해 구입했습니다.

카메라의 출현과 함께 사진이 순간을 포착하는 더욱 완벽한 방법이 되면서

우키요에 현상은 사라지기 시작했습니다.

특징

우키요에는, 기본적으로 판화이기 때문에, 여러번 인쇄가 가능하여,

구사조시이나 그림 두루마기, 또는 가와라반 (瓦版, 현재의 신문)의 삽화의 역할을 했다.

현대의 캘린더에 해당하는 그림 달력(絵暦) 제작에도 우키요에가 많이 이용되었으며,

여기서 그림 속에 숫자를 감추는 등 여러 가지 궁리가 이루어졌다.

흐릿하지 않은 확실한 그림체와 대담한 구도, 그림자의 표현이 없는 것이 표현상의 특징이다.

원근법도 받아들여졌다. 가쓰시카 호쿠사이의 '낚시의 명인'(釣の名人)처럼,

멀리 있는 풍경을 거꾸로 크게 그려 일부러 원근법을 깬 형태의 그림도 있다.

우키요에는 일본의 대중문화의 일부이며,

현대의 미술전시처럼 액자에 넣어서 멀리서 감상하는 형태가 아닌,

손에 들고 살펴보며 즐기는 형태였다.

개중에는 그림을 오려서 가지고 노는 형태의 그림도 있다.

우키요에의 주제와 종류

우키요에는 서민들의 일상을 그린다.

우키요에는 원래 일상생활의 풍습과 관습을 묘사한 그림인 '우키요'로 등장했습니다.

가부키 배우, 스모 선수, 유조(매춘부)의 풍경과 초상화가 그려졌습니다.

많은 작품이 현대 만화의 범주에 속하며 캐리커처 요소를 포함하고 있습니다.

전통적인 테마중국화나 야마토에 그림의 소재가 되었던 가 우키요에로 전환되는 경우도 있었습니다.

일본 목판화에는 장르가 구분되어 있습니다.

KATYO-GA - 꽃과 새의 이미지

후케이가 - 자연 경관그리고 도시 전망

BIJIN-GA - 아름다운 사람들의 이미지

야쿠샤에(YAKUSHA-E) - 가부키 극장의 인기 배우들의 초상화

MUSYA-E - 유명한 사무라이의 이미지

SHUN-GA("봄 사진") - 에로틱한 조각

사랑의 장면을 묘사한 춘화(에로 예술)는 가장 유명한 esi 예술가들이 그린 것입니다.

Shunga는 종종 패키지 거래로 판매되었습니다.

판매 가격이 높기 때문에 창작에 많은 돈이 소비되었고 복잡한 생산 방법이 사용되었습니다.

실제 성문화에 대한 조롱(조소)의 요소를 담고 있으나 반드시 선정적인 것은 아니며,

음란물로만 여겨서는 안 된다는 점에 주목하여야 합니다

비진가(Bijinga): 미인화

젊은 여성을 묘사한 그림. 당시 유행했던 칸반무즈메(포스터걸)와 유조(유조)가 그려져 있습니다.

야쿠샤에:

인기 가부키 배우의 그림 등 그 중 일부는 진부해 보였고 일부는 티라시(전단지) 역할을 했습니다.

캐리커처:

코믹하게 그려진 그림. 토바에가 포함되어 있습니다. 유머러스한 장면과 의인화가 있었습니다.

캐리커처 요소를 억제하면서도 재미를 일관되게 강조했다.

토바에(Tobae):

긴 팔과 다리를 가진 인간 캐릭터를 묘사한 만화.도바 소조(주인공)의 이름에서 따왔습니다.

만화책 초기 단계가끔 이런 식으로 언급되기도 합니다.

만화:

Etehon(아티스트 가이드). 우주 전체를 묘사한 그림. 현대 만화와는 달랐다.

호쿠사이의 만화(호쿠사이의 스케치)가 좋은 예입니다.

슌가(Shunga): 춘화

섹스 장면과 기타 관능적인 것을 묘사한 그림.

섹스 토이와 개인화된 성기 등이 있는 작은 지문이 있었습니다.

시골에서는 너무 흔해서 니시키에가 실제로 슌가를 의미했습니다.

그들은 지참금의 일부가 될 수 있습니다.

메이쇼(Meishoe): 명소

유명한 풍경을 묘사한 그림.

탐나는 명소를 보기 위해 자유롭게 여행할 수 없었던 당시의 서민들에게 그림이 허용되었습니다.

여행 팜플렛으로도 사용되었습니다.

무샤에(Mushae): 무사화

전설, 환상, 이야기에 등장하는 유명한 사무라이를 묘사한 그림입니다.

특히 판타지 소설이 붐을 이루면서 유행하게 되었습니다.

막부(막부)는 오다 노부나가와 그 뒤를 이은 무사들의 묘사를 금지했습니다.

레키시가(Rekishiga): 역사화

유명한 역사적 장면을 묘사한 그림.

메이지 유신 이후에는 다음과 같은 작품이 있었습니다.

마지막 황제정당성을 증진하기 위해 황실.

대동강 가와사키군조 공격도

오모채:

어린이를 위한 그림.

여기에는 스고로쿠(일본식 주사위 놀이)와 멘코(일본식 직조)에 붙일 조각,

인기 있는 우키요에의 미니어처, 세련된 종이 인형, 많은 유령과 무사 등이 밑에 있는

주쿠시에라 불리는 조각 등이 포함되었습니다.

어린이 장난감에 사용하기 위해 많은 아이디어가 채택되었습니다.

Mitate-e:

고전 작품의 패러디.

스모우에(스모우에): 스모화

스모를 묘사한 그림.

그 중에는 당시 스모 선수들을 표현한 진부한 그림도 있었습니다.

하리마제에:

한 장의 종이에 여러 개의 이미지가 인쇄된 작품입니다.

블루-e:

목판화는 유명 인사의 죽음으로 출판됐다.

코도모에:

게임 중 어린이를 묘사한 그림입니다.

나가사키에:

나가사키에서 본 외국 문화를 그린 그림.

요코하마에:

요코하마의 이국적인 분위기가 가득한 그림들.

