세계의 음악인들 5

[☆ 클 라 짱 ☆]

세계의 음악인들

3. 20세기를 빛낸 10인의 바이올리니스트


① 선정 개요
- '하이페츠의 태양 아래' 뒤덮인 한 세기

이번 호에는 '객석'이 창간 14주년 특집으로 연재하고 있는 '20세기를 빛낸 음악가들'의 세번째 순서로' 10인의 바이올리니스트'를 선정해 소개한다.

이번 선정에는 평론가와 칼럼니스트들 이외에도 국내 바이올리니스트들이 선정위원으로 참여했다. 선정위원은 김민, 김방현,김선희, 김순영, 김영목, 김영준, 김의명, 문옥배, 서동진, 선병철,송영택, 양현호, 유윤종, 유형종, 윤정열, 이성주, 이순열, 이순익,이영록, 이재준, 이종협, 이택주, 임화섭, 전용우, 조영미, 최갑주,최민재,최은규, 최한원, 현해은(가나다순) 등 모두 30명이었다.

선정결과는 고득점 순으로 1위부터 30위까지가 1.야샤 하이페츠 2.다비드 오이스트라흐 3.아르투르 그뤼미오 4.프리츠 크라이슬러 5.예후디 메뉴인 6.헨릭 셰링 7.나탄 밀슈타인 8.아이작 스턴 9.지노프란체스카티 10.기돈 크레머 11.레오니드 코간 12.이차크 펄만 13.정경화 14.자크 티보 15.요제프 시게티 16.요제프 수크 17.지네트 느뵈18.안네 소피 무터 19.외젠느 이자이 20.칼 플레쉬 21.살바토레아카르도 22.아돌프 부쉬 23.미샤 엘만 24.볼프강 슈나이더한 25.오스카 셤스키 26.루지에로 리치 27.요한나 마르치 28.지기스발트쿠이켄 29.오귀스탱 뒤메이 30.빅토리아 뮬로바의 순이었다. 간발의차로 여기에 들지 못한 바이올리니스트는 짐발리스트, 쿨렌캄프,주커만, 이다 헨델 등이다.

선정 결과를 놓고 볼 때, 하이페츠를 비롯해 오이스트라흐, 밀슈타인, 크레머, 코간, 엘만, 뮬로바, 짐발리스트 등 러시아계 연주가가 다수 상위권에 선정된 것은 20세기의 바이올린계를 이끈 것이 역시 완벽한 기교의 바탕 위에 음악성을 조화시킨 러시아계 바이올리니스트들이었다는 점을 반증한다. 한편 유태계 바이올리니스트들도 20세기에 만만찮은 세를 과시했다는 것도 알 수 있다. 반면 이탈리아와 독일계 연주가들은 상대적인 약세를 보인 것으로 나타났다.

정경화, 느뵈, 소피 무터, 마르치, 뮬로바, 헨델 등 여성 바이올리니스트들도 높은 평가를 받았는데, 이중 정경화는 여성 연주가들 중에서도 가장 높은 평가를 받았고, 현존하는 바이올리니스트 중에서도 메뉴인, 스턴, 크레머, 펄만 등에 이어 선정되어 20세기를 대표하는 연주가로서의 자리를 굳힌 모습을 보였다. 다만 '10인' 안에 들지 못해 아쉬웠다.

한편 크레머부터 코간, 펄만, 정경화, 티보, 시게티, 수크까지는 매우 근소한 차이를 보여 이들 모두가 꼭 '10인' 안에 들지 않더라도 20세기의 명인이라는 사실을 증명해 보였다. 참고로 젊은 바이올리니스트 중에 장영주, 벤게로프, 샤함, 레핀 등을 손꼽은 선정위원들도 있었는데, 이는 21세기에는 러시아계, 유태계와 함께 한국계 연주가가 바이올린계의 한 맥을 형성할 것이라는 가능성을 점친 것으로 볼 수 있다.

그밖에 특기할 만한 점으로는 원전연주가인 지기스발트 쿠이켄이 30위 안에 들었다는 점, 그리고 시게티-정경화, 그뤼미오-뒤메이 등이 사제간에 함께 높은 평가를 받았다는 점을 꼽을 수 있다.





② 20세기를 빛낸 10인의 바이올리니스트
1. 야샤 하이페츠(1902∼1987)

하이페츠. 푸르트벵글러, 호로비츠 등과 함께 한 세기가 채 끝나기도 전에 이미 전설로 남은 그는 누구인가. 바이올리니스트들에겐, 아니 모든 연주가들에게 있어 그의 이름은 '강박관념'이라는 단어에 다름아니다. 그의 연주는 한마디로 인류 역사상 겨우 몇몇만이 도달할 수 있는 '완벽 그 자체'의 경지에 이르렀기 때문이다.

