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예술 평가 : 예술을 감상하는 방법?
출처 visual-arts-cork 소스:EK 이페어케이 플러스
목차
• 예술이란? 평가?
• 예술 평가는 단순히 좋아하거나 싫어하는 것이 아닙니다. • 예술 작품을 감상하는
방법?
• 예술
작품의 배경/맥락 • 그림은 언제 만들어졌습니까?
• 그림은 추상적입니까 아니면 표현적입니까?
• 어떤 종류의 그림입니까?
• 그림과 관련된 학교 또는 운동은 무엇입니까?
• 그림은 어디에 그려졌습니까?
• 아티스트는 어느 시점에서 그의 경력에 있었습니까? 무엇 그의 배경이었습니까?
• 그림의 의도 된 위치는 어디입니까?
• 예술 작품 자체
• 창작에 사용 된 재료 그림?
• 내용 및 주제는 무엇입니까? 그림?
• 그림에서 구도를 감상하는 방법?
• 선과 모양을 감상하는 방법?
• 색상을 감상하는 방법?
• 질감과 붓놀림을 감상하는 방법?
• 그림의 아름다움을 감상하는 방법?
• 그림은 다른 그림과 어떻게 비교됩니까?
• 추상 미술을 감상하는 방법에 대한 팁 • 예술 평가 방법 : 몇 가지 최종 질문
• 미술
비평의 역사 : 유명한 비평가
• 모든 예술을 감상하는 것은 불가능합니다!
예술이란 무엇인가? 평가?
예술 작품을 평가하는 작업 그림이나 조각품으로, 객관적인 정보와 주관적인 의견의 조합이 필요합니다. 예, 예술 감상이 매우 주관적인 것은 사실이지만 목표는 사진을 평가하는 것은 단순히 좋아하는지 싫어하는지 확인하는 것이 아닙니다. 사진이지만 왜 좋아하거나 싫어하는지. 그리고 이것은 일정량이 필요합니다 지식의. 결국, 14 년 동안 제작 된 도면에 대한 귀하의 평가 학교 운동장에있는 늙은 아이는 상당히 다를 것입니다. 40 세의 미켈란젤로의 비슷한 그림. 마찬가지로, 하나는 할 수 없습니다 실제 품질을 평가할 때 동일한 표준을 사용하십시오. 표현주의 초상화와 비교 한 사실주의 초상화. 이 때문입니다 표현주의 화가는 같은 정도를 포착하려고하지 않습니다. 그의 현실 주의적 대응 물로서의 시각적 객관성. 간단히 말해서, 예술 평가자 자신의 의견의 근거가 될 사실, 즉 사실을 생성해야 합니다. (1) 작품의 맥락; (2) 작품 자체. 한번 우리는 사실을 알고 평가를 내릴 수 있습니다. 추가 정보 우리는 맥락과 예술 작품 자체에 대해 더 합리적으로 수집 할 수 있습니다. 우리의 평가는 될 것입니다.
정의 및 용어
이 기사에서 "예술 평가"라는 용어는 "예술 평가"와 "예술 감상"이 사용됩니다. 교환.
미술 평가는 단순히 좋아하거나 싫어하는 것이 아니다
평가 방법에 대해 자세히 설명하기 전에 예술, 예술 감상의 요점을 다시 강조합시다. 우리가 무언가를 좋아하거나 싫어하는 이유를 설명하는 것이지, 단순히 우리가 좋든 싫든. 예를 들어, 다음과 같은 이유로 사진을 싫어하게 될 수 있습니다. 너무 어둡지 만 여전히 주제를 좋아하거나 감사 할 수 있습니다. 전반적인 메시지. 간단히 말해서 "나는 이것을 좋아하지 않는다"고 말합니다. 그림"이 충분하지 않습니다. 우리는 당신의 뒤에 이유를 알아야합니다 의견, 그리고 작품에 긍정적 인 특성이 있다고 생각하는지 여부.
감사하는 방법 예술 작품
이해하고 이해하는 가장 쉬운 방법 따라서 예술 작품을 감상하는 것은 그 맥락이나 배경을 조사하는 것입니다. 이것은 우리가 무엇이 있었는지 (또는 있었을 수도 있음) 이해하는 데 도움이되기 때문입니다. 문제의 작품을 만들 당시 예술가의 마음 속에. 기본적인 탐정 업무라고 생각하십시오. 다음 질문으로 시작하십시오.
A. 컨텍스트/배경을 평가하는 방법 작품의?
그림은 언제였습니까? 만든?
작업 날짜를 아는 것은 우리가 그것이 어떻게 만들어 졌는지, 그리고 관련된 어려움의 정도를 측정하십시오. 예컨대 사진의 인기 이전에 생성 된 풍경 (c.1860) 또는 접을 수있는 주석 페인트 튜브 (1841)의 외관은 더 높은 수준을 가졌습니다. 어려움의. 이전에 생산 된 유화 르네상스, 또는 겸손한 수단의 예술가들에 의한 르네상스 이후, 멋지지만 천문학적으로 비싼 내추럴 블루를 포함하지 않습니다. 안료 울트라 마린, 지상 미네랄 청금석으로 만든.
그림인가 추상적 또는 표현?
그림은 완전히 추상적 일 수 있습니다 (즉, 그것은 어떤 자연스러운 모양과 닮지 않았습니다 : 비 객관적으로 알려진 형태 예술), 또는 유기적으로 추상적 인 (자연 유기물과 유사 함) 형태) 또는 반 추상 (그림 및 기타 물체는 식별 할 수 있음) 범위) 또는 표현 (비 유적 및 기타 내용은 즉시 인식 할 수 있음). 분명히 추상적 인 작업은 표현의 목표와는 상당히 다른 목표를 가지고 있습니다. 일하고 다른 기준에 따라 판단해야합니다. 예를 들어 완전히 추상적 인 그림은 시청자를 자연주의로 돌리려고 시도하지 않으므로 형식적 특성 (선, 모양, 색상 및 등).
어떤 종류의 그림 그것은?