나마즈에: 메기그림

안세이 대지진 이후에 나타난 그림.

대중적인 미신에 따르면 나마즈(som)는 지진을 가져온다고 합니다.

노소에:

천연두를 예방하는 부적.

우치와에:

팬들에게 붙어있던 그림.

단스에 (団扇絵) 부채 그림

부채에 붙이는 종이에 그려진 그림.

케이트가

곧 일본의 국화가 된 국화(일본어로 Kiku - "태양의 꽃")를 포함하여

거의 모든 종류의 정원 꽃이 중국에서 일본으로 들어왔습니다.

일본 국화의 색조 이름은

"아침 새벽", "저녁 일몰", "북쪽 비", "안개가 자욱한 아침", "사자 갈기", "칼의 불꽃"과 같이

본질적으로 시적이었습니다.

1496년 교토에서 꽃 모양과 색깔이 확연히 다른 10종 이상의 국화에 대한

식물학적 설명이 담긴 책이 출판되었습니다.

당시에는 컬러 인쇄가 없었기 때문에 품종의 색조를 말로 표현했습니다.

컬러 조각의 출현과 함께 설명이 아닌 예술적이고 회화적인 측면이 전면에 등장한

다권 컬렉션 앨범이 등장하기 시작했습니다.

18세기에 일본 고전 자연주의 회화의 마루야마 시조 학교가 교토의 "예술가의 거리" 시조에 설립되었습니다.

창립자인 예술가 마루야마 오쿄(Maruyama Okyo)는

자연주의, 명암대비, 서양학파의 관점을 전통적인 동양적 이미지 기법과 결합했습니다.

마루야마시조의 학생 중 한 명이 코노 바이레이- 카초가의 유명한 대가.

그는 수많은 이젤 조각, 여러 권의 책 및 앨범을 만들었습니다.

특별한 장소 그의 작품에는 "새와 꽃의 앨범"(1883)이 있는데,

여기서 작가는 새와 꽃을 특정 시간 올해의. 판화는 별도의 판으로 출판되었으며

봄-여름, 가을-겨울 블록으로 결합되었습니다.

조각 앨범 "One Hundred Birds"는 1891년, 1892년, 1896년에 세 가지 판을 거쳤습니다.

One Hundred Flowering Plants 앨범은 1901년 사후에 처음 출판되었습니다.

비진가 (미인화)

에도와 오사카 등 대도시가 발전하면서 전통적인 명절과 마을 사람들의 오락이 담긴 장면이

두루마리와 스크린에 등장합니다. 이 그림의 중심 인물은 대도시의 젊은 패셔니스타와

눈에 띄는 의상을 입은 멋쟁이들이다.

요시와라의 "재미있는" 구역에 대한 광고 역할을 한 창녀의 초상화가 널리 퍼졌습니다.

광고 성격에도 불구하고, 비진가는 특정 미인의 진정한 모습을 평가하는 것이 거의 허용되지 않았습니다.

오히려 의상, 메이크업, 헤어 등 패션 트렌드를 반영한 ​​집단 초상화였다.

좁은 벨트를 조이세요.

젊은 미인의 눈에서 추운 것 같습니다.

장르의 인정받는 대가로 간주됩니다.

키타가와 우타마로.

그의 작품 속 여성 이미지는 강화된 유형화를 이루었다. 이상적인 여성의 아름다움

주인의 작품에서는 얼굴의 길쭉한 타원형과 몸의 비율, 전통적인 높은 헤어 스타일,

최소한의 스트로크로 윤곽이 잡힌 눈, 입술의 얇은 선 및 곧은 코가됩니다.

동시에 하나의 디테일 이미지를 위해 Utamaro는 수십 개의 보드를 사용할 수 있습니다!

대가에 대한 끊임없는 탐구 덕분에 우키요에 팔레트는 다양한 뉘앙스 톤으로 풍성해졌습니다.

예를 들어 작가는 배경이 깜박이는 효과를 얻기 위해 먼저 금가루와 은가루를 혼합하기 시작했습니다.

판화에는 난바야 오키타, 다카시마 오히사, 도미모토 도요히나 등 에도의 세 미인이 그려져 있습니다.

오키타는 아사쿠사 즈이신몬 앞에 있는 찻집에서 웨이트리스로 일했고, 도요히나는 요시와라의 게이샤였습니다.

타카시마 오히사(오른쪽 사진)는 부유한 집안 출신으로, 료고쿠 야겐보리 지역에 여러 찻집을 운영하는

주인의 딸이었습니다. 찻집의 소녀 100명을 비교한 『미즈차야 햐쿠닌 잇쇼』(1793)에서는

오키타가 16위에, 오히사가 17위에 올랐다.

다카시마 오히사와 오키타의 꽃꽂이 대회

우타마로가 창조한 여성미의 이상은 동시대 예술가와 젊은 예술가 모두에게 영감을 주었습니다.

스승의 추종자 중에서 초카사이 에이쇼(Eisho Chokasai)를 언급할 가치가 있습니다.

그의 판화 중 가장 중요한 시리즈인 "The Competition of the Beauty of the Cheerful Quarters"는

장르의 점진적인 복잡성, 즉 다중 형상 구성의 개발과 수많은 세부 사항으로 초상화를 채우는 것을 보여줍니다.

우타가와 구니사다

도요하라 쿠니티카의 학생인 우타가와 구니사다는 사치스럽고 난공불락의 인상을 만들어내는

독특한 기술을 지닌 최고 등급의 창녀를 묘사합니다.

타유(오사카와 교토에서는 부름)와 오이란(에도에서는)은 많은 장신구를 사용하여

매우 복잡한 헤어스타일을 만들었고, 긴 기차와 앞에 거대한 장식용 활이 있는 3겹 이상의 기모노를 입었습니다.

Kunitika의 작품에서 구성은 수십 개의 머리핀 인 "kanzashi"로 뚫린 게이샤의 가운과

헤어 스타일처럼 복잡하고 다층화됩니다. "세 명의 유명한 창녀"

무샤에

수천년 동안 일본의 역사는 화해할 수 없는 씨족 간 전쟁과 쇼군 간의 권력 투쟁의 역사였습니다.