처절하리만치 철저한 테크닉으로 악보 속의 모든 음표를 하나 빠뜨림없이 영롱하게 악보 밖으로 뿜어내는 정교함. 폭넓은 표현과 탁월한 균형감각. 작곡가의 무의식까지 꿰뚫어보는 듯한 통찰력. 강력한 운궁과 강렬한 비브라토. 자유자재의 템포 조절력. 그리고 믿기지 않을 정도의 집중력. '신이 빚은 바이올리니트'로 통할 만큼 완벽한 그의 연주를 접하고 나면 '보통 연주가'들은 피터 셰퍼가 문학 속에 살려낸 '살리에리'라는 캐릭터를 뼈저리게 이해하게 될 뿐이었다.

하지만 그의 완벽성이 전적으로 천재에만 의존한 것은 아니었다. 정확히 20세기가 시작되던 1901년, 러시아의 빌나에서 태어난 그는 세 살 때 바이올린을 손에 잡았다. 이후로 전개된 83년간의 사투. 그 과정에서 그는 '완벽의 문'을 두드린 몇 안되는 인간으로, '승자'라기보다는 '초인'으로 남게 된 것이다.

6세 때 처음 공개 연주회를 가진 그는 '신동'으로 이름을 날리게 되었고, 그에 따라 9세때 레오폴드 아우어 사단에 합류하게 되었다. 그가 아우어에게 배운 것은 얼마되지 않지만 만일 그 만남이 없었다면 지금의 전설은 없었을지도 모른다. 하이페츠 자신도 살아 생전에 인정한 바였다.

2년 뒤인 1912년, 니키쉬가 지휘하는 베를린 필 무대에서 그는 전설의 시작을 세상에 공표했다. 이듬해 라이프치히에서 브루흐의 협주곡을 연주하는 그를 본 당대 최고의 거장 크라이슬러가

'바이올린을 박살내고 싶다'고 말했다는 유명한 일화가 이어졌다. 이렇게 유럽 각지에서 천재를 과시하던 그는 혁명전야의 위기감이 감돌던 1917년, 공교롭게도 시베리아와 일본을 거쳐 미국으로 건너가 뉴욕의 카네기 홀에서 데뷔 연주회를 가졌다. 역사는 1917년 10월 27일의 하이페츠의 카네기홀 데뷔무대를 하나의 '사건'으로 기록했다. 그리고 러시아 혁명은 11월 7일. 결국 하이페츠는 그대로 미국에 눌러앉게 되었다. 그가 혁명의 와중에 정당한 활동영역을 잃지 않았다는 것은 참으로 다행한 일이다.

미국에 도착한 후 하이페츠는 1년 동안 뉴욕에서만 30회의 공연을 기록했다. 그가 발산하는 비르투오시티에 노출된 청중들은 하이페츠란 이름만 들어도 온몸에 소름이 돋는 치명적인 조건반사를 경험했다. 19세 되던 1920년, 런던 데뷔 연주회를 본 버나드 쇼가 그에게 편지를 보내 '제발 잠들기 전, 기도 대신 아무 곡이나 서툴게 연주하라. 인간으로 태어나 그렇게 신처럼 완벽하게 연주하다간 자칫 하느님의 시기로 요절할지도 모른다'고 충고 아닌 충고를 했다는 것도 유명한 일화다.

20대에 이미 최고의 위치를 차지하게 된 그는 1925년, 미국 시민권을 획득했다. 1940년에는 비버리 힐스에 평생의 보금자리를 마련했다. 그 사이 그는 "우리는 모든 것을 하이페츠에게 빚졌다"라는 말이 하나도 어색하지 않을 정도로 바이올린 연주 수준을 크게 끌어올렸다. 그의 존재 이후 그동안 '19세기의 것'이던 연주 스타일은 '20세기의 것'으로 변했다. 많은 다른 바이올리니스트들이 그저 그의 존재로 인해 다친 것도 사실이다. 1940년대와 50년대를 통해 절정에 이른 연주를 들려준 그는 1960년대 들어서는 후진 양성에도 힘을 기울였다. 그러면서 점점 연주를 줄인 그는 1972년, 마지막 공개 연주회를 갖고 은퇴했다. 1987년, 정말 매일 밤 일부러 엉터리 연주를 하지 않았을까 하는 생각이 들 정도로 장수한 그는 비로서 신의 품으로 돌아갔다.


RCA에서 내놓은 65장의 방대한 하이페츠 전집은 1917년부터 72년 마지막 연주회 실황까지 하이페츠의 모든 것을 담고 있다. 협주곡과 실내악, 소품 등을 망라하는 전집으로 최근에는 낱장으로도 발매되었다.


2. 다비드 오이스트라흐(1908∼1974)

다비드오이스트라흐는 살아 생전에도, 그리고 지금도 여전히 하이페츠에 버금가는 '2인자'이기만 했을까. 지난 96년 3월호 '객석'의 집중탐구기사 '4대 바이올린 협주곡의 세계'를 보면, 음반부분에 4대 바이올린 협주곡의 명반을 역시 평론가와 칼럼니스트의 투표로 선정한 것을 볼 수 있다.