그림은 다양한 유형 또는 범주로 제공됩니다. (회화 장르로 알려짐). 설립 된 장르는 풍경, 초상화, 장르 회화 (일상 장면), 역사, 그리고 정물. 17 세기 동안 위대한 유럽 아카데미, 로마의 예술 아카데미, 피렌체의 예술 아카데미, 파리 아카데미 데 보자르 및 런던 왕립 아카데미 1669 년 장관 Andre Felibien 교수가 정한 규칙을 따랐습니다. 프랑스 아카데미에, 장르의 순위를 다음과 같이 매긴 사람 : (1) 역사 회화 - 종교 그림은 아마도 독립적 인 범주 일 것입니다. (2) 초상화; (3) 장르 회화; (4) 풍경 페인트 등; (5) 정물. 이 계층 구조는 각 장르의 도덕적 영향을 반영했습니다. 전문가들은 믿었다 도덕적 메시지가 다음을 통해 훨씬 더 명확하게 전달될 수 있다는 것 풍경이 아닌 역사 사진, 초상화 또는 장르 그림 또는 정물.
다른 유형의 그림, 또한 위의 다섯 가지에는 도시 풍경, 해양 그림, 아이콘, 제단, 미니어처, 벽화, 조명, 삽화, 캐리커처, 만화, 포스터 아트, 낙서, 동물 사진 등.
이러한 그림 유형의 수는 전통적인 구성, 주제 등에 관한 규칙. 이것은 특히 적용됩니다 종교 예술에. 기독교 주제, 르네상스와 바로크 회화에 여러 번 등장하는 인스턴스, 특정 거룩한 인물을 포함 할 의무가 있으며 특정 구성 규칙. 또한 화가들은 종종 이전으로 거슬러 올라갑니다. 같은 장르의 사진 (프란시스 베이컨의 비명을 지르는 교황이 모델링되었습니다. 가장 위대한 초상화 중 하나에 그림-벨라스케스의 무고한 X의 초상화). 왜냐하면 이 모든 것 중에서 그림은 같은 작품의 다른 작품과 비교하여 가장 잘 평가됩니다. 형. 더 많은 팁은 방법을 참조하세요. 그림을 감상합니다.
어떤 학교 또는 움직임은 그림과 관련이 있습니까?
"학교"는 국가가 될 수 있습니다. 예술가 그룹 (예 : 고대 이집트 학교, 스페인 학교, 독일 표현주의) 또는 지역 그룹 (예 : 네덜란드 리얼리즘의 델프트 학교, 뉴욕 애쉬 칸 학교, 에콜 드 파리) 또는 일반적인 미학 운동 (예를 들어. 바로크, 신고전주의, 인상주의, 야수파, 입체파, 다다, 초현실주의, 팝 아트), 지역 또는 아티스트 그룹 (예 : Der Blaue Reiter, 뉴욕 추상 표현주의 학교, 코브라 그룹, 플럭서스, 세인트 아이브스 스쿨) 또는 일반적인 경향 (사실주의, 표현주의). 또는 학교는 특정 장르 (예 : 바르비종 학교와 뉴린 학교, 둘 다 조경 그룹; 라파엘리트 이전 형제단, 역사적 또는 문학적 주제의 그림) 또는 회화 방법 (예 : 신 인상주의, 점묘법에 기초 - a 분할주의의 색 이론의 변형) 또는 자연의 측면 세계 (예 : 현대 산업을 반영하는 데 전념하는 구성주의 세계), 또는 정치, 또는 수학적 상징 (예 : 엄격한 신 플라스틱주의).
많은 예술 중 어느 것을 알기 그림이 속한 움직임은 우리에게 더 큰 이해를 줄 수 있습니다 그 구성과 의미의. 이집트 학교에서 예를 들어, 화가는 그림의 특정 규칙을 고수해야했습니다. 구성과 색상에 관하여. 따라서 수치는 다음과 같이 크기가 조정되었습니다. 선형에 대한 언급이 아닌 사회적 지위 관점. 머리와 다리는 항상 옆모습으로 표시되었으며 눈은 그리고 상체는 정면에서 보았다. 이집트 화가들은 더 이상 사용하지 않았습니다. 6 가지 색상 : 빨강, 녹색, 파랑, 노랑, 흰색 및 검정 - 각각 삶과 죽음의 다른 측면을 상징합니다. 다른 문화와 문화 학교에는 자체 지침이 있습니다. 네덜란드어 사실주의 예술가들은 인테리어의 정확하고 실제적인 복제를 중요하게 생각했습니다. 및 주변 환경 - 초상화를 제외하고 목표가 아첨하는 것이었습니다. 주제: 참조 나이트 워치, 렘브란트. 인상파 화가 덧없는 인상을 포착하기 위해 일반적으로 가치있는 느슨한 붓놀림 빛의. 입체파는 선형 원근법의 정상적인 규칙을 거부하고, 대신, 그들의 주제를 일련의 평평한 투명으로 분해했습니다. 서로 다른 각도로 겹치고 교차하는 기하학적 판. 피에트 몬드리안과 같은 De Stijl 예술가들은 기하학적 형태만을 사용했습니다. 그림은 항상 수평 또는 수직이었고 결코 대각선이 아니 었습니다. 등등.
서양 예술은 매우 동양 미술과는 다릅니다. 중국어 예를 들어, 회화는 영적 내면의 본질에 초점을 맞 춥니 다. 외관보다는 사물.
사진은 어디에 있었습니까? 그린?
장소와 상황 파악 그림이 만들어지면 종종 우리의 감상과 이해가 향상 될 수 있습니다. 관련 작업의. 다음은 몇 가지 예입니다.
구루병 위에서 위험하게 균형 잡기 비계, 미켈란젤로는 시스티나의 천장을 그렸습니다. 예배당 (12,000 평방 피트의 거대한 지역)은 사실상 도움없이, 4 년에서 1508 년 사이의 1512 년 동안. 이 걸작을 알고 기독교 예술은 현장에서 창조되었고, 멋진 따뜻한 스튜디오가 아니라 우리가 거대 함을 감상하는 데 도움이됩니다. 작업의.