전설적인 『고대기』(708)와 『일본실록』(720)에 따르면, 천황은 태양신 아마테라스의 직계 후손이다.

왕조는 기원전 6세기부터 현재의 아키히토 천황이 통치할 때까지 중단되지 않았습니다.

12세기부터 가문의 문장(“문”)은 16잎 국화였습니다.

권력을 유지하기 위해 황실은 다른 주요 씨족과 동맹을 맺었습니다.

그 결과 1192년 미나모토 요리토모가 일본 최초의 군사 통치자인 쇼군이 되었습니다.

이 직함은 임시 정태장군("총사령관")의 약어로 나타났습니다.

황제와 달리 그의 모습은 신성하지 않았지만 실제 정부의 수장인 막부가 되었다.

사무라이("부시")는 단순한 전사가 아니라 관리이자 군주의 경호원이자 하인입니다.

사무라이의 "황금 시대"는 에도 시대에 도래하여 많은 특권을 받았습니다.

그리고 대검과 소검 두 자루를 소지할 수 있었고, 나머지는 작은 검 하나만 소지할 수 있었습니다.

도쿠가와 이에야스는 검을 사무라이의 "영혼"이라고 불렀습니다.

그것은 가족의 가보이자 신성한 물건이었습니다.

각 사무라이는 사회와 가정에서의 일련의 윤리적 규칙과 행동 규범(부시도 또는 "전사의 길")에 따라

선불교의 실천을 통해 용기를 키웠습니다.

1868년에 황제의 권력이 회복되었습니다.

영국과 미국의 노선을 따라 국가의 급속한 현대화가 시작되었으며 1873에서 사무라이 군대가 해체되었습니다.

1876년에는 검 소지를 금지하고 재산 자체를 폐지하는 법이 통과되었습니다.

여름 허브

영웅들이 사라진 곳

꿈처럼.

(마츠오 바쇼)

우타가와 요시카츠

다케다 신겐 (시리즈 "우리나라의 명장")

우타가와 쿠니요시

가와나카지마 전투의 야마모토 칸스케(하루유키)

(시리즈 "카이와 에치고 국의 용사 - 다케다 가문 24인의 사령관")

다케다 사마노스케 노부시게(시리즈 "시나노 가와나카지마 전투 백용장")

후케이가 (풍경화)

호쿠사이(1760 - 1849)

자신의 일기 고백에 따르면 뛰어난 목판화 대가는 70 세가 될 때까지 중요한 것을 만들지 않았으며

나중에야 지속적으로 발전하기 시작했습니다.

그의 긴 생애 동안 그는 적어도 30개의 가명을 사용했는데,

이는 이 점에서 다른 작가들을 훨씬 능가하는 것입니다.

이제 연구자들은 이러한 가명을 고려하여 주인의 작업 단계를 주기적으로 구분합니다.

1800년, 41세의 나이에 그는 자신을 "회화에 집착하는 호쿠사이"라는 뜻의

가케진 호쿠사이라고 부르기 시작했습니다.

예술가는 다음으로 향했다. 다양한 장르목판화:

그 중에는 배우의 초상화, 연하장 "스리모노", 만화 등이 있습니다.

그러나 주인의 모든 발견이 결합 된 것은 풍경 장르 "fukei-ga"였습니다.

고전적인 극동 풍경은 무시되었습니다.

실제 모습 자연 형태를 통해 존재한다는 철학적 아이디어를 구현하려고 노력하는 대상인 반면,

호쿠사이에서는 항상 비문의 도움으로 지형적 특징이 지정되는 특정 영역과 연관되어 있습니다.

그는 또한 처음으로 공간의 원근 구성 법칙과 우키요에의 선형 리듬,

풍경 및 일상적인 모티브를 조화로운 통일성으로 결합하여

사람들의 삶을 하나의 보편적 질서로 적극적으로 통합했습니다.

호쿠사이는 1823년부터 1831년까지의 성숙기에 그의 가장 유명한 작품 시리즈를 만들었습니다.

이 시리즈는 전례 없는 성공을 거두어 출판사 니시무라 요하치가 곧 100부로 확장하겠다는 계획을 발표했습니다.

그러나 1831~32년에는 단 10개의 새로운 작품만이 빛을 보았다.

처음 36경에서는 신성한 후지산이 에도 측면에서 묘사되어 있으므로

이러한 조각을 "오모테 후지"("정면에서 본 후지")라고 부릅니다.

확립된 전통과는 달리, 작품의 원래 윤곽은 검정색이 아닌 남색으로 인쇄되어

하늘, 물, 산돌의 차갑고 따뜻한 색조의 대비를 향상시킵니다.

다음 10개의 판화는 주로 서쪽에서 그려져 있으므로 "우라 후지"("뒤에서 본 후지")라고 불립니다.

조용히, 조용히 기어가 달팽이,

후지산 경사면 아래로

매우 높은 곳까지!

(고바야시 잇사) 1.

1. "큰 파도 가나가와에서"

히로시게(1787 - 1858)

안도 히로시게는 호쿠사이의 가장 성공적인 추종자입니다.

교사의 업적에 대한 존경의 표시로 히로시게는 사망 후 시조 시리즈 "후지산 36경"을 만들었습니다.

히로시게는 목판화 기술을 적극적으로 개량했습니다.

고유 한 특징그의 조각은 비의 장막 뒤에 안개, 황혼 또는 숲을 전달하기 위해

엠보싱과 색조의 그라데이션 방법인 "보카시"를 사용하기 시작했습니다.

에도에서 태어나 대부분의 삶을 살았던 주인은 창조된 모든 시트의 거의 5분의 1을 종에 바쳤습니다.

고향. 마지막 시리즈이 작품은 "알려진 에도100경"이라고 불리며,

1856년 이미 세상에서 불교 수도원으로 은거하던 시기에 스승에 의해 완성되었습니다.

히로시게는 일본을 광범위하게 여행했으며 지방의 풍경을 담은 여러 스케치북을 만들었습니다.

시리즈 '도카이도역 53개'

도카이도 또는 "동해의 길" - 길이가 약 514km인 일본의 주요 도로 중 하나는

에도 막부의 수도와 황실 도시인 교토, 그리고 더 나아가 오사카와 연결되었습니다.

