뮤지컬이란?
노래, 춤, 연기가 어우러지는 공연 양식을 Musical이라 부른다. 미국에서 발달한 대중 예술로 음악 특히 노래가 중심이 되어 무용(춤)과 극적 요소(드라마)가 조화를 이룬 종합 공연물이다. 원래 Musical이라는 용어는 미국의 대중연극의 한 분야를 차지하는 Musical Comedy, Musical Play 등을 일괄된 약칭으로 통용한다.
Musical은 언론, 극장, 애호가 등에 의해 쓰여지면서 Operetta에서 Musical Play에 이르는 음악적 작품을 가리키며, 레뷔,보드빌 등 극의 성격을 갖지 않는 작품도 포함해서 Musical이라 부른다.
Musical의 정의를 말하자면 Operetta의 방식을 도입한 대사극과 극적인 가창과 혼성으로 이루어 지고, 극적인 의미를 지닌 춤을 첨가한 것이 Musical의 정의라 할 수 있다. 이야기 소재는 자유롭고 다양하다 (Comedy, Melodrama, 풍자극, 환상극, 문학작품, 희곡 등). 작품상의 특성은 미국에서 거의 1세기에 가까운 변천을 하고 있기에 낙천주의, 행동주의, 휴머니즘, 유우머, 위트 등의 미국적 기질을 반영하는 특징이 있으며, 바른 진행, 로맨틱한 선율, 재즈적인 리듬감, 가수의 매력에 초점을 맞추는 작품들도 있다.
장르적인 특징은 Drama와 Opera 또는 오페레타(Operetta,작은 오페라를 뜻함), 무용극과 현대적인 화려한 쇼가 한데 모여 있다는 데 있다. 정극, 무용, 오페라의 일반적인 요소에 대중 가수의 콘서트 같은 다양성을 갖추고 있기도 하다. 특히 코믹함과 환타지가 어우러져 속도감이 빠르고 에너지가 넘치는 무대는 인상적이다.
초기 뮤지컬은 코믹 오페라 같은 가벼운 악극인 오페레타 형식을 띠었다. 영국에서의 뮤지컬 코메디, 미국에서는 아메리칸 뮤지컬 등 조금씩 그 성향이 달리하는 이름들도 나오게 되었다. 그러나 19세기 후반에 접어들어 유럽을 풍미한 오페레타와 그 계열의 음악극 형식을 수용하면서 20세기 이후에는 미국인의 기호에 맞추어 발달한 대중 음악극을 뮤지컬이라고 부르게 되었다. 영국의 발라드 오페라와 코믹 오페라, 비엔나식의 오페레타, 프랑스의 오페라 부파, 코메디, 발레, 팬터마임등 다양다색한 공연 예술의 형태들이 집합된 것이다.
이러한 요소를 선택하여 속도감있는 전개와 로맨틱하고 아름다우며 듣기 쉬운 선율, 유머러스한 리듬감을 통해 하나의 예술 장르로 자리를 잡게 된 것이 바로 뮤지컬인 것 이다. 연극 속에 음악과 춤이 적당히 혼합되어 부담없이 즐길 수 있는 초기의 형식에서 벗어나 하나의 완벽한 장르로 위상이 정립된 것이다.
이처럼 뮤지컬은 음악이 주는 감동이 절대적인 장르라고 할 수 있다. 현대 뮤지컬에는 드라마의 요소가 많이 첨가되고 있다. 초기에 비하면 여러모로 대단히 복잡한 표현 양식을 갖추게 되었다. 음악, 무용, 연기, 의상, 무대 장치, 조명, 분장 등 각 분야가 세부적 완성도를 기하면서 총체적인 조화를 이루어 낸다. 여기에서 오케스트라의 연주와 지휘는 감동의 공감대를 형성시키는 데 중요한 역할을 하게 된다.
뮤지컬의 종류-개요
뮤지컬의 형식은 어떻게 변하여 왔을까? 뮤지컬의 전단계로 보는 프랑스의 공연 양식들이 있다. 레뷰와 보드 빌이 그것이다. 레뷰는 시사 풍자 희극, 노래나 춤, 시사 풍자적인 촌극을 곁들인 공연물이다. 보드 빌은 통속 희극에서 유래하였으며 솔직한 노래나 음악, 댄스, 콩트, 예술 만담등으로 짜여져 공연되는 대중 예술의 한 양식으로 초기에는 버라이어티라고도 불렸고 경희극으로 번역된다. 이들은 극성(드라마)을 갖지 않은 공연물로 초기 뮤지컬로 불린다. 이처럼 뮤지컬은 처음에는 가벼운 코믹 터치의 뮤지컬 코미디에서 출발하였다. 그러다가 드라마와 작품성이 요구되는 뮤지컬 플레이로 발전하였다. 현대 뮤지컬에서 오락성과 작품성 어디에 비중을 두느냐에 따라 몇 가지로 분류할 수 있다. 우선 북 쇼가 있다. 일반적으로 말하는 정통 뮤지컬로 극적 구성이 노래나 춤의 요소보다 우위를 차지하고 코미디뿐만 아니라 진지한 주제도 다룬다. [캐츠], [레 미제라블]등이 그것이다. 극적 요소보다는 무대 장치, 의상, 춤 등의 특별 효과에 주안점을 두는 스펙터클 쇼 (Spectacle Show)가 있다. 19세기 말에 번창하였고 1920년대부터 다시 발전하기 시작하여 1970년대와 1980년대에 성황을 이루었다.
대표작으로는 [42번가], [에비타], [지저스 크라이스트 슈퍼스타]등이 있다. 스타 비이클(Star Vehicle)이란 형식도 있다. 연기력과 노래, 춤등을 두루 갖춘 스타를 중심으로 쇼가 이루어진다. 대개 한 스타를 염두에 두고 쓰여지며 연기, 노래, 춤 등 모두 다 스타에 의해 수행된다. 예를 들면 [지붕 위의 바이올린]에서 테비에가 12곡의 노래 가운데 9곡의 노래를 부르도록 되어 잇는 경우가 그렇다. 또 북쇼와 비슷하나 소규모의 예산과 인원, 단일 세트로 앙상블을 이루어가는 앙상블 교(Ensemble Show)가 있다. 대표작으로 [환타스틱스]가 있다. 주로 음악에만 치중하며 한 작곡가가 한 주제만을 추구하든지 아니면 여러 작곡가가 한 주제에 집중하는 레뷰 형식의 뮤지컬로는 [찰리브라운, 그대는 좋은 사람이야(You're a Good Man, Charlie Brown)]가 좋은 예이다. 그 밖에 오페레타를 들 수 있는데, 뮤지컬 코미디와 오페레타 사이에 국제적으로 통용되는 구별법은 없다. 그러나 오페레타라는 용어는 보통 19세기의 유럽 음악 양식에 사용되던 악곡과 낭만적이고 허구적인 이야기로 꾸며진 옛 스타일의 작품들을 지칭한다. 보통 다른 뮤지컬이 한 옥타브 정도의 음역을 사용하여 메조 바리톤을 주로 사용한다면 오페레타는 두 옥타브를 사용하여 소프라노나 테너를 사용하므로 그만큼 전문적으로 훈련된 가수가 필요하다. 이것은 연기와 춤을 극소화시키고 음악은 최대한 극대화시켰다는 점에서 오페라와 흡사하다. 그러나 최근 들어 뮤지컬에도 성악을 전공한 바리톤, 테너, 소프라노 등 고전적인 음악성을 갖춘 배우들이 많이 등장하고 있다. 그만큼 뮤지컬은 음악에 대한 비중이 큰 장르이다.
뮤지컬의 특징
뮤지컬은 낭만적인 공연물이다. 사실주의 연극(Realism Theatre) 이라기보다는 낭만주의 연극(Romanticism Theatre)에 가깝다. 그것은 사실의 정확한 표현보다 이상적인 것들을 표현하기 때문이다. 그래서 뮤지컬에는 이성보다는 감성이, 정형보다는 파격이, 사실성보다는 환상이 지배적이다. 뮤지컬이 화려하고 낙천적이며 환상적으로 보이는 것은 이러한 낭만성 때문이다. 연극과 오페라와 뮤지컬은 어떻게 다른가? 배우의 몸짓과 춤, 연희의 장소(놀이판, 굿판 등), 관객을 두고 흔히 연극을 구성하는 3요소라 부른다. 여기에는 물론 배우가 쓰는 탈이라는 가면, 광대를 대신하는 인형(꼭두), 의상, 연희 장소의 여러 가지 장치, 관객을 위한 자리 등 부수적인 요소가 따른다. 연극에 있어 음악과 무용을 분리하여 생각하기는 어렵다. 왜냐하면 고전극이나 현대극이 대부분 음악과 무용의 요소를 포함하고 있기 때문이다. 그래서 연극은 종합 예술이라고 부른다. 연극과 뮤지컬의 변별력은 음악에 있다. 그것은 연극이 주로 스토리 라인이나 배우의 몸짓에 따라 작품이 구성되는 것과는 달리, 음악적인 요소가 작품을 지배하기 때문이다.