프랑스 인상파의 지도자 모네, 평생을 플레인 에어 페인팅에 바쳤습니다. 말년에 그는 백합 연못이있는 일본 수중 정원을 가지고있었습니다. 그의 집 옆에, 그리고 그가 그의 거대한 시리즈를 제작 한 곳이 여기에있었습니다. 수련 그림의. Pissarro는 또한 주로 야외에서 그림을 그렸으므로 항상 많은 수의 미완성 그림이 있었기 때문에 빛은 종종 그의 일이 끝나기 전에 퇴색했다. 이것은 그가 왜 같은 그림을 그렸는지 설명합니다. 장면 또는 모티프 (다른 빛을 포착하기 위해)와 왜 그의 붓놀림 너무 빠르고 느슨했습니다. 반면에 마네와 드가는 모두 도시였습니다. 민속적이고 스튜디오에서만 독점적으로 작업하여 연마하고 그들의 일을 완벽하게하십시오. 다른 뛰어난 플레인 에어 화가에는 스칸디나비아인 크로이어와 해머쇼이('빛의 화가'로 알려짐), 덴마크의 스카겐 (Skagen)에서 수많은 뛰어난 풍경을 만들어 냈습니다.
주변 환경은 다음에 큰 영향을 미칠 수 있습니다. 예술가의 기분, 따라서 그의 그림에. 반 고흐와 고갱 적절한 경우입니다. 10 년간의 그림에서 반 고흐는 어둠에 의존했습니다. 그가 네덜란드에서 어려운시기에 그림을 그리는 동안 색상 (예 : 감자 먹는 사람, 1885); 더 밝고 밝은 색상으로 전환 파리에서 그는 인상주의의 영향을 받았다. 생생하게 변했다. 그가 리비에라 근처의 아를에서 그림을 그릴 때 노란색 (Cafe Terrasse 밤까지, 1888); 그의 마지막에서 더 어두운 안료로 되돌리기 전에 기간 (올리브 피커, 1889, 그리고 까마귀가있는 불길한 밀밭, 1890). 반 고흐가 사망 한 지 1891 년 후인 10 년 프랑스 예술가 폴 고갱은 타히티와 태평양 제도로 항해를 시작하여 대부분의 시간을 보냈습니다. 급성 빈곤에 처한 그의 생애의 지난 <> 년 동안. 그럼에도 불구하고 그의 귀환 자연에 그의 그림에 거대한 삶과 색채를 불어 넣었습니다. 발견 된 원시주의로서 피카소와 다른 사람들의 메아리.
특히 흥미로운 예술가는 어머니와 함께 60 년 동안 살았던 프랑스 친밀감 자 에두아르 뷔야르는 파리의 일련의 아파트에있는 양장점. 그의 어머니는 집에서 코르세티에를 운영하여 Vuillard에게 패턴을 관찰할 수 있는 충분한 기회를 주었습니다. 그녀의 드레스의 재료, 색상 및 모양. 이 모든 것이 신중하게 반영되었습니다. 그의 그림의 패턴 워크에서.
한 번, 그의 예술적 젊음 동안, 개척자 팝 아티스트 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg)는 (주장하건대) 너무 가난해서 그의 아파트에서 자신의 침대에 이불을 칠하고 장식했습니다. 치약과 매니큐어. 상징적 인 작품의 제목은 침대 (1955).
어느 시점에서 그의 경력에서 예술가? 그의 배경은 무엇이었습니까?
그림이 만들어졌는지 알기 화가의 삶의 초기 또는 후반은 종종 우리의 감사에 도움이 될 수 있습니다.
예술가들은 일반적으로 그림을 개선합니다. 시간이 지남에 따라 기술, 경력 중반에 언젠가 높은 점수를 달성하고 그런 다음 나중에 사라집니다. 그러나 일부 예술가들은 높이에서 사망했습니다. 그들의 힘의. 이러한 예술가에는 라파엘 (1483-1520), 카라바조 등이 포함됩니다. (1571-1610), 얀 베르메르 (1632-75), 토마스 기르틴 (1775-1802), 리처드 파크스 보닝턴 (1802-28), 반 고흐 (1853-90), 오브리 비어즐리 (1872-98), 아이작 레비탕 (1860-1900), 앙리 드 툴루즈 로트렉 (1864-1901), 아메데오 모딜리아니(1884-1920), 니콜라 드 스탈(1914-1955), 잭슨 폴락 (1912-56년), 몇 가지만 들자면. 반면에 일부 예술가들은 꽃을 피운다. 일찍부터 수십 년 동안 계속 그림을 그릴 수 있지만 반복하지 못합니다. 그들의 초기 성공. 이 카테고리에서 우리는 다음과 같은 현대 예술가를 찾을 수 있습니다. 마르셀 뒤샹, 조르주 브라크, 오스카 코코슈카, 앙드레 드랭, 모리스 드 블라밍크, 키스 반 동겐 - 심지어 틀림없이 피카소. 상대적으로 작은 비율은 극단적 인 노년기에 창의력을 유지합니다. 틴토레토, 모네, 르누아르, 조안 미로, 루시안 프로이트의 방식.
작가의 배경 이해하기 또한 자신의 그림에 대해 엄청난 양을 설명 할 수 있습니다.
노르웨이 표현주의 에드바르 뭉크 보도에 따르면 가족의 많은 조기 사망에서 회복되지 않았습니다. 그의 결과적인 신경증적이고 병적 인 성격은 그의 많은 작품에서 볼 수 있습니다. 멕시코 화가 프리다 칼로 (Frida Kahlo)는 그녀의 권리를 완전히 회복하지 못했습니다. 6살 때 소아마비에 걸린 다리, 18살 때 심각한 부상을 입었다. 버스 사고 후. 이것은 그녀의 끝없는 일련의 자화상을 설명하는 데 도움이됩니다. 그녀의 이동성 부족을 포착합니다.
폴 세잔 (몽생 빅투아르 풍경, 목욕하는 사람, 정물화)과 에드가 드가 (발레 댄서)가 특정 주제의 끝없는 근면 버전. 한 가지 가능한 이유 이를 위해 어느 쪽도 생계를 위해 예술에 의존하지 않았다는 것입니다. 확실히 어느 쪽도 재정적으로 가장 보람있는 초상화를 많이 시도하지 않았습니다. 장르의. 반면에 두 사람 모두 더 고전주의적이었습니다. 인상파 동료들보다 전망, 이는 그들의 설명에 도움이됩니다. 정확하고 세심한 작업 방법.