베토벤 바이올린 협주곡의 명반으로는 샤를르 뮌슈 지휘, 하이페츠 연주의 것(보스턴 심포니, rca)이 선정되고 그 뒤를 따르는 것이 오이스트라흐(클뤼탕스-프랑스 국립방송향, emi)다. 차이코프스키 협주곡도 역시 하이페츠의 연주(라이너-시카고 심포니, rca)가 오이스트라흐(오먼디-필라델피아 오케스트라, cbs)보다 우위에 있는 것으로 나타났다. 브람스 협주곡에서는 하이페츠가 아닌 레오니드 코간의 연주(콘드라신-필하모니아, emi)가 명반으로 선정되었고, 오이스트라흐(클렘페러-프랑스 국립방송향)는 그 다음이었다. 이들 모두는 다 최고의 완성도를 자랑하는 음반들이지만 오이스트라흐는 불행히도 어느 하나에서건 윗자리를 차지하지 못했다.

하지만 세상엔 협주곡만 있는 것은 아니다. 브람스의 바이올린 소나타에선 아직 다비드 오이스트라흐의 연주만한 것을 찾아내기 힘든 것이 사실이다. 오이스트라흐는 하이페츠같이 완벽하진 않았으나, 그 연주의 완숙도 면에서 최고의 경지에 올라 있었던 것이 사실이었다. 하이페츠의 연주는 '너무 완벽해 차갑다'는 평을 자주 들었으나 오이스트라흐는 그 반대로 '따뜻한 인간미가 넘친다'는 평을 자주 들었다. 위에서 말한 베토벤의 바이올린 협주곡의 연주도 하이페츠의 것을 '불타는 빙산'에 비유한다면 오이스트라흐의 것은 '얼음기둥 사이를 유유자적하게 헤엄쳐 다니는 금빛 물고기'에 비할 수 있을 것이다.

오이스트라흐의 연주는 내향적·사념적이고 절제미가 돋보이며, 폭넓은 레가토를 적절히 구사하는 것이었다. 이는 하이페츠의 연주 특성에 완전히 반대되는 것이지만 모든 면에서 하이페츠에 뒤지는 오이스트라흐의 변호를 위해 누군가 지어내준 것은 절대 아니다. 음악은 언제나 치열하고 숨가쁘게 몰아붙여서만 얻어지는 것은 아니다. 음악은 스포츠가 아니기 때문이다. 오이스트라흐의 미덕은 나름대로 장점을 발하며 그만의 개성으로 자리 잡을 수 있었다.

오데사 태생의 오이스트라흐는 레오폴드 아우어의 제자가 아니었다. 어린시절 오데사 음악원의 또 다른 명교수 스톨리알스키에게 배운 그는 아우어파와는 다른 러시아 바이올린 인맥을 형성했다. 물론 테크닉은 하이페츠를 제외한다면 최고의 수준이었다. 1935년 비에니아프스키 국제 콩쿠르 2위, 1937년 이자이 국제 콩쿠르 우승 등으로 구소련 밖으로 알려졌고, 길렐스의 경우와 비슷하게 구소련이 정책적으로 서구에 소개하는 연주가로 지목되어 많은 혜택을 누렸다.

레프 오보린과 리히테르와의 2중주를 중심으로 한 실내악 활동은 조금 더 시간이 흐른 후에 이루어져 좋은 결실을 거두었다. 만년에는 지휘대에도 서는 모습을 보였으나 큰 업적을 남기지는 못했다. 오히려 교육분야에선 뛰어난 업적을 남겼다 할 수 있다. 크레머와 올레그 카간 등이 그가 길러낸 제자. 바이올리니스트인 이고르 오이스트라흐는 그의 아들.


3. 아르투르 그뤼미오(1921∼1986)

그뤼미오는 정통 프랑코-벨기에 악파 계보의 큰 줄기에서 한치도 벗어남이 없는 인물이다. 벨기에에서 태어났고, 일찍부터 천재의 기질을 보여 12세의 나이로 브뤼셀 왕립음악원에 들어갔다. 여기서 알프레드 뒤부아를 만났는데, 그는 역시 벨기에의 위대한 바이올리니스트 이자이의 제자였다. 1936년 파리로 가 조르주 에네스쿠에게 배웠는데, 그도 또한 이자이의 제자였다. 이자이는 비외탕의 제자였다. 여기까지가 프랑코-벨기에 악파의 주류를 이루는 사제 관계다.

비외탕-이자이-에네스쿠 세 사람은 작곡가로서도 인정받은 바이올리니스트들이다. 미리 말하자면, 그뤼미오에게 배운 프랑코-벨기에 악파의 적자는 오귀스탱 뒤메이다. 지극히 상업화된 20세기 후반까지 이렇게 정확히 한줄기로 이어지는 악파나 인맥은 그 어느 곳에서도 찾아보기 힘들다. 그네들 입장에서 본다면 이들이야말로 '전통을 이어가는 사람들'인 것이다. 그뤼미오가 유난히 하이페츠의 영향권에서 벗어난 듯 보이는 이유도 여기에 있을 것이다.