그럼 뮤지컬과 오페라는 어떻게 다른가? 뮤지컬이 오페라의 한 부류인 오페레타에서 출발하였다는 이야기가 있을 정도로 뮤지컬은 오페라의 형식을 많이 닮았다. 그러나 오페라는 주로 고전적인 문학의 스토리가 중심이며 음악의 형식은 고전주의 음악에 근거하고 있다. 또 연극성보다는 노래 위주의 공연으로 아리아, 중창, 합창 등으로 구성되어 있다. 또한 오페라의 창법이라는 독특한 발성법에 의해 불리는것이 특징이다. 그러나 뮤지컬 음악은 오페라의 노래와 같은 형식일 수도 있으나 보다 대중적이다. 예를 들면 팝, 발라드, 랩, 레게, 재즈등 대중적인 기호에 맞는 음악들이 자유롭게 작품속에 그려질수 있는 특징이 있다. 연극과 오페라 그리고 뮤지컬의 가장 큰 차이는 음악인 셈이다. 여기에 오페라 가수들은 춤을 추지 않지만 뮤지컬 배우들은 춤을 춘다는 것도 다른 점의 하나이다. 그러나 현대 공연 예술은 탈장르적이고 복합 장르적인 요소들이 많다. 연극과 오페라가, 뮤지컬과 연극이, 뮤지컬과 오페라가 서로 상호보완적인 요소로 구성되어 있다. 그런 만큼 종합 예술인 연극, 오페라, 뮤지컬을 각각의 장르라고 단정적으로 정리하기는 어렵다. 뮤지컬의 특징을 몇 가지로 분류해 보자. 우선 뮤지컬은 종합극(Total Theatre)이다. 기존의 연극적인 요소에다가 음악과 춤이 곁들여진다. 물론 극작가, 연출가, 안무가, 배우, 가수, 무용가, 의상 디자이너들의 공동 작업은 당연하다. 또 뮤지컬은 '프리젠터이셔널극(Presentational Theatre)'이다. 무대위의 배우가 관객을 끊임없이 의식하며 공연하기 때문이다. 뮤지컬에서 배우가 극중의 상대보다는 관객을 향해 노래 부르고, 또 관객이 여기에 박수로 답례하는 것은 프리젠터이셔널극의 한 예라고 할 수 있다. 뮤지컬은 또한 '대중극(Popular Theatre)'이다. 뮤지컬 공연은 지적인 자극보다는 보고 듣고 즐길 거리를 찾는 관객들을 충족시켜 주는 요소를 듬뿍 안고 있기 때문이다. 뮤지컬은 향락
적이고 오락적인 것을 추구하는 데서 출발하였다. 그런 공연 양식을 견지하면서 크게 타락하지 않고 오늘에 이를수 있었다. 하지만 그 근본은 향락적인 것이다. 이러한 대중극으로서의 성격은 상업성과 연관을 맺고 있기도 하고 사회 윤리와도 깊은 관련을 갖고 있다. 뮤지컬은 그 형식상 특수한 '약속(convention)이 필요한 극'이다. 여기서 약속이란 극작가, 연기자, 관객이 묵시적으로 인정하여 주는 것인데, 뮤지컬에서 이 약속을 제대로 알지 못하면 납득하기 어려운 경우가 발생한다. 예를 들면 [웨스트 사이드 스토리]에서 갱들의 싸움이 벌어지는 절박한 순간에도 배우들이 노래를 하는 장면은 일반적인 상식에익숙해져있는 관객에게는 생소할 것이다. 이외에도 [미스 사이공], [레 미제라블]등 수많은 작품 속에서 전쟁 장면이나, 주인공 끼리의 격한 감정이 충돌하는 상황에서 노래를 부른다. 그것은 뮤지컬만의 특성이다. 이런 극중의 노래들을 뮤지컬 넘버라고 부른다. 이들 뮤지컬 넘버들을 세심하게 들으면 극의 흐름, 극중 배우의 감정등이 잘 스며들어 있음을 알 수 있다. 그래서 노래들이 낯설지 않고 드라마와 자연스럽게 어울려 관객들을 감동 속으로 몰아넣게 되는 것이다.
뮤지컬의 음악구조
총체극인 뮤지컬의 구조는 간단하지 않다. 일반적으로 가볍고 즐거운 양식으로 관객들에게 받아들여지지만, 작품을 만드는 사람들의 입장에서 그 구조느 ㄴ일반 연극과는 비교가 안될 정도로 복잡하다. 그것은 드라마, 음악, 춤 그리고 코러스의 앙상블을 유도해내야 하며, 관객들에게 다양한 볼거리를 제공하기 위해서는 스펙터클한 무대장치가 필요하기 때문이다. 그렇기 때문에 뮤지컬은 일반 연극과는 비교도 안될 정도로 엄청난 제작비와 인력이 필요하다. 일반적으로 희곡을 연극화한 작품에는 사건의 발단, 전개, 절정, 대단원(결말)의 단계로 진행된다. 하지만 뮤지컬은 여기에 음악과 춤이 더해진다는 특징이 있다. 공연의 본질적인 면에서는 연극과 비슷하다고 볼 수 있지만 그 양식은 사뭇 다른 셈이다.
1890년대 런던에서 코믹 오페라와 발레스크로부터 발달한 뮤지컬 코미디는 희극적이며 낭만적인 대본과 캐취 송(재미있고 외우기 쉬운 노래)그리고 앙상블을 이룬 춤으로 구성되어 있다. 초기의 영국 뮤지컬은 각 막마다 오프닝 코러스를 포함하여 약 20개 정도의 악곡으로 구성된 전형적인 2막 구조로 되어 있다. 막 사이의 피날레, 독창과 중창들(종종 합창의 후렴이나 춤의 반복이 함께하는)그리고 소곡과 한 구절까지도 연주되는 코믹 오페라의 형식을 띠고 있다. 현대 뮤지컬도 이러한 음악적인 양식에서 크게 벗어나지 않는다. 그러나 현대 음악의 양식이 다양해지면서 뮤지컬 음악의 구성도 자유롭고 다양하게 발전 하였다. 최근 뮤지컬에는 록과 랩, 재즈 등 젊은이들이 좋아하는 다양한 음악들이 극속에 스며들고 있다. 구체적으로 뮤지컬 음악에 있어서의 구성 요소들의 특징을 살펴보면 다음과 같다.
1) 서곡(Overture) - 극이 시작하기 전에 오케스트라가 연주하는 것으로 관객으로 하여금 음악에 미리 익숙하게 하고 또한 극의 분위기를 조성하여 감정을 정돈케 하는 역할을 한다. 2) 오프닝 넘버(OPENING Number) - 오프닝 코러스(Opening Chorus)라고도 하며 서곡이 끝난 후 연주되는 곡 혹은 코러스들의 합창을 일컫는다. 이곡의 역할은 관객의 관심 집중, 분위기 안정, 상황 설명 등이며 따라서 대부분 힘차고 활력 있는게 특징이다. 3) 제시(Exposition) - 앞으로 진행될 극중 상황 이전에 어떤 배경과 상황이 선행되었는가를 설명하여 주는 곳이다. 뮤지컬에서는 주로 노래를 통해 전달되며 정확한 가사 전달과 분명한 발음이 특히 요구되는 부분이다. 4) 프로덕션 넘버(Production Number) - 대체로 1막의 중간 부분 그리고 1막의 끝에 나오는 곡이다. 2막의 첫 부분에 두는 것으로 한 작품에 2회정도 소개된다. 뮤지컬의 각 요소들이 모두 동원되는 부분으로 화려하고 대담하며 유쾌하다. 뮤지컬의 하이라이트라고 할 수 있다. 5) 반복 연주(Reprise) - 중요한 극적 순간에 앞의 노래가 다시 연주되는 것을 말하나 반드시 같은 선율이 되풀이되는 것은 아니며 대부분 변주로 이루어진다. 이것은 극적 상황이 변하였음을 암시하는 것이다. 특히 반복 연주는 한 작품의 음악적인 특색을 담고 있는 것으로 작품의 음악적인 특징을 고스란히 드러낸다. 6) 쇼 스타퍼(Show Stopper) - 뮤지컬에서 유머스러운 노래나 연기를 삽입시켜 일종의 기분 전환의 역할을 하는 부분으로 이때 관객의 박수나 환호로 인하여 극의 진행이 사실상 끊어지게 되는 경우를 일컫는다. 이 쇼 스타퍼가 관객의 호응을 얻지 못한다면 그 쇼는 실패한 것임으로 캐스팅에 주의하여야 한다. 7) 아리아 - 뮤지컬의 백미로 일컬어지며
흔히 남녀 주인공의 사랑의 환희나 사랑의비극, 작품의 주제를 담고 있는 클라이막스 부분에서 연주되면 이중창이 대부분이다. 한마디로 이 부분을 위해 하나의 뮤지컬이 존재한다고 해도 과언이 아니다. 8) 커튼 콜 - 공연이 모두 끝난 뒤 배우들이 관객들의 환호에 답하는 의미에서 그 동안 공연된 극중의 중요 멜로디나 아리아 합창곡등을 폊집하여 짤막짤막하게 배우들의 노래와 춤을 보여 주면서 화려한 막을 내린다.
뮤지컬의 역사 한국 뮤지컬의 역사
한국에서 뮤지컬이 시작된 시기는 세계 최초의 현대적인 뮤지컬이 탄생한지 꼭 100년이 지난 1966년 무렵이다. 유럽에서 태동하여 미국에서 절정을 이룬 뮤지컬은 우리나라에 도입된 후 우리 문화 예술계에서는 이론적 체계 정리와 토착화 그리고 새로운 가능성에 관한 방향을 계속 모색하여 왔다. 우리나라에는 그 양식은 조금 달라도 형식적인 면에서 뮤지컬과 같은 공연물들이 올려져 왔다. 1930년대에 유행하였던 대중극의 대표적인 악극, 우리의 정서를 담은 창극과 같은 전통 음악극 형식이 바로 그것이다. 그러나 뮤지컬은 용어 자체가 외래 문화이다. 그런 점에서 국내의 현대적인 뮤지컬 양식의 시작인 '예그린 악단'에서 찾을 수 있다.
제3극장의 의 [새우잡이](1965) 같은 뮤지컬 형식의 작품도 있지만 예그린 악단의 [살찌기 옵소예](1966)를 본격적인 뮤지컬의 효시로 보는 것은 현대적인 뮤지컬 양식을 그대로 수용하고 있기 때문이며 대중적인 인기에서도 역시 서구적인 뮤지컬과 유사하기 때문이다. 예그린 악단은 처음엔 연극 형태의 음악극을 시도하였다. 첫 작품으로 발표한 [삼천만의 대향연]이 그랬다. 연극과 음악을 합성한 형태였으며 그 이후에도 그와 같은 형식의 공연물이 올려 지다가 1963년에 공연된 [흥부와 놀부]에서 처음으로 무용, 음악, 연극이 함께 만나는 뮤지컬 형식을 취하였다. 그러나 [흥부와 놀부]는 극에 맞는 새로운 작곡을 하여 공연된 본격적인 뮤지컬이라기보다는 극의 줄거리에 맞도록 기존 민요를 적절히 편곡하여 엮어 나간 작품이었다. 예그린 악단의 본격적인 뮤지컬 작업은 단장 박용구,음악(상임 지휘) 최창권, 무용 임성남, 연출 백은선,임영웅이 한 팀이 되어 1966년에 만든 [살짜기 옵소예]가 시작되었다. [살짜기 옵소예]는 당시 상당한 반응과 호응을 일으켜 음반으로도 제작되었고 패티 김이 부른 주제가 '살짜기 옵소예'는 어느 대중 가요보다도 더 큰 성공을 거두었다. 음악,무용,연극 등 각 분야의 전문인 또는 인기 스타가 모인 이 작품은 화려하게 한국 뮤지컬의 시작을 알렸다.