어디 있었습니까 그림의 의도 된 위치? (있는 경우)
분명히 점유하도록 설계된 그림 16 세기 스페인 수도원 식당 벽에있는 넓은 공간 (기념비적이고 영감을주는 종교적 그림)은 근본적으로 될 것입니다. 번영하는 섬유 상인에 대한 연구를위한 것과는 다릅니다. 17 세기 암스테르담 (소규모, 세련된 초상화, 내부 또는 정물). 마찬가지로, 리셉션 구역을 위해 설계된 그림 캘리포니아의 하이테크 소프트웨어 (큰 현대 추상 그림, 아마도 기하학적 또는 표현주의)가 설치된 것과 다를 수 있습니다. 런던시의 개인 은행 회의실에서 (전통 19 세기 풍경). 물론 이러한 제안은 틀에 박힌 가능성이지만 역할과 역할을 설명하는 역할을합니다. 사이트 별 예술 작품의 특성.
B. 예술 작품 자체를 평가하는 방법
참조: 방법 그림을 감상합니다.
또한보십시오: 분석 된 유명한 그림.
일단 우리가 조사하거나 조사한 후 그림의 맥락에서 우리는 작품 자체를 감상하기 시작할 수 있습니다. 그림을 감상하는 방법을 아는 것은 그 자체로 과학이 아니라 예술입니다. 그리고 아마도 예술 평가의 가장 어려운 측면은 페인팅 방법 자체 : 즉, 실제 페인팅이 어떻게 이루어 졌습니까? 그러므로 우리는 매우 겸손하게 이러한 제안을 제공합니다. 사용 된 실제 페인팅 기법을 평가하는 방법.
어떤 재료 그림을 만드는 데 사용 되었습니까?
어떤 종류의 페인트가 사용 되었습니까? 어떤 유형 화가가 사용했습니까? 이 질문에 대한 답변 아티스트의 의도에 대한 흥미로운 정보를 제공 할 수 있습니다. 표준 재료는 캔버스에 유성 페인트입니다. 기름이 풍부하기 때문에 그것의 적응성 때문에 색깔, 화포의. 그러나 아크릴이나 수채화가 대신 사용됩니다. 얇은 유약이 필요할 때 오일의 경우, 아크릴도 더 좋습니다. 넓은 평평한 색상 영역이 필요합니다. 미국 추상 표현주의 자 마크 로스코와 바넷 뉴먼, 둘 다 기념비적인 색상으로 유명합니다. 캔버스, 1950 년대에 기름과 아크릴의 혼합물로 실험. 수채화 및 아크릴 물감도 오일보다 훨씬 빨리 건조되며 따라서 빠르게 작업 된 그림에 이상적입니다. 나무 패널 그림은 때때로 캔버스의 대안으로 사용됩니다. 정확한 도료 작업이 의도됩니다 (미니어처는 여전히 나무에 칠해져 있습니다. 구리 또는 슬레이트 패널), 또는 예술가가 매우 얇은 층으로 페인트를 만들고 싶을 때 온도 또는 아크릴과 함께.
때로는 그림 표면, 그 지원 그리고 그 프레임은 예술 작품의 특정 특징이됩니다. 초기에 1960 년대 프랑스 현대 미술은 극좌 아방가르드 Supports-Surfaces 그룹에 의해 지배되었으며, 회원들은 대규모 캔버스를 그렸습니다. 들것 (캔버스 뒤의 물리적 지지대)없이 재료 종종 자르거나 짠 또는 구겨졌습니다. 이탈리아 화가 루시오 폰타나 또한 60 년대에 그의 "슬래시 된"캔버스로 자신의 이름을 만들었습니다. 관객이 그림 평면을 통해 2010 차원으로 볼 수 있도록합니다. 그 자체가 작업의 일부가되는 공간 너머. 최근 안젤라 <>년 브리티시 터너상 후보에 오른 현대 예술가 중 한 명인 드 라 크루즈는 그녀의 캔버스로 유명해지고, 페인트 칠한 후 들것 지지대에서 벗어나 구겨지고 다시 매달렸습니다.
내용은 무엇입니까 & 그림의 주제
그림에는 무엇이 묘사되어 있습니까? 역사적 그림이나 신화적인 경우 그림, 스스로에게 다음 질문을하십시오 : 어떤 이벤트가 표시됩니까? 어떤 캐릭터가 관련되어 있으며 그들의 역할은 무엇입니까? 어떤 메시지가 수행합니까? 그림에 포함되어 있습니까? 초상화라면 다음과 같은 질문을 스스로에게 물어보십시오. 시터는 누구입니까? 작가는 그를 어떻게 묘사합니까? 어떤 기능 아니면 시터의 측면이 두드러 지거나 주목 받습니까? 만약 그것이 장르 장면, 스스로에게 다음 질문을하십시오 : 어떤 장면이 묘사되고 있습니까? 무슨 일이죠? 화가는 우리에게 어떤 메시지를 전합니까? 그가 이 특별한 장면을 선택한 이유는 무엇입니까? 풍경이라면 스스로에게 물어보세요 이러한 질문: 보기의 지리적 위치는 무엇입니까? 그림? (예를 들어. 화가가 가장 좋아하는 유령입니까?) 아티스트 란 무엇인가? 풍경에 대해 우리에게 전달하려고합니까? 정물이라면 물어보세요 자신에게 이러한 질문 : 어떤 물건 - 아무리 중요하지 않은 것처럼 보일지라도 -그림에 포함되어 있습니까? 아티스트가 이러한 특정 항목을 선택한 이유는 무엇입니까? 항목? 왜 그분은 자신이 해온 방식으로 그것들을 배치하셨습니까? 정물화가 알려져 있습니다. 그들의 상징주의를 위해, 그래서 그려진 물건을 분석 할 가치가 있습니다. 각각이 상징 할 수있는 것.
감상하는 방법 그림의 구성?