다시 그뤼미오 얘기로 돌아가보자. 그는 22세 되던 1943년에야 데뷔 연주회를 가졌다. 그리고 바로 독일의 벨기에 침공이 이어졌고, 그는 전쟁이 끝난 후에야 본격적인 활동을 개시했다. 1949년 스승 뒤부아가 세상을 떠나자 브뤼셀 왕립음악원은 그 뒤를 이을 교수로서 가장 적합한 인물로 그뤼미오를 지목했다. 당연한 일이었지만 그는 아직 20대였다. 그로부터 세상을 떠난 86년까지, 그뤼미오는 전통 전달자로서의 역할을 묵묵히 수행했다.

50년대 들어 클라라 하스킬과 듀오 활동을 전개하기 시작했다. 이 두 사람의 음악 스타일은 너무나 완벽히 들어맞았다. 이 두 사람의 모차르트 바이올린 소나타의 연주(필립스)는 이 분야에서는 전설적인 명연으로 남았다.
물론 낭만주의 협주곡들을 녹음해 남기기도 했지만 그뤼미오의 연주는 후기 바로크에서 고전주의에 걸친 레퍼토리, 그것도 특히 실내악에서 빛을 발하는 것이 사실이다.
그뤼미오의 연주들은 조금 빠른 듯한 템포설정 속에서 유려함과 우아함을 빚어내는 세련미를 발하는 것이다. 거기에 균형감과 양식감이 잘 갖추어진 느낌을 주는 단정한 것이다. 하지만 분명히 낭만에서 현대를 거치며 무르익은 연주법을 제대로 살린 것으로 볼 수 있다. 최근 들어 부각되고 있는 원전 연주가들과 비교해 본다면 이런 특징은 더욱 명확히 살아날 것이다. 이들에 비한다면 훨씬 강건하고 명확하며 거추장스런 장식들을 배제한 것으로, 듣는 이들에게 곁가지보다는 구조적 핵심에 치중하게 한다.

바흐의 무반주 바이올린 소나타 전곡의 경우(필립스), 그뤼미오의 연주는 바흐적이라기 보다 훨씬 모차르트적이다. 텔레만의 12개의 무반주 바이올린 환상곡(필립스)에 대해서도 마찬가지 얘기를 할 수 있다. 바로크적이라기보다 고전적인 취향인 것이다. 이런 해석이 더 듣기 편하다고 해서 시대에 뒤떨어진 것은 절대로 아니다. 단지 취향의 문제일뿐이다.


4. 프리츠 크라이슬러(1875∼1962)

'크라이슬러'라 하면 왠지 '아주 옛날 사람'이란 느낌을 받는 것이 사실이다. 오늘날 클래식을 모르는 사람들도 '좋아한다'고 자신있게 말하는 크라이슬러 작곡의 '사랑의 기쁨'이나 '사랑의 슬픔'은 너무나 낭만적이고 분위기 있는 소품들이라 그가 도무지 20세기의 사람으로 느껴지지 않기 때문일 것이다. 그는 분명히 19세기에 26년을 살았고, 20세기에 61년을 살았다. 하지만 오스트리아 빈에서 태어난 그의 선천적인 '빈 기질'은 속일 수가 없는 것이다.

역시 신동이던 그는 7세의 나이로 빈 음악원에 최연소 입학해 헬메스베르거에게 바이올린을, 브루크너에게 이론을 배웠다. 10세 때 파리 음악원으로 옮겨 마사르에게 바이올린을, 들리브에게 작곡을 배운 그는 12세의 나이로 더 이상 배울 것이 없게 되었다. 이듬해 미국 순회 공연을 갖고 돌아와 그로부터 약 10년간은 의학을 공부하고, 군 복무도 하느라 음악과 잠시 멀어졌다. 1898년 빈 필에 입단했고, 이듬해 니키쉬 지휘의 빈 필과 협연해 성공을 거둔 후, 50년 가까이 당대 최고의 스타 연주가의 지위를 누렸다.

제1차 세계대전 때 참전했다 부상당하기도 했던 그는, 제2차 세계대전의 조짐이 보이자 치를 떨며 미국으로 향했다. 그런데 미국에서도 교통사고로 시력과 청력이 약해지는 불행을 당했다. 하지만 1947년 카네기홀 은퇴 연주회로 무대에서 물러날 때까지 성실히 연주에 임했다.

그의 스타일은 지금 들어보면 너무나 고풍스런 것이다. 이미 1백년 이상의 세월이 흐른 탓이다. 그의 가장 기교적인 작품에 쓰인 어려운 기교들도 사라사테에서 아주 멀리 벗어나 있지는 않다. 하지만 그가 19세기에서 20세기로 넘어오는 과도기적 과정을 대표하는 바이올리니스트임을 부정할 수는 없다.

위에서 소개한 대로 크라이슬러가 하이페츠를 처음 대면한 것은 1912년이다. 당시 함께 자리했던 짐발리스트는 크라이슬러의 농담이 진담이 되어 '하이페츠의 충격'을 이겨내지 못하고 도태의 길을 걸었다. 하지만 크라이슬러는 전쟁중에 부상당하면서도 연주가로 살아남았다. 이는 크라이슬러도 젊은 시절 만만찮은 기교파였음을 증명한다.