후지산을 제외한 어떤 주제도 이 고대 전도지의 이미지만큼 인기가 없었습니다.

히로시게는 1832년 천황에게 선물을 가지고 교토로 향하는 엄숙한 행렬의 일환으로 이를 극복했습니다.

이 시리즈는 다음과 같이 55개의 판화로 구성되어 있습니다.

53개 역에 에도와 교토의 전망이 추가되었습니다.

휴대용 난로.

그러니 방황하는 마음도,

그리고 당신을 위해서도 어디에도 휴식은 없습니다.

(마츠오 바쇼)

15번째 역 - 캄바라

10번째 역 - 오다와라

후조쿠가 (풍속화)

서양 전통의 후조쿠가(풍습 ​​그림)는 일반적으로 일상 장르로 불립니다.

분주한 선착장, 무역 및 공예 분야가 묘사되어 있습니다.

다른 시간다른 계절의 날. 히로시게는 그의 시리즈 "후지 36경"의 처음 10장과

이후 시리즈 "유명한 에도 100경"을 동부 수도와 그 주민들의 풍경에 헌정했습니다.

찰칵 소리를 내며 비단이 찢어진다

에치고야 가게에서...

여름이 왔습니다!

(다카라이 키카쿠)

히로시게 "사루와카초의 야경"(시리즈 "에도와 그 주변의 명경 100선")

히로시게 "에도 스루가 지구"(시리즈 "후지산 36경")

히로시게 "에도 아스카야마의 벚꽃"(시리즈 "후지산 36경")

히로시게 "에도 스키야가시에서 보는 겨울 풍경"(시리즈 "후지산 36경")

우키요에 대가들의 그림에 나오는 도시 풍경은 매우 사실적이지만

신비주의와 민간 신앙의 모티프를 담고 있는 경우가 많습니다.

예를 들어, 전설에 따르면 마법을 휘두르며 신도 여신 이나리를 섬기고,

무리를 지어 모이는 불여우의 이미지도 있습니다.

새해 전날팽이나무 아래.

안도 히로시게 "오지 철목의 여우 등불"(시리즈 "에도와 그 주변의 명경 100선")

유머러스한 이야기도 있습니다.

Hiroshige는 그러한 시트에 대해 "장난스러운 붓을 가진 Hiroshige"라는 별도의 가명도 사용했습니다.

히로시게 자신의 작품은 학생의 아이러니의 대상이 되었습니다.

우타가와 히로카게. 그의 시리즈 만화보기에도의 유명한 장소'를 직접적으로 가리킨다.

유명한 시리즈선생님, 유일한 차이점은 도시 거주자들이 온갖 어색한 상황에 처해있어

시청자에게 웃음을 안겨준다는 것입니다.

야쿠샤에

"가부키"라는 단어는 "노래", "춤", "기술"의 세 글자로 구성되며

노래, 음악, 춤, 연극이 복합적으로 종합된 일본의 전통 연극 유형 중 하나입니다.

귀족적인 NO 극장과 달리 가부키는 마을 사람들을 위한 예술로 간주되며

상인. 모든 여성 역할이 남성에 의해서만 수행되는 극장은 여성이 만들었습니다.

가부키의 창시자는 전설적인 사찰 무용가인 이즈모노 오쿠니로,

처음으로 신사 밖에서 악기 반주에 맞춰 의식 춤을 선보이기 시작했습니다.

1629년 이에미쓰 3대 막부는 사회의 도덕적 기반을 훼손한다는 이유로

여성이 참여하는 모든 공연을 금지했습니다. 가부키에서는 배우의 분장부터 의상, 포즈까지

모든 요소가 큰 의미를 담고 있습니다.

의미론적 부하.

연극은 유럽 작품보다 훨씬 길며, 개별 공연은 하루 종일 지속될 수 있습니다!

제작 현장의 풍경은 종종 공연 중간에 바뀌곤 합니다.

검은 양복을 입은 작업자에 의해 제작 환경이 바뀌는데, 이는 그들이 "보이지 않음"을 의미합니다.

가부키는 전통예술과 밀접한 관계를 가지고 있습니다.

인형극분라쿠.

인형은 사람 키의 1/2, 2/3 크기로 제작되며 3명의 오퍼레이터가 조종합니다.

눈이 깜박이고 움직이는 머리, 눈썹과 입술이 움직이고 혀가 튀어 나오는 등

인형 신체의 거의 모든 부분이 매우 움직입니다.

가장 유명한 두 연극 일본 연극-

"47 충의 로닌"과 "요시츠네와 벚꽃 천 가지"는 원래 분라쿠를 위해 쓰여졌으나

나중에 가부키 연극으로 개작되었습니다.

우타가와 구니사다 가부키 극장 장면

우키요에의 세계적 인지도와 영향력

1865년 프랑스 예술가 브레이크몬트는 도자기 포장지에 있던 '호쿠사이 만화'를 친구들에게 보여줬고,

결국 큰 영향력을 발휘하여 자포니즘을 일으키는 원인이 되었습니다

특히 인상파 화가들에게 큰 영향을 미쳤고, 고호, 마네, 모네 등은 깊은 영감을 받았고

고호는 몇 점의 모사작품까지 그리게 되었습니다

이로 인해 유럽에서는 우키요에 작품이 비싸게 팔리는 상황이 발생했습니다.

당시 일본에서는 상상할 수 없었던 우키요에가 일본 자체처럼 서민들의 오락이었고,

사용되거나 손상된 작품은 해상 운송의 포장재로 사용될 정도로 저렴한 가격으로 판매되었습니다.

Claude Debussy가 가나가와 오키 나미우라(The Great Wave off Kanagawa)에서 영감을 받은 것처럼

우키요에는 클래식 음악에도 영향을 미쳤습니다.

그리고 "La Mer"("The Sea")를 썼습니다

(이 각인은 1905년에 출판된 관현악보 표지에 사용되었으며,

이 각인이 서재 장식임을 확인할 수 있는 사진이 있습니다).