그뒤 예그린 악단은 [꽃님이 꽃님이](1967), [대춘향전](1968), [바다여 말하라](1971), [화려한 산하](1971), [종이여 울려라](1972)등을 서울시민회관에서 공연하다가 1974년 국립극장에 국립가무단이란 이름으로 편입되어 [시집가는 날](1974), [상록수](1975),[태양처럼](1976)등을 공연하였다. 또 1876년부터는 국립 예그린 예술단이라는 이름으로 바뀌어 [이런 사람](1977),[시집 가는 날](1977)을 역시 국립극장에서 공연하였다. 이 단체가 서울시립가무단(현 서울시립뮤지컬단)이라는 이름으로 활동을 하기 시작한 것은 1977년에 완공된 세종문화회관에 소속되면서부터이다. 시립가무단은 [달빛 나그네](1978), [우리들의 축제](1981), [사랑은 물이랑 타고](1983), [포기와베스](1984), [지붕위의 바이올린](1985), [용이 나리샤](1988), [고향의 민들레](1990),[춤추는 도시](1922),[서울 사람들](1994),[간도 아리랑](1995) 등을 세종문화회관에서 공연하였다. 민간 극단에서 올린 최초의 뮤지컬은 1966년 동랑레퍼토리극단이 드라마센타에서 공연한 [포기와 베스]이다. 당시 미국에서 연극 수업을 마치고 돌아온 유인형이 동랑레퍼토리극장의 젊은 배우들인 신구, 백의현, 양정현, 안민수 등과 함께 만들어 큰 호평을 얻었다. 이후에 만들어진 [방황하는 별들] 등 별 시리즈는 청소년 뮤지컬의 발전에 일익을 담당하였다. 또 1973년 극단 가교는 톰 존스 작의 [환타스틱스]를 [철부지들]이란 이름으로 바꾸어 국립 극장에서 공연하였는데 오랫동안 고정 레퍼토리로 관객들에게 선보여 왔다. 이 작품은 우리 뮤지컬 사상 가장 많이 공연된 작품 가운데 하나이다. 지금까지 이 작품을 공연한 우리나라 극단의 수만 해도 10개에 이를 정도다. 서울에서 활동하는 극단으로 이 작품을 공연한 단체는 뿌리, 대중, 현대극장 등이 있으며 , 심지
어 서울시립가무단과 서울예술단에서도 공연되었다. 출연 인원이 8명에 불과하고 음악이 피아노 반주만으로도 가능하기 대문에 영세한 민간 극단이 제작하기에 부담이 덜 가는 작품이었다. 현대적인 뮤지컬을 지속적으로 공연한 단체는 역시 현대극장이다. 민간 극단으로 부담의 한계를 극복하고 대형 뮤지컬을 1977년부터 꾸준히 공연하였으며 류관순 기념관에서 [빠담 빠담 빠담]을 올려 상업극 논쟁을 불러 일으키며 성공하였다. 이 작품은 1996년에 극단 유인촌레퍼토리 제작으로 네번째 리바이벌 공연을 하여 대성공을 기록하였으며 더 이상의 상업극 논쟁은 발생하지 않았다.
현대극장은 그뒤 [피터팬](1979), [지저스 크라이스트 슈퍼스타](1980), [사운드 오브 뮤직](1981), [에비타](1981),[백설공주](1982), [뿌리](1982), [올리버](1983), [웨스트 사이드 스토리](1987), [레미제라블](1988)등 주로 브로드웨이 뮤지컬을 번역하여 세종문화회관 대극장을 주무대로 활동하여 왔다. 1970년대 말에서 1980년대 중반까지 왕성하게 만든 대형 무대의 뮤지컬로 현대극장은 우리 뮤지컬의 토양을 다지는 데 크게 공헌한 셈이다. 여기에 중형 무대의 뮤지컬로 일대 뮤지컬의 대중화 바람을 몰고 온 것은 극단 민중, 대중, 광장의 세 극단이 1983년에 합동으로 공연한 [아가씨와 건달들]이었다. 이 공연은 초연 때부터 관객들의 큰 호응을 얻어 지금까지도 공연되고 있다. 한국인이 가장 많이 본 미국 뮤지컬이다. 1983년 초연 이후 1997년 현재까지 13년 동안 연 200만명 이상의 관객이 공연을 본 것으로 집계되었다. [아가씨와 건달들]의 대성공은 세 극단으로 하여금 뮤지컬을 계속 제작 공연케 하기에 충분한 것이었다. 극단 민중은 1984년에 [카바레]를 극단 광장과 합동으로, 1992년에는 [노력하지 않고 출세하는 법]을 공연하였다. 극단 대중은 1989년에 [쉘부르의 우산],1990년에 [캐츠],1991년에 [넌센스]를 공연하였으며 극단 광장도 극단 단 민중과의 합동 공연인 [캬바레]를 비롯하여 1987년에 [피핀], 1992년에 [코러스 라인],1993년에 [레미제라블]을 공연하였다. [아가씨와 건달들]의 열기가 가득할 때 88서울예술단(현 서울예술단)에 뮤지컬 전문 단체로 변신하여 창작 뮤지컬을 공연하기 시작하면서 뮤지컬 대중화에 불을 당겼다. 1987년에 [한강이 흐른다]를 시작으로 1990년에 [백두산 신곡], 1993년에 [뜬쇠가 되어 돌아오다], 1995년에 [꽃전차] 그리고 [아틀란티스 2045], 1996년에는 [살짜기 옵서예]를 리바이벌한 [애랑
과ㅣ 배비장],[성춘향]등을 비롯하여 창작 뮤지컬을 꾸준히 공연하였다. 1988년 뮤지컬 전용 극장으로 출발하였던 롯데월드 예술 극장도 전속 단원을 확보하고 [신비의 거울속으로](1989), [가스펠](1990), [아가씨와 건달들](1990), [웨스트 사이드 스토리](1991), [돈키호테](1992),[레미제라블](1993) 등 번역 뮤지컬을 꾸준히 공연하여 오다가 결국 재정적으로 이해타산이 맞지 않아 해체되고 말았다. 또한 1990년대에는 극단 맥토가 [동숭동 연가](1993), [번데기](1994) 등 우리 창작극을 무대에 올려 높은 완성도로 관심을 모았고 젊은 극단인 모시는 사람들은 작품성이 높이 평가되는 [블루 사이공]등을 내놓았다. 극단 신시뮤지컬컴퍼니도 [웨스트 사이드 스토리], [그리스 록큰롤](1995), [사운드 오브 뮤직](1996), [7인의 신부](1995), [만해 한용훈]등을 공연해 관객 동원에도 성공하였다. 또 뮤지컬프로덕션 에이콤이 뮤지컬 전문 단체를 표방하고 나서서 [아가씨와 건달들](1994)에 이어 [스타가 될거야](1995), [명성황후](1996), [겨울나그네](1997)등을 공연하면서 국내 최고의 민간 뮤지컬 단체로 발돋움하고 있다. 여기에 서울뮤지컬컴퍼니는 [사랑은 비를 타고](1995), [쇼 코메디](1996) 등 우리 창작극을 개발하여 무대에 올려서 새로운 뮤지컬 극단으로 발돋움하고 있다. 또 삼성영상사업단은 [42번가](1996),[웨스트 사이드 스토리]등을 수입하여 한국과 미국의 스탭과 배우들이 함께 작업하는 공동 시스템의 작품을 선보이며 대형 뮤지컬 제작에 공을 들이고 있다.
-세계 뮤지컬의 역사
오랜 전통의 음악극이 있었던 유럽 여러 나라에서는 대중적인 즐거움을 위해 나라마다 독특한 희극 오페라나 오페레타가 발달했다. 그러나 영국은 이탈리아나 독일, 프랑스에서 희극 오페라를 포함한 오페라,오페레타 등을 수입해야 했고 이런 현상은 영국이 음악극 분야에 관한한 유럽의 식민지나 다름이 없었다. 영국 : 영국의 초기 뮤지컬은 1728년 존 게이의 발라드 오페라인 [거지 오페라, The Beggar's Opera]에서 시작하였다. 이 [거지 오페라,The Beggar's Opera]는 범죄 집단의 탐욕과 배신을 정치적인 풍자와 함께 섞어 공연 음악의 위트가 특출한 작곡가였던 헨리 퍼셀의 작품들로부터 거리의 발라드에 이르는 다양한 음악들을 자유롭게 이용하여 만든 작품이다. 이 작품은 런던 연극사에서 가장 오래된 작품으로 그에 이어 희가극의 기본이 되었다. 이 때의 뮤지컬 무대는 경직되고 전통적인 오페라와 연극 양식을 좀 더 가벼운 코믹 터치로 일반 대중이 쉽게 접근할 수 있는 형식을 가지고 있었다. 그러나 좀 더 형식의 발전은 길버트와 설리번의 공동작품을 공연하기 시작한 1877년경부터라고 할 수 있다. 19세기 말 영국은 정치적, 경제적으로 막강한 국가였다. 그러다 보니 세계의 무역상들과 부호들이 거래를 위해 런던으로 몰려 들었다. 그렇지만 그들을 위한 적당한 오락물이 없었다. 이런 상황에서 서둘러 제작하여 1892년 10월 영국 황태자극장에서 공연한 [도시에서,In Town]를 기점으로 한 뮤지컬 파스(Musical Frace)류의 공연물이었다. 당시의 뮤지컬 파스는 자유롭고 애매한 제목의 근본, 풍부한 노래와 춤, 희극 오페라 무대의 인기 있는 연주자들과 화사한 미인들이 주역으로 등장하는 게 특색이었다. 그 뒤 이 형식은 더욱 발전되어 1893년 존스의 음악으로 [게이티 걸, A Gaiety Girl]을 상연하였는데 이것이 뮤지컬 코메디라고 불리는 첫번째 작품이다. 미국
: 신대륙이 발견되고 유럽에서 견지디 못한 사람들이 이주하여 개척한 미국은 상황이 달랐다. 그들은 당시의 유럽 본토에 비해 식견이 짧았고 문화적인 면에서도 고도로 세련된 유럽의 예술보다는 쉽고 즐거운 여흥거리를 원하였다. 게다가 유럽 제국들이 앞을 다투어 신대륙에 진출하고 20세기 초에 이민 문호가 개방되면서 미국은 새로운 문화 양식을 찾게 되었다. 미국에 뮤지컬의 씨가 최초로 뿌려진 것은 영국의 식민지 시대인 1751년으로 알려진다. 이때 영국의 발라드 오페라인 [거지 오페라]가 있었는데, 이보다 훨씬 앞선 1730년대 사우스캐롤라이나 주에서 [플로라,Flora]라는 발라드 오페라가 공연되었다는 기록이 남아 있다. 그러나 발라드 오페라의 공연은 얼마 지나지 않아 자취를 감춘다. 19세기 중엽에 이르러 [민스트럴 쇼(Minstre Show-흑인 노래와 셰익스피어의 희극과 오페라를 혼합한 형태의 미국식 악극)]가 유행하였으며 거기서 파생한 보드 빌(Vaude Ville,풍자적인 대중가요를 의미하던 용어, 가벼운 뮤지컬 극), 발레스크(Burlesque, 해학적인 내용을 담은 장막 풍자극)등 순수하게 미국적인 뮤지컬 쇼와 뒤따라 유럽에서 수입된 코믹 오페라, 오페레타 등이 혼합되어 차츰 뮤지컬 코메디 스타일의 형식이 구축되었다. 그 뒤 미국인에 의한 최최의 뮤지컬 작품으로는 남북전쟁 직후인 1866년 뉴욕 브로드웨이의 니그로즈에서 공연된 [검은 옷의 괴조,The Black Crook]가 있다. 원래공연이 예정되었던 극장에 불이 나서 서둘러 극장이 변경되었는데 이것이 오늘날 브로드웨이 무대 극장가가 생기게 된 시초가 되었다. 최초의 뮤지컬로 기록된 이 작품은 프랑스에서 온 발레단에 의해 황급히 공연된 것으로 음악과 춤을 배합한 일종의 멜로 드라마이며 당시는 뮤지컬[엑스트라 바겐자]라는 이름으로 불렸다. 5년 뒤인 1871년 영국에서 공연되면서 영국 뮤지컬의 싹을 틔었다. 이를 계기로 1860년대 들어서 미국 창작 뮤지컬의 수가 늘어나게 되었고 작품의 경향은 유럽의 영향을
받은 코믹 오페라형이 대부분이었다. 1927년 공연된 [쇼보트,Show Boat]는 종래의 뮤지컬과 달리하며 앞으로의 작품들의 기반을 다져 놓았다. 그 다음으로 이정표적인 작품은 로저스 헤머스타인의 [오클라호마,Oklahoma!](1943)인데 이 작품의 성공으로 미국 뮤지컬은 하나의 예술형식으로 정착하게 되는 계기를 맞이한다. 그 뒤 반세기 동안 미국은 콜 포터, 레너드 번스타인, 어빙 벌린, 조지 거쉬인 등의 작품들로 세계 뮤지컬을 주도하였다. 이런 미국의 뮤지컬들은 전후 런던 무대를 점령하여 미국 뮤지컬의 위력을 세계에 심는 역할을 담당하였다. 20세기로 넘어 오면서 뮤지컬은 황금기를 맞았다. 이 시기에 대표적인 뮤지컬로는 [쇼보트],[오클라호마],[남태평양,South Pacific] (1949)등이 있다.