또 한 가지 중요한 것은 그가 무대 위에서 청중을 사로잡는 카리스마와 매력이 남달랐다는 점이다. 1947년 은퇴한 후로도 따뜻한 인품으로 친근감을 주는 명사로서 오랫동안 미국인들의 사랑을 받았다는 점은 이를 간접적으로 증명한다. 그가 19세기 빈 풍의 전인적 인간형으로 교양인이자 신사였다는 점은 덧붙일 필요도 없을 것이다. 그가 비록 소품일지언정 작곡을 했다는 것도 하이페츠에 대한 열등감을 최소화 할 수 있는 방패였을 것이다.


5. 예후디 메뉴인(1916∼ )

메뉴인은 미국이 유럽으로 수출한 음악가로서는 초유의 인물이다. 뉴욕에서 유태인의 후손으로 태어난 그는 7세 때 처음으로 오케스트라와 협연했고, 8세 때 독주회를 가진 당대의 대표적인 '신동'이었다. 그는 요즘으로 치자면 '영재교육'을 위해 9세의 나이로 에네스쿠 밑에서 배우기 위해 파리로 유학했다. 하지만 유럽에서도 그에 대한 청중들의 반응은 예사롭지 않았다. 지금의 '신동'들에게 보내는 반응보다 더욱 열광적인 것이었다 전한다.

이러한 '신동 신드롬'은 물론 나이에 걸맞지 않는 완벽한 기교와 성숙한 음악적 표현력이 바탕이 된 것이었지만, 또 한 가지 주목할 것은 메뉴인의 유년기의 신체 성장속도가 다른 아이들보다 느렸다는 점이다. 10세 때도 아직 '꼬마'로밖에 안 보였고, 10대 중반까지도 귀공자의 이미지를 간직했던 그다.

1932년 엘가의 바이올린 협주곡을 작곡가 자신의 지휘로 녹음했다. 그리고 그는 인기절정에서 20대를 맞이했다. 그의 '신동 신드롬'은 약효가 떨어져 갔고 1940년대 초반에는 심한 슬럼프를 겪었다. 500회 이상의 전시 위문공연과 첫 아내와의 결별 등이 겹치며 메뉴인은 심각한 상태까지 갔으나 디아길레프 발레단의 프리마 돈나 다이아나와의 재혼으로 안정을 찾아갔다.

전후 푸르트벵글러 지휘의 베를린 필과의 인연으로 그는 다시 솔리스트로서도 정상을 찾아갔다. 당시의 녹음인 멘델스존의 바이올린 협주곡(emi)은 명반으로 손꼽힌다. 하지만 그는 바이올린에 머무르지 못했다. '신동시대' 이후 그의 연주는 다른 대가급 연주가들과 비교해 약간 낮은 수준에서 연주 평균점이 형성되었던 것이다. 메뉴인 자신도 이를 자각한 듯 자꾸 다른 분야로 관심을 돌리려 했고, 한때 그는 비올라를 연주하기도 했다.

60년대 들어 이런 경향은 더욱 심화됐다. 그러나 이는 너무나 지나친 자학이었고, 때이른 포기였다. 그가 바이올리니스트로 남긴 레코딩 유산만도 엄청난 것이었고, 하이페츠도 이미 한물가기 시작한 입장이었다.
바이올리니스트로서 그는 순도 높은 스타일로 해석의 깊이와 힘을 느끼게 하는 연주를 들려주었었다. 지휘 분야에서 확실한 돌파구를 찾으려던 그는 점차 지휘 횟수를 늘려갔으나 이 분야에서도 큰 성공을 거두진 못했다.

젊은 음악가들과의 교류를 무척이나 좋아했던 그는, 타고난 음악교사로서의 자질을 살리며 돌파구를 찾았다. 1963년에 메뉴인 음악학교를 설립해 교육에 투자하기 시작한 것은 당연한 결과였다.
또한 세계의 민속음악을 서구의 청중들에게 전하는 물꼬를 튼 것도 그였다. 시타르의 달인, 라비 샹카르의 인도음악에 탐닉한 나머지 그는 요가수행법을 배웠다. 82년의 베를린 필 1백주년 기념 연주회의 지휘대에 선 그는 물구나무서기를 한 채 '요가 지휘'를 선보이기도 했다. 얼마 전 타계한 재즈 바이올린계의 명인, 스테판 그라펠리와의 공동작업에 의한 레코딩 역시 선구적 크로스오버로 기록됐다.

메뉴인은 최근에는 로열 필하모닉의 명예지휘자로서 세계에 음악을 전파하는 '음악전도사'로서도 자신의 이미지를 위해 노력하고 있다. 지난 95년 가을 내한했을 당시 지휘자로서의 모습을 선보이기도 한 그다.


6. 헨릭 셰링(1918∼1988)

셰링의 연주를 보면 한 가지 신기한 점을 발견할 수 있다. 웬만한 연주가들이 공들여 연주할 것을 그는 전혀 어렵지 않게, 마치 부담없이 연습이라도 하는 양 연주하는데, 거기서 나오는 음악은 경탄스러울 만큼 견고하고 안정적이라는 것이다. 또한 감정의 커다란 기복없이, 평탄하고 덤덤하게 끌고 나가는 듯하면서도 전체의 구도는 완벽하게 잡혀 있다.