호쿠사이의 작품 <후지산삼십육경(富嶽三十六景)>가운데
<가나가와의 파도(神奈川沖浪裏)>는 서양을 사로잡고
인상주의 작곡가 드뷔시에게 영감을 불러 일으켜
교향곡 <바다>를 작곡하게 한 그림이다.

드뷔시가 작곡한 교향곡 "바다"의 표지그림

메이지 시대 이후에는 우키요에가 일본 내에서 거의 주목을 받지 못했고, 많은 작품이 국외로 반출되었습니다.

결과적으로 미술작품으로서의 우키요에에 대한 적법하고 체계적이며 학술적인 연구는 이루어지지 않았으며,

다양한 지식에 기초한 의견은 개인 수집가와 연구자들에 의해서만 부분적이고 지속적으로 반복되어 왔습니다.

또한 스즈키 하루노부, 기타가와 우타마로 등 에도 시대부터 흔히 볼 수 있었던 유명 작품의 모조품도

여느 때처럼 많이 만들어졌습니다.

한편, 서양에서는 우키요에의 영향을 받은 인상파 거장들에 의해 우키요에가 발견되어 높이 평가되었으며,

이를 유화로 재현하기도 했습니다. 가장 유명한 서양 박물관 20곳 이상에

최소 200,000개 이상의 우키요에 품목이 보관되어 있는 것으로 보입니다.

또한 다양한 개인이 개인 소장품을 소유하고 있어

우키요에가 그렇게 대량으로 수집된 유일한 외국 미술 형식임을 나타냅니다.

보스턴 미술관(보스턴 미술관, 50,000점 보유), 주립 미술관 등 많은 박물관에는

10,000점 이상의 우키요에 유물이 소장되어 있습니다.

우키요에가 해외에 퍼져 있는 체인점에서 판매되고 있기 때문에,

앞으로 우키요에가 세계에서도 보기 드문 예술 작품으로 평가되어 높은 평가를 받을 수 있을 것입니다

서양에만 국한되지 않습니다.

우키요에는 중세 시대 서민들의 다양한 삶을 그린 세계 유일의 자료라는 점도 가치가 있습니다.

메이지 시대의 문서에 따르면, 이 시기 이전에는 무명 예술가도 포함하면

약 2,000명 정도의 에시 예술가가 있었습니다.

당시 100~200점 정도의 작품이 인쇄되었기 때문에 도시에는 엄청난 양의 우키요에가 있었고,

세계 어느 곳과도 달리 수준 높은 미술품이 서민들 사이에서 큰 인기를 끌었습니다.

해외로부터의 영향

우키요에가 서양의 일본주의에 미친 영향과 함께 해외에서도 영향을 받았습니다.

독일이 원산지인 합성 색소인 프러시안 블루(베로)는 선명한 색상을 내며

가쓰시카 호쿠사이 등이 사용했으며 서양식 원근법과 음영 기법도 채택했습니다

자포니즘(Japonism) - 유럽의 일본 따라하기

강렬한 색채ㆍ구도 등 17세기 日 화풍이 만국박람회 전시 계기로 유행

19세기 후반 서양 예술계에 영향… 모네ㆍ마네도 ‘자포니즘’에 심취

에도시대 풍속화에 매혹된 인상파… 반 고흐도 모사해

일본 우키요에와 유럽 인상파

19세기 중반 이후 서양 미술에 나타난, 일본의 화풍이나 문화를 선호하는 현상.

자포니즘(영어: Japonism) 또는 자포니슴(프랑스어: japonisme)은

19세기 중-후반 유럽에서 유행하던 일본풍의 사조를 지칭하는 말로써

필립 뷰르트 (1830-90)가 최초로 사용하였다.

이는 단순한 “일본취미 (Japoneserie)”에 그치지 않는

일본 취미를 예술 안에서 살려내고자 하는 새로운 미술운동을 지칭한다.

이러한 분위기는 19세기 유럽에서 30여 년 이상 지속적으로 일본을 동경하고 선호한

일본 문화에의 심취에서 비롯되었으며 이는 서양의 미학적 관점에 변화를 주게 된

새로운 미술사적 영향으로 평가 받는다.

자포니즘의 시작은 일반적으로 1855년 만국 박람회에 네델란드를 통해

일본의 채색화가 및 화가들이 제작한 100여 점의 작품이 전시된 것에서 찾는다.

당시 유행했던 인상주의 화가들은 일본 채색판화(우키요에)에 크게 영향을 받았다.

대부분의 서양미술사 책에서 인상파를 기술하면서

1867년 파리 만국박람회에 일본이 직접 참가한 것을 중요하게 다룬다.

당시 일본은 박람회에 출품할 공예품들을 포장할 때

완충재로 망친 목판화 우키요에(浮世絵)를 사용했는데,

이 그림이 훗날 인상파라 불리게 되는 프랑스 화가들에게 영향을 주었기 때문이다.

인상주의는 형태를 중요시하는 전통 아카데미 풍의 사실주의에 반해,

색채를 중시하며 순간의 느낌을 포착하여 단시간에 표현하고자 했다.

이는 역사와 신화를 소재로 비현실적인 그림을 그리는 전통에 대한 저항으로,

모던한 현실을 그리고자 했기 때문이다.

우키요에를 얘기하기 전에 인상파 그림을 먼저 언급하는 것이 도움이 될 것이다.

미술사에서 인상파 혹은 인상주의라는 사조가 등장하게 된 것은

1874년 파리에서 열린 그룹전이 계기였다.

인상파 화가들은 빛의 움직임, 질감의 변화를 어떻게 그림으로 표현하는가에 중점을 두었다.

이전의 화가들은 주로 작업실에서 그림을 그렸다.

그러나 인상파는 그림 도구를 들고 밖으로 나가 야외의 밝은 태양 아래에서 그리고 싶어 했다.

그래서 이들을 외광파(外光派)라고도 부른다.

인상파 화가들은 빛이 없는 실내 화실을 벗어나

자연의 빛과 색채를 캔버스에 담으려 하였기 때문에 주로 풍경화를 많이 그렸다.