구성은 전체 디자인 (disegno)을 의미합니다. 일반 레이아웃. 그리고 그림이 어떻게 배치되는지는 크게 중요하기 때문에 중요합니다. 시각적 효과를 결정합니다. 왜? 잘 구성된 그림은 사진 주위로 시청자의 시선을 끌고 안내합니다. 뛰어난 화가들 작곡에서 항상 위대한 아카데미에서 고전적으로 훈련되었고, 구성은 회화 과정에서 높이 평가되는 요소였습니다. 세 가지 최고의 예는 니콜라 푸생 (1594-1665), J.A.D 앵그르 (1780-1867) 그리고 에드가 드가 (1834-1917).
공간 부족으로 인해 우리는 들어갈 수 없습니다. 자세한 내용은 여기에 있지만 다음 작품에 대한 연구를 권장합니다. 이집트의 가족 (1655-7, 에르미타주, 상트 페테르부르크) 푸생; 그 발팽송의 배터 (1808, 루브르 박물관, 파리) 잉그르; 그리고 압생트 (1876, 오르세 미술관) 드가
첫 번째 작품에서 - 요셉을 보여줍니다. 그리고 마을의 사원 옆에서 쉬고 있는 마리아 - 푸생은 그의 시연을 합니다. 그림의 모든 것을 정확하게 배치하는 놀라운 능력 최대의 광학적 조화를 위해, 그리고 중요한 메시지를 전달하기 위해 전체 주제와 일치합니다. 간단히 말해서 그림의 모든 것 매우 구체적인 목적과 특정 위치가 있습니다. 두 번째 작품에서 -뒷면이 보이는 창문이없는 침실의 단순한 내부 침대에 앉아 있는 익명의 여성 누드 - Ingres가 만듭니다. 색상, 형태 및 각도의 매우 상징적 인 배열은 관음증적인 신비가 있는 그림. 세 번째 사진 - 가장 위대한 사진 중 하나 장르 그림 - 파리 카페에 앉아있는 매춘부를 묘사합니다. 그녀 앞에서 압생트 한 잔과 함께; 다른 남자가 그녀 옆에 앉는다. 둘 다 생각과 자신의 세계에서 길을 잃었습니다. 이 작품에서 드가는 일련의 각도와 선, 우울한 어두운 색상을 캡처합니다. 세포와 같은 고립과 개인의 우울한 고독 주요 대도시의 심장부. 세 작품 모두 여러 가지 중요한 것을 제공합니다. 그림의 구성을 감상하는 데 도움이되는 통찰력.
감상하는 방법 그림의 선과 모양?
화가의 기술은 종종 드러납니다. 그의 선 (개요)의 힘과 자신감으로, 창조하고 묘사 그의 그림의 다양한 모양. 유명한 이야기에서 중요한 후원자 르네상스 이전의 위대한 화가 인 조토에게 메신저를 보냅니다. 메신저 조토에게 신분 증명을 요청하자 작가는 붓을 만든다. 그리고 그가 완벽한 원을 그리는 린넨 조각. 그런 다음 그는 손을 그것은 메신저에게 말하기를, "너의 주인은 누가 그림을 그렸는지 정확히 알 것이다. 이거." 선은 그림의 구조에서 중요한 요소입니다. 그리고 왜 그림이 모두에게 여겨졌는지 설명합니다. 예술가의 가장 큰 속성으로서의 르네상스 전문가. 사실, 언제 위대한 유럽 미술 아카데미가 처음 문을 열었고 학생들은 그림을 가르치지 않음 (Colorito) 전혀-그냥 그리기. 가장 훌륭한 제도가 중 일부는 초상화 화가였습니다. 그의 라인은 거의 흠잡을 데가 없을 수 있습니다: 현대적인 예는 고전적으로 훈련받은 초상화 작가 존 싱어 사전트 (1856-1925) "AU 프리미어 쿠데타"기술 - 하나의 정확한 스트로크 재 작업없이 브러시의. 고전이없는 현대 예술가들 사이에서 훈련, 반 고흐와 고갱의 그림은 예외적으로 강력하고 자신감있는 라인.
비 유적 회화에서 : (1) 방법을 조사하십시오. 작가는 chiaroscuro를 사용하여 인물의 3D 품질을 최적화합니다. (2) 그가 특정 조명에 스포트라이트를 비추기 위해 조명 계획의 일부로 테네브리즘을 사용하는지 확인하십시오. 그림의 일부; (3) 화가가 색상 혼합에 스푸마토 기법을 사용하고 있는지 확인하십시오.
감상하는 방법 그림의 색?
색깔 회화에서 우리의 감정에 큰 영향을 미치므로 연극 우리가 예술을 감상하는 방식에서 큰 부분을 차지합니다. 흥미롭게도 우리는 식별 할 수 있지만 최대 10,11만 가지 색상 변형, <>개의 기본 색상 용어만 있습니다. 영어-검정, 흰색, 빨간색, 주황색, 노란색, 녹색, 파란색, 보라색, 분홍색, 갈색 및 회색. 따라서 색상에 대해 정확하게 이야기하는 것은 아닙니다. 쉬운. 덧붙여서, 용어와 관련하여 : "색조"는 동의어입니다. 색깔; "색조"는 특정 버전의 더 밝은 버전 (예 : 분홍색)입니다. 색상 (빨간색); "음영"은 더 어두운 버전 (예 : 마젠타색)입니다. "톤" 색상의 밝기, 강도 또는 광채입니다. 덧붙여서, 많은 올드 마스터의 작품은 나이가 들면서 어두워지기 시작하여 덜 매력적으로 보입니다. 그것은 또한 최고를 만들 수 있습니다 미술관은 더 우울해 보입니다!
색상은 화가가 여러 가지 방법으로 사용합니다. 마크 로스코의 예를 들어 그림. Rothko는 최초의 화가 중 한 명입니다. 풍부한 색상으로 포화 된 거대한 추상 캔버스 - 노란색, 오렌지, 빨강, 파랑, 남색 및 제비꽃. 그의 목표는 감정을 자극하는 것이었다. 시청자의 응답. 그리고 왜 안돼? 결국, 색상 심리학은 이미 병원, 학교의 인테리어 디자인에 큰 영향을 미치고 있습니다. 및 기타 기관.