감정과 기교의 조절력이 상상을 초월할 정도로 뛰어나 탄탄한 안정감이 생겨나는 것이다. 또 항상 중용의 도를 지키면서도 전체의 구도를 한눈에 읽을 수 있는 높은 곳에 위치한 시각을 지닌 것이다.
폴란드의 수도 바르샤바에서 태어난 셰링은 수업기에 후베르만과 칼 플레쉬, 그리고 자크 티보로부터 직접 배우거나 지대한 영향을 받았다. 모두 위대한 교육자들로 이름 높았던 이들이다. 이들 셋의 장점을 모두 흡수해 내면에 동화시키고, 그것을 다시 자신의 것으로 이끌어내는 노력도, 시간도 충분했다. 그는 제2차 세계대전이 끝난 이후로도 당시로서는 불모지나 다름없는 멕시코에서 가르치며 한동안 화려함 따위와는 상관없이 묵묵히 정진했기 때문이다.

1956년 연주여행중이던 루빈슈타인이 그를 보고 당장에 자신의 실내악 파트너로 삼았다. 당시의 모습을 보여주는 베토벤과 브람스 바이올린 소나타 음반(rca)은 완성도 높은 귀중한 자료다. 그리고 루빈슈타인은 셰링을 세계 각지에 헌신적으로 소개했다. 이유는 단 하나. 그의 연주의 완성도가 너무나 뛰어났기 때문이다. 그의 연주가 언제 그렇게 완성의 경지에 이르게 되었는지에 대한 의문은 깊었다. 그때까지 그에게는 하잘것없는 콩쿠르 입상 경력 하나 없고, 초절기교를 드날리던 젊은 시절도 없었으며, 변변한 레코딩 하나 없었다.

최근에 아를레키노 레이블을 통해 소개되는 그의 젊은 시절 녹음들은 협주곡들도 다수 포함되어 있어 그가 실은 남 못지않은 연주력의 소유자였고, 젊은 시절부터 뛰어난 균형감과 남다른 조절능력을 가지고 있었다는 사실을 밝혀준다.

이렇게 세계에 소개되어 나가자 그의 연주는 높은 평가를 얻게 된다. 특히 음반을 통할 경우 그의 안정감있고 정확하며 전체적인 흔들림없는 연주는 더욱 빛나게 된다. 또한 초절기교를 요하는 곡들과는 거리가 먼, 바이올리니스트로서는 아주 드문 존재로서 인식되었다. 그의 이러한 면을 잘 보여주는 명반은 뭐니뭐니 해도 바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타(dg)다.


7. 나탄 밀슈타인(1904∼1992)

밀슈타인의 고향은 러시아의 오데사다. 바로 위에서 소개된 다비드 오이스트라흐와 같은 곳이다. 이곳은 20세기 초의 위대한 음악가들을 다수 배출했다. 두 사람 외에 길렐스와 체르카스키, 코간 정도라면 이에 대한 이견은 없을 것이다.

밀슈타인도 오이스트라흐와 마찬가지로 오데사 음악원에서 스톨리알스키에게 사사했다. 그리고는 다시 아우어에게 배우러 상트 페테르부르크로 갔다. 세 살 위인 하이페츠가 이미 와서 배우고 있었다. 하지만 두 사람이 같이 머문 것은 잠깐일 뿐이다. 하이페츠는 혁명 전에 러시아를 빠져나갔고, 밀슈타인은 혁명 이후에도 남게 되었다.

1920년경 호로비츠를 만났다. 호로비츠가 그의 공연을 보러 찾아왔던 것이다. 동갑내기였던 두 사람은 그로부터 죽을 때까지 우정을 지켜나갔다. 1925년, 둘은 함께 묶여 정책적으로 서방에 소개되었다. 이로써 이들은 스탈린의 철권통치에서 벗어날 수 있었다. 여기에는 첼로의 피아티고르스키도 합류했다.

밀슈타인이 서방으로 망명해 연주활동을 시작할 당시 하이페츠는 이미 자리를 확고히 잡고 센세이션의 중심부에 위치해 있었다. 태양과 같은 그의 강렬한 빛에 엘만, 후베르만, 시게티, 티보, 부쉬 등의 1등성들조차 빛을 잃어가기 시작했다. 원로인 크라이슬러와 신성인 메뉴인만이 어느 정도 버티고 있었다. 하물며 밀슈타인 같은 햇병아리 바이올리니스트야 두말할 나위 없었다. 하지만 당시에 기교로서 하이페츠에 대적할 수 있는 것은 밀슈타인이 유일했다.

1929년 필라델피아 오케스트라와 미국 데뷔공연을 가진 후 이듬해 미국에 귀화했다. 미국에서 그는 이미지를 바꿀 수 있었다. 파가니니뿐만 아니라 바흐의 전문가로도 인식되기 시작했다. 기교와 음악성을 모두 갖춘 바이올리니스트로서의 인식변화였다. 그리고 점점 파가니니의 이미지는 엷어져 가고 바흐만이 남게 되었다. 바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타(dg)는 두 번의 녹음이 있는데, 그중 나중에 한 70년대 것이 원숙미가 돋보인다.