뮤지컬을 독특한 공연 예술로 완성시킨 1930년대를 뮤지컬 황금기 제 1기라고 본다면 제2기는 제2차 세계대전이 끝나고, 평화로운 시대를 되찾은 1950년대부터 1960년대 전까지이다. 이 시기에는 오랜 전쟁으로 지쳐 있던 인류가 마음을 달래고, 영혼의 쉼터를 마련키 위해 뮤지컬이라는 장르에 상당한 애정을 기울이게 된다. 그동안 대중적인 뮤지컬 작품들이 대부분이었으나 이시기부터는 뮤지컬이란 장르가 예술성을 획득할 수 있는 작업들이 많이 이루어 진다. 하나의 버라이어티 쇼라는 인식에서 벗어나기 위해 작사가, 작곡가, 안무가들이 등장하여 보다 전문적인 양식을 만들어 갔다. 로저스 햄머스타인의 [사운드 오브 뮤직,The Sound of Music]은 인간애를다룬 문학적인 주제와 부드럽고 감미로운 음악으로 관객들이 극중의 노래들을 따라 부르게 만들었다. 그동안 뮤지컬의 음악이 그저 극 속에서나 머무는 것이었다면 이 작품을시작으로 뮤지컬의 노래들이 대중에게 파고들기 시작하였고 시대와 현실 그리고 삶의 이상을 노래하게 하였다. 이 시기에 현대 뮤지컬의 형식이 만들어졌는데 대표적인 작품으로는 [아가시와 건달들,Guys
& Dolls](1950), [왕과 나,King & I](1951), [피터팬,Peter pan](1954), [마이 페어 레이디, My Fair Lady](1956), [시카고,Chicago](1957),[웨스트 사이드 스토리,West Side Story] (1957) 등이 있다. 이어 1960, 70년대는 뮤지컬의 역사에 중요한 전화점을 가져다 준 시기였다. 이때역시 시대적인 상황이 반영되어 뮤지컬의 낙천적인 면이 사라지고 사회적 문제들이 사실적으로 반영된 진지한 작품들이 나오게 되었다. 또한 문학성과 예술성이 높은 작품을 선호하고 즐거움을 주는 것보다 호소력이 강한 작품이 나오기 시작하였다. 그리고 비틀즈나 엘비스 프레슬리로 대표되는 전자사운드는 또 다른 변화를 주기에 충분하였다. [헬로우 돌리, Hello, Dolly!](1964),[지붕위의 바이올린, Fiddler On the Roof](1965),[헤어,Hair](1967),[코러스 라인,A Chorus Line](1975)등이 그것이다. 1980년대는 뮤지컬의 개념이 바뀐 시대이다. 대중들에게 하나의 독특한 장르로서 인정을 받으면서 대형화,상업화하는 데 성공하는 등 뮤지컬이 산업화된 시기이다. 그리고 미국과 영국의 전유물이라는 데서 벗어나 세계인이 좋아하는 공연물로 자리를 잡게 된다. 이러한 변화에는 영국의 뮤지컬 작곡가 앤드류 로이드 웨버가 큰 역할을 하였다. 그는 [에비타, Evita](1978), [캐츠, Cats](1981), [오페라의 유령, The Phantom of the Opera](1981), [레미제라블,Les Miserable](1980) 등을 제작, 상업적으로 큰 성공을 거두었으며, 뮤지컬을 하나의 문화 상품으로 태어 났다. 이후 1990년대 들어서면서 뮤지컬은 주제면에서나 형식면에서나 보다 종합적인 요소를 갖추게 되었으며 세계의 주요 도시에서는 뮤지컬이 항상 공연되는 결과를 낳았다. 뮤지컬 역시 시대에 따라 조금씩 그 변화 과정을 거쳐 왔다. 형식과 내용면에서 보다 관객과 친근하
고 세계인이 함께 즐기고 감동할 수 있는 작품들을 만들어 내고있는 것이다. 이제 20세기로 넘어 오면서 뮤지컬은 최고의 황금기를 맞고 있다고해도 과언이 아니다.
뮤지컬의 명소 뉴욕, 브로드웨이
미국 뉴욕의 브로드웨이는 맨해튼을 가로지르는, 말 그대로 '큰길'이다. 패션과 상업의 중심지로서의 역할도 크지만 브로드웨이를 브로드웨이답게 만드는 것은 단연 극장과 뮤지컬들이다. 브로드웨이의 역사는 1900년으로 거슬러 올라가는데 42번가에 세워진 빅토리아 극장이 그 시초이다. 현재 타임 스퀘어를 중심으로 흩어져있는 크고 작은 극장은 40여개이고 오프 브로드웨이 극장은 그 10배가 넘는다. 극장 천국인 셈이다.
이 극장들이 모두 매시즌마다 막을 올리는 것은 아니다. 항시 공연되고 있는 작품의 편수는 대략 200편 정도이다. 숫자상으로만 보아도 엄청나다. 이렇듯 작품 수만 가지고도 브로드웨이가 세계 연극의 중심지라는 것을 알 수 있다. 이곳에는 가장 대중적인 뮤지컬을 비롯하여 상업극,실험극,총제측,춤극 등이 공연된다.
1년 내내 성수기라고 해도 과언은 아니다. 특히 봄 시즌에는 매년 6월에 있는 토니상을 노려 야심에 찬 신작들이 쏟아진다. 이에 비해 여름은 토니상을 휩쓴 공연과 비평가들로부터 호평을 받은 작품들을 보기 위해 세계 각지에서 몰려드는 관광객들로 붐비는 시기이다. 각종 브로드웨이 공연 중에서 가장 관객들의 사랑을 받는 장르는 화려한 춤과 노래가가 어우러진 뮤지컬이다. 그만큼 뮤지컬은 브로드웨이의 '얼굴마담'으로 가장 인기가 높으며 여행객들에게는 관광 코스의 하나가 되었다. 그 뒤를 코미디와 드라마가 따르고 있다. 보통 브로드웨이 뮤지컬의 입장료는 좋은 자리에서 관람하려면 60~70달러 정도의 입장료는 주어야 한다. 그러나 이곳에 단기간 체류하는 사람이 원하는 시간에 제 가격으로 인기 뮤지컬을 보기란 하늘의 별따기라 하여도 과언이 아니다. 히트 뮤지컬은 보통 서너 달, 많게는 6개월 이상 예약이 밀려 있다. 이처럼 브로드웨이 뮤지컬은 한 번 흥행에 성공하면 제작자는 돈방석에 올라 않으며 배우들도 스타로서의 삶을 한껏 누리게 된다. 브로드웨이 쇼라고 부른 뮤지컬의 흥행작은 고작 몇 편 정도에 불과하다. 1900년대 들어 가장 화제를 끌고 있는 작품은 고전이 되어 버린 [캐츠], [레 미제라블], [오페라 유령] 등 모두 런던으로부터 건너온 작품들이다. 이들 작품들에 대한 광고 역시 세계적이다. 웬만한 호텔 로비와 주요 건물에는 홍보물 책자와 더불어 좌석 예약을 받고 있으며, 시내 버스는 물론 건물 외벽에 대형 전광판 광고물이 맨해튼의 밤거리를 밝힌다.
브로드웨이 무대를 벗어나 예술성과 흥행성을 동시에 갖춘 작품들을 보려면 오프 브로드웨이를 찾으면 된다. 오프 브로드웨이에서 가장 인기를 끄는 것은 대사가 없는 행위 연극, 즉 넌 버벌 퍼포먼스(Non Verbal Performance)이다.
공사판 현장의 이야기를 다룬 [탭덕스], 탭댄스의 진수를 선보인 [스텀프] 동원할 수 있는 온갖 사물들을 이용한 [튜브스]등이 오프 브로드웨이의 대표적인 히트작들이다. 흔히 브로드웨이는 세 지역으로 구분된다. 하나는 상업적인 뮤지컬로 대표되는 브로드웨이, 예술성과 흥행성을 갖춘 작품들이 무대에 오르는 오프 브로드웨이, 예술성만을 추구하는 실험극들이 주로 오르는 오프 오프 브로드웨이가 그것이다.