역사적으로 인상주의와 표현주의 (특히 포비 즘)이 첫 번째였습니다. 색상의 잠재력을 최대한 활용하기위한 국제적 운동. 학구적인 화가들은 전통적인 색 구성표를 고수했습니다 - 푸른 잔디, 파란색 / 회색 바다 등등, 그러나 현대 예술가들은 그들이 본 것을 그렸습니다 (인상파) 또는 그들이 어떻게 느꼈는지 (표현 주의자) : 그것이 붉은 잔디를 그리는 것을 의미한다면, 그래서 될 수 있습니다. 비 유적 예술은 풍경과 동일한 취급을 받았다 : 따라서 "러시아 마티스"알렉세이 폰 자울렌스키 (1864-1941) 세트 초상화에서 색상 사용에 대한 표준, Degas는 색상을 사용했습니다. 그의 발레 스타에 광택을 더하고 압생트 술꾼에게 절망을 더하기 위해. 다른 아티스트는 전체에 걸쳐 단색 색조 구성표를 사용합니다. 특정 분위기를 조성하기 위해 그림. 최고의 모범에는 다음이 포함됩니다. 코롯의 낭만적 인 풍경, 앳킨슨 그림 쇼의 야행성 장면, 휘슬러의 색조의 야행성, 피터 일스테드의 인테리어, 크로이어의 풍경, 해머쇼이의 인테리어, 그리고 "블루"와 "로즈"시대가 작동합니다. 피카소 (1881-1973)의 작품입니다.
요약하자면, 화가들은 색을 사용하여 자극합니다. 감정, 빛의 자연주의적 효과를 포착하고 캐릭터를 빌려줍니다. 그림 또는 장면, 추상 또는 반 추상 작품에 깊이를 더합니다. 시청자의 시선을 끌기 위해 사용될 수도 있습니다. 배우고 싶다면 그림을 감상하는 방법, 예술가가 사용하는 방법에 세심한주의를 기울이십시오. 색깔. 스스로에게 물어보십시오 : 왜 그 / 그녀는 특정 색조를 선택 했습니까? 그림의 분위기 나 구성에 어떻게 기여합니까? 어떻게 사용 된 서로 다른 색상이 서로 관련되어 있습니까 : 조화를 이루는가 또는 마찰?
감상하는 방법 그림의 질감과 붓놀림?
평가 방법을 배울 때 그림의 질감과 붓놀림, 방문을 대신할 수 있는 것은 없습니다. 갤러리나 박물관에서 직접 캔버스를 볼 수 있습니다. 최고의 미술책조차도 텍스처를 어느 정도 복제합니다. 다시 한번, 그것은 고전적으로 경향이있다. 다양한 질감과 impasto의 사용에 탁월한 훈련 된 화가. Ingres는 심지어 특정 주제를 선택할 것입니다 (예 : 그 발핀콘 바테르 1808, 루이지애나 Grande Odalisque 1914) 캡처 기술을 과시하기 위해 진주층, 자개 및 실크와 같은 재료의 질감. 어느 곳에서나 속도, 화가가 질감을 얼마나 잘 처리하는지는 강도에 대한 좋은 지침입니다. 그 / 그녀의 그림 기법의.
브러시 작업은 빡빡 할 수 있습니다 (느리고 정확하며 통제) 또는 느슨한(더 빠르고, 더 캐주얼하고, 더 표현주의적). 그것은 주로 그림의 스타일과 분위기에 의해 결정됩니다. 예술가의 기질보다. 카라바조는 격렬한 뜨거움을 느꼈다. 기질이 있지만 그의 그림은 통제 된 붓놀림의 모델이었습니다. 세잔 느린 기질을 가졌습니다 : 그는 너무 천천히 그림을 그려서 그의 모든 열매가 정물화는 그가 끝내기 몇 주 전에 썩어 버렸습니다. 그러나 붓놀림은 그의 작품 중 많은 부분이 예외적으로 느슨합니다. 격렬하게 일반화하면 사실주의 화가들의 붓놀림이 더 고의적 인 경향이 있다고 말하십시오. 표현 주의자보다 더 통제됩니다. 인상파가 개최했을 때 1874 년 파리에서 열린 첫 번째 전시회에서 비평가와 관중은 그들이 붓놀림의 "엉성함"이라고 부르는 것에 소름이 돋았습니다. 그들은 정확한 그림보다 훨씬 더 멀리 서 있어야했습니다. 이미지가 형성되었습니다. 요즘 우리는 인상주의에 꽤 익숙하지만 처음에는 매우 느슨한 붓놀림이 스캔들을 일으켰습니다.
그림을 평가할 때, 물어볼 질문은 : 붓놀림이 그림을 추가하거나 손상시키는가?
감상하는 방법 그림의 아름다움?
미학은 매우 개인적인 주제입니다. 우리 모두는 다음을 포함하여 사물을 다르게 봅니다. "예술", 특히 "아름다움". 또한, 회화 무엇보다도 시각 예술입니다 - 우리가 생각하기보다는 보는 것 약. 그래서 우리가 그림이 아름답다고 생각하느냐고 묻는다면, 우리는 상당히 즉각적인 응답을 줄 가능성이 높습니다. 그러나 우리가 그렇다면 그림의 아름다움 (또는 부족)을 평가하도록 요청 - 의미, 설명하고 이유를 제시하십시오-글쎄, 그것은 다른 이야기입니다. 그래서 당신을 돕기 위해 상황을 분석하고 여기에 대해 스스로에게 물어볼 몇 가지 질문이 있습니다. 그림. 대부분은 조화, 규칙 성 및 균형에 관심이 있습니다. 그것은 보입니다.
어떤 비율이 분명합니까? 그림?
그리스 예술과 르네상스 예술은 종종 특정 비율 규칙을 기반으로했습니다. 광학 조화에 대한 고전적인 견해. 그래서 아마도 당신이 보는 아름다움 (또는 not)는 비율 (객체의)을 참조하여 부분적으로 설명 할 수 있습니다. 및 그림) 작품에서.
특정 모양이나 패턴이 반복됩니까? 그림에서?
심리학자들에 따르면, 즐거운 모양의 반복, 특히 대칭 패턴에서 눈과 뇌를 이완시켜 즐거움을 느껴보십시오.