밀슈타인은 20세기 초, 러시아가 낳은 바이올리니스트, 아니 위대한 예술가 중에서 가장 오래도록 연주했고 또 살아남았다. 물론 슈라 체르카스키가 조금 더 오래 연주, 생존했지만 그는 연주활동에 기복이 심했고, 밀슈타인보다 6년이나 연하였다. 밀슈타인도 체르카스키도 세상을 떠난 지금, 20세기 초의 러시아의 위대한 예술가들은 모두 전설로 남은 것이다.


8. 아이작 스턴(1920∼ )

얼마 전 화제를 모았던 영화 '샤인'에서는 어린 헬프갓에게 미국행을 제안하는 스턴의 모습을 볼 수 있다. 오늘날 미국 음악계에 이른바 '유태 마피아의 대부'로서 큰 영향력을 행사하고 있는 스턴의 모습을 단적으로 나타내는 좋은 예다. 그는 연주여행으로 세계 각지를 돌아다니면서도 그곳에 정착한 유태인들 중에 가능성 있는 젊은 음악가들을 발굴하기 위해 끊임없이 노력했다. 핀커스 주커만이나 슐로모 민츠 등은 그가 키운 대표적인 바이올리니스트다.

스턴은 1920년 지금의 우크라이나에서 유태인의 자손으로 태어났다. 그는 첫돌 전에 미국으로 왔다. 그리고 미국땅에서 교육을 받기 시작했다. 11세 때 데뷔연주회를 가졌고, 1937년에 뉴욕에 데뷔했으며, 43년에 카네기 홀 데뷔 연주회를 가졌다.

미국땅에서 자라나 거기서 성공하고 또 그곳을 기반으로 세계적인 명성을 획득한 연주가라면 다섯 손가락으로 꼽고 남을 정도로 드물었던 시기에 그는 탁월한 재능을 자랑하며 당당히 '미국 연주가'가 되었다. 비근한 예를 찾으라면 아마 번스타인 외엔 찾기 힘들 것이다. 이렇게 힘들게, 또 드물게 성공했기 때문에 그가 미국 음악계에 가진 영향력은 대단할 수밖에 없었다. 번스타인도 역시 유태인이었기 때문에 스턴과는 '팔이 안으로 굽는 사이'였다.

그의 영향력이 얼마나 대단한가는 블라디미르 펠츠만의 예를 들면 알 수 있을 것이다. 역시 유태인으로서 구소련에 억류상태나 마찬가지였던 펠츠만을 빼내오기 위해 스턴은 당시 대통령 영부인에게 로비를 펴 구소련의 서기장에게 부탁하지 않을 수 없게 만들었다 한다. 두 나라의 국가간 중대사가 수도 없이 많았을 당시, 사람 하나를 부탁한다는 것이 얼마나 곤란하고 힘든 일이었을까는 각자의 상상에 맡긴다. 스턴은 대통령을 통하면 일이 더욱 힘들어질 것까지 계산에 넣었다고 한다.

젊은 시절 스턴의 연주도 번스타인만큼이나 미국적인 것이었다. 외향적으로 분출하는 남성적이고 힘찬 것으로 낙관이 넘치고 확신에 찬 것이었지만, 기교에 치중하는 면이 강하고 깊은 맛이 좀 떨어진다는 비판을 듣기도 했다. 지금의 이차크 펄만의 모습과 상당히 유사했다고나 할까.

나이가 들어감에 따라 그는 실내악에 치중했다. 물론 젊은 시절에도 유진 이스토민, 레너드 로즈와 함께 피아노 3중주로 곧잘 어울렸던 스턴이지만 최근 20년내에 그의 솔리스트로서의 활동은 찾아보기 힘든 점으로 보아 어느 정도 자신의 열등감을 감추려 한 시도로서 비쳐지기도 한다.


9. 지노 프란체스카티(1905∼1991)

지노 프란체스카티는 최근까지 생존했으나 연주활동을 중단한 지는 오래되어 과거의 바이올리니스트라는 느낌을 풍긴다.

1962년 2월 2일자 '타임'지는 당대 최고의 바이올리니스트 5인으로 하이페츠, 프란체스카티, 오이스트라흐, 스턴, 밀슈타인을 선정해 발표했었다. 이렇게 60년대까지만 해도 프란체스카티의 명성은 대단한 것이었다.

그는 유일하게 선정된 프랑스 태생의 바이올리니스트다. 한편 그의 아버지는 이탈리아인이었으므로 이탈리아계 바이올리니스트를 대표해 선정되었다고도 할 수 있다. 그는 파가니니의 유일한 제자로 알려져 있는 시보리에게 배웠으므로 현대에 이어져 내려온 거의 유일한 '파가니니파' 연주가다. 이러한 경력이 그를 파가니니의 전문 연주가, 또는 철저한 기교파 바이올리니스트로 인식케 한 면도 없지 않다. 그의 파가니니 연주는 물론 뛰어난 것이지만 그렇다고 그를 설명할 수 있는 단어가 '파가니니'나 '초절적 기교'에 한정된다는 것은 불합리하다.