꿈의 무대로 불리는 브로드웨이, 최근 미국의 경계 불황으로 대작 뮤지컬의 제작 여건이 어려워지고 있다는 설도 나돌도 있으나 여전히 세계적인 작품이 항상 공연되고 있는 곳이다. 한편 뉴욕 브로드웨이의 시상 제도로는 유명한 '토니상'이 있다. 뮤지컬을 제작하거나 출연하는 모든 사람들은 이 상을 받고 싶어한다. 때로는 수상자 선정을 둘러싸고 잡음도 있지만 이 상의 권위는 대단하다. 세계 뮤지컬사를 빛낸 대부분의 작품들이 이 상을 수상하였고 뮤지컬스타들 역시 이 상과 인연이 깊다. 토니상에는 작품상, 주연남우상, 주연여우상, 조연남우상, 조연여우상, 연출상.각본상, 작사.작곡상, 안무상, 의상상, 장치상, 조명상, 리바이벌상 등의 부문이 있다. 최초의 토니상 작품상 수상작은 1949년의 [키스 미 케이트]이며 토니상 최다 수상 작품은 지난 1964년에 공연된 [헬로우 돌리!]로 당시 총 11개 부문 가운데 10개 부문의 상을 휩쓸었다. [남태평양](1950), [아가씨와 건달들](1951), [왕과 나](1952), [마이페어 레이디](1957), [사운드 오브 뮤직](1960), [노력하지 않고 출세하는 법](1962), [지붕 위의 바이올린](1965), [라만차의 사나이(돈 키호테)](1966), [카바레](1967), [코러스 라인](1976), [애니](1977), [에비타](1980), [42번가](1981), [레 미제라블](1987), [오페라 유령](1988)등 우리에게 낯익은 작품들이 이 상 을 수상하였다.
1997년에는 한국 출신의 가수인 최주희가 [왕과 나]에 출연, 호연을 펼치면서'토니상' 여우조연상 후보에 올라 관심을 끌었다. 그녀는 브로드웨이의 성과에 힘입어 서울에서 공연된[웨스트 사이드 스토리]에서 마리아 역으로 나와 열연하였다. 뮤지컬 제작사로는 앤드류 로이드 웨버의 리얼리 유스풀 그룹(RUG)과 함께 카메론 매킨토시, 다저스가 히트작 3대 메이커로 통한다. 매킨토시는 [미스 사이공]과 [레 미제라블]을 제작하였다. 그는 극장 소유주와 노조에 대하여 강성 발언도 서슴지 않는다. 극장 소유주와 노조에게 뮤지컬은 정작 제작들이 만드는데 왜 이들의 눈치를 살펴야 하느냐고 목소리를 높인다. 다저스는 프로듀서 6명이 결성한 파트너쉽 회사 18년 전 의기투합한 마이클 데이비드, 에드 스트롱, 셔먼 워너 등이 브로드웨이 1501번지 건물 19층에 사무실을 두고 공동 작업을 한다. 다저스의 대표작은 [아가씨와 건달들]의 리바이벌 공연. 1992년 4월 공연을 시작, 1년만에 제작비 6억 5천 달러를 뽑아내고 큰 수익을 올렸다. 1993년 무대에 올린 록 오페라를 각색한 작품인 [토미]도 19개월만에 투자 원금을 회수하였다. 1985년엔 [빅 리버]로 토니상을 휩쓸었고, [비밀의 화원], [숲속으로]도 모두 2년 넘는 장기 공연에 성공하였다.
뉴욕 맨해튼에 있는뮤지컬 극장은 모두 28개로 셔버트, 네덜랜더, 쥬잼신 등 3대 흥행사가 대부분을 소유하고 있다. 그래서 브로드웨이 뮤지컬 프로듀서들은이들의 눈 밖에 나지 않으려고 안간힘을 쓴다. 공연장 확보와 공연 수익을 가름하는 대여료를 낮추려고 로비도 벌린다. 그 가운데서도 가장 영향력 있는 회사는 러시아 출신이 만든 셔버트로 28개 공연장중 17개를 보유하고 있다. 세계 빅4 뮤지컬로 불리우는 [캐츠], [오페라의 유령],[미스 사이공], [레 미제라블] 등이 모두 셔버트 소유 극장에서 공연되고 있다. 흥행이 확실하지 않은 작품은 아예 공연장 섭외도 할 수 없다.
맨하튼 44가에 있는 셔버트 극장 위층이 본사 사무실인데 버나드 제콥과 제럴드 숀펠트가 공동 경영주다. 브로드웨이 비즈니스의 대부로 불리는 이들은 고집불통에 까다롭기로 유명하다. 예술계에 몸담고 있지만 철저한 '장사꾼' 기질이 몸에 배어 있다. 그래서 젊은 제작자들로부터 브로드웨이의 마피아라는 원성도 듣는다. 아무튼 브로드웨이는 돈방석에 올라앉아 스타로서 인기를 누리며 살아가는 배우들이 있으나 생맥주로 끼니를 때우는 가난한 배우들도 공존하는 곳이며 다양한 형식의 작품들이 천의 얼굴을 하고 공존하는 곳이기도 하다.
런던 웨스트 엔드
뉴욕의 브로드웨이와 더불어 세계적인 뮤지컬의 명소인 런던의 웨스트 엔드 이곳은 런던 트라팔가 광장 국립 미술관(National Gallery)으로 부터 시 중앙의 텔레비젼 송신탑을 있는 차링크 로스로드를 중심축으로 서쪽으로 피카델리 서커스 동쪽으로 코벤트 가든을 아우르는 지역의 별칭이다. 웨스트 엔드의 극장은 50군데가 조금 넘는데 일반적으로 좌석 규모 500석 이상 연중 무휴로 연극을 공연하는 극장을 웨스트 엔드로 분류한다. 이 지역 안에 있으나 이 기준에 부합되지 않으면 웨스트 엔드의 극장으로 취급하지 않는다. 그러나 관례에 따라 셰익스피어 생가가 있는 옥스포드 북쪽 스트렛포드 업 폰 에이븐 시의 극장 세곳(로열 셰익스피어 극단의 본거지)과 런던 남부의 리치몬드극장, 남동부의 그리니치 극장, 테임즈 강가의 국립극장 등은 웨스트 엔드에 포함된다.
이곳은 아마추어 연극으로부터 각종 실험극, 정치극, 여성 연극, 장애자 연극, 어린이 연극 등이 끊임없이 무대에 오른다. 술집 2층을 무대로 꾸민 극장으로부터 창고나 빈 건물을 임대한 극장, 소방서나 낡은 교회를 개조한 극장에 이르기까지 무대 구조나 관객층 레퍼토리도 각양각색이다. 최근에는 프린지(변두리) 극장 가운데 다소 규모가 크고 문화적 영향력이 있다고 인정되는 극장들은 오프 웨스트 엔드라고 별도로 구분하여서 부르기도 한다. 웨스트 엔드는 대규모 자본을 들여서 연극을 만들고 장기 흥행을 통해서 수익을 올리는 '세계 최초로 연극에 있어서 규모의 경제'를 실현한 곳이다. 50여 극장이 항시 일자리를 제공하며 예술가들이 장기간 기량을 닦아 직업적으로 펼칠 수 있는 제도적 장치가 완별하게 마련되어 있다. 이곳에서 말하는 장기 공연의 기준은 1년이다. 43년째 공연중인 [쥐덫]은 물론이고 1년 벽을 거뜬히 통과하고 매공연 좌석 점유율 90퍼센트 이상을 기록중인 작품도 수두룩하다. 물론 웨스트 엔드에서 주로 공연되는 것은 뮤지컬이다. 코미디 극장이나 듀크 오브 요크 극장, 윈드햄극장 등에서는 나름대로의 수요가 있는 코미디, 문예극, 고전극 등을 공연한다. 셰익스피어의 작품이나 리얼리즘 시대 이후의 고전을 보고 싶으면 로열 셰익스피어 극단의 런던의 런던 본거지인 바비컨 센터를 찾아가면 된다. 국립극장에서는 민간 단체들이 선뜻하기 어려운 작품들을 주로 공연하기 때문이다.
웨스트 엔드의 뮤지컬은 주 8회 공연이 흥행의 관례이다. 월요일부터 금요일은 하루 1회 저녁 공연을 하고 화, 수, 목요일 중 적당한 날을 택하여 낮 공연을 한 차례 더 한다. 인기 있는 뮤지컬들은 서로간에 낮공연 시간이 겹치지 않도록 팬 서비스를 한다. [캐츠]는 화요일, [오페라의 유령]은 수요일, [레 미제라블]은 목요일에 각각 낮 공연을 한다. '마티니'라고 부르는 낮 공연은 비교적 표를 쉽게 구할 수 있으나 주연 배우의 성대 보호를 위해 대역 배우가 출연하는 경우도 있다. 웨스트 엔드의 뮤지컬 입장료는 무대로부터의 거리, 시야를 가리는 장애물의 여부 등을 고려하여 극장마다 4, 5등급으로 나뉘어진다. [레 미제라블]의 경우, 3층 꼭대기 입장료는 1층 앞좌석에 비해 4배 이상 싸다. 런던에서 가장 인기 있는 뮤지컬은 [오페라의 유령]인데 보통 6개월 전에 예약하거나 그렇지 않으면 암표를 구입하거나 몇 시간 줄을 섰다가 당일 취소되는 표를 사는 수밖에 없다. 인기가 조금 덜한 작품은 런던 시내 레스터 스퀘어에 있는 '하프 프라이스 티켓 부스'를 이용, 당일분 티켓을 공연 2시간 전에 반값에 살 수 있다. 이곳에서 눈길을 끄는 것은 런던의 가장 권위 있는 국립 극장인 로열 셰익스피어 극단이 뮤지컬을 제작한다는 점이다. 이 극장은 정부의 지원금과 후원자들의 도움이 해마다 감소, 1980년대 중반에는 심각한 위기를 겪기도 하였다. 이때 그 해결책으로 나온 것이 바로 수익 사업을 통한 재정난의 타개였다. '전통이 상업주의의 공세에 백기를 들었다'는 비난에도 불구하고 뮤지컬을 제작하게 된다. 세계적인 뮤지컬 제작자로 [캐츠], [오페라의 유령], [모우라는 이름의 다섯 사나이], [미스 사이공]등을 제작한 카메론 매킨토시와 연출가 트래버넌이 의기 투합, 무대에 올린 [레 미제라블]이 그것이다.
연출가 트래버넌은 1962넌 케임브리지 재학 당시 연출에 입문한 이래 로열 셰익스피어 극단의 수석 연출가로 활약한 거장으로 [캐츠], [스타 라이트 익스프레스], [어스펙트 오브 러브] 등을 연출하였다.