그림에 사용 된 색상이 서로를 보완합니까?
보색 또는 색조 변형이 있는 색 구성표는 감각에 대한 호소력.
그림이 당신을 끌어 당깁니까? 합니까 주의를 유지하는가?
가장 위대한 그림은보기가 가장 쉽습니다. 그들은 우리의 관심을 끌고 그런 다음 "푯말"이 작업 주위에 우리의 눈을 안내합니다.
어떻게 그림은 다른 사람들과 비교됩니까?
모든 것은 상대적입니다. 그래서 어떻게 당신 앞에있는 그림은 비슷한 유형의 그림과 비교합니다. 같은 아티스트? 성숙한 작품이라면 더 일찍 개선 될 수 있습니다. 하나, 그 반대도 마찬가지입니다. 같은 아티스트의 다른 아티스트를 찾을 수 없다면 다른 예술가들의 비슷한 작품을보고. 이상적으로는 페인트 칠한 작품으로 시작하십시오. 같은 10 년 동안 점차적으로 앞으로 나아갑니다. 당신은 할 수 없어요 너무 많은 그림을보세요!
팁 추상 미술을 감상하는 방법
추상적인 그림은 평가하기가 쉽지 않습니다. 장군을 따라도 괜찮아 큐비즘과 같은 테마 또는 그들이 인식 가능한 기능을 포함하지만 순전히 구체적입니다. 기하학적 기호 만 사용하는 예술은 너무 지적인 경향이 있습니다. 편안함을 위해! 즉, 많은 추상적 인 화가들은 현대 문화에 큰 공헌을했으며, 우리는 그들을 이해하려고 노력해야합니다. 여기에 몇 가지 팁이 있습니다.
완전히 추상적 인 그림은 우리를 자유롭게합니다. 시청자, 실생활과의 모든 광학 연관성에서. (이것이 많은 사람들이 예술가는 추상 관용구로 작업합니다). 그래서 우리는 어떤 것에도 산만하지 않습니다. 그림 밖에서 우리는 회화에만 집중할 수 있습니다. 작업의 측면 : 즉, 선, 모양, 색상, 질감, 브러시 작업 등.
특히, 스스로에게 물어보십시오 : (1) 어떻게 작가가 캔버스를 나눈다? (2) 작가는 우리의 눈을 어떻게 향하게 하는가, 그리고 그것은 어디에 남아 있습니까? (3) 작가는 어떻게 색을 사용하여 창조합니까? 깊이, 관심 끌기 또는 특정 모양에 특별한 의미 부여 또는 의미? (4) 작품에는 어떤 구체적인 형태가 담겨 있으며, 어떤 일이 일어날까요? 당신은 그들이 의미한다고 생각합니까? (5) 때때로 추상 예술가들은 색상을 매우 드물게 사용합니다. 의도적으로 미니멀리스트 룩을 만듭니다. 자신이 할 수 없다고 생각되면 그런 작품에 대해 많이 말하면 걱정하지 마십시오 : 모두가 어려움을 겪습니다. 그들! 가장 좋은 방법은 하나의 특정 작업을 조사하고 찾는 것입니다. 최고의 "예술 전문가"가 그것에 대해 어떻게 생각하는지. 당신은 여전히 할 수 없습니다 좋아하지만 적어도 무엇을 찾아야하는지 알게 될 것입니다. (6) 일반적으로, 추상 회화는 다른 작품보다 훨씬 더 대뇌적입니다. 그들은 필요합니다 해독 될 수 있습니다! 그래서 손을 들고 말하는 대신 - "나는 이 끔찍한 그림을 이해하지 마십시오!", 퍼즐처럼 취급하고 아티스트가 목표로하는 것을 해결할 수 있는지 확인하십시오.
참조 : 방법 그림을 감상합니다.
평가 방법 예술: 몇 가지 마지막 질문
의 맥락을 조사한 후 그림과 작품 자체, 우리는 몇 가지 마지막 질문에 도달합니다.
• 그림은 무엇입니까 말하다?
이 일반적인 질문은 당신이 발견하거나 결정한 모든 것을 포함합니다. 작품에 대해.
● 그림을 보면 어떤 느낌이 듭니까?
이것은 작업에 대한 주관적인 반응에만 중점을 둡니다.
• 그림의 영향은 대부분 시각적입니까, 아니면 대부분 대뇌입니까?
이것은 당신이 당신의 반응을 분석하도록 강요합니다.
• 집 벽에 걸려있는 것을보고 싶습니까?
이를 통해 다른 각도에서 작업을 고려할 수 있습니다.
• 비슷한 유형의 그림에 대한 더 많은 예를보고 싶습니까?
이 작품에 대해 거칠지 않을 수도 있지만 스타일을 좋아할 수도 있습니다.
미술사 비평 : 유명한 비평가
예술에 대해 아무것도 알 필요가 없습니다 예술을 감상하는 방법을 알기 위해 비평가 또는 그들의 역사. 그래서 우리는 세부 사항으로 당신을 지루하게하지 않을 것입니다. 그러나 몇 가지 스 니펫이 도움이 될 수 있습니다. 전문가조차도 그림이 천재 또는 완전한 쓰레기의 작품입니다.
드니 디드로 (1713-84)는 미술 비평의 창시자로서, 백과 사전 (1751-2)의 편집으로 인해. 그의 예술적 취향에서 오히려 감상적이며, 그는 많은 중요한 일을했는데, 그 중 대부분은 언급하기에는 너무 지루합니다.
테오필 토레(1807-69)는 더 흥미로운: 그는 유명한 '재발견'을 한 프랑스 미술 작가이자 역사가였습니다. 얀 베르메르(Jan Vermeer, 1632-75)는 그를 역사상 가장 위대한 인물 중 한 명으로 세웠다. 화가. 하지만 베르메르에게는 별로 도움이 되지 않습니다. 가난한 사람은 거의 할 수 없었습니다. 빵 청구서를 지불하고 그림으로 돈을 벌지 못하고 무명에 빠졌습니다. 조기 사망 후.