인상파 이전 회화는 주로 눈에 보이는 사실과 원근법에 의해서 그려진 그림들인데 반해서

이들은 같은 장소, 같은 사물도 빛의 변화에 따라

시시각각으로 변하는 풍경의 우연적인 장면을 화폭에 담으려고 하였다.

이러한 인상파 화가들에게 당시 유행처럼 번진 화풍은

바로 일본에서 건너온 풍속화 우키요에의 강렬한 색감과 독특한 구도였다.

우키요에가 보여주는 축약적 구도와 상식을 뒤엎는 배치,

그리고 일본 특유의 화풍은 인상파 화가들에게 큰 자극을 주었다.

자포니즘의 뜻

자포니즘이란 넓게 본다면 17세기부터 20세기 초까지

서구에 미친 일본 문화 전반의 영향력을 이야기하는 단어이며,

좁게 본다면 유럽의 도자기, 정원, 미술 등에 한정된 영향을 일컫는 말이다.

가장 주요한 뜻은 미술 용어로, 

19세기 경 프랑스를 중심으로 일본의 판화에 영향을 받은 화풍을 뜻한다.

주로 인상주의자들이 자포니즘에 심취했다.

유럽으로 유입되었던 일본의 목판화인 우키요에는 그 특유의 평면성과 과감한 구성,

과장된 표현 그리고 유럽인에게 낯선 풍경을 통해서 충격을 주었다.

이러한 문화적 충격을 적극적으로 받아들이는 미술가와 유행이 생겨나게 되었는데,

미술 분야에서는 이러한 사조를 자포니즘(Japonisme/Japonism)이라 부른다. 

인상주의 화가나 아르누보 계통의 화가들이 이에 속하며 서양 미술사에 큰 충격을 안겨줬다.

다만 같은 자포니즘 화가들이라 해도 세부적인 면에서는 구분이 필요하다.

대표적인 화가로는 클로드 모네, 빈센트 반 고흐 등이 있으며

이들은 모작이나 영향을 받은 화풍을 구축한 것뿐만 아니라

열렬한 일본 미술품의 수집을 하기도 하였다.

그만큼 우키요에가 저렴했기 때문에 가능했다.

오늘날 신문지로 도자기를 포장하듯,

당시 일본의 도자기는 우키요에가 인쇄된 종이로 포장해서 수출되었다.

순수미술 뿐만 아니라 일러스트레이션 등 미술 분야 전반에서

자포니즘의 광범위한 영향의 흔적을 확인할 수 있다.

 건축가 중에선 일본 미술작품 수집으로 유명했던 사람은 프랭크 로이드 라이트가 있다.

이러한 문화적인 유행(자포니즘) 속에서

일본풍으로 만들어진 서구 물건의 스타일을 자포네스크라고 칭한다. Japan(일본)+esque(식의).

게르만인들이 로마인들의 건축을 흉내낸 로마네스크와 마찬가지로,

진짜 일본인들이 만든 그림이나 도자기가 아닌 일종의 모방작인 것이다.

대표적인 예로 가키에몬 자기(右衛門 磁器)가 있는데,

물론 지금도 일본에서 이어져오고 있긴 하지만

유럽의 가키에몬 자기를 닮은 많은 도자기들은

실제 가키에몬 자기가 아니라 유럽에서 만들어진 것들이다.

“……어쨌든 내 모든 작품은 일본 미술에 바탕을 두고 있다…….

일본 미술은 일본 자국에서는 퇴폐해졌어도

프랑스 인상주의 작가들 사이에서 다시 그 뿌리를 박고 있구나.

내게 자연적으로 관심을 끄는 것은 일본 물건의 거래적인 가치보다는

예술가를 위한 그 실질적인 가치에 있단다…….”

(반 고흐가 동생 테오에게 보낸 편지 中)

◇인상파 대가들을 사로잡다

당시 우키요에가 얼마나 인상파 화가들의 눈과 마음을 사로잡았는지는

이들의 그림에 강렬하게 남아있는 우키요에의 흔적에서 확인할 수 있다.

예를 들면 마네(Edouard Manet)의 그림 ‘에밀 졸라의 초상’에는

일본 무사도 그림들이 배경에 그려져 있다.

그림 오른쪽에는 세 점의 그림이 그려져 있다.

맨 오른쪽에는 ‘올랭피아’가 있고, 그 뒤에는 스페인화가 벨라스케스의 ‘바쿠스의 승리’가 보인다.

그리고 올랭피아 왼쪽에 일본 스모선수를 그린 우키요에가 있다.

화면 중심부에는 앉아 있는 에밀 졸라 등 뒤에는 일본 병풍이 세워져 있는데,

병풍 속 그림은 전형적인 동양의 ‘화조화(花鳥畵)’다.

이로써 마네가 우키요에에 얼마나 많은 관심을 가지고 있었는지 짐작할 수 있다.

에두와르 마네, 에밀 졸라의 초상, 146.5cm x 114cm, 1868년, 오르세미술관

일본 미술이 서양 사회와 예술계에 유행한 계기는 네덜란드와의 무역과 만국박람회 전시였다.

그 후 일본풍은 특히 인상파 화가들에게 깊은 영향을 미치게 되었는데,

이러한 현상은 19세기 중반 이후 유럽 예술 전반에 나타났다.

이 같은 일본의 영향을 자포니즘(Japonisme)이라고 부른다.

요새 유행하는 용어로 말하자면,

서구에서의 소위 일본류(日本流) 열풍이라고 할 수 있겠다.

Claude Monet;Madame Monet en costume japonais

끌로드 모네, 기모노를 입은 까미유, 1876년, 231,6cm x 142.3cm, 보스톤 미술관

모네(Claude Monet) 역시 19세기 우키요에의 영향에 깊이 빠져들었다.

그는 아내인 까미유를 모델로 일본 여인을 그렸다.

이 작품이 ‘일본 여인(La Japonaise)’이라는 그림이다.

모네는 1876년에 개최된 두 번째 인상파전에 ‘일본풍(La Japonaise)’이라는 제목으로

화려한 빨간색 기모노를 입고 춤을 추는 듯한 아내 카미유를 그려 출품했다.

그림 속 벽과 바닥에는 우키요에가 그려진 부채로 가득 차 있다.