이처럼 런던의 웨스트 엔드는 현대 뮤지컬의 본고장이라 할 수 있다. [캐츠], [미스 사이공], [오페라의 유령], [레 미제라블] 등 현재 세계를 감동시키고 있는 뮤지컬들은 모두 이곳에서 제작되었다. 그리고 뉴욕으로 건너가 런던과 동시에 흥행 가도를 달리고 있다. 또 런던 웨스트 엔드의 뮤지컬은 뉴욕 브로드웨이의 뮤지컬의 감각적이고 섹스 어필하며 쇼 같은 분위기와는 달리 대체적으로 문학적이면서도 철학적인 명제를 담은 작품이 많다는 것이 특징이다.
런던 뮤지컬을 이야기하면서 빼놓을 수 없는 인물이 바로 20세기의 모차르트로 불리며 런던 웨스트 엔드뿐만 아니라 뉴욕 브로드웨이 극장가를 지배해 온 뮤지컬의 황제 앤드류 로이드 웨버이다. 약관 23세의 새파란 영국 청년 앤드류 로이드 웨버가 일약 스타로 떠오른 것은 1971년. 당시 주급 60파운드(약 7만 8천원)를 받기로 하고 연극계에 발을 디딘 웨버는 천재적인 작사가 팀 라아스와 함께 만든 록 오페라 [지저스 크라이스트 슈퍼스타]로 태풍을 몰고 왔다. 예수 생애의 마지막 7일 간의 행적을 뮤지컬로 재구성한 이 작품은 종교계로부터 신성 모독이라는 비난을 받기도 하였으나 팔레스 극장에서 8년간 공연되며 전세계적으로 폭발적인 인기를 모았다. 형식과 내용에서 기존 뮤지컬의 틀을 완전히 깬 이 작품이 일대 돌풍을 일으킨 이후 웨버는 [에비타](1976), [캐츠](1981), [유페라의 유령](1988), [선셋대로](1994) 그리고 가족용 뮤지컬 [스타라이트 익스프레스] 등 뮤지컬사에 길이 남을 불후의 대작들을 있따라 내놓았다. 손대 작품마다 공전의 히트를 기록하면서 그에게 붙은 또 다른 별명은 '마이더스의 손'. 손대는 것마다 황금으로 만들었다는 신화의 주인공이 되었다. 1977년 리얼리 유스풀 그룹을 설립한 웨버는 세계 32개 지사를 통해 1억여 관객에 40억 달러 어치가 넘는 입장권을 팔았다. 지금도 뉴욕과 런던에서 최장기 공연 기록을 이어가는 [캐츠]는 입장료 수입만도 남미 볼리비아의 국민 총생산과 맞먹는다. 현재 뉴욕 브로드웨이와 런던 웨스트엔드 장기 공연물 중 절반 이상이 그의 작품이다. 그는 1993년 영국 왕실로부터 '경(Sir)' 칭호를, 1995년엔 남작 작위를 받았다. 세계 뮤지컬의 흐름을 휘어잡으며 영국의 자존심을 되살린 공로다. 하지만 웨버는 20세기 모차르트보다 제2의 월트 디즈니가 되기를 원하였던 같다. 웨버는 [캐츠]를 비롯한 뮤지컬 5편을 영화화
하겠다고 할리우드의 문을 두드렸다. 웨버는 리얼리 유스풀 그룹을 기반으로 캐릭터 사업과 비디오 게임을 망라한 다국적 종합 엔터테이먼크 왕국 건설을 꿈꾸었다. 그러나 이같은 구상은 [선셋대로]의 실패와 투자자 반발로 장벽에 부딪쳤다. 하지만 그의 몰락을 예견하기는 시기상조다. 아직도 8개 작품 29개공연물이 절찬리에 공연되고 있으며 뮤지컬 외에 음반 로열티나 판권 수입료도 막대하기 때문이다.
뮤지컬의 구성 요소들 가사에 관하여
뮤지컬의 노래는 멜로디와 가사로 되어있다. 그 가운데 가사는 대단히 중요하다. 일반 연극에 있어서의 대사와 같은 기능을 하여 관객들의 심금을 울린다. 그러므로 뮤지컬의 가사는 쉬우면서도 극의 전체적인 흐름을 대변해 주는 언어로 구성되어야 한다. 결국 가사는 음악의 몸체와 표현을 부여해 주는 역할을 한다. 아름답고 훌륭한 노래일수록 멜로디와 가사는 일체를 이루어 하나의 하모니를 연출해낸다. 유명한 작곡가인 테일러(Deems Taylor) 역시 곡과 가사의 상관 관계에 대해 "평균적으로 브로드웨이 뮤지컬의 성공은 훌륭한 곡에 훌륭한 가사가 합쳐져서 이루어진다. 하지만 지루한곡에 훌륭한 가사가 붙여진다면 실패하고 만다"고 말하였다. 또한 뮤지컬의 노래는 작품의 분위기를 반영한다. 뮤지컬 넘버의 가사는 극의 상황과 스타일에 맞아야 하며, 부르는 사람, 즉 극중 인물의 성격에 맞아야 하고 극의 줄거리를 전개시키는 극적인 역할 또한 떠맡아야 한다. 그러나 우리 뮤지컬에는 시간과 제작 여건상 혹은 작가의 역량 부족으로 오랫동안 관객들의 가슴을 울리며 불려지는 가사가 드물다.
일반적으로 극본과 음악과 가사 중에서 가사가 뮤지컬의 성공에 기여하는 정도가 가장 낮다고 생각한다. 극본과 음악만 좋으면 가사가 좀 떨어져도성공을 거둘 수 있다고 생각한다. 가사때문에 실패한다고는 생각하지 않는다. 사실 관객들이 극장 안에서 한 번 들어서 가사의 의미를 알기란 쉽지 않다. 우리말은 뮤지컬의 양식에 맞지 않는다는 편견도 있다. 그러나 가사 없는 뮤지컬이 있을 수 있는가. 뮤지컬의 노래에 의미를 부여하는 것은 가사이다. 가사가 극본과 음악의 가교 역할을 제대로 할 때 좋은 뮤지컬이 탄생한다. 가사의 운율과 리듬과 의미는 노래뿐만 아니라 뮤지컬의 완성도를 높히는데 큰 역할을 한다. [캐츠]의 아름다운 시적 운율, [살짜기 옵서예]의 감칠맛 나는 노랫말을 생각하여 보자. 가사야말로 뮤지컬의 노래를 빛나게 해주는 결정적인 역할을 한다는 것을 알 수 있다.
훌륭한 작곡자일수록 가사의 중요성을 인식하고 있다. 따라서 훌륭한 작곡자들은 오랜 기간 동안 콤비를 이루어 함께 일하는 작사가를 두고 있다. 우리나라의 경우, 가사의 중요성에 대한 인식이 부족하고 전문 작사가도 없는 실정이다. 그러나 어떤 뮤지컬을 감상할 때 눈으로 보는 것과 더불어 가사의 의미를 마음속으로 아로 새기면 훨신 관극 체험이 깊어지고 뜻 깊은 시간이 될 수 있다는 점을 기억하자.
극본에 관하여
뮤지컬의 우선 중요한 것은 극본(Book), 음악(Music), 가사(Lyrics)이다. 이 가운데 극본이 가장 중요하다. 이것을 바탕으로 실제 공연을 위한 노래, 춤, 연기가 만들어지기 때문이다. 극본이 곧 공연의 내용이다. 그러나 실제에 있어서 극본은 푸대접을 받는 경우가 많다. 대부분 뮤지컬에서 음악이 가장 중요하다고 그것을 너무 강조하여 오히려 작품 전체의 완성도를 떨어뜨리는 경우가 많다. 특히 우리의 창작 뮤지컬에서는 더욱 그렇다. 뮤지컬에 있어서 음악은 물론 중요하다. 그 밖에 춤과 현란한 시각적 요소들도 역시 중요하다. 하지만 이런 요소의 매력만을 쫓다 보면 상대적으로 작품이 추구하는 본질이 약해지기 쉽다. 적지 않은 뮤지컬이 실패하는 이유가 바로 '극본의 결함(Book Trouble)'때문이다. 노래나 춤이 빈약하면 이것들은 바꾸면 되지만 극본은 쉽게 바꿀 수 없다.
국내 공연의 경우, 작품을 만들면서 대사도 고치고 인물도 고치고 때로 줄거리도 손질하고 더욱이 작품의 스토리 라인마저도 공연 직전까지 고쳐댄다. 그러나 그것은 옳은 방법이 결코 아니다. 극본의 마구잡이 수정은 오히려 극의 완성도를 떨어뜨린다. 좋은 극본이 좋은 뮤지컬을 만드는것은 기본이다. 세계적으로 히트한 뮤지컬은 문학성이 높은 시, 소설, 희곡 등을 각색하여 만든 경우가 많다. 뮤지컬로 만들기 어려운 소재라고 스스로 말할 수 있는 소재들을 좋은 작품으로 만들어내는 경우도 많다.
버나드 쇼의 희곡 [피그말리온]을 가지고 [마이 페어 레이디]를 만든 경우, 세르반테스의 [돈 키호테]를 가지고 [라만차의 사나이]를 만든경우, 빅톨 위고의 [레미제라블]을 가지고 [레 미제라블]을 만든 경우가 그것이다. 국내에서는 심훈의 [상록수], 최인호의 [겨울 나그네], [고래사냥]을 뮤지컬로 만든 경우가 그렇다. 이들은 높은 문학성을 지닌 작품들이다. 이들 작품들이 성공할 수 있었던 것은 원작이 가지고 있는 풍부한 감성과 주제 의식 때문이다. 그런데 우리 창작 뮤지컬의 경우 많은 작품들이 왜 감동의 차원에서는 높은 점수를 받지 못할까? 그것은 창작 동기에 문제가 있기 때문이다. 물론 작가가 절대 부족하기도 하지만 순수한 창작 동기에서 출발하기 보다 상업적인 제작자나 음악팀들의 위촉을 받아서 씌어지는 경우가 많기 때문이다. 이럴 경우 극본가는 공산품을 생산하는 것처럼 뮤지컬의 상투적인 요소들을 배열하여 뮤지컬을 만든다는 사실을 지나치게 의식하게 된다. 그러다 보니 생명력과 작품성이 결여되는 것이다. 더 큰 문제는 작가가 극본을 제작팀에게 넘기면 음악, 춤, 장치, 조명, 연출 등의 각 분야별 담당자들은 자기네 몫을 차지하기 위해 극본을 제멋대로 손질해댄다. 이 과정에서 극본가의 순수한 창작 동기는 변질되고 마는 것이다. 관객들에게 감동을 주는 성공적인 뮤지컬이 되려면 훌륭한 극본이 선행되어야 한다. 그것은 뮤지컬 역사가 말해 주는 사실이다. 좋은 작품은 극본의 문학성에서 찾을 수 있다는 것, 그것을 잊어버리고 명작을 만들어 낼 수는 없을 것이다.