부모의 영향으로 3세 때부터 바이올린을 잡았고, 5세 때부터 공개연주를 가졌던 그는 13세 때인 1918년, 마르세이유에서 정식으로 데뷔했다. 1924년 파리로 가 라벨을 만난 것은 상당히 중요한 인연이 되었다. 프란체스카티는 이 인연으로 라벨과 함께 연주여행을 다닐 수 있는 기회도 가졌다. 별로 많지 않은 라벨 스페셜리스트 중에는 따라서 프란체스카티의 이름이 꼭 들어간다.

1939년, 뉴욕 필과 역시 파가니니 바이올린 협주곡 1번을 연주해 미국 데뷔를 기록했다. 이 연주회로 미국에서 활동할 수 있는 발판을 마련한 프란체스카티는 전운이 감도는 유럽을 떠나 미국을 주무대로 활동하기 시작했다.

전쟁이 끝난 후는 또 다른 라벨 스페셜리스트, 피아니스트 로베르트 카자드쉬를 만났다. 이 둘의 앙상블은 타의 추종을 불허하는 절묘한 것으로 정평이 나기도 했다. 음반으로는 발터 지휘의 모차르트 바이올린 협주곡 3번, 4번(소니), 카자드쉬와 함께한 베토벤 소나타 5번, 9번(소니) 등이 유명하다.


10. 기돈 크레머(1947∼ )

크레머.어떻게보면 '기괴하다'고까지 표현할 만한 용모를 지니고 있으며, 기교파 바이올리니스트로 인식되고 있는 그가 '파가니니의 환생'으로 불리던 것도 무리가 아니었다. 하지만 진지하고 학구적인 자세로 연주의 재창조성을 탐구하고 있으며, 그 결과물로서 보여지는 연주는 아무 생각 없이 현란한 기교만으로 가득한 것이 아니라 항상 새롭고 진취적인 것이었다.

그리고 그는 현대 작곡가들과의 지속적인 교류와 그 결과에 의한 작품의 연주, 그리고 숨겨진 작곡가들을 소개하고 부활시키는 데 노력하고 있다. 현대 음악 레코딩만 하더라도 슈니트케, 구바이둘리나·아르보 페르트·루이지 노노·필립 글래스 등의 작품을 선보이고 있다. 그래서 크레머가 이번에 무엇을 연주하였는가, 크레머의 해석이 어떠했는가 하는 것은 그때마다 세계 음악계의 작은 사건이 되어 역사를 만들어 나가고 있는 것이다. 최근의 '피아졸라'도 그 예라 할 수 있다.

1947년 라트비아 공화국의 리가에서 태어난 크레머의 외할아버지는 독일에서 활약했던 바이올리니스트 칼 브루크너였고, 양친 또한 모두 바이올리니스트였다. 모계로는 독일, 부계로는 스웨덴 계통의 피를 어어받은 그는 네 살 때 아버지로부터 바이올린의 기초를 배웠다. 1965년 모스크바 음악원에 입학한 그는 다비드 오이스트라흐와 본다렌코에게 배웠다. 67년 퀸 엘리자베스 콩쿠르 3위, 69년 몬트리올 콩쿠르에서 2위를 차지했고, 같은 해 파가니니 국제 콩쿠르에서 우승했다. 이 콩쿠르에서의 우승은 그의 파가니니적인 이미지를 극대화시킨 결과를 낳았다.

그리고 70년 차이코프스키 콩쿠르에서 1위를 차지해 세계적인 주목을 받게 되었다. 75년에 서방에 데뷔한 이후, 76년에 카라얀의 베를린 필과 브람스의 협주곡을, 78년에는 번스타인이 지휘하는 이스라엘 필과 번스타인의 '세레나드'를, 79년에는 마젤이 지휘하는 베를린 필과 차이코프스키의 협주곡을 녹음하는 등 승승장구를 거듭하다가 1980년에 급기야 당시의 서독으로 망명했다. 그리고 그 이듬해인 81년에 로켄하우스 음악제를 창설했다.

로켄하우스는 원래 헝가리 국경에 접한 오스트리아의 작은 마을로, 그 마을에 있는 에스테르하지 가문의 로켄하우스 성에서 매년 7월 음악제가 개최되었다. 실내악 페스티벌인 이 음악제는 현대를 대표하는 기라성 같은 연주가들이 모여 이어지고 있다. 로켄하우스의 멤버들은 연주 여행도 행했고, 89년에는 우리나라에도 들렀었다. 92년부터는 이 음악제의 명칭이 크레머의 이름을 따서 '크레메라타 무지카'로 바뀌었다.

그의 여태까지의 음반 중에서 가장 훌륭한 것을 들라면 이자이의 무반주 바이올린 소나타, 영화 '바이올린 플레이어'로 더 유명해진 바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타, 아르헤리치와 함께 한 프로코피예프의 바이올린 소나타 1번, 2번의 음반을 꼽을 수 있다. 그 외에 아파나시에프와의 브람스 바이올린 소나타 전집도 주목 할만 하다.


글·박정준 기자