또 다른 유명한 미술 평론가는 19 번째 세기 시인 샤를 보들레르 (1821-67). 그는 유명하게 시작했다. Felicien Rops의 경력 (그에 대해 들어 본 적이 있습니까?), 또한 특별한 언급을 위해 예술가 콘스탄틴 가이즈 (그에 대해 들어 본 적이 없음). 좋은 찰스. 그는 또한 연례 파리 살롱의 정규 작가였으며, 구식 당국은 정말 좋은 예술가들을 모두 금지했습니다. 결국 살롱을 포함한 여러 라이벌 전시회를 개최했습니다. 데 거절 (1863), 살롱 데 인디펜던트 (1884-1914)와 살롱 d' Automne (1903 년 이후).
스위스와 독일어권 내에서 요한 빙켈만 이후 가장 위대한 미술사학자인 세계는 야콥 부르크하르트(Jacob Burckhardt, 1818-97)였습니다. 바젤 대학교 역사학 교수. 그의 가장 유명한 책 - " 이탈리아의 르네상스 문명"(Die Kultur der Renaissance in Italien), 1860 년에 출판 된 이탈리아 Rinascimento의 전체를 탐구하고 19 세기 미술 비평가들에게 큰 영향을 미쳤습니다.
영국에서 가장 위대한 19세기 미술 평론가는 존 러스킨 (1819-1900)이었습니다. 고전으로 기억되는 재능있는 예술가이자 아름다운 작가 그의 5권으로 된 현대 화가들(1843-60), 일곱 램프 건축 (1849)과 베니스의 돌 3 권 (1851-3), 그는 결국 화를 냈지만 유명한 명예 훼손 사건에서 패하기 전에는 휘슬러.
참조 : 가장 큰 현대 회화 (1800-1900).
로저 프라이 (1866-1934)는 매우 영향력있는 영국 미술 평론가였습니다. 아름답고 감미로운 목소리를 가졌습니다. 그는 명성을 쌓았습니다. 이탈리아어 전문가 르네상스와 메트로폴리탄 박물관의 그림 큐레이터가되었습니다. 뉴욕 예술 (1906-10). 그러나 1907년 프라이는 세잔을 '발견'했고, 그리고 그의 관심을 포스트 인상주의로 전환하여 운동의 가장 위대한 챔피언이되었습니다. 런던에서, 1910년과 1912년 그는 포스트 인상주의의 두 가지 중요한 전시회를 기획했습니다. 많은 방문객 프라이는 미쳤다고 생각했다. 그의 수석 사도는 작가, 미술 평론가 및 형식 주의자 클라이브 벨 (1881-1964).
허버트 Read (1893-1968)는 유명한 20 세기 영국 미술 평론가였습니다. 그리고 현대 미술의 가장 중요한 해석자. 《예술의 의미》(1931), 《예술》 등 다수의 작품 출간 지금 (1933), 예술을 통한 교육 (1943), 간결한 역사 현대 회화 (1959)와 현대 조각의 간결한 역사 (1964). 충분했다.
프랑스로 돌아와 최고의 미술 평론가 20 세기 초의 시인 기욤 아폴리네르 (1880-1918). 피카소의 뛰어난 선전가, 입체파, 오르피즘, 마르크 샤갈, 조르지오 데 키리코, 앙드레 드랭, 앙리 마티스, 앙리 루소, 마르셀 뒤샹, 그의 예술 평가는 완벽했습니다.
초현실주의에는 자체 선전가가있었습니다. 앙드레 브르통(1896-1966)처럼 그리고 제1909차 세계 대전이 발발했을 때 거의 모든 예술가들이 떠났습니다. 파리는 이제 세계 예술의 중심지가 된 뉴욕으로 갔다. 주요 미술 평론가는 클레멘트였습니다. 그린버그 (94-1906), 해롤드 로젠버그(78-1907년)와 존 캐나다 (85-1961). 전 트로츠키주의자였던 그린버그는 추상적 잭슨과 같은 작품 폴록의 그림과 예술과 문화 (1948)를 함께 썼다. Miro (<>) 및 기타에 대한 논문과 함께. 불행히도 그는 확실히 그림을 감상하는 방법을 알고 있었고, 아방가르드의 많은 부분을 알고 있었습니다. 그가 그토록 좋아했던 예술은 그린버그처럼 거의 해독할 수 없습니다. 자신. 로젠버그는 그린버그와 마찬가지로 아방가르드 추상화의 추종자였습니다. 뉴욕 타임즈 미술 평론가 인 Canaday는 추상 표현주의에 대한 몇 안되는 영향력있는 비평가 중 한 명이었습니다.
케네스 Clark(1903-83), 대부분의 사람들보다 전통주의자임에도 불구하고 20 세기 비평가들은 틀림없이 그의 창조로 인해 가장 영향력있는 사람이었습니다. 수상 경력에 빛나는 BBC TV 다큐멘터리 시리즈 "문명" 영국과 미국 모두에서 매우 성공적이었습니다. 영어권 세계.
그것은 불가능합니다 모든 예술 감상
프랑스 인상주의는 가장 모든 시간의 성공적이고 영향력있는 예술 운동. 그러나 처음에는 그것은 비평가들뿐만 아니라 모든 부문에서 조롱을 받았습니다. 보는 대중의. 모네, 르누아르, 피사로는 거의 굶어 죽을 뻔했습니다. 시슬리 가난하게 죽었다.
1913년 봄, 무기고 쇼 - 지금까지 본 현대 미술의 가장 위대한 전시회 미국 - 시카고로 여행하기 전에 맨해튼에서 개최되었으며 보스턴. 약 300,000명의 미국인이 1300개의 전시회를 보았습니다. 가장 최신의 유럽 회화와 최고의 현대 미술 미국 미술. 의견은 특히 입체파에 관해서는 엄청나게 다양했습니다. 그리고 다른 20 세기 작품. 이에 대한 대응으로 폭동이 일어났고 예술가는 마르셀 뒤샹은 폭도들에게 신체적 공격을 받았다. 쇼를 불태워라.
여기서 배울 수 있는 교훈은 무엇입니까? 모든 고품질 예술이 그런 것은 아닙니다. 쉽게 이해하거나 이해할 수 있습니다.
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