안무에 관하여
뮤지컬에서 공연되는 춤은 참으로 다양하다. 고전무용, 현대무용을 응용한 춤은 물론, 요즘에는 길거리의 일상적인 춤도 등장한다. 화려한 으상을 차려 입은 궁중 무용도 나오고, 피비린내 나는 전투 장면을 무용으로 표현하기도 한다. 뮤지컬에서 무용은 한마디로 대단한 볼 거리 중의 하나다. 그러나 무용 역시 작품 전체가 지향하는 주제 의식과 분위기를 떠나면 그것은 하나의 댄스에 불과하지 뮤지컬 작품을 풍성하게 하는 춤은 아닌 것이다.
뮤지컬 공연의 구성상에 등장하는 춤에는 어떤 것이 있을까?
극의 처음 부분에 소개되는 것으로 댄서들이 언제, 어디서 쇼에 등장할 것인지를 보여 주기 위한 오프닝 넘버, 또 혼자서 인물이나 아이디어를 표현하는 독무(Solo), 둘이 상호 보완적인 움직임과 애정의 몸짓으로 낭만적인 사랑을 표현하는 듀엣(Duet)등이 있다. 극중 남녀 주인공의 화홥과 대립을 표현하는 앙상블(Ensemble), 장엄한 스펙터클 장면을 만들기 위한 군무인 프로덕션 넘버(Production Number), 액션을 강화시키거나 논쟁이나 대립을 유발시킬 때 사용하며 대개 크로스 오버(Cross Over)의 위치에서 상연하는 발레 시퀸스(Ballet Sequence)등이 있다. 뮤지컬 한 편을 감상하면 대개 이런 요소에서 춤이 등장한다. 뮤지컬의 춤은 가사와 대사로 표현되는 것 외의 감성적인 분위기를 연출한다. 육체와 영혼, 자유 분방한 감정 표현과 절제된 행동, 사회 생활과 개인 생활의 표현 등이 춤으로 표현되는 것이다. 현대 뮤지컬에 있어서 무용의 이미지는 창조적일 뿐만 아니라 작품을 구성하는 중요한 요소로 인식되고 있다. 관객들이 보는춤은 어떻게 만들어질까?
안무가는 작품의 성격에 따른 다양한 춤을 고안해낸다. 코러스들뿐만 아니라 연출의 작품 해석, 기타 제반 사항인 음악, 장치, 조명, 의상, 분장, 소품 등의 모든 극적 요소를 감안하여 이들의 유기적 결합을 시도하고 의도한 시각적 효과를 창출해낸다. 좋은 뮤지컬 안무가는 다양한 역할을 수행한다. 대사나 노래 없이 오로지 춤 동작만으로 된 장면은 전적으로 안무가의 몫이 되며 이때는 연출가의 역할까지 담당한다. 연출의 의도에 따라 장면을 만들어내야 하기 때문이다. 또 등장 인물의 성격과 심리를 춤동작으로 표출할 때에는 심리학자가, 배우들에게 안무가가 의도한 춤을 형상화하기 위해 반복적인 훈련을 실시할 때에는 교사가 되기도 하며 조명.장치.의상.소품.분장 등의 요소를 활용할 때에는 스태프진의 역할도 떠맡아야 하는 것이다. 그러나 뮤지컬 안무에서 가장 중요한 것은 창의성이다. 공연이 끝나도 극본과 음악은 구체적인 흔적으로 남지만 안무는 그렇지 않다. 배우들과의 연습과정에서 가장 오랜 기간이 소요되는 안무는 공연이 끝나고 난 뒤에 대부분 잊혀진다. 그렇기 때문에 매번의 공연은 새로운 창작이 될 수밖에 없다. 그러므로 안무가는 항상 시대의 경향을 읽고, 관객취향의 변화를 민감하게 의식하면서 안무한 작품에 신선함을 불어넣어야한다. 반드시 고난도의 무용 테크닉을 구사해야 하는것은 아니다. 그것보다는 타당한 극적 동기가 중요하다.
뮤지컬의 춤은 연기의 일부이다. 극의 내용과 상황에 전혀 맞지 않는 엉뚱하고 이상한 동작이나 율동은 오히려 극의 완성도를 저해하는 요인으로 작용한다. 전체적인 작품의 흐름을 자연스럽게 이어주는 극적인 연기이자, 드라마로서의 기능을 담당하는 게 바로 뮤지컬의 안무인것이다. 뮤지컬을 감상할 때 안무를 빼놓을 수 는 없다. 뮤지컬의 춤은 바로 뮤지컬을 보러 가는 또 하나의 이유가 되기 때문이다. 아름다운 사랑을 그린 섬세하고 부드러운 듀엣, 엄청난 에너지를 쏟아내는 군무는 뮤지컬을 보는 매력의 초점이기 때문이다.
연출에 관하여 이제 작품의 모든것을 책임지는 연출에 대하여 알아보자. 뮤지컬의 연출가는 일반 연극에서보다 훨씬 더 많은 공동 작업을 하여야 한다. 출연배우, 조명, 의상 디자이너들뿐 아니라 작곡가, 작사가, 안무가, 관현악 편곡자, 리허설 피아니스트, 성악곡 편곡자 등 수많은 사람들과 긴밀한 협동 작업을 벌여야 하며 유기적으로 이어주는 한 편의 앙상블을 만들어내야 하기 때문이다. 게다가 뮤지컬은 거대한 자본이 투자되는 만큼 상업적인 흥행 요인을 어디에 둘 것인가 하는 문제까지 고민하여야 한다. 뮤지컬의 제작자는 투자되는 돈만큼 입김도 센 편이다. 그러나 연출가는 이들을 이해시키고 관객들에게 좋은 작품을 선사하겠다는 의지 또한 강하여야 한다. 그러나 작품의 완성도는 결국 연출가에게 책임이 돌아간다. 어떤 경우건 뮤지컬 작품이 성공을 거두려면 모든 요소를 통제하고 거기에 통일성을 부여하는 연출가의 역할이 중요하기 때문이다.
연출의 성격은 작품에 따라서 다르다. 극본에 의존하는 전통적인 뮤지컬의 경우는 연출가가 극본가를 겸하기도 한다. 1960년대 이후에는 안무가들이 연출을 겸하여 성공을 거둔 사례들이 많이 생겨났다. 제롬 로빈슨이 그 예다. [코러스 라인(A Chorus Line)] 연출하고 안무한 미하엘 베네트의경우는 스스로 제작까지 맡아서 하였을 정도였다. 그런데 1970년대 이후 연출의 역할은 뮤지컬 창작, 제작의 중심 인물로 확고히 자리잡게 된다. 그만큼 뮤지컬에 있어서 연출자의 역할이 중요하기 때문이다. 다양한 요소들을 하나로 형상화 하는 총감독의 역할을 연출가는 수행하여야 하는 것이다. 뮤지컬 연출가는 일반 연극의 연출가와 달리 음악, 무용, 의상 등 다양한 요소들에 대한 지식을 갖고 잇어야 하며 최소한 작품에 참가하는 모든 사람들의 인간적인 문제까지 애정을 갖고 살펴 주어야 한다. 결국 뮤지컬 연출가는 하나의 작품을 탄생시키는 어머니 역할을 수행하는 것이다.
음악에 관하여
좋은 극본은 음악이 따라야 좋은 작품으로 형상화된다. 일반적으로 곡의 분위기나 대상, 목적, 가사와 선율의 특성 등에 따라서 노래를 분류할 수 있다. 그러나 최근 뮤지컬 음악은 전장르를 총 망라하는 다양한 선율과 악기들이 모두 등장하는게 특징이다. 우선 뮤지컬에서 불려지는 노래를 분류해 보자.
1)발라드 송(Ballad Song) - 선율과 가사와의 관계에서 선율이 단연 우위를 차지하는 것으로 러브 송이라고도 불린다. 2)코미디 송(cOMEDY sONG) - 선율이 가사에 종속되며 따라서 노래의 선이 단순하며 어렵지 않은것을 말한다. 3)참 송(Charm Song) - 발라드 송과 코미디 송의 중간 형태로 볼 수 있으며 낭만적인 내용으로 관객의 마음을 사로잡는다. 4)아이 엠 송(I am Song) - 관객에게 상황이나 인물을 설명하는 노래로 '나는 사랑에 빠졌다'나 '나는 행복하다'는 식의 노래이다. 5)스페셜 머티리얼(Special Material)- 스타의 기량을 충분히 발휘하도록 배려해 주는 노래로 보통 극이 끝나기 전에 마지막으로 극을 고조시키기 위해 합창과 오케스트라가 함께 공연한다.
이런 기본적인 음악의 분류를 알고 뮤지컬을 보면 훨씬 재미있다. 뮤지컬에서 남는 것은 문학성과 음악이다. 좋은 뮤지컬을 보고 난 관객은 틀림없이 공연 후에 사운드 테입을 기념으로 사 가지고 돌아가서 이를 감상한다. 뮤지컬의 음악은 작곡가의 피아노로부터 어떤 과정을 거쳐서 무대에 올려지게 될까? 뮤지컬에는 노래(Musical Number)뿐 아니라 서곡, 막간곡(2막의 서곡), 퇴장 음악(관객 퇴장시의 음악)이 있고 무용 장면의 반주를 위한 춤곡 그리고 대사 도중에 깔리는 배경 음악등이 있다. 우선 작곡자는 노래만을 작곡한다. 여기에 오케스트라 편곡자, 리허설 피아니스트, 댄스 피아니스트, 음악 감독, 성악 편곡자, 음향 기술자 등 수많은 뮤지션들이 참가하여 음악을 완성한다. 레어너드 번스타인처럼 고전 음악 전문가도 있고, 피아노만을 연주할 줄 아는 작곡가도 있고, 멜로디와 기본 코드만을 기록하는 데서 끝내는 작곡가도 있다. 보통 노래와 피아노 반주가 기록된 것을 가지고 작곡가의 관현악 작곡(Orchestration)에 대한 의도를 짐작할 수 있다. 그러나 번스타인, 쿠르트 바일, 조지 거쉰, 미셸 쉔 버그, 앤드류 로이드 웨버 등 세계적인 뮤지컬 작곡가들은 편곡까지 직접하여 자신의 음악 세계를 한 뮤지컬 작품에 완전히 쏟아붓는 경우도 없지는 않다. 작곡가는 극본의 초고를 기초로 작업에 들어간다. 작곡가는 작사자와 함께 극본을 분석하면서 작품의 전체 분위기를 지배하는 멜로디와 선율 그리고 분위기를 만든다.
