움직임의 본질 _유우봉

[로즈]

5. 움직임의 본질

가. 본질적 구조

  우리의 일상 움직임은 기능적 표현 행동이며, 무용 움직임은 심미적 표현 행동이다.

 기능적 움직임은 무의식적, 자연발생적인 반면에

무용 움직임은 의식적, 계획적으로 양자는 표현 양식과 참여 성질에서 확연하게 다르다.  

무용 움직임은 표현을 위한 동작으로 형태화된다.

그래서 동작은 표현의 재료이며, 동작과 표현은 표리 관계를 형성한다고 말한다.

  서양의 댄스 역사에서 움직임과 표현 기법에 관한 연구는 프랑스의 철학자인

 델사르트(Francois Delsarte: 1811-1871)가 본격적으로 시도했다.  

 그는 무대 공연을 위한 몸짓과 표현 동작을 분석하여

고저, 힘, 동작, 연속, 방향, 형식, 속도, 반작용, 신장이란 움직임의 9개 원칙을 처음 발표했다.

  이 델사르트의 연구를 바탕으로 헝가리 태생의 라반(Rudolf von Laban)은 움직임 이론을 더욱 발전시켰고,

 그는 명저『자유 무용론(La Danse Libre)』을 발표하여 현대 움직임 이론의 창시자가 되었다.

  라반은 움직임의 요소를 공간, 무게, 시간, 흐름으로 규정한다.

특히 에너지와 관련된 흐름의 요소는 움직임의 에포트(Effort)로서 매우 주요한 의미를 갖는다.  

  최근 런던의 라반 센터(Laban Centre of Movement and Dance, London)는 움직임과 댄스의 라반 이론을

 안무 학의 입장에서 더욱 발전시키고 있다.   움직임의 구조에 관한 견해는 학자마다 다양하지만,

 대체로 안무 학은 움직임의 본질적 구조를 신체, 동작, 공간, 역동성 및 연관성으로 규정한다.

나. 바람직한 움직임

   댄스스포츠는 본래 자연적 움직임에 바탕을 둔 편한 움직임, 힘찬 움직임을 특성으로 한다.

 편한 움직임은 근육의 탄력이 필요한 유연성, 힘찬 움직임은 에너지를 요구하는 역동성을 대표한다.

  렌 스크리브너(Len Scrivener)는 움직임의 특성을 다음과 같이 설명했다.

  “바람직한 움직임에는 두 가지 측면이 있다. 움직임의 편안함(유연성)과

 움직임의 순발력(운동 기능적 동작)이다. 두 요소는 밀접히 관련되면서 한 요소만을 소유할 수 있다.

그러나 유연성과 역동성을 적절히 융합시키는 몸의 조정 기술이 필요하다.

그러므로 전문가는 유연성과 역동성을 조화롭게 결합시키는 기술 능력을 갖추어야 한다.” 

(1) 신체 리듬

   움직임의 리듬은 신체 구조와 복잡한 연관성을 갖고 작용한다.

주로 감성을 통해 이해되는 리듬감은 음악과 무용에서 터득해야 할 필수 요소이다.

 리듬은 음악 리듬과 신체 리듬으로 대별된다.

  댄스스포츠는 신체 리듬을 음악 리듬과 조화시켜 표현의 수단으로 활용한다.

움직임의 리듬은 하나의 구절(Phrase)을 이루며, 이 구절은 속도 변화. 지속 시간, 강세 등에 따라

느낌이 다르다.

  예를 들면 악센트의 경우 스윙은 중간에 위치하며, 바운스는 되튀는 시점에 존재한다.

라틴 댄스에서는 율동적 구조를 명확하게 생성하기 위해 매 움직임마다

 강세를 두는 타격 적인 악센트를 주로 사용한다.

  그러므로 룸바, 차차차, 삼바, 자이브에서 음악적 악센트는 소절의 1박에 있지만,

타격 적인 악센트는 4박 또는 2박에 있다고 강조하는 것이다.

(2) 움직임 센터

   신체의 무게 중심은 직립 자세에서 중력의 수직선 위에 존재한다.

수직의 중심선은 측면에서 보아 귀의 바로 뒤, 어깨, 엉덩이, 발목 앞을 지나 발을 통과한다.  

직립 자세에서 무게 중심은 대체로 등의 중앙과 배꼽에서 수 ㎝ 아래의 골반에 위치한다.

 머리, 몸통과 팔 다리는 부위별로 움직임의 중심을 가질 수 있다.

이러한 중심은 움직임에서 수축과 이완의 센터(Center)가 된다.

 중심과 관련하여 신체적으로 균형을 잡고 평형을 이루는 방법을 센터링(Centering)이라고 한다.

 파트너간의 중심은 항상 신체의 접촉 부위에 따라 달라진다.  

 그러나 남녀의 대칭 자세, 신체 형태, 카운터 밸런스를 생성하려면 우선 정확한 센터링이 필요하다.

그래서 파트너 관계에서 센터링이란 신체 중심의 일치와 긴장과 이완의 합일은 물론 에너지 흐름까지도

 상호 조절하는 의미를 갖는다.

(3) 카운터 밸런스

   일반적으로 카운터 밸런스(Counter Balance)는 평형 량 또는 세력 균형이라고 한다.

댄스에서 카운터 밸런스는 접촉과 저항, 긴장과 이완을 통해 유지된다.