당시 파리에 있는 미술품 가게나 골동품 가게에서는 기모노가 날개 돋친 듯 팔려나갔고

부채와 같은 소품들이 큰 인기를 끌었는데,

이 그림에는 그런 일본풍 소품들이 모두 그려져 있다.

파리에서 이처럼 일본 문화가 유행한 덕분에

이 그림은 인상파 전에 출품되어 좋은 평판을 받았을 뿐만 아니라 높은 가격에 팔렸다.

모네는 말년에 지베르니 집에 수련이 있는 연못을 꾸미고는

일본식 다리를 만들어 그 풍경을 즐겨 그렸다.

모네 : 수련이 있는 연못

반 고흐, 탕기영감의 초상, 92cm x 75cm, 유화, 1887년, 로댕미술관

반면에 반 고흐(Vincent van Gogh)의 경우는 아주 특별하다.

반 고흐의 우키요에 사랑은 남달랐다.

그는 우키요에의 화풍과 강렬한 색채에 매혹되었던 것 같다.

네덜란드에서 파리로 건너온 고흐는 얼마 안돼서 파리를 떠나

남프랑스 아를(Arles)로 옮겨 그곳에 정착하였다.

그 이유는 바로 아를 지방의 풍광, 하늘과 자연의 빛깔이

우키요에 그림에서 보는 풍광의 색채와 가장 비슷하기 때문이었다고 전해진다.

반 고흐는 1887년 다수의 우키요에를 따라 그렸으며,

그 해 그린 물감 가게 주인 ‘탕기 영감’ 초상화 배경에도 우키요에를 그려 넣었다.

고흐는 ‘탕기 영감의 초상’ 그림의 배경에 후지산과 기녀 등

일본적인 풍물들로 채워 넣었을 뿐만 아니라

심지어 자신을 일본 수도승으로 그린 자화상도 남겼다.

그는 우키요에 화법을 연구하기 위해 우키요에 화풍의 대표적인 작품인

안도 히로시게의 ‘오하시와 아타케의 천둥’을 그대로 모사하기도 하였다.

히로시게의 그림과 고흐의 모작을 비교하면 어느 것이 원작인지 모를 정도다.

우키요에 판화의 대가 안도 히로시게의 ‘오하시와 아타케의 천둥’

(왼쪽 그림, 1857년, 34㎝×22.5㎝, 미국 브루클린 미술관 소장)을

모사한빈센트 반 고흐의 ‘빗속의 다리’

(오른쪽 그림, 1887년, 73㎝×54㎝, 네덜란드 반 고흐 미술관).

(왼쪽그림) 히로시게: 카메이도의 매화정원, 1985년,                             

(오른쪽그림) 반 고흐: 꽃이 핀 자두나무, 1887년,

Segawa 37로 알려진 일본 예술가는 소프트웨어 패키지를 사용하여

고전적인 일본 목판화를 애니메이션화하여 빈티지 인쇄물을 현대화했습니다.

어도비 포토샵그리고 애프터 이펙트. 정적 이미지가 공상과학 요소와 애니메이션 GIF로 변환되었습니다.

현대 기술- 세그웨이, 고속열차 또는 외계인 우주선. 아티스트의 애니메이션 이미지는

Adobe가 후원하는 GIFs - Award of GIF Creator 2015 대회에 출품되었습니다.

1. 에도와 교토 사이의 도카이도 도로에서 세그웨이로 후쿠로이 27역을 지나

1832년 에도와 교토 사이의 도카이도 길을 따라 여행한 후 그린

우타가와 히로시게의 "도카이도 53개 역" 시리즈의 판화입니다.

도카이도는 에도와 일본의 다른 지역을 연결하는 5개의 도로 중 하나였습니다.

도카이도는 혼슈의 동쪽 해안을 따라 달렸기 때문에 '동해안 항로'라는 이름이 붙었습니다.

그 길을 따라 여행자에게 숙소, 음식, 마구간을 제공하는 53개의 우체국이 있었습니다.

1832년, 히로시게는 황실을 위해 말을 수송하는 공식 대표단의 일원으로 도카이도를 횡단했습니다.

말은 쇼군의 상징적인 선물로 매년 황제의 신성한 지위를 인정하여 황제에게 바쳤습니다.

여행 중의 풍경은 작가에게 너무 강한 인상을 주어

에도에서 교토로 여행하는 동안과 돌아오는 길에 많은 스케치를 그렸습니다.

집에 돌아오자마자 그는 즉시 첫 판화 작업에 착수했습니다.

도카이도 53역 시리즈의 첫 번째 작품은 호에이도 출판사와 센카쿠도 출판사에서 동시에 출판되었습니다.

이 조각품은 개당 12-16동화에 팔렸는데, 이는 짚신 한 켤레나 국 한 그릇에 해당하는 금액이었습니다.

이 시리즈의 엄청난 성공으로 히로시게는 도쿠가와 이에야스 시대의 가장 중요하고 인정받는

조각가 중 한 명이 되었습니다. 애니메이션에서는 세그웨이를 탄 여행자가 길을 따라 지나가고 있습니다.

2. 에도 저녁의 그림자

에도(도쿄)라는 도시를 주제로 한 주제는 그곳에서 태어난 예술가가 가장 사랑하는 도시 중 하나였습니다.

그의 생애 동안 그는 에도의 이곳저곳 풍경화 약 1080 장을 만들었습니다.

이 시리즈에서 그는 에도의 아름다움을 강조했을 뿐만 아니라

역사, 관습, 전설에 대한 언급도 포함했습니다.

조각의 주제는 여러가지였습니다. 유명한 곳들과 그림 같은 주인의 관심을 끌었던 도시.

우키요에 장르에서는 일반적으로 그림자가 그려져 있지 않지만,

이번 판화에서는 작가가 대담하고 풍부하게 그림자를 그려넣어 애니메이션에서 더욱 강조하고 있습니다.

3. 모리타자 가부키 극장에서

모리타자는 에도 3대 가부키 극장 중 하나입니다.

수년 동안 작업하면서 Utagawa Kunisada는 20~25,000개의 "플롯"을 만들었습니다.