대개 작곡이 먼저 이루어지지만 어떤 경우에는 가사가 먼저 씌어지기도 한다. 또 팀을 이루어 오랫동안 공동 작업을 하는 작곡가와 작사가는 이 작업을 동시에 진행하기도 한다. 이렇게 작곡과 작사는 앞서거니 뒤서거니 하며 서서히 만들어진다. 이렇게 만든 노래는 출연 배우들의 오디션에 활용되는 등 오디션의 중요한 자료로 쓰이게 된다. 이후 연출가는 작곡된 노래들을 음악 감독, 무용 반주 피아니스트, 안무가, 무대 장치 디자이너, 의상 디자이너 등에게 나누어 준다. 이를 기초로 전 스태프진의 의견을 조율한 뒤 관현악 편곡자에게 넘겨지며 그에 의해 최종적으로 관객에게 전달될 노래와 선율이 결정된다. 이렇게 하여 비로소 뮤지컬 음악이 완성되며 오케스트라의 연주를 통해 극장에서 관객들에게 전달된다. 노래를 부를 배우와 코러스의 수효, 고저 장단, 어느 키로 부를 것인가, 노래 가운데 대사가 끼여드는가, 화음의 처리 등도 중요하다. 그리고 편곡 과정에서는 배경음악(대사 가운데의 배경음악)의 삽입도 결정된다. 마지막으로 중요한것은 음향 기술자이다. 요즘에는 배우들이 직접 부르는 노래, 오케스트라의 연주 그리고 음향 기술의 조화를 이루어야만 좋은 음악을 객석에 전달할 수 있다. 그것은 배우의 성량, 극장의 크기 문제뿐만 아니라 보다 좋은 음질을 관객에게 서비스하기 위한 것이다. 때로는 노래와 반주 전체가 사전에 녹음된 테입을 사용하여 배우들은 입만 맞추어 공연하는 예외적인 경우들도 없지 않다. [코러스 라인], [42번가]처럼 격렬한 춤을 추면서 열창을 할 경우가 그렇다. 그러나 이같은 플레이백(Playback)방식은 어디까지나 예외적인 상황에 한한다. 뮤지컬의 생명은 현장성에 있기 때문이다. 이렇듯 뮤지컬 음악은 복잡한 과정을 거쳐 관객들에게 전달되는 것이다.
영국의 평론가 케네스 타이넌은 미국 뮤지컬에 대해서 "드라마에서 흔히 모자라는 부분이 있다면 '시'다. 뮤지컬은 단조로운 말보다는 보다 고조된 양식으로우리가 느끼는 것을 표현하게 해준다. 작곡가들의 손에 의해 드라마는 도약하여 높이 올라간다. 그 열쇠를 쥔 사람이 바로 곡을 쓰는 사람들이다"라고 말한다. 그만큼 음악은 중요하다.
한국 전통의 음악극 양식
가무극에 관하여
가무극은 노래와 무용, 춤이 어우러지는 우리 전통의 양식이다. 가무악이 극의 형태를 띤 것을 일컫는데, 한국인 툭유의 신명이라는 독특한 울림을 던져 주는 것이 특징이다. 서구의 뮤지컬이 우리 정서에 꼭 맞는 것은 아니어서 왠지 어색한 느낌도 들었는데 가무극은 그야말로 한국인의 정서를 물씬 풍기는 장르로 평가되어 있다. 마당 놀이건 민족 가극이건, 또 다른 어떠한 형태건 오랫동안 남아 우리의 고전으로 정착될 수 있는 새로운 형태의 창작 음악극 발굴은 모두의 관심사였다. 가무극이 바로 그중의 하나이다. 가무극은 한마디로 음악, 무용, 연극, 신화가 결합하여 완성된 대서사극으로 우리 민족의 뿌리를 찾는게 특징이다. 그리고 가무극의 전단계로 대표적인 가무악 공연인 사물놀이를 비롯하여 굿을 응용한 무대 등이 있다. 가무악이 극의 형태를 갖추면서 총체적인 음악극으로 발전하게 된다.
작품으로는 서울예술단의 [새불](오태석 작, 이기하 연출), [신의 춤소리], [소리의 환상](최종실 구성), [한마당 우리 소리](최종실 구성), 극단 미추의 [백두산 신곡](김용옥 작, 박범훈 작곡, 손진책 연출)등이 있다. [백두산 신곡]은 전체 2막 18장으로 구성되어 있으며 단군 신화 이전의 신화로 거슬러 올라가 우리 민족이 생성된 과정을 그린 것이다. 우리 민족에게 정기를 심어준 신인 백두거인이 외세와 암흑을 상징하는 흑두거인을 물리치고 조선에 다시 고난과 시련이 닥쳐오면 깨어나 해동 조선의 빛이 되고자 백두산으로 변한다는 내용이다. 중국의 경극이나 일본의 가부끼 심지어 북한의 혁명 가극 [피바다]에 비해 우리에게는 내보일 만한 무대 양식이 없다는 점을 감안, '전통적이고 한국적인 것이 세계적이다'라는 생각으로 음악, 무용, 연극등 우리 고유의 가무를 한 무대에 조화시켜 우리식의 음악극 양식을 구축하고자 하였다. 중앙국악관현악단의 정통 국악 반주와 오케스트라 협주, 합창단의 코러스, 한국 무용등 정통예능이 장르 구별 없이 펼쳐지고 무대
장치 또한 웅장한 스케일로 신화의 원초성과 광활함을 스펙터클하게 재현하려 하였다. 결국 가무극은 우리 전래의 소리와 율동과 신명을 극의 형태로 만든 것으로 총체 음악극이라 할수 있다.
한국 전통의 음악극 양식
악극에 관하여
1930년대 대중극의 하나로 악극은 대단한 관심을 모았다. 최근에도 악극은 향수를 지닌 중년 관객들의 관심을 끌고있는데, 그것은 한국적인 정서를 담은 노래와 슬픈 드라마 때문일 것이다. 악극이란 대사와 동작, 노래와 무용과 경음악 (브라스밴드)으로 엮어 가는게 특징으로 1930년대부터 1950년대 중반까지 폭넓은 인기를 누렸다. 악극은 처음에는 1920년대에 들어온 신파극이 널리 유행하기 시작하면서 공연도중에 막간을 이용하여 변사나 삐에로 같은 출연 배우들이 코미디나 만담, 대중 가요 등의 숨은 장기를 보여 주는 막간 무대로 출발하였다.그래서 서양 뮤지컬의 전단계인 레뷰나 북 쇼 (Book Show), 민스트럴 쇼 등에 가까운 형식이었다. 1928년 '취성좌'가 가극 [극락조]를 조선 극장에서 상연하였는데 이 때 처음 가극이란 이름이 사용되었다.
가극이란 연극 속에 노래 몇개를 삽입하는 정도였지만 종래 막간에 노래, 춤, 코미디가 아무 연관없이 나열되었던 것에 비하면 노래를 작품의 주제와 그럴사하게 연관시키고 드라마틱하게 구성하였다. 본격적인 가극과 쇼를 공연하기 시작한 단체는 1929년에 조직된 삼천리가극단이다. 이단체의 쇼에는 희가극이라 불리는 코믹터치의 가벼운 연극에 노래를 '끼워 넣어 음악적인 효과를 가미한 1부와 여성들의 라인댄스팀이 등장하는 2부로구성되어 있었다. 요즘 말하는 코러스가 등장한 것이다. 이후 1930년대 초반에 신파극을 비롯한 대중극이 전성기를 맞이하면서 연극단체들이 가극을 공연하였다. 연극시장, 태양극장, 협동무대, 낙랑좌, 경성 오페라 스튜디오, 화랑 악극단, 도원경 등이 창립되어 활발하게 활동하였다. 이때부터 가극이란 말 대신 악극이란 이름을 쓰게 되었다. 악극은 그 형식의 성숙 정도에 따라 네 가지 유형으로 구분할 수 있다. 첫째 짤막한 코미디 속에 가수가 노래를 부르는것, 둘째 극중 의미있는 부분을 노래로 정서에 호소하는것, 셋째 극적인 대화를 극의 내용과 일치하는 노래로 주고 받는것, 넷째 노래는 물론 음악과 무용이 극속에 어우러지는 것 등이다. 특히 1930년대 후반에는 레코드 회사가 자체 선전을 겸하여 연주회라는 이름으로 전속 가수들의 실연 무대를 마련하였다. 목소리로 유명해진 가수들의 노래를 직접 들을수 있다는 매력을 이용, 악극 흥행에 유리한 고지를 점령한 것이다. 조선악극단, 반도가극단이 대표적인 예이다. 그러나 노래만으로는 부족한 감이 있어 막간극이나 간단하게 꾸민 극적 내용을 집어 넣기 시작하였는데 이러한 단체들이 후에 전문적인 악극단으로 발전하였다. 근래 들어 극단 가교가 [번지 없는 주막], [울고 넘는 박달재], [홍도야 우지 마라]를 그리고 극단 신시가 악극 마당놀이 [이수일과 심순애]등을 공연하면서 대중적인 인기를 누리고 있어 지난 시대 악극의 전통을 살려 나가고 있다.
창극에 관하여
창극은 혼자 부르던 판소리를 여러 배역으로 나누어 무대에서 공연하는 새 형태의 음악극이다. 극음악의 형태인 창극은 일반 공연과 마찬가지로 극장의 무대와 공연적인 성격이 중요시된 공연이다. 창극은 이런 이유로 연극사에서 중요시되고 있으며 연극적인 요소가 가미된 종합 예술 형태이다. 판소리의 대중화를 위한 창극은 1933년 조선성악연구회의 발족을 계기로 획기적인 발전을 이루었다. 이 연구회의 창립으로 판소리가 일종의 배역을 맡는 식으로 분창화되어 창극이라는 용어가 공식적으로 도입되고 형식도 정립되었다. 이 연구회는 제1회 시연회로 1936년 2월에 조선 고유의 고전 희가극 [배비장전]에 이어 [편시춘], [춘향전], [토끼타령], [심청전], [홍보전]등을 공연하였다. 이들 공연들은 그 이전에 비해 몇가지 측면에서 발전된 양상을 보여 준다.
첫째, 하나의 장면만을 창극화하여 공연하던 이전의 공연 방식과 달리 하나의 완결된 작품을 독립적으로 공연하기 시작하였다. 둘째, 완결된 작품을 무대에 올리도록 준비하면서 연출의 개념이 도입되었다. 이는 창극이 하나의 공연 양식으로 극장화되었다는 점을 인식시켜 줌과 동시에 판소리(음악), 드라마, 무대장치 등이 어우러지는 양상을 띠게 되었음을 말해 준다. 또 내용적으로 드라마와 음악 그리고 춤까지 곁들여져 서구적인 뮤지컬의 내용물과 거의 비슷한 형식을 갖게 되었다. 하지만 창극은 우리 고유의 소리와 율동을 전제로 한다는 점이 가장 큰 특징이다.
|