그러므로 리드와 폴로는 카운터 밸런스의 원리를 활용해야 한다.

남녀는 자신의 균형을 유지하고 커플은 연결 부위의 센터를 통해 카운터 밸런스를 생성하는 것이다.

  이때 남녀가 내부에서 사용하는 에너지의 양은 같다. 예를 들면 오픈 포지션에서 남녀가 두 손을 잡고

서로 밀고 당길 때 연결 중심은 손바닥에 위치하며, 서로 카운터 밸런스를 이룬다.

 남자가 밀면 여자도 밀고, 당기면 여자도 당긴다.  모든 신체 부위는 접촉하면 즉각 자극에 반응하여

저항한다. 남자가 손으로 여자 어깨를 잡으면 여자는 접촉에서 느끼는 힘만큼 상응하는 저항력을 발휘한다.

 남자가 근육을 긴장하면 여자도 긴장하고, 남자가 이완하면 여자도 이완한다.

다. 움직임의 평가 요소

   경쟁성을 바탕으로 발달한 댄스 스포츠는 다른 커플보다도 잘 추려는 욕구를 갖고 있다.

 이러한 태도는 비단 경기 댄스만이 아니라 사교댄스에서도 마찬가지이다.  

경기 댄스는 아름답고 멋지게 추려는 예술적 욕구를 당연히 갖는다.

경기 대회에서 경쟁성을 비교, 평가하는 심사 제도만 보아도 이 점은 극명하다.

  경기의 주요 심사 기준은 외관 성, 기술 성, 표현 성, 음악성이다. 

 심사 방법은 예선과 준결승이 체크 법, 결승은 스케이팅 시스템을 사용한다.

  IDSF는 평가 기준을 다음 비율로 적용한다.

<표-3> 평가 기준의 적용 비율(%)

구분	외관성	기술성	표현성	음악성	계
예선	10	30	30	30	100
준결승	-	30	30	40	100
결승	-	20	30	50	100

  결승전으로 갈수록 음악성은 높아지고,

성장 발달 단계의 청소년은 결승에서 기술성 30%, 표현 성 20%, 음악성 50%를 적용한다.

라. 표현 문제

   댄스에서 표현 문제에 관한 이론적 논쟁은 결코 새롭지도 않고 최근의 일도 아니다.

논쟁은 과거부터 시작되었고, 미래에도 계속될 것이다.  주요한 생각은 두 가지이다.

하나는 기법이 표현의 수단으로 절대 필요하다는 것이고,

 다른 하나는 어떤 기법도 표현의 기능에 필요 없다는 것이다.

  18세기 노베르(Jean George Noverre)는 “잘 구성된 발레는 지구상에서 가장 보편 타당한 형식”이라면서

기법을 강조했다. 반면에, 19세기 델사르트는 “인간의 이지적, 정서적, 육체적 삼위 일체 설”에 근거한

 표현을 강조했다.  1890년대 후반 풀러(Lois Fuller)는 댄스에 기법요소를 부여하는 순간 자연성은

사라진다고 주장했다. 반면에, 20세기 초 랭거(Susanne K. Langer)는 상상의 감각이 댄스를 지배하므로

관념의 변화나 상징적 형식으로서 감각의 구조를 강조했다. 

  20세기에 던컨(Isadora Dunken)은 개인의 깊은 감정 표현에 중점을 두고

태양신경 총이 있는 명치 부위를 매우 중요시했다.   러시아 출신의 포킨(Michel Fokine)은 던컨에 동조했고,

 발레는 표현을 배신하고 기법을 과신하여 기계적이 되었다고 비판했다.

니진스키(Vaslav Nijinsky)도 육체를 통해 느껴야 하고 댄서는 관객이 느끼는 작품을 만들어야 한다고

강조했다.

 1900년대 초 미국의 데니스(Ruth St Dennis)와 숀(Ted Shawn)은 신체를 영적 상태의 육체적 현시로 보았다.

 비그만(Mary Wigman)은 인체를 존재의 영적 상태로 보고 댄스는 모든 인간이 이해하는 언어라고 주장했다.

 그레이엄(Martha Graham)은 양식화된 움직임이 열정적, 정감적 상태와 영혼의 결정적 위기를

 표현할 수 있는 기법을 강조했다.

  1960년대 안무가들은 움직임에서 감정을 제거한 “자연스러움”을 강조하고, 신체적 체험을 중요시하면서

초기의 전통에 대항했다. 커닝햄(Merce Cunningham)은 신을 위한 움직임 기법을 강조했다.

반면에, 저드손(Judson) 무용단은 특별한 스타일로 훈련받은 신체가 진정한 자연미와 움직임의 자발성을

감춘다면서 지나친 기교로부터 댄스를 해방시키려 했다.

  1970년대 테일러(Paul Taylor), 호킨스(Eric Hawkins), 에일리(Alwin Ailey)는 다시 관객으로부터

 감정적 반응을 찾고 균형을 회복하려고 노력했다. 이들은 무용극을 부활시키기 위해 민속적,

 의례적인 전통을 모델로 이용했다.  1980년대는 외관상 1970년대와 비슷한 양상이었으나,

특히 연극은 명백한 문화적 차이, 사회적 의식, 정치적 태도에 관심이 컸다. 

1990년대는 이런 태도들이 더 많이 발전한 추세였다.