우타가와는 가부키 연극과 배우 연기에 관련된 이미지에 가장 많은 관심을 기울였다.

이 장르는 쿠니사다 작품의 약 60%를 차지한다.

4. 가나가와의 큰 파도를 오르락 내리락

가나가와의 대파도는 가쓰시카 호쿠사이의 가장 유명한 작품입니다.

판화의 사본은 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 런던의 대영 박물관, 프랑스 지베르니에 있는

클로드 모네의 집에 걸려 있습니다.

조각이 보여줍니다

거대한 물결가나가와 현 근처의 배 위에 매달려 있습니다.

멀리 후지산이 보이고 사진 속 주요 장면의 배경이 됩니다.

5. 코이시카와 강에 눈 내리는 아침: 격추된 MiG-29가 가나가와에 큰 파도를 일으켰습니다

가츠시카 호쿠사이의 "후지 삼십육경" 시리즈의 판화. No.11.

코이시카와강의 눈 내리는 아침 여기에는 작은 돌이 많은 작은 강이 그려져 있습니다.

따라서이 강 근처 지역은 Koishikawa ( "koishi"-작은 돌, "kawa"-강)라고 불리기 시작했습니다.

구 고이시카와 강은 스이도하시 다리에서 하쿠산 지역까지의 공통 구간으로,

"에도 랜드마크 이미지집"에 나와 있듯이 광활한 지역을 횡단하면 오토와 지역에서 세키구치 고지가 나옵니다.

조시가야역. 호쿠사이는 에도에 드물게 내리는 눈을 묘사합니다.

조각의 왼쪽 구석에는 후지산이 내려다보이는 료테이 레스토랑을 방해하게 됩니다.

방문객들은 "유키미슈"(눈을 감상하기 위한 술)를 마시고 후지산의 경치를 감상할 것입니다.

아마도 이것이 "유키미"(눈을 감상하는 것)의 순간일 것입니다.

애니메이션에서는 식당 방문객이 레이저 빔으로 MiG-29를 격추하는데,

이 전투기가 강에 떨어지면 가나가와의 큰 파도.

6. 부슈 다마가와 어선에서

카츠시카 호쿠사이의 "후지 삼십육경" 시리즈의 판화.

"부슈의 다마 강" 또는 "다마가와 강"은 소위 "6개의 다마가와 강" 중 하나이며

오랫동안 우키요에 예술가들이 즐겨 사용하는 모티브였습니다.

전경에서 관객은 말을 타고 해안을 따라 혼자 방황하는 남자를 본다.

해안 대각선을 따라 수직으로 파도를 가르며 나아가는 어선은

공간이 멀리까지 뻗어나가는 듯한 느낌을 더해준다.

시트의 색상 솔루션은 구성의 완전성과 완성도에 기여합니다.

나무, 후지, 조각 상단 가장자리의 진한 파란색 줄무늬 등 세 가지 주요 색상 액센트는

우주 시스템의 조화와 균형이라는 인상을 강화합니다.

7. 순슈 에지리만의 강풍

카츠시카 호쿠사이의 "후지 삼십육경" 시리즈의 판화.

아오미즈코항에서 멀지 않은 도카이도 에지리역,

이 항구로 이어지는 도로변에 유명한 우바케이케가 있었습니다.

아마도 조각의 오른쪽 부분이 하얗게 변하는 것일 것입니다.

길 모퉁이에 작은 예배당이 보입니다. 기존 전설에 따르면 이곳에는 귀신인 '여성 악령'이 산다고 한다.

여행자가 “냐냐!”라고 부르면 호수 바닥에서 거품이 솟아오른다고 합니다.

그러나 호쿠사이는 자연의 상태와 분위기에 가장 관심이 많았고, 이 점에서 나뭇잎이 가장 흥미로웠습니다.

작가는 나무가 휘어지는 돌풍, 구불구불한 길을 걷는 여행자들의 옷이 엉키는 모습을 묘사한다.

돌풍의 손에서 빼앗긴 흰 종이가 새 떼처럼 하늘로 솟아올랐다.

주변의 모든 것이 이 주기에 관여하는 것 같습니다.

정확한 선으로 그려진 선명한 후지산의 윤곽만이 움직이지 않고 전경의 역동적인 움직임을 더욱 강조합니다. 

8. 료고쿠의 불꽃놀이

작가는 메이지 시대의 새로운 일본의 부상을 묘사한 도쿄 교외의 판화로 가장 잘 알려져 있습니다.

그는 전통 우키요에 회화의 마지막 거장으로 불린다.

그의 작품 중 상당수는 1894~1895년의 일본-중국 전쟁을 다루고 있으며,

러일전쟁 1904-1905을 주제로 한 작품도 많습니다

9. 연은 후지산보다 더 높이 날아간다

카츠시카 호쿠사이의 "후지 삼십육경" 시리즈의 판화.

행복을 기원하는 글자 '코토부키'를 쓴 두 개의 연이 하늘로 솟아오르는데,

그 연은 후지보다 더 높이 솟아 있습니다.

우리는 마치 후지 옆에 있는 것처럼 건물의 두 지붕 사이에서 그녀를 봅니다.

오른쪽 높고 큰 지붕에서는 지붕수리공 세 명이 위험한 작업을 하고 있습니다.

오른쪽 천가게와 왼쪽 실가게에 눈에 띄는 문구가 적혀 있다. “현금결제. 묻지도 않고 엔."

호쿠사이는 미쓰이 가문의 한 사람인 코타코시가 소유한 유명 상점을 묘사합니다.

이 가게들은 1673년에 오픈했으며 특히 도쿠가와 시대에 인기를 끌었습니다.

조각에 새겨진 비문에 따르면, 그가 도입한 거래 방법인 "현금, 판매, 고정 엔" 덕분에

그의 상점 체인이 번성했습니다.

그는 사무라이가 현금(겐킨카케나시)으로 지불할 수 있도록 허용한 최초의 사람이었습니다.

그 전에는 신용 시스템이 있었는데, 이는 "요청에 따라" 엔이 발행되었음을 의미했습니다.

미쓰이 가게의 이미지는 우키요에 예술가들 사이에서 인기 있는 주제였